音乐表演艺术研究范文

导语：如何才能写好一篇音乐表演艺术研究，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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[关键词]现代音乐；美学研究；音乐表演艺术；启示

随着社会文明水平的提升，音乐领域也在此背景下得到了良好发展，而音乐表演艺术是音乐领域中一个较为重要的分析，其不仅是一个对表现进行重复的过程，而是要通过不断的创新与加工，更好的对音乐作品进行表达，使其生命力得以展现，进而给观赏者带来没的感受。而随着从现代音乐美学研究力度的组建深入，给音乐表演艺术带来诸多的启发，因此将现代音乐美学和音乐表演进行有效融合，能够更好的推动现代音乐良好、长远的发展。

一、现代音乐美学和音乐表演二者之间的关系研究

众所周知，音乐自身具有较强的实践性，并且它与艺术之间也是密不可分的，因此不管是哪一种优秀的音乐作品其自身的艺术性都需要经由表演时间来传达给相应的爱好者。表演者表演相应的音乐作品时不但需要使用各种乐器，还要将自身思想感情融入到其中，只有这样才能对音乐作品自身的艺术性进行有效的表达，对音乐作品的内涵进行丰富。而音乐表演实际上是连接在音乐欣赏和创作之间的纽带，因此现代音乐美学对其进行了重点的关注，随着音乐美学研究水平和力度的深入，对音乐表演人员的要求也在逐渐升高，所以，表演者一定要充分对作品中所包含的内容进行了解，这样才可以将作品本身所具备的艺术效果表达出来，进而让欣赏者留下较为深刻的印象。而音乐表演是现代音乐美学中一个非常重要的组成部分，所以一定遵守美学规律，按照作品本身的不同来将作品中的思想情感进行表达。

二、现代音乐美学研究能够推动音乐表演艺术的发展

首先，音乐美学研究中包含了较多的内容，如，审美学、哲学以及社会心理学等等。因此其研究水平在一定程度上决定了表演者的实际质量，而音乐表演艺术是美学中的一个分支，通过对其分析以后不难发现，音乐表演艺术中也包含了较多的内同，不但要对表演者的各方面能力进行考验，还需要对表演者本身的审美观念、情感以及理解力等各方面内容进行考察。同时还需要注意的就是，音乐表演是一种理论课与实践课有效结合的课程，只有对现代美学中所研究的美容进行充分了解，才能对自身审美水平和能力进行提升。

其次，音乐美学是每个表演者所必须要学习的东西的，因此美学学习的成效也决定了音乐作品的演绎成效以及质量，同时也关系到其未来音乐道路的发展。而想要成为一个专业的音乐家一定要对音乐美学进行充分的重视，使其能够帮助表演者体会音乐作品的思想，提升表演效果。并且有效引导表演者将自身特点和优势融入到音乐作品中，进而实现全新的突破和创造，让自己成为一个较为优秀的音乐人才。

三、现代音乐美学的研究能够对音乐表演艺术的有效启示

（一）能够对音乐表演进行正确的看待

现阶段现代音乐领域加强了对音乐美学的研究，因此怎样在这一过程中使用正确的眼光来看待音乐表演问题，就成为目前必要进行重视和解决的问题。而单就美学方面上来看，音乐具有一定的意向性，必须通过大量的时间才能在主体的基础上对音乐内涵进行创新，其中主体也就指相应的表演者，时间过程也就是意向性活动，因此只有时间才能使音乐自身的意义得补充和满足。而从现代观点的角度进行分析可知，音乐表演不仅要将音乐作品中所蕴含的历史意义表达出来，还要将其中所隐藏的现代内涵进行抒发，因此现代美学研究在不同的层面上推动了音乐作品水平的提升。首先，要用正确的眼光来看待音乐表演艺术的实际地位及自身所具备的作用，使其不仅在艺术上进行表现，还应该在原有含义之上提升音乐自身创造性以及内含。其次，在对音乐作品进行表演期间，一定要是使用现代化的审美理念来对进行作品进行审视，使音乐作品本身具有一定的时代意义。

（二）能够对音乐原作进行正确认识

在现代美学的研究过程中明确指出，当进行音乐表演艺术是一定要对音乐原作进行全面且正确的认知和理解。一般情况下，按照美学理论对音乐作品进行换分，可以将其概括为两个部分，一部分是作曲人员所进行的意向活动，另一部分是作家的创作思路。在作曲家完成相应作品的乐谱创作以后，音乐作品就有可相应的实体，同时不会跟随着某人的意志而出现变化，所以就需要表演人员能够对音乐作品想要表达的情感、内容等进行有效的诠释，并将作品中所蕴含的历史意识及其风格等进行有效的展示。

例如，欧洲中世纪的音乐作品不仅将历史风貌有效的展现给大家，还能通过乐器以及场景的配合将音乐内涵进行有效的表达。然而现阶段国内的实际情况缺失，过度的对历史含义进行解释，从表面上来看看其作品过于形式化，而从历史角度上来看，它却具有较高的价值，因此在音乐作品的表演过程中，一定要从历史维度的方面对作品实际内涵进行良好的阐释。

（三）有效的促进了音乐表演艺术自身的创造性

现阶段对美学进行研究，就是对音乐作品自身所具备的意向性进行较为深入的分析，这就要求在进行音乐作品的表演过程中，通过意向性的活动对其作品的含义进行表达，并对作品中所蕴含的历史释义进行良好的还原以及重建，尽可能使表演者对作品实际的历史背景及其思路等进行表达，然而，这种情况没有对现代审美精神及其内涵的真正意义进行分析，使得对音乐作品的分析受到一定的阻碍。所以在实际表演过程中，表演者一定要具备较为深厚的艺术理念，并将其与历史内涵进行有效的融合，进而挖掘出作品中的所蕴含时代意义，真正发挥出音乐作品自身的光彩，进而将其创造性进行良好的体现。

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关键词：音乐表演专业；艺术实践；改革模式

湖南城市学院音乐学院的表演专业是学校专业试点综合改革重点专业之一，作为地方本科院校的音乐表演专业人才培养，在本质是与专业音乐院校音乐人才培养有着根本的区别，专业院校是专门培养演员、作曲技术和理论研究技术的专门人才的单位。而地方本科院校是以培养服务地方经济文化发展的基层音乐表演、基层文化馆站的艺术指导及管理、企事业单位的文艺活动能手的单位。我国地方本科院校的音乐专业办学模式一直都在改革，但绝大部分仍在走专业音乐院校的模式，不能满足社会对应用型音乐人才的期望，其核心问题在：人才培养定位不明确，对人才的服务面向和人才的职业适应性、规格多样性特征缺乏针对性的认识；教育观念存在差距，课程建设没有紧紧围绕职业能力（专业能力）这个核心来构建、取舍、优化、整合；在人才培养与服务社会、服务行业的对接模式构建方面没有明确的认识，缺乏实质性地进展。

音乐表演专业改革试点以来，探寻地方本科院校在高等教育大众化和本科教育多样化的大环境中，如何推进音乐人才培养的“应用型”特征，探寻、改革具有地方院校自身特色的人才培养模式。

1 “6+1”艺术实践改革项目的实施方案

“音乐表演6+1”项目主要通过经典音乐剧、经典歌剧选段、经典舞蹈作品、经典歌曲、经典戏曲选段、经典器乐作品6个表演项目加上1个“音乐作品创编”项目的演练，培养音乐表演专业学生的舞台“表演”能力。

