表演艺术和影视表演的区别范文

导语：如何才能写好一篇表演艺术和影视表演的区别，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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一、对表演艺术的简单分析

表演艺术是由演员扮演角色通过舞台或视频镜头前语言和形体动作的技巧创造出人物形象的艺术。表演是一种创作，创作的最高任务是在剧作家所创造出来的文学形象的基础上再创造出真实、深刻、具有审美价值的人物形象。表演的主要特征是演员要“化身成角色”，表演的创作与观众的欣赏同步进行，以直观的活生生的舞台和视频人物形象诉诸于观众的视听。演员既是创作者，又是创作的材料和工具，其创作出的艺术成品――人物角色是由演员体现出来。因此，表演中必然存在着演员与角色的矛盾。在表演上如何去解决这种矛盾，在理论上就形成了体验派与表现派的分歧。而优秀的表演则应该是既有深刻、真挚的体验，又有鲜明、生动的体现，达到内外部的完美统一。

要完成表演艺术的创作任务，从事表演的演员应该具有丰富的生活积累、高尚的思想情操、深厚的文学艺术修养与精湛的专业技巧和良好的创作素质。这些素质中包括观察力、理解力、想象力、注意力、感受力、适应力、形体与语言的表现力以及信念与真实感、形象感、节奏感、幽默感等等。

有人说，表演艺术在戏曲中是表现程式，在话剧中是以写实形态表现人，而在影视中是人表演人的艺术。这种总结有一定的合理性，但是笔者更认为，戏曲、话剧、影视的表演艺术是互相渗透整合的关系，他们之间既有特殊性又有其共性。

二、话剧表演与影视表演的一般特点分析

本文所说的一般特点，是指在话剧表演和影视表演中明显存在的各自特点，也是二者的区别之处。但是在绝对意义上说，二者都是表演艺术，所以在论述当中有时是捆在一起来讲的。为了叙述简洁，本文列出造成表演存在各自特点的四个制约因素：

1．生活化要素的制约。话剧艺术与影视艺术都是源于生活又高于生活的精神创作产品，但是它们在表现生活方面由于艺术特征的不同，生活化要素存在区别，这造成了演员在话剧和影视表演上的区别。比较而言，影视艺术的纪实性要比话剧艺术要求的更严格一些，所以影视艺术要求演员的表演必须真实、自然、生活化。最明显的特征是影视演员是在真实的外景或逼真的内景中进行表演创作的，要求演员的创作与真实的环境融为一体，同样真实。另外，摄像机的运动随时改变着观众的距离与视点。在近景和特写中，演员的一个眼神、肌肉的抽动、皱纹的颤抖都清晰可见，任何虚假、夸张的表演都使观众难以忍受。试想一下，在表现真水、真树和真的花草的同时，演员的脸上却粘着假胡子和画着一道一道的假皱纹，或是仍像在舞台上一样地表演，观众能否忍受？而话剧演员是在虚拟的舞台和规定的情景内进行表演创作，生活要素具有假定性。这就要求演员的创作在假定的舞台上信任、感受真实。话剧演员是在舞台的假定性上表演，要在全身的形体带动下去行动，完全要融入到规定情景中，和影视区别是，这里不是注重某一个细节，因为话剧演员在舞台上的表演，很多时候，观众无法看清演员的面部表情，即使是坐在最前排的人。

2．表演时空的制约。时空自由是影视艺术独具的特点。影视中镜头的分割与组合，可以将任何画面与其他画面并列。这种时空的自由造成影视表演的非连续性。为了生产上的需要，影视拍摄既不连贯，又不按顺序，它使演员在几个月甚至更长的时间里断断续续甚至颠倒地生活（扮演）在角色中，然而影视作品在放映时又是连续的并不颠倒的，这就要求影视演员具有在非连续性的“镜头表演”中保持人物形象的统一性、完整性的能力，能保持人物思想、感情、性格的连续性。相对于影视艺术，时空局限是话剧艺术最大的特点。话剧演员在几个月的时间里一直从头体验到尾，可以说是一天以剧情人物生活几次，不时的体验，不时的创新，也就造成了戏剧的连续性。在话剧舞台上，塑造角色的人一旦上场，谁也无法再对他实施控制，整个舞台就是他的，他是一切的核心和灵魂，也就是说，舞台演出，是以演员为核心的。台上十分钟，台下十年功，就是此意。此外，舞台的空间限制，导致现实的生活场景无法照搬到舞台上，只能是假定，一把椅子、一张桌子，就可以是“家”。正是因为这种时空的假定性，它需要塑造角色的人去“演”一个实际上并不存在的东西，所以，有句话这样讲：影视演出是角色救演员；舞台演出，是演员救角色。

3．技术条件的制约。影视演员是在摄像机镜头前进行表演创作的，摄像机是影视艺术必备的技术制约。因此要求影视演员必须有镜头感。镜头感包括：表演生活化；对画面的想象与体会；对不同景别摄影技巧的适应；对实景拍摄以及无观众交流、无对手交流的适应。影视演员必须学会分析分镜头剧本提供的条件并根据导演的艺术处理来设计和构思自己的表演，不同景别的镜头要以不同的表演分寸和手段来体现。而话剧因为舞台是固定的，演员在舞台上进行创作，注重的是外部整体感，要根据场景的假定性来迫使观众相信。因此话剧演员更注重的是舞台整体，而不是个体。技术制约还有一层意义，就是生产条件。影视表演受到影视艺术生产条件的制约，演员必须适应其各种条件。例如，要经受“无穷等待”的考验：等布光、等摄影技术条件、等美工、等化装、等道具等等。而话剧表演是与表演艺术同步的，舞台的假定性可以在任何时候“刮风下雨”，通过自身的表演，让观众感受到风暴雨水，没有制约。所以，一种说法是：舞台是演出的艺术；而电影是制作的艺术――是对机器纪录下来的光影的处理――即剪辑。根据它，可以创造出无穷尽的东西来，演员在影视里，只不过是纪录下来的光影而已。没有演员，电影照样存在；但没有演员，舞台演出就不存在了。

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【关键词】影视表演；话剧表演；对比

中图分类号：J824 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）07-0041-01

随着我国经济文化的不断发展，我国影视行业也取得了巨大进步，近年来，从事影视表演的人逐渐增多，社会各界对影视行业的关注也越来越多。如何采取有效途径推动我国影视行业不断发展，已经成为当前影响我国影视艺术进步的重要课题。话剧表演作为传统表演形式，在许多地区已经取得良好发展，但当前话剧表演面临着严重的发展困境，观众群体过于集中，青少年观众较少。影视表演和话剧表演一样，是我国表演艺术的重要表现形式，但二者也有鲜明的区别。将二者进行系统的对比，探究在表演方面的优缺点，有助于研究我国表演艺术的各个层面，进而提出更加有效的发展措施。

一、话剧表演与影视表演的不同之处

（一）创作程序不同。影视表演和话剧表演的差别首先体现在创作程序方面。话剧表演是循序渐进的，且具有鲜明的连贯性，在表演过程中作品任务会逐渐出现。话剧表演能否进入，取决于演员是否能够和设计的人物形象实现对等，将预设的形象完整地呈现在观众面前，并得到观众的喜爱。但在影视表演创作中，剧本有较大的限制性、间断性和片段性，故事发展和表演过程通常不同步，有时是各个场景互相穿插，有时候则是倒叙。此外，影视表演还会受到天气等客观因素的影响和制约，需要依据这些因素适时调整表演内容。

（二）观众关系不同。影视表演需要经过后期制作、剪切搬上荧幕，在最终放映时和观众见面；而话剧表演则是和观众面对面。显然，话剧表演更利于和观众的及时交流沟通，观众对表演效果的评价可以更加直接便利地反映给演员，这种交流更加明晰可感。但影视表演者则很难受到观众的反馈信息，其反馈具有鲜明的滞后性。可见，话剧表演者可以根据观众的反馈信息更加及时地调整自己的表演形式，并进行自我完善和修正，影视表演者则缺少这一方面的便利。