主要对象：1 ～ 3年级音乐表演专业。

1.1 经典音乐剧演练（声歌系）

本实践项目主要演练《西区故事》《悲惨世界》《猫》《歌剧魅影》《音乐之声》等经典音乐剧片段。

1.2 经典歌剧演练（声歌系）

本实践项目主要演练《费加罗的婚礼》《茶花女》《蝙蝠》《伤逝》《江姐》《党的女儿》《苍原》等中外经典歌剧名段。

1.3 经典舞蹈作品演练（舞蹈系）

本实践项目主要演练民族芭蕾舞剧《红色娘子军》《白毛女》《东方红》《丝路花雨》《孔雀》及外国舞剧经典《天鹅湖》《胡桃夹子》等经典片段。

1.4 经典歌曲演练（声歌系）

经典歌曲的演练主要指选用经典优秀的民歌、通俗歌曲、创作歌曲等，用音乐表演活动中常用的表演唱、齐唱、重唱、对唱等舞台形式表现出来。

1.5 经典戏曲名段演练（声歌系）

本项目以中国著名剧种京剧《沙家浜》《红灯记》、越剧《梁祝》《红楼梦》、黄梅戏《天仙配》《女驸马》和花鼓戏《刘海砍樵》《打铜锣》等经典唱段为主要演练内容。

1.6 经典器乐作品演练（钢琴系、器乐系）

根据学生主专业方向（钢琴、二胡、扬琴、小提琴、古筝等乐器），演练经典的中外独奏、齐奏、协奏、合奏器乐作品。

1.7 音乐作品创编（音乐学系+器乐系）

创作（作词、作曲）即学生自己创作各种风格的声乐、器乐作品和舞蹈音乐，同时要求教师指导学生利用所学的作曲、配器、音乐制作技术，把创作的作品变成舞台上的有声有形的成品，并在舞台上表演自己创作的音乐作品。

2 改革目标的主要内容

2.1 确定音乐表演专业人才培养定位

学校自2002年升格为本科院校以来，按照《纲要》精神，定位于立足行业，面向基层，强化实践，突出城市主题，产学研用结合，为社会培养城市建设、城市文化应用型人才。

音乐表演专业人才培养定位于立足本地文化、演艺行业，为农村、城镇的演艺团体、文化管理、企事业单位培养具有职业适应性、规格多样的音乐人才。

2.2 转型师资队伍结构

因地方本科院校的音乐专业办学与专业院校有本质的区别，因此在师资结构配备上通常要求教师既要具备教师资格，又要具备演艺资质，这是一个典型的教师队伍双师型结构范畴。因此，我院的学源结构组成既有来自音乐院校、师范大学、留洋海归，更有戏剧团体、演艺公司、文化产业主管、科研院所等从业经历的演员、导演、主管、科研人员的教师。

2.3 调查研究，探寻行业对音乐表演专业人才素质的期望

过走访用人单位和毕业生，了解社会、行业对音乐人才的素质、能力需求：如中小城镇演艺行业既需要弹、唱、舞、演等技能、技术型的人才、也需要有一定节目编排、创意、创新型人才；文化管理、企事业单位要懂群众艺术管理、流行音乐制作、大众化演艺等方面技术高超、适应社会、懂交际、能协作的人才。

2.4 修订人才培养方案

从2010年开始，课题组树立多元文化音乐教育的理念，研究了音乐表演本科专业的课程设置，按照“突出专业技能、强化理论基础、完善实践环节”的原则，重构专业课程体系，整合课程内容。2010 ～ 2015年，围绕应用型音乐人才培养，完成相关课题研究、、实践活动开展。构建了“知识多元、能力多样、职业性强、素创兼备”的人才培养模式。

2.5 调构课程体系――以职业需要为核心、知识多元为目标

根据当今社会对应用人才的要求，我们树立多元文化音乐教育的理念，重构专业课程体系，形成音乐、艺术和文化三位一体的整体课程结构，并构建“通识、音乐基础理论体系”和“一赛二会三体验与音乐表演6+1实践体系”，把基础课程、专业基础课程、专业与拓展课程高度融合，强化学生所学知识的多元与综介应用。

2.6 完善、践行人才培养途径

以实践体系为主线、以素创兼备、能力多样为实效，完善、践行人才培养途径。首先，搭建“校内实训、校外实践”两个能力培养平台；2011年，在原有传统实践体系的基础上，完善、规范了以音乐学专业为主的人才实践能力培养“一赛二会三体验”的模式。2014年，构建了音乐表演6+1实践体系。构建、规范、践行了“基本功锻炼”、“素创兼备”和“行业应用”三大实践能力培养环节。完善了职业能力考核评价体系。

“基本功锻炼”环节――一赛一演一汇报：“一赛”环节指“音乐基本功”比赛；“一演”指“音乐表演6+1”艺术展演周；“一汇报”指各专业方向的教学汇报。

“素创兼备”环节――社团活动+晚会：包括校内重大晚会、毕业（设计）晚会以及社团活动等。

“行业应用”环节――实习、调研与演出：包括见习实习、社会性演出、田野调查、社区辅导等直接与社会服务对象接触的活动。该环节以合作教育为前提、对接职业为主旨，主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、演艺行业以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业。

3 研究和改革解决的核心问题

3.1 解决了应用型音乐人才培养模式的构建问题

我们根据社会对应用型音乐人才素质的期望，践行“知识结构与社会需求对接、能力与职业需求对接”的培养理念，构建了“知识多元、能力多样、职业性强、素创兼备”的应用型音乐人才培养模式。

3.2 解决了应用型音乐人才培养课程体系构建问题

依据业界对应用型本科层次音乐人才的知识、能力和素质要求，打破学科专业壁垒，整合课程内容，构建“通识、音乐基础理论课程体系”和“一赛二会三体验与音乐表演6+1实践课程体系”。

3.3 解决了能力培养与职业对接问题

本改革试点主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、演艺行业以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业。较好地解决了学生适应社会、适应职业的问题。

4 人才培养模式改革试点的创新之处

4.1 理论上：明确定位，真正把地方本科院校音乐人才培养与专业音乐院校办学模式区别开来

首先确定人才培养的服务面向，即立足行业、服务地方；然后确定人才培养的性质，即适应职业、规格多样。

成果紧扣地方本科院校的人才培养的服务地方、规格多样、职业性强、实践性强等特点，在人才培养体系方面进行了有别于专业院校，针对性、规范化、系统化的研究和实践。

4.2 实践上：突出“应用”，实质性地构建了人才培养与服务社会对接模式

通过多年的实践与研究，本应用型音乐人才培养主要通过对接地方文化部门、旅游部门、企事业单位、教育系统以及新农村、城镇社区等主要形式来服务社会、服务行业，取得实际效果。

4.3 注重文化传承，专业发展紧密结合地方文化传承创新

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一、美学问题对声乐表演艺术欣赏的影响分析

（一）一定程度上限制了声乐表演艺术的发展

由于声乐表演艺术是一种纯粹的听觉艺术，在具体的表演过程中主要突出了乐器的效用，而实际的美学与声乐表演艺术结合后，需要声乐表演必须做到以听众为中心，注意听众的心理感受以及欣赏过程中暴露出的问题，继而进行相应的改进工作，来保证实际的声乐表演艺术得到长足的进步。然而由于声乐表演过程中并没有注意到此项美学欣赏问题，从而导致听众对声乐表演艺术产生了比较失望的心理，很大程度上阻碍了声乐表演艺术的向前发展。

（二）有效提高了听众的鉴赏水平

作为一门独特的音乐表演艺术形式，声乐表演艺术在欣赏过程中将美学充分纳入其中能够有效的构建出一个优美的意境，从而将听众引入到无限遐想，继而提高了听众自身的音乐鉴赏能力和水平，也将声乐表演的曲目流传到了更广泛的范围中，成为广为表演的世界名曲。比如：《阿兰古斯之恋》，是一首较为经典的提琴曲，在表演者演奏过程中，时而舒缓，时而高亢，时而深沉，不断的调整音乐聆听者的心理感受，将音乐中最优美的一面展现在了听众的聆听过程中，从而将内心紧张情绪以及心理得到了有效的释放，促进了聆听者对美的追求。此曲的演奏不仅带动了声乐表演艺术的发展步伐，也将聆听者的音乐鉴赏能力提高到了一个新的高度。

二、声乐表演艺术欣赏的美学问题具体分析

（一）以聆听者为声乐表演中心

美学问题的实质就在于听众不断提高的音乐鉴赏能力与声乐表演艺术的传统思想发生了较为激励的碰撞，从而引发了聆听者对声乐表演艺术的严苛挑剔要求，而音乐表演艺术也在此种对立中进行了深入的反思，寻找二者对立情况的原因，从而在根本上进行转变，以促进声乐表演艺术的不断发展，满足新时展背景下聆听者的音乐鉴赏能力提升的进一步需求。而最终根本原因就在于没有将聆听者作为表演的中心，为其提供优质的声乐表演服务。因此，美学问题的产生，对声乐表演艺术的发展具有重要的影响，从根本上转变了传统的表演理念，推动了声乐表演艺术向前发展的步伐。

（二）声乐表演应该更加注重情感的共鸣

由于声乐表演艺术完全是通过表演者运用乐器进行感情传达，因此良好的声乐表演艺术就应该充分将情感的共鸣引入到表演过程中来，促进聆听者自身内心情感波动能够与声乐表演同步，继而刺激聆听者情感共鸣，促进音乐表演收获良好的演奏效果。实际的声乐表演者要经常倾听听众的心声，通过不同程度的感悟来加强演奏的水平与能力，将声乐表演艺术与聆听者的心理感受充分结合，继而在实际的演奏中通过自身的思想感悟来将聆听者的心声融入乐曲中，继而牢牢吸引聆听者的关注，将其带入预设的情景模式中，充分进行感情的宣泄，从而收获声乐表演的成功，满足聆听者实际审美需求，推动音乐表演艺术向前有序发展。

三、提高声乐表演艺术欣赏程度的方法研究

（一）声乐表演真实性与创造性的统一

声乐表演艺术不拘泥于具体的形式，只要能够引起聆听者的心理情感共鸣都可以作为创作的素材，在创作过程中要充分注意将聆听者的心里真实感受并真实记录，聆听者的心理感受往往具有广泛的代表性，对其进行深入的研究与交流能够在很大程度上吸收不同的音乐理念与创作素材，从而为声乐表演艺术的发展提供更加丰富多彩的内容，促使表演者在创造属于自身独特的表演曲目过程中与之完美结合，从而真正领悟声乐表演艺术的真谛，创造出具有高度真实性与创造性的声乐表演曲目，继而为更多的音乐爱好者提供优质的声乐表演服务，提高整体聆听者的音乐鉴赏能力，推动声乐表演艺术与美学的结合步伐。

（二）紧随时展要求

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钢琴表演艺术据其特性及其作品的需要，表演者采用单独、侧面对观众的表演形式。这种传统的表演形式为表演者创造了一个对音乐更好地理解和阐释的艺术氛围，在突出表演者自我意识的同时，向观众传达对音乐的逻辑性和严谨性的理解；也正是这种传统的优秀的表演形式，我们才能欣赏到各种不同风格的表演。风格既表现于内容，又表现于形式，它是由内容和形式的统一所表现出来的总体的特色。对于一首作品，表演者根据自己想表达的思想内容，选择能够反映、表达自己心理的表演形式。不同的表演形式，也是表演者风格和修养的体现。例如演奏贝多芬的《热情》，表演者除了根据作品给予指定的表现形式进行表演创作外，施纳贝尔突出了严谨、理性的古典学风；李赫特尔感情激荡，气势恢宏，风格浪漫；鲁宾斯坦呈现了温文尔雅的气质；霍罗维茨则表现了炉火纯青的技术和强烈的个性；肯普夫表现出对作品的深刻理解和成熟的技巧。正是有了这些不同风格的创造，《热情》才会像钻石一样始终闪耀着夺目的光芒，产生了不同的审美价值。这对于有音乐素养的听众来说无疑是一种精神上的享受和心灵的慰藉。

在钢琴表演过程中，个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里，共性寓于个性之中。也就是说，表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础，但也有许多潜在的不定点和空白，给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段，创造另外的一种音乐审美效果，拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出：“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的，音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造，并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上，通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动，进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作，尽量完善音乐意境，表现音乐情感与内容，并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。

钢琴表演艺术随着社会的发展和需要更应突出个性化的艺术表演形式。任何艺术如果脱离了创新与发展，就会变得苍白无力，没有生命力和活力。这就对传统的钢琴表演形式有了更高的要求和迫切的需要，同时对表演者来说，除了要有深厚的文化底蕴外，还要有跟上时代的敏锐头脑，来丰富自己个性化的钢琴艺术表演过程。

二、时代化表演是推动钢琴表演艺术发展的因素

“美”产生于人——主体的愿望，而主体愿望的产生则源于他的“社会性”！[2]任何创作活动都有一定的社会性，同样，钢琴艺术的表演形式也不能脱离社会性而存在，它与时代的不断发展有着必然的联系。

钢琴表演艺术传统延续下来规范化的表演模式可以被真正有音乐修养的少数群体所接受，是“精英”“贵族”式的欣赏方式。时代的发展、社会的需要、网络传媒等现代交流手段方式的迅速发展与改变，使钢琴音乐面对的是更多、更为广泛的群体，钢琴表演艺术应从音乐表演多元化角度，积极探索如何在表演形式以及音乐表现上使广大观众更好地接受。这也是推广钢琴音乐、提高国民整体素质教育和音乐修养，使更多的人能够欣赏和享受音乐的“准精英”式钢琴音乐的推广方式。

钢琴表演艺术发展至今，由于现代社会文化、观众对象的不同，“阳春白雪”式的钢琴表演艺术在后现代文化的特征上应有所突出。由于“观看并不是一面一成不变的镜子，而是充满生气的理解力。”[3]所以根据观众理解的差异，对于作品的艺术表演再现做出的反映，有可能正确、有可能歪曲。当然真正的艺术是不能以大众的喜好和接受能力作为艺术的标准的，这违反了艺术的原则。正如戏剧界所认同的：“观众不一定都是对的，但无视观众的艺术家却永远是错的。”[4]为了让社会能够更为广泛地接受和认同严肃音乐，我们可以在钢琴音乐的表演过程中采取更容易被大众心理所接受的传媒方式和艺术表现手段。人是精神和肉体的结合物，所以每遇到一种运动，不仅视之而已，同时还有意用我们自己的动作来表出它们。……”[5]所以表演者在钢琴表演过程中，由于从内心生发了音乐的感受并产生了肢体动作，从而更好地表达作品内容及抒发自我情感的手段，即表演形式。它是音乐表演的重要组成部分，是音乐作品和观众思想产生共鸣的必要手段。作为媒介，表演形式有着举足轻重的作用。它帮助表演者创造一种情景，通过观众的想象来产生感情。随着时代、网络、高科技的发展，观众对钢琴音乐特别是适合现代钢琴作品新的表现手段有着强烈的渴求和愿望，希望表演者具有时代感、与生活体验相接近的表演形式，表现与观众共有的对现代生活的体验与感受，从而感染观众，同时也给钢琴表演艺术注入新的血液和生命力，使钢琴表演艺术从不同角度更完美地获得其美学体验。这也是现阶段社会发展对钢琴表演艺术的迫切需要，也是钢琴音乐、钢琴教育和文化发展的一个重要的方向和目标。