（三）表演场所不同。表演场所的不同也是影视表演和话剧表演的差异之一。话剧表演主要在舞台上进行，在舞台上将故事情节、人物关系巧妙地展现在观众面前，具有一定的时效性。而影视表演则主要在镜头前进行，演员在镜头之下根据剧本进行表演，表演完之后，还要经过制作、剪切等处理程序，进而形成一部影视作品。表演场所的差异对表演者提出了不同的要求。由于话剧表演要在舞台上完成，因此其表演要具备浓缩型和抽象性，每句台词、每个动作都要经过多次斟酌。在表演过程中，演员需要略带夸张，且话语清晰。而影视表演则有镜头的辅助作用，因此在表演上不能有太多夸张，应着力追求现实。

二、话剧表演与影视表演的相同之处

（一）着意塑造人物形象。人物的塑造是表演的主要宗旨。演员在艺术追求、表演能力、表演目的等方面存在较大的差异性，有的为了增强自身的表演素质，有的则是希望通过表演为别人带来快乐，有的只是为了从表演中寻找乐趣。但作为一种视觉艺术，表演的最终宗旨都是为了塑造人物形象，通过各种各样的人物推动故事情节发展，揭示作品主旨，展现创作意图，影视表演和话剧表演在这一方面上是相同的。

（二）表演要求相同。无论是影视表演，还是话剧表演，都将“生活化”、“真实”作为重要的创作标准和原则。此外，表演的生活性、真实性也是衡量影视作品和话剧作品的重要尺度。真实性是表演艺术的基本要求和前提，只有加强表演的生活化与真实性，才能更加贴近观众的生活，并引起观众的心灵共鸣，进而得到观众的认可和喜爱。虽然影视表演和话剧表演都讲究真实性，但二者在真实程度上还存在一定的差异性。话剧表演是略带夸张性的真实，影视剧则相对更加常态化。

（三）在虚构情况下创设表演情境。不管是影视表演，还是话剧表演，它们在表演场景方面都具有鲜明的虚构性，二者都是通过表演将故事逐步构建。观众在观看话剧表演的时候，能够清晰地看到舞台上的道具，对其虚构性有较为明显的意识。而影视表演由于通过大屏幕展示给观众，人们在观看过程中容易忽视其虚构性，感到十分逼真，甚至产生身临其境的代入感。但就影视表演和话剧表演的本质来看，二者都要具有较强的虚构性，比如，在观看话剧表演时，观众可以清楚的辨别出其中虚构的人际关系，比如夫妻关系、父子关系等。影视作品中的许多场景，如下雪、下雨、打雷等都是虚构的。可见，二者都是在虚构情况下创设的表演情景。

参考文献：

[1]刘广分，郝强，年羹饶.话剧表演与影视表演之间的差异与统一[J].艺术概论，2013（3）.

[2]杨军强.浅谈话剧表演与影视表演的异同[J].艺术与设计，2013（6）.

[3]朱薇薇.浅谈舞台戏剧表演与影视表演[J].黄梅戏艺术，2009（4）.

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关键词： 篮球运动 表演艺术 规则演变

作为一种文化现象，篮球运动已经成为全世界人民最喜爱的运动项目之一，从1891年发展至今，已有一百多年的历史。促进篮球运动发展的原因有很多，很重要的一个原因是规则的演变，它在很大程度上决定着篮球运动的发展方向，这使得越来越多的学者对篮球规则的演变进行研究［1］。篮球运动是一种特殊的表演活动，是在有限的时间和空间范围内，以经过组织、美化了的运动员技术动作和战术行为作为艺术表现手段，运用运动员在场上的创造性活动为画面，来满足观众的欣赏需求，以及表达一定情感的表演艺术。因此不能片面地认为篮球规则只是针对技、战术的发展而进行修改。本文从表演艺术视角对竞赛规则的演变进行系统的分析，找出表演艺术视角下篮球规则演变的规律，以促进我国篮球理论体系的完善，促进我国篮球联赛水平的提高，促进篮球运动的持续良好发展。

1.竞技篮球运动的表演艺术理解

表演艺术最初专指戏剧学领域中的表演，代表性门类有歌剧、话剧、影视、舞蹈及各地方戏曲等，有时也将杂技、魔术、相声和小品等划入表演艺术范畴。《艺术词典》的解释是：“表演艺术是由演员扮演角色通过舞台行动过程创造人物形象的艺术。”即是从戏剧学领域中的表演理论出发，对表演艺术概念的解释。然而随着表演理论应用领域的不断扩大，表演也随之被赋予了诸多特殊的意义。例如，在社会学领域中，“表演”是角色扮演与生活表演；在民俗学领域中，“表演”是重新理解与方法革命；在心理学领域中，“表演”是认知学习与个体教育；在教育学领域中，“表演”是教学手段与生命存在。本文所提到的竞技篮球运动中的表演艺术更倾向于社会学领域中的“表演”，即角色扮演与生活表演［2］。

本文将竞技篮球运动中的表演艺术不仅仅理解为戏剧学领域中的表演，更是作为生命存在者的人，对某种社会角色的主动承担，即通过对角色所赋予的规范行为模式的表现和显示，实现自我价值的生活艺术。因此，篮球表演艺术可以理解为：在特定的表演时空环境下，以经过组织和美化了的运动员技术动作、战术行为、身体姿态和动作过程为表演形式，以运动员在场上的创造性活动、个人及群体的情感宣泄和时空变换为主要表演内容，来满足人类精神需求的具有较强观赏性和审美价值的文化艺术形式［3］。

2.篮球竞赛规则的结构

现代篮球规则同法律规范一样，基本上也是由假定（规则适用的条件或情况）、处理（规则的具体内容）和制裁（违反规则所招致的后果）这三个要素所构成。这三个要素构成篮球规则在文字表述上的结构。本研究重在研究规则的具体内容的演变规律，而篮球规则条目繁杂，种类多样，但就其根本可以将规则分为五个部分。为了研究方便，本文将篮球规则分为空间规则、时间规则、违例规则、犯规规则和权利义务规则五大部分，具体情况见下表。

3.篮球竞赛规则演变过程中对表演艺术的完美演绎

篮球运动以学生游戏的方式诞生，随着规则的完善和项目的普及，逐渐演变为一项竞技运动，并吸引了大批旁观者，进而有了最初的观赏者，“表演”的框架初具端倪；20世纪30年代以后，竞技篮球运动开始走向职业化道路，真正意义的观众出现，“表演”的特性初步确立；如今，随着篮球竞赛表演市场的不断完善，竞技篮球运动不断地向表演艺术吸收借鉴许多有益的表演要素，从而使现代竞技篮球运动的表演艺术性愈加明显［4］。精彩纷呈的文艺演出，魅力四射的啦啦队表演，甚至从更广泛的意义上说，篮球比赛本身就是一场艺术表演，明星球员们不拘一格的服饰、光怪陆离的发型、独具个性的纹身、华丽优美的过人动作、激情澎湃的篮下对抗、震撼人心的大力灌篮和赏心悦目的空中接力等都展现出竞技篮球运动无限的艺术魅力。

篮球竞赛规则是篮球运动的法规，决定了其区别于其他运动的基本特征，确保篮球运动健康发展，保障篮球比赛公平、公正、有序地进行。表演艺术视角下的篮球竞赛规则在确保比赛公平公正的同时，也必须保证比赛的可观赏性。篮球规则的空间规则、时间规则、违例规则、犯规规则及权利义务规则的演变也要在一定程度上表现其表演艺术性。实质上表演艺术是蕴藏在篮球竞赛规则发展演变过程之中的，篮球竞赛规则的不断修改和完善，使篮球表演艺术的演绎更加完美。

3.1空间规则演变的表演艺术性。

篮球运动起源于“投桃”游戏。在篮球规则的初创时期，规则很简单。比赛时，双方分成相等的人数，分别横列在场地的两个端线处外，在裁判员鸣哨后，从边线中心点将球抛向场地中心，这时双方队员从各自的端线外跑向场地内争夺抛出的球，然后展开攻守对抗，投中篮后在按此程序重新开始，直到比赛结束。这种形式的篮球比赛对场地的大小没有明确的限制，使用足球式的柔软圆形球。随着篮球运动的良好发展，空间规则进行了一系列的变化，人数、场地、器材等都有了明确的规定，使篮球比赛更加正规化。