三、民族化表演是钢琴表演艺术发展的灵魂

21世纪更是一个在不断发展中求生存的时代，音乐的审美价值趋向多元化、开放性，但总的文化精神是一脉相承的，体现着一种民族精神，闪耀着华夏祖先的文明和智慧。

李凌的美学思想认为，“所谓‘民族风格’，它包括了这个民族的思想、情感以及它要表现这些思想、情感所选取、缔造的音乐形式上的一切特色的总和。”[6]追求表演艺术的民族风格，应该成为钢琴表演艺术遵循的一个美学原则。中国第一位在国际上获得西洋音乐演奏奖的钢琴家傅聪，正是因在他的钢琴演奏中充满了中国灿烂文化的诗情画意般的境界，以及中西贯通的音乐表现力而享有“钢琴诗人”的美誉。他演奏的肖邦被认为“赋有肖邦的灵魂”。傅聪之所以对西洋音乐理解得深刻，“大半得力于他对中国古典文化的认识与体会”。因为“只有真正了解自己的民族的优秀传统精神，具备自己的民族灵魂，才能彻底了解别个民族的优秀传统，渗透他们的灵魂。”[7]这也是傅聪在钢琴表演艺术上能做到真正中西融合贯通，用中国的古典文学表现西方音乐意境的精髓所在。

中国古代对音乐美学的研究源远流长。儒、道、法家对音乐美学都有系统化、理论化的研究。傅聪的父亲傅雷非常重视对傅聪进行中国传统文化教育。自小用近乎私塾的方式，从孔孟先秦诸子、《国策》《左传》《晏字春秋》《史记》《汉书》《世说新语》上选教材，以富有伦理观念与哲理气息、兼有趣味性的故事、寓言、史诗为主，以古典诗歌与纯文艺熏陶结合在一起，亲自对他施教。“我的东方人的根，真是深，好像越是对西方文化钻得深，越发现蕴藏在我内心里的东方气质。”[8]所以在傅聪的演奏中有蕴含中国音乐美学的“无我之境”。这和他自小得益于中国深厚的文化背景和成熟的领悟力是分不开的。

民族性有着博大精深的文化底蕴。是艺术再创造的土壤和源泉，是创造具有特色的表演艺术的动力所在。中国的钢琴表演艺术要坚持发扬民族性，与时代共进，突出个性意识，才能使钢琴表演艺术在社会发展潮流中始终保持活力，在时代变革过程中展现新的魅力。

内容摘要：钢琴表演艺术作为一门理论实践性的艺术学科，它的发展趋势与社会发展时代化、个性化及民族化有着必然的联系。钢琴表演艺术应密切关注时代化、个性化以及民族化的时代特征，与时俱进，从而更好地推广钢琴作品、音乐艺术，使钢琴表演艺术学科日趋完善、成熟。

关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化

钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。

参考文献：

[1]赵保清《浅谈音乐表演艺术》南京艺术学院院报2001年第2期

[2]《论音乐表演艺术的创造性——从布莱希特“陌生化”表演艺术理论得到的启示》冯效刚人民音乐1997年第11期

[3]艺术风格学：(瑞士)海因里希·沃尔夫林著、潘耀昌译：中国人民大学出版社2004年1月第251页

[4]《试论音乐表演艺术中表演者主体地位的确立》张放音乐探索1999年第1期

[5](德)罗采《卡里哥纳》H·里曼著缪天瑞译

[6]彭根发《李凌音乐表演美学思想初探》交响——西安音乐学院院报1996第4期

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一、民族声乐表演是情感流动与再创作的过程

民族声乐表演艺术是结合音乐与诗词文学的一种听觉艺术，表现形式多样且极具美学魅力。与视觉艺术不同的是：民族声乐表演艺术中，表演者在声乐作品与欣赏者之间架起了桥梁。因此，表演者首先要理解作品所要表达的情感与内涵，再通过民族声乐演唱技巧，将作品转化为演唱传达给观众。从民族声乐作品的创作过程来看，首先词作者在客观条件下产生一定的主观情感，将其倾注于作品中；曲作者在词作者的主观情感的基础上，以音乐的创作规律和动人的音符来阐述这种主观情感。因此，曲作者的创作意识要尊重词作者的主观情感，可以说作曲是对词作者作品进行音乐表达的二度创作。民族声乐作品则涵盖了从词作者到曲作者之间的情感流动。演唱者对民族声乐作品的表达十分重要。演唱者要充分理解创作者的意图和情感，通过演唱技巧准确地向观众表达创作者的创作思想和内心情感。因为演唱者的表演同样包含着自己对创作者及其作品的解析与表达，结合演唱者自身技巧与各种客观条件，在作品的演绎上存在着一定程度的演唱者的个人特点，即演唱者在表演上的再创作。由此可见，民族声乐表演相较于其他艺术形式，有着更为复杂的情感流动和再创作过程。

二、接受美学理论对于民族声乐表演的重要性

接受美学理论提出于20世纪60年代，在此之前各种艺术形式的研究都忽略了受众的存在价值，而以美学家汉斯•罗伯特•姚斯和沃尔夫冈•伊塞尔为代表的康斯坦茨学派对这种情况提出了质疑，接受美学的概念从此进入艺术研究领域。“文艺的本质是它的人际交流性质，这种性质的根据是它独特的对象性——不是死的物而是活生生的人，这决定了文艺作为一种交流媒介，不能脱离其观察者而独立存在。”姚斯的这段话明确表明了文艺的人际交流性质，肯定了受众在艺术中的客观存在价值——受众对于艺术作品的欣赏，使得艺术作品的审美特性向现实转变。因此，受众对艺术的接受审美对艺术本身的发展有着重要的现实意义。民族声乐表演艺术作为传统的艺术形式之一，对其进行的艺术研究应该重视受众的存在价值。然而，传统的民族声乐表演艺术研究往往忽略了欣赏者的存在价值，使得接受美学“作者——作品——欣赏者”三位一体的艺术研究体系被割裂，对于民族声乐表演艺术的发展产生了不利的影响。

三、接受美学理论在民族声乐表演中的表现形式和作用

（一）接受美学在民族声乐表演中的表现形式

民族声乐艺术包含词曲作者和表演者的复杂的情感流动和再创作。欣赏者对于民族声乐表演的审美主要侧重于对作品情感的感受，欣赏者的审美过程通常有“审美准备”和“审美接受”两种表现形式。一是“审美准备”。欣赏者在欣赏民族声乐表演之前，客观存在着一种欣赏期待。这种审美期待与欣赏者自身所处的社会环境和教育水平，以及自身需求有着密切的联系。因此，表演者在表演之前要充分考虑到欣赏者的审美准备，将其纳入表演艺术再创作中，通过与欣赏者之间的交流，对表演艺术进行全面的审视，努力建立与欣赏者之间的情感沟通。二是“审美接受”。民族声乐表演艺术中，表演者将无生命的文字、音符通过有层次的演唱传达到欣赏者耳中。欣赏者的情感处于一种被演唱者唤醒的状态，演唱者需要通过表演及再创作，激发欣赏者的情感，使其能够最大程度地感知作品的情感和思想，并积极回应作品的情感。在此过程中，表演者要充分调动欣赏者的想象，使欣赏者的审美活动更为自主、强烈。