篮球竞赛作为一种表演艺术，在规则演变过程中表现的尤为明显。一场表演能够吸引观众的眼球，“演员”是非常重要的。最初的篮球比赛，每队参赛队员是没有限制的，逐渐演变为15人、9人、5人。人数太多会使整个空间看起来非常拥挤，而且不能突出单个队员的高超技艺，表现不出来篮球竞赛的艺术美；人数太少又使得整个空间很空旷，而且双方的对抗不激烈，比赛会很单调，同样会降低篮球竞赛的观赏性。5人制的比赛恰恰避免了这些不足。投篮命中、空中接力、扣篮、战术配合等，观众可以非常直观地欣赏每个队员的表演。运动员们向观众呈现了各种各样的表演艺术，让观众感受到篮球独特的魅力。

篮球比赛是一个集体项目，不能仅仅是单个队员的“垄断式”表演，因此要对这些“垄断”进行一些限制。以NBA为例，20世纪50年代，NBA一度出现高大中锋统治篮下的现象，尽管这些篮球巨星的个人魅力可以吸引观众，增强NBA观赏性，但从另外一方面来说，他们一个人控制整场比赛，使得篮球比赛失去了集体性的最本质特征，从某种意义上来说也使得球赛失去了一定的观赏性［5］。于是，NBA先后针对大个运动员对规则进行了修改，1964―1965赛季，把限制区从12英尺扩大到16英尺，限制高大运动员在篮下强大的统治优势，使篮球比赛更具观赏性。2010年新规则确定了新三分线，新三分线距离篮筐6.75米，相比于之前6.25米的三分线移远了0.5米，限制区从梯形改为矩形，形状与NBA相同。三分线的扩大虽然加大了3分远投的难度，但是从另一个角度看，这一改变为运动员创造了更多篮下突破，展示自己才能的机会，增加了攻守对抗，使比赛更加精彩，更具观赏性。同时新规则中还引入了NBA的合理冲撞（无带球撞人）区，在这个区域内没有进攻犯规，制定这条规则的目的是，不鼓励那些为了制造突破上篮的进攻队员带球撞人犯规而早早地站在本方篮下的防守队员，这个规则的实行将使比赛的篮下身体对抗更加激烈，大大提高了比赛的观赏性。

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3.2时间规则演变的表演艺术性。

篮球规则的初创时期，比赛时间为前后两节，每节15分钟，中间休息5分钟，并没有其他时间的限制。随后比赛时间经过了几次调整，其他时间规则也陆续出台，最后确定了比赛时间为四节，每节10分钟，并有了3秒、5秒、8秒、24秒的规定。一场表演，如果舞台下无人观看，那么再精彩也是徒劳，所以必须迎合观众的需要。将比赛时间分为四节，每节10分钟，这正是为观众提供了充足的比赛观赏时间。同时，这种划分特定时段、合理分割时间的做法可以增加比赛的悬念，提高比赛的娱乐性。

在1952年前后的篮球比赛中，以高大中锋强攻篮下的战术打法风行一时，比分领先的球队往往都采取控制球战术，通过在场上恶意传球和运球来消耗比赛时间，达到最后取胜的目的。这样很难将篮球比赛当成是一种艺术表演来观看。同时高大运动员在比赛中表现出技术单一、动作迟缓和缺乏灵活性等问题，竞技运动的更高、更快、更强在篮球比赛中无法完美体现，慢节奏影响了观众观看篮球比赛的兴趣。篮球运动中迅雷不及掩耳的攻守转换，闪电般的突破是节奏与速度的集中代表，也是篮球运动魅力与观赏性的最大卖点。失去了节奏与速度的篮球运动是无法想象的。3秒、5秒、8秒、24秒规则的出现在很大程度上提高了比赛的速度，使比赛的攻守转换加快，比赛回合增加，富于节奏感的对抗更加激烈，给比赛带来了活力。2010年新规则对掷球入界时8秒与24秒的开始有了明确的规定：在掷球入界时，当球触及场上队员或者被场上队员合理触及时，8秒及24秒即开始计算。也就是说，比赛计时钟和24秒计时钟同时开启。规则还对24秒计时钟的复位作出了明确的规定，如果比赛因违犯停止时，24秒装置上显示的时间大于或等于14秒，24秒装置将不复位，保持原来所剩的时间；如果比赛因违犯停止时，24秒装置上显示的时间小于13秒，24秒装置应复位14秒。［6］这一规则的修订从根本上来说是为了加快比赛的攻防速度与节奏，对双方队员的体能、技术和团队配合提出了更高的要求，使比赛更加精彩，提高观赏性。

一场精彩的比赛哪怕只剩下最后一秒也会出现“绝杀”，使比赛结果大逆转，甚至当比赛的哨声吹响仍无法分出胜负（压哨球），这正是对篮球表演艺术戏剧性特征的完美诠释。增加暂停次数和时间就是为了使最后的比赛更加精彩，增加比赛的悬念。

3.3违例、犯规规则演变的表演艺术性。

篮球的表演艺术所展现的是一种活跃的动态形象，而且既表现为外在的现象，又表现为内在的心理。这种表现是经过组织和美化的，是具有创造性的，而且是直观的，观众可以省略思考过程，瞬间领悟他们所要表现的技术动作及所要表现的情感，这和其他的表演艺术需要推理、分析等完全是不同的。表演有高雅和低俗之分，篮球竞赛是一种表演艺术，自然应该是高雅的。竞技篮球运动之所以有大量的观众存在，一个主要的原因就是它的对抗性，而且是直接的身体对抗。在比赛过程中，双方的队员会不可避免地出现身体对抗，同样会出现犯规。犯规是对规则的违犯，含有与对方队员的身体接触或违反体育道德的举止［7］。为了减少比赛中断的次数，增强比赛的连续性，加快比赛的速度，增强比赛的合法对抗性，规则采取降低和加重犯规对罚则进行修改。1908年规则增加队员“五次犯规取消比赛资格”的规定，对队员的犯规行为做出了限制；1976年增加“追加罚球”；1994年增加了打架处罚的新条例，对运动员、教练员等违犯体育道德精神加重了判罚，对故意犯规判罚的界限更加明确具体；2000年规则规定每节比赛全队犯规超过4次就处于全队受罚状态，以后每次犯规都罚球2次；2004年规则加重了对违反体育道德犯规的判罚等等。2010新规则增设了合理冲撞（无带球撞人）区，对于任何突破至合理冲撞半圆内的情况，如果在空中的进攻队员与处于合理冲撞半圆内的防守队员发生了身体接触，不应当判罚进攻犯规，除非进攻队员非法地使用了手、臂、腿或者身体。2008官方解释指出，当掷球入界的球仍在裁判员手中，或者在掷球入界队员可处理球之后但球还未被掷入时，防守队员的犯规将被判罚为一次违反体育道德的犯规。根据最新的官方解释，上述规则仅仅适用于第4节最后两分钟及每个加时赛的最后两分钟。这条规则的原意是阻止那些目的是妨碍时钟启动的战术犯规，一般的，这只会发生在比赛的末尾。新规则更符合比赛的精神及规则的目的。

现代篮球规则的最终的目的是提倡和鼓励积极、团结、公正、文明、道德的比赛，限制和反对野蛮的比赛和行为，同时，增加比赛的激烈性和精彩性，提高比赛的观赏性和商业性，保持篮球运动旺盛的生命力，从而保证和促进篮球运动向健康方向发展。规则对犯规动作提出严格的规定，其目的是限制双方队员的攻、防动作粗野和犯规过多，以有利于高超的技、战术发挥和表现篮球比赛的表演艺术性。

3.4权利义务规则演变的表演艺术性。

一场篮球比赛可以看成是一场戏，需要有导演和演员，运动员是演员，教练员则充当导演，只有导演和演员完美的配合才能呈现给观众一场精彩的表演。在“拍戏”的过程中，导演运用各种方法手段把握整体思想，而演员则通过自己独特的表演手段将“作品”淋漓尽致地表现出来。在权利义务规则方面，导演有权利在拍戏过程中，对影响作品效果的细节进行调整，以便于演员更好地诠释作品。规则规定，只要在场上本方球员控制球或者比赛中断，主教练可以请求暂停；在所有的20秒短暂停里，球员都可以自由替换；2004年规则中暂停和替换时机都结束于第一次或仅有的一次罚球时罚球队员可处理球时。这样对暂停和替换的应用都更加灵活，有利于教练员战术的安排和变化，教练员有权利在比赛的关键时刻调整比赛安排，使比赛更具观赏性。

4.结语

篮球运动能否良好发展，能否持续受到全世界人民的喜爱，在很大程度上取决于规则的修改是否能够适应时代的要求，取得运动员、教练员及观众之间的平衡，使篮球运动更具观赏性。篮球竞赛规则的演变蕴含着丰富的表演艺术性，这不仅是篮球运动发展的需求，而且是人类社会发展的必然。

参考文献：

［1］胡启良.从篮球规则的演变看篮球运动的发展趋势［J］.体育成人教育学刊，2006.3.