（二）接受美学对于民族声乐表演艺术的作用

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【关键词】声乐表演艺术；现代音乐美学；作用

中图分类号：J616 文献标志码：A 文章编号：1007-0125(2016)03-0111-02

通过人发出的声调再加上语言并用人们的歌唱表演表达出对音乐情感和音乐性质的艺术形式，被称之为声乐艺术。可是作为艺术与实践的结合体，现代音乐美学却呈现了一种复杂的状态，这并不是几天功夫就能学得会的。现代声乐表演艺术也在得到了现代音乐美学的帮助下，变得更加赋有现代性魅力。所以，对于二者的结合是未来声乐艺术发展的一种趋势，只有将二者更好的进行融合，声乐艺术才能得到更好的发展。

一、音乐与音乐美学之间的关系

随着时代的发展，人们的审美水平也在不断的提高，相应的对音乐表演就有了更高的要求。这就需要表演者能在演奏音乐时，将自身的灵魂与想要表达的请看全部注入到自己的音乐作品中，让音乐也能赋有灵魂。而这说来简单，对于表演者来说就是相当困难的。表演者必须要有扎实的音乐素养以及对艺术有独到的见解。可是音乐的本身是不存在表达力的，这需要音乐家成为一个桥梁，将表演和音乐进行充分的结合。不仅如此，抛开音乐不谈，乐器的伴奏也是重要的道具。演唱者会利用歌唱与乐器来将自己内心的情感进行抒发，音乐的表演是游走在创作与欣赏之间的一种存在。因为每个人对音乐都有不同的观点和想法，这也是为什么今天的音乐世界会如此的异彩纷呈。灵感不同创作感觉就会不同，即使是一件作品也会被风格感较强的两个创作者变得好不相同。总而言之，音乐各种形式的表演都属于音乐美学的一部分，而前者在后者的基础上进行者音乐效果的传递。

二、现代音乐美学对于声乐表演艺术的作用

（一）音乐美学现象学理论是音乐创作的重要理论指导

就现代音乐美学的发展上来看，现象学美学绝对称得上是重要的内容。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学美学的相关论文，此论文的发表，也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础[1]。不仅如此，罗曼还在这篇论文中说明了哲学的客观性与主观性，前者是与人的意志无关且不受意志影响的；而后者则是依附于人的意识而存在的，而且也是意志发生一定变化时，会产生变化进行转移的。对于音乐美学的现象学研究时，主要是从主观性这一方面进行研讨的。哲学现象时有哲学家胡塞尔第一次提出的，不仅如此，他还是罗曼的教师，所以会对罗曼产生较大的影响。正所谓艺术是人类最高层的精神文明，声乐作为它的一部分，更是一种艺术性极强的艺术形式。对于声乐表演艺术的创作要始终将人类的意志作为核心。这种艺术形式的创作就是为了满足广大人民群众的需求，优秀的艺术家时刻都会这样想，并获得人们的深切喜爱。每个时代的声乐表演艺术都是具有一些明显特征的。在我国二十世纪六七十年代，音乐的特征就是革命歌曲，旋律多以斗志昂扬为主；而到了改革开放时期，由于西方舶来品的日益增多，人们开始追求个性化，这时期的曲风更加具有多样性，呈现了一种百花齐放的状态。从中我们也快可以看出，音乐的创作是离不开人们的意志的。因此，在现象学理论被提出之后，音乐作品的创作变得有了理论依据[2]。

（二）在声乐表演“同一性”中对现象学理论的应用

现象学音乐美学将“同一性”解释为是具有特异性的。其中说到，剧本与乐谱是声乐表演的两大参照物，且剧本与乐谱是两种可以独立的个体。简单来说，演奏者按照乐谱来进行乐曲的演奏，每个人会因为个体间的差异而让与乐曲有不同的感觉，且差异性也很明显[3]。对于这个问题，相关音乐家们也做出了讨论。在众说纷纭的情况下利用现象学美学就能对此问题加以解决。结论中说道，乐谱从某种程度上讲是对创作与表演的一种记录形式，可是人类作为一种独立的个体，具有相当强的灵活性与多变性，这是随着意志与需求进行改变的。而且相同的音乐作品也会出现演绎上的差异，演唱者在保留了作曲家原有的精神下，将个人感受融入到歌曲当中，就会形成很强的个人风格。就用《我爱你祖国》这首歌为例，这首歌就曾被很多演唱者演绎过，每个演唱者都会呈现出不同的感觉，其中让人印象最深刻的就是叶佩英老师曾经演唱过的版本，相当富有艺术色彩又充满爱国热情，让人印象深刻[4]。还有,呼斯楞演唱的《鸿雁》，作者实在不舍兄弟之间情谊以及思念家乡时所写下的歌词，作品中“天苍茫，雁何往，心中的是北方家乡”就是对家乡的思念。这些独特的演唱都让人们感到印象深刻。

（三）音乐美学释义学在声乐表演艺术中的美学意义

随着时代的发展，现代美学也进行了一定程度上的发展，出现了许多新的分支，在这其中就有释义学，虽然它是发展中才形成的，但是也为现代美学发展带来了生机与血液。很多人一直以为狄尔泰是提出释义学美学的第一人，因为它不仅将历史进行了最大程度的真实还原，还将历史进行了一个客观的解释，可是对于声乐表演艺术却只字未提，没有涉及。释义学美学在不断发展下，已经在二十世纪被正式纳入了音乐的表演艺术中。而完成并开创这种形式的则是克莱茨施玛尔，在其大力的推进下，声乐表演艺术也靠着释义学美学得到了快速的发展[5]。另外，当时的声乐表演也非常具有时代性，与当时的社会背景与时代风气能够很好的加以融合。可是由于当时一些不可抗力与其他因素的影响，让此种音乐并没有深入到音乐的本质当中。一直到伽达默尔提出了具有深刻性的音乐作品，才让释义学美学的相关作品，开始受到人们的喜爱。

三、现代音乐美学为声乐表演艺术提供不竭的动力

（一）现象学音乐美学指引声乐表演艺术能够进行深度发展

现在关于现象学美学的研究者们认为，在现象学美学研究的所有对象中，都有一个共同的特点，就是意向性非常强，当然艺术作品本身就是一个意向性较强的事物。这种情况，就会为表演者的表演提供了难度，表演者不仅要有扎实的音乐基本功，还必须具备丰富的艺术创造性以及历史知识。这样才能完成一次对声乐作品合理的二次加工，然后将这部艺术作品尽可能的进行合理修改，让其可以发挥它的最大意境，从而完美的展现在广大的观众面前。

（二）释义学美学为声乐表演艺术提供更加强大的理论支持

音乐作品的存在状态相对特别，它是一种非语义性的存在，却又蕴含着无比丰富的寓意。表演者在进行声乐表演的过程中，不仅要将自身的情感抒发出来，更要将作品本身的意义进行最大化诠释。在这方面，如果用现代美学的眼光来看，声乐的表演并不是对乐谱的呈现，而是要给作品第二次生命，将自己的情感与心情全部都寄托在作品中，让观众能够深刻的进行感受。

四、总结

综上所述，现代音乐美学派系较多，而最为主要的两部分也就是现象学与释义学两种学派，声乐表演艺术的发展就是通过对这两种学派的理解和延伸，并保证了长久的音乐发展道路。现在是新时代，对于声乐音乐需要更多不同的声音，不同的思想，年轻的音乐人不应该将自己的思维局限于乐谱和乐器中，因为那些都只是你创作的工具，真正的主人是你自己。只有现代风格浓厚的创新性音乐才能得到长足的发展，将现代音乐美学完美的融入到声乐当中，才是发展的硬道理。

参考文献：

[1]邹俊星.现代音乐美学对于声乐表演艺术作用探讨[J].大众文艺（学术版），2014,(4):144-144.

[2]尹旭.现代音乐美学促进声乐表演艺术发展的理论研究[J].通俗歌曲，2015,(7):124-125.

[3]刘承华.中国古代声乐演唱美学的历时性展开——从《师乙篇》到明清“唱论”的历史演进轨迹[J].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2015,(2):7-14.

[4]赵继红.声乐表演艺术中观众的审美心理探析[J].黄河之声，2015,(7):93-93.

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关键词：声乐表演；艺术特性；情感表现；方式研究

音乐创作全过程包括音乐作品创作、音乐表演、音乐接受三个环节。创作是基础，接受是目的，而音乐表现则是联结这两个点的中介，它使原创作品获得鲜活的艺术生命。声乐表演艺术中，表演者如何在表演中使自己感情与作品的情感融合表现出来，是笔者需要探讨的主要问题。

一、声乐表演艺术特性

（一）声乐表演中的模仿性

模仿性是声乐表演艺术的重要特性之一，所谓的模仿性主要指的是针对某一固定的对象，所开展的关于语言、音色、表情等方面的类似行为演示。模仿是每一个声乐表演者在学习的初级阶段必须要经历的阶段，模仿者通过对于先进表演经验的学习以及演示，为自己的表演模式开辟道路，积累经验，进而为自身在声乐表演中的进一步发展创造必要的条件。在实际的声乐表演教学中，关于模仿有着极为严格的规定，包括作品背景、声乐品位以及音乐风格、语言表现等多个环节进行理解，在理解的基础上再进行模仿。在先期模仿阶段，模仿者需要从表现、吐字、声音运用等多个方面进行开展，尤其是要将大部分的精力放在语言表现上。声乐表演模仿中，模仿者必须要做到语言正确、悦耳动人、吐字清晰，这是模仿的最基本素质。我国很多声乐大师都在声乐教学中注重语言的作用，举例来讲，已故大师沈湘先生要求声乐表演者必须要在语言上多下功夫，先从语调、语气、色彩以及韵味人手，最后才可以进入到歌唱环节。通过以上我们可以看出发声、语言等表演都是声乐表演的重要因素，发声、语言都是建立在模仿的基础上的。因此，发声、语言的模仿性是声乐表演艺术的重要特性之一。

（二）声乐表演中的特殊性与创造性

声乐表演中的特殊性主要指的是表演者在实际的表演过程中，所表现出来的表演个性特色，它不同于模仿性，是表演者自身所具备的特殊潜能以及特有风格。对于表演者在声乐表演中的特殊性，是受到多种因素，例如音乐类型、腔体构造以及个性嗓音等因素的制约。另外，声乐表演中的创造性，则是表演者发挥自己的主观能动性，对于声乐表演所进行的创造性表演与表达。声乐表演不仅仅是一度创作的过程，而是经过一度创作出现二度、三度创作的过程，但是二度、三度创作同样需要建立在一度创作的基础之上，其实质就是一种对于原创作的创造性表达以及再现。因此，对于声乐表演者来讲，在一度创作的基础上进行创造性表达，这是声乐表演的最终目的。声乐表演者对于任何一个声乐作品，都是一个由模仿性到创造性的过度过程，唯有创造性才是对于原创作品的超越，也是声乐表演的最大诉求。在实际的声乐表演中，声乐表演者需要最大限度的发挥个人潜能，挖掘自己的表演风格，从而实现声乐表演艺术的创造性发挥。

二、声乐表演情感表现方式

（一）深刻体会音乐作品的情感意蕴

首先，深刻理解音乐作品。每一首音乐作品都是有着内涵情感以及内容的，只有对音乐作品有着较为深入的了解，包括词义、曲情、时代背景等，才可以更加完美的用歌唱来表现，进而更加深入的了解作品的风格以及作曲家的创作个性。举例来讲，对于音乐作品中的歌词，歌唱者必须要对于歌词进行认真的分析与研究，甚至可以说是要做到逐字酌句的研究，只有这样才可以更加深入的了解歌词的内容，从而使得歌唱者更加有感而唱，达到以情动人的目的。再举例来讲，音乐作品的曲风，每一首音乐作品的曲风是不一样的，曲风与作者的个性特征、生活态度以及生活经历密切相关，只有对于音乐作品的曲风有着深入的体会，才可以更好的使得歌唱者表达出歌曲情感。其次，构建作品必须深入作品。音乐作品中的情感才是音乐作品的灵魂与生命，对于再创作来讲，只有将再创作提高到超越原创的高度，才可以将音乐作品中的情感表现出来。演唱者对于歌曲爱的越深，歌唱过程中也就表现的越纯真、越完美。

（二）充分表现表演主体的内心情感

表演主体要想充分发挥其内心情感，就必须要对于音乐作品有着较为深刻的认知，不仅仅要理解音乐作品，而且还要有对音乐作品的独特理解，只有这样才可以发挥出音乐作品二度创作的激情与活力。表演主体的内心情感主要分为三个阶段。首先，表演主体的情感萌发。表演主体的情感萌发，是建立在表演主体对于创作者、创作年代以及创作背景理解基础上的，通过熟悉作品的内涵，进而产生表演主体的情感萌发。其次，表演主体的情感融注。表演主体的情感融注，需要表演者根据自己生活的积累，特别是切身体验，人生经历、阅历再加上自身的修养、文化底蕴等诸多方面，对音乐作品中所表达的表演者经历的或未经历的情感和意境加以想象、感受。最后，表演主体的情感表现。当表演者经过萌情、融情两个阶段达到达情这一心理阶段的时候，表演者仅仅具有真实性即对原作的忠实是不够的，还必须与表演者的创作个性相结合，实现真实性与创作性的统一，才能圆满实现音乐表演的艺术使命。

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【关键词】音乐；表演艺术

音乐是感情的艺术，抒发感情是音乐艺术最基本的表现功能。音乐通过其超强的情感传达，在带给人们精神慰籍的同时，也塑造了丰富多样的人性情感。因此，音乐表演中的情感表现极为重要，以情感人是音乐表演的基本要求。这就需要表演者在深刻理解音乐作品的基础上，将自己的真情实感融入其中，通过想象与联想，传达给观众最真切的情感，从而使表演获得成功，展现出音乐作品。

1 什么是音乐表演艺术

表演艺术是通过人的演唱、演奏或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现生活的艺术。

音乐是以声音为物质媒介，以时间为存在方式并且诉诸听觉的艺术。音乐不像绘画、雕塑等造型艺术那样，能够直接提供空间性并且在时间中凝固不变，它在时间中展开并完成，具有时间上的连续性和流动性。同时，声音对应于主体的听觉器官，人们对音乐的把握主要是靠听觉来完成的。所以，音乐又称听觉艺术。音乐以声音为物质媒介，声音的非造型、非语义的性质，决定了音乐是一种抽象的非描写的艺术。

受表现媒介的制约，音乐表现的情感往往是微妙、复杂而宽泛的，甚至只是某种抽象的情绪本身。音乐形象是欣赏者心灵建构的高度自由的表象，带有极大的抽象性、不确定性。构成音乐组织的声音，不是自然界中杂乱无章的噪音，而是经过选择提炼、加工概括的有组织的乐音，是人类的直接创造物。包括节奏、旋律、和声、调式、调性、复调、曲式等，统称为“音乐语言”。音乐家就是利用它们，创造无限丰富而又有感染力的情景氛围，传达某种情感的。

2 音乐表演中的情感与理性

现实生活中，人们都习惯于把音乐与感情画符号，这当然没有错，音乐表演是需要极大的情感投入的，演奏家对于作品产生感情共鸣也是绝对必要的，演奏家们探求音乐表演中的“投情”已有几百年的时间了，直到今天，音乐表演中投入热烈的感情仍是必需的，但在音乐演奏过程中，表演者始终不能失去“自我”，需要保有自己作为一个旁观者和评论者的地位，这是作为一个表演者必需要明白的道理。如果一个演唱者，他在演唱时太过投入于作品内容，从而造成声音的失控，气息不足一一当然观众是可以理解的一一虽然感情成分是够了，但是作品却缺乏了完整性。一位小提琴演奏者，在表演某部作品时，其中包含着人生的酸甜苦辣，但凡演奏过这部作品的演奏家，他们对此都下了很大的功夫了解作品内容，也投入了很多感情，但是没有一个像看过这部作品的观众们热泪盈眶，他们都有理性的一面在控制着，如果他们也失声痛哭，那么，他们的运弓会失控，音色会受到影响，情绪再不能得到控制，演出将怎么继续下去，观众们还欣赏什么。

同样，演奏者如果太注重理性，观众看到就是一具没有血肉的躯壳，机械化的，还不如作品的原谱，人们看到乐谱的时候，还能顺着强弱记号和各种表情术语来想象，而理性化的演奏却什么也感觉不到。可见音乐表演的感性与理性是相辅相成，缺一不可的。

3 深刻理解音乐作品的内涵是情感传达的基石

音乐表演的基本要素是指构成音乐的各种元素，包括音的高低，音的长短，音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合，形成音乐的常用的“形式要素”，就是音乐的表现手段。最基本要素是节奏和旋律。

所谓内涵是指内在的含义，即思想感情。理解音乐作品的内涵是音乐表演的基础。在音乐表演中，演员一定要有客观的认识和基本的忠实。只有对作品深入细致地分析，才可能真正进入表演的创作过程，从而创造出感人的艺术形象。对音乐作品理解肤浅不能投之以深情，或者进行歪曲原作的情感表现，是绝对不允许的。因此，我们不仅要把握乐曲情感的基调，同时也要细致地体会乐曲情感的发展逻辑和色彩变化，将情感的表现真正建立在充分理解作品情感内涵的基础之上。在理解音乐作品的基础上，再运用精湛的技艺、巧妙的方法，真切、生动地把音乐的情感传达给听众。

情感性是一切艺术给人以美感的重要特征之一。有情与无情，情浓于情寡，常常决定着一部艺术作品的兴衰成败。舞蹈作为以抒情性为内在本质属性的艺术品中，这个特点尤为鲜明。它的体现形式主要是情绪感染的直接性和情绪感染的强烈性。

4 音乐表演的三层境界

音乐表演艺术拥有三层境界，首先是直觉。直觉对艺术家来说非常重要，是否拥有直觉是能否进行创作的先决条件。对直觉，我们一般的解释是：人类感知世界的能力和方式。由此看来直觉是人人都有的。而在艺术家那里，这种直觉方式则发展为一种对艺术语言的直觉，也可以说是艺术的直觉。

在充分感受直觉对于音乐表演的重要性后，我们必须关注的便是第二个层次――兴趣。兴趣是个体以特定的事物、活动及人为对象，所产生的积极的和带有倾向性、选择性的态度和情绪。

因为有了兴趣，音乐表演艺术才能表现得更加丰富，才能形成各种不同的风格。所以，解决了兴趣以后，值得我们长远考虑的便是音乐表演艺术的第三层境界――风格。

任何一位伟大的演奏家其演奏技艺与风格都会深深地打上时代的烙印，这一点上梅纽因大师也不例外。

5 结束语：

音乐表演，是赋予音乐以生命的创造性的行为，其本质意义就是如何真实地再现原作，如何使音乐作品焕发出应有的光彩。对于音乐表演者来说，如何把握好“二度创作”，如何在尊重原作的基础上尽可能地表演是技术与表现力完美的结合，是音乐表演获得其独特品格的基础和保证；而如何通过自己的表演把音乐的美传达给观众，如何使听众在音乐的熏陶下洗涤心灵，如何使人们因为有了音乐而感到充实快乐，是音乐工作者毕生的事业和追求。综上所述，在音乐表演艺术中，直觉是一个前提，拥有了好的天赋与直觉是进行艺术创作的首要条件，而培养对音乐的兴趣值得我们关注并需要我们去解决。在探索音乐表演艺术时，我们对风格需要进行横向纵向的研究，这是一个值得我们长远考虑的话题，这三层境界在音乐艺术表演中缺一不可。

参考文献：

[1] 于润洋译.卓菲娅？丽莎音乐美学译著新编.中央音乐学院出版社.书号

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一、歌舞表演在当今社会的主要发展趋势

我国文化源远流长博大精深，经过长期的历史积淀，我国的许多个民族都形成了自身独特的歌舞表演形式，给人们带来了丰富的视觉享受。比如我国汉族的民间舞蹈花灯、采茶灯、打花鼓、打莲湘、唱春牛、地花鼓、二人台、二人转，藏族的弦子舞，蒙古族的安代舞，等等。但是，任何事物均具有不断发展的特点，如果墨守成规只能走向衰亡，因此，我国社会中歌舞表演艺术的发展一定要紧跟时代的步伐，不断进行变化和创新。笔者认为，今后我国歌舞表演艺术的发展形势主要包括以下方面：

（一）专业化与多元化相互结合。近些年来，我国居民在精神产品方面的消费不断增加，审美品位和鉴赏能力也在不断提升。对于艺术产品，消费者在追求视觉享受的同时，也更加在乎这一艺术表演形式是否制作精良，是否专业。因此，为了满足观众的审美要求，表演者要不断提高自身的专业素养。但与此同时，当前的文化艺术形式已经进入到了一个全新的多元化时代，任何一种单一的艺术形式都不能够长远的生存和发展下去，因此歌舞艺术团队在进行人才招聘的过程中，一定要注重考察人才的综合素养能力，考察其在具有专业的歌舞表演艺术的同时是否具备其他才能，只有充分保证团队中人才素质的综合性，才能够在现有的歌舞表演艺术形式的基础上进行不断的丰富和创新，实现歌舞表演艺术形式的多元化。

（二）世界性与民族性的不断融合。专业的舞台剧等歌舞表演形式在我国的发展尚处于初级阶段，因此在未来阶段内，需要不断加大这种文化艺术形式推广与宣传。但是与此同时，为了确保这种艺术形式能够在短时间内得到广大人民群众的认同，需要在不断的舞台表演过程中总结艺术经验，实现西方文化形式与我国传统艺术形式的不断交流与融合。想要顺利的实现这种趋势的发展和转型，需要做到两方面内容：1.国家相关部门必须要给予歌舞表演艺术充分的发展空间，给予其相关的优惠发展政策，同时给予一定的经济补贴，降低歌舞欣赏艺术的表演门槛，促进歌舞艺术形式在群众文化中的发展与完善。与此同时，国家需要对我国传统的歌舞表演艺术形式进行全面的保护，吸引更多的年轻人进行传统歌舞表演的艺术传承，促进这些文化艺术的长远发展；2.各相关艺术表演团体以及民间艺术文化表演团队需要加强合作，不断增加对歌舞表演艺术的宣传和推广。事实上，本世纪初以来，我国相关文化部门就已经联合电视台进行了关于歌舞表演艺术的宣传节目，以集中、全面、多元的角度，充分向全国、全世界的电视观众展示了中华民族优秀灿烂的歌舞文化。近年来，各种智能移动设备以及互联网络的不断发展又为歌舞表演艺术形式提供范围更广、速度更快的宣传平台和途径。

（三）题材的不断丰富化以及表现手法的不断创新化。歌舞表演艺术作为一种人民群众喜闻乐见的艺术表演形式，其突出特点表现文通俗易懂。在新时期内，想要实现歌舞表演艺术的繁荣发展，就要深入的挖掘并利用这种优势，在展现的题材上，歌舞表演艺术需要不断突破以往的局限，更多的以人们身边看得见、摸得着的事物作为艺术题材，这也就是目前经常听见的“接地气”，只有如此，才能让观众了解到歌舞表演与时俱进的特点，更加深入的感受到歌舞表演的魅力。比如在中华人民共和国庆祝60诞辰之际，相关主创单位为了创作出一场与当年“东方红”一样轰动、具有历史意义的大型音乐舞蹈史诗，主创单位调集了中国目前最优秀的演出团体与教学机构，如中国歌剧舞剧院、中央芭蕾舞团、总政歌舞团、海政歌舞团、空政歌舞团、中央音乐学院、北京舞蹈学院等共同出演。这场演出气势磅礴、耗资巨大、规模空前，体现了中国歌舞艺术的最高成就，是旷世之作。与此同时，我国歌舞表演的恢弘壮阔充分的展现在了人们的面前，使人们为之叹服。除此之外，歌舞表演艺术想要持续获得良好的发展，就一定要勇于创新艺术表现形式，在原有展现形式的基础之上，不断吸取其他艺术表演形式的长处，融会贯通，完成表现形式的创新。我国著名舞蹈表演艺术家杨丽萍在2003年突破传统表演方式，在音乐元素、舞蹈动作及舞台美术等方面做了全新的尝试，成功地导演并创作大型原生态歌舞集《云南印象》。在2009年，杨丽萍又亲自编导并主演《云南映像》的姊妹篇《云南的响声》，再获成功。可见在当今社会，只有勇于求新、求变，才能在艺术市场竞争激烈的环境中占据优势。

二、歌舞表演对人才的基本要求

根据上述对于歌舞表演艺术形式未来阶段内的发展形式的分析，可以得出这样的结论：目前我国所需要的歌舞表演人才既需要具有较高的艺术修养，又必须同时具备表演其他艺术形式的才能，总之就是必须要具备较高的综合素质能力。

目前，我国的歌舞表演艺术者大多以学院派专业化人士为主，此类型人才的突出特点表现为具有极高的专业度，在某一领域均可能达到较高的艺术造诣。而我国的歌舞表演人才培养形式也以专业化培养为主。仅声乐艺术就涵盖了西洋美声、中国民声、原生态以及通俗等唱法。舞蹈教学又分为中国古典舞、民间舞、外国芭蕾舞、现代舞、社会舞蹈等多个专业。然而，歌舞表演艺术是一种综合性的艺术表演形式，表演者必须恰到好处的把握和研究各种研究对象，因此在未来阶段内，相关艺术院校在进行艺术人才培养的过程中有必要扩展课程内容，在理论学习的基础上，争取更多参与舞台表演的机会，实现艺术理论与艺术实践的完美结合。

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[关键词]声乐艺术 声乐表演艺术 审美体现

[中图分类号]J617.13 [文献标识码]A [文章编号]1009-5349（2014）07-0077-01

声乐表演艺术主要以演唱者的声音为主要媒介，目的是启发和感染人的精神，它的审美主要表现在艺术形式的不同上，通过声乐表演艺术表现出一定的审美价值，只有赋予声乐表演以艺术生命力，才会对人的心灵起到震撼的效果。在声乐艺术中融合了优美的声音、优美的乐器伴奏以及优美的表演动作，观众通过对演唱者歌唱的倾听产生一种美的感受，这样的声乐作品本身具有丰富的审美价值。要想使声乐具有较高的审美价值，首先演唱者的审美能力和歌唱水平应该是非常高的，这样才会创造出优美的声乐作品。

一、演唱声音应具有较强的艺术感染力

要想使自己的演唱声音具有一定的艺术感染力，演唱者首先应该对声音技巧进行充分的掌握。同时还要拥有生理方面的优势，对声音要有独特的审美感受，这些需要通过日常的积累来获得，在心中构想出实际的艺术形象，进而获得愉快的审美体验。在演唱时演唱者要将自己的声音与作品中的思想内涵结合在一起，这样才可以形成良好的声音美感，在情感上产生共鸣。此外，歌唱声音的审美因素还包括音色上的审美，这需要歌唱者在平时进行仔细的研究与探索，为声乐作品增加更强的情感色彩，从而使审美价值更高。

二、加强对音乐感觉的体验

音乐感觉审美是声乐艺术表演中的重要组成部分，通过音乐感觉演唱者可以在心理上产生一种非常愉快的感受，然后在歌唱的时候将这种愉快的感受表现出来，欣赏者也可以感受到这种愉快的感觉。在演唱的时候，演唱者一方面要不断培养自己对音乐的审美感受，另一方面还要重视在歌唱方面的基础性训练，在训练的同时注重音准、节拍、节奏、速度等，积极地体验生活，揣摩人们的心理和情绪，还要对大自然中的美丽景色进行体验，经常倾听一些演奏家和歌唱家的表演，在倾听的同时体会不同的音乐风格，从而使自己的感觉更加丰富。

三、演唱者要有丰富的情感

情感主要指的是一种心理反应，演唱者的演唱如果具有一定的情感，就可以激发欣赏者的想象力，使思维能动性得到提高。人的情感是非常丰富的，人表现情感的方式是不同的，受到社会环境和历史条件的约束，然后通过人的理智支配表现出来。音乐作品表现得是否成功，与音乐作品的思想内涵有直接关系，音乐作品表现出的社会意义、时代精神都会通过演唱者的演唱表现出来。除此之外，情感审美中表现出来的情感应该是演唱者的真情流露，在表演的过程中不能过于虚情假意。演唱者要注意拿捏音乐作品中情感的深浅与强弱，准确把握他们的分寸，将音乐作品中的内涵挖掘出来，升华自己的情感，从而塑造出感人的艺术形象。

四、艺术形象应具有丰富的个性、独创性和美感性

在对声乐艺术作品进行欣赏时，演唱者应该具有较强的审美感受，这样才可以将艺术形象塑造得更能打动人，在这一过程中充分体现了人的主体地位。艺术形象在塑造的过程中应该体现丰富的个性，要体现情感的变化以及内心活动的不同，演唱者表现得越生动，情感就会越丰富，在塑造艺术形象的时候将这种独特的情感融入其中，音乐形象也会变得更加饱满。艺术形象的塑造还应该具有一定的独创性和新鲜感，演唱者要想塑造出成功的任务形象就要深入到生活中去，在生活中获得一定的审美体验，将这种审美体验与艺术形象的塑造结合起来，使情感与个性表现得更加突出。除此之外，艺术形象还要具有一定的美感性，在艺术形象的塑造过程中加入演唱者对美的理解，表演要按照歌唱艺术美的要求展开，艺术形象的塑造应具有一定的感召力，使欣赏者受到感染，从艺术形象的欣赏过程中获得美的享受。

五、结语

综上所述，在声乐表演艺术中，演唱者应从多方面使欣赏者获得审美感受，这种审美感受通常会包括歌唱的审美认识、审美观念以及审美感受等，同时也包括歌唱音乐中的感觉审美、声音审美以及情感审美等。这些在声乐表演艺术中都属于重要的影响因素，具有独特的审美特征和奇妙的审美感受，要求演唱者进行积极探寻和潜心研究，对生活进行深入的体验，在生活中获得丰富的情感经历，使自己的可塑性得到提高，塑造的艺术形象可以更加动人，在艺术形象的塑造过程中表现的情感可以更加丰富，从而使声乐作品的审美价值更高，得到大众的认可。

【参考文献】

[1]修雪卿.论声乐表演艺术的审美特征[J].哈尔滨学院学报，2009（8）.