［2］潘兰芳.体育与表演艺术的双向交融［J］.四川戏剧，2006:103-104.

［3］黄滨，韩二涛.篮球进攻时限与篮球艺术展望［J］.中国学校体育，2005，（3）:35-37.

［4］黄滨，金生伟.篮球表演艺术思考［J］.体育学刊，2010，（2）:46-49.

［5］金赛英.论篮球比赛的观赏性［J］.体育与科学，2003.6.

［6］2008、2010年FIBA规则［Z］.北京：中国篮球协会，2008.

［7］王贵春.关于篮球规则中双方犯规的浅析［J］.哈尔滨体育学院学报，2002.4.

［8］刘玉林.现代篮球运动研究［M］.北京:人民体育出版社，2006:55-63.

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关键词：体育文化；篮球；表演艺术；竞技运动

中图分类号：G841

文献标识码：A

文章编号：1006-7116(2010)02-0046-04

伴随篮球运动由最初简单的学生游戏向现在复杂的文化体系的逐渐演变，各国学者分别从娱乐游戏、竞技项目、新兴产业和篮球文化等不同视角对篮球运动进行深入研究。然而，在现代篮球运动经济、娱乐和文化功能日益凸显的今天，现有理论已不足以解释现代篮球运动存在和发展的全部问题，篮球运动理论急需在视角、观点和体系上有所突破和升华。美国普利策奖和自由勋章获得者威尔・杜兰特曾经说过：每一门科学都是哲学开始，以艺术结束的。它起源于假设。而终结于丰硕的成果。因此，本文欲从表演艺术的视角对篮球运动进行阐释，并提出篮球表演艺术的理论构想，以期为我国篮球运动理论与实践研究提供新思路。

1、篮球表演艺术的理解维度

1.1　篮球运动的表演存在形式

篮球运动是一种特殊的表演活动。美国社会学家戈夫曼认为：“每个人都在日常社会情境中，通过外在动作行为维护自我印象，并且还运用特定技巧进行表演，试图导演和操纵他人对他的影响。”可见，日常生活中的每一个身体动作都具有表演的特性，作为特定身体动作集合的篮球运动自然也具有表演的特性，它是以赛场为主要舞台，以篮球比赛及与比赛相关的其他活动为主要表演内容，明确指向观众的特殊表演活动。

表演蕴藏在篮球运动的发展过程之中。篮球运动以学生游戏的方式诞生，随着规则的完善和项目的普及，逐渐演变为一项竞技运动，并吸引了大批旁观者，进而有了最初的观赏者，“表演”的框架初具端倪；20世纪30年代以后，篮球运动开始走向职业化道路，真正意义的观众出现，“表演”的特性初步确立；如今，随着篮球竞赛表演市场的不断完善，篮球运动的表演性愈加明显。精彩纷呈的文艺演出、魅力四射的啦啦队表演，甚至球员们在赛场上的言行举止都饱含表演的意味，尤其是NBA全明星周末更是将篮球运动的表演内涵表达得淋漓尽致，如“魔兽”霍华德的“超人归来”、“大鲨鱼”奥尼尔的“太空舞步”等。表演是篮球运动的存在方式之一，表演使篮球运动摆脱漫无目的“孤芳自赏”，表现为明确指向观众的特殊表演活动，实现了篮球运动在表演中的存在和发展。

1.2　篮球运动的艺术存在形式

篮球运动是一种特殊的艺术行为。黄琳华等写道“艺术活动应由4个环节构成：世界、艺术家、作品和鉴赏者。在篮球运动的艺术存在中，“艺术家”即运动员，“作品”即具体的篮球比赛，“鉴赏者”即观众。运动员通过在篮球运动中，展示自己的精湛技艺和特有的人格魅力，为观众呈现出一个极具观赏性和审美价值的特殊艺术作品――篮球比赛。篮球运动艺术魅力有效释放的过程，既是运动员内在生命活力和价值的有效外化和展现，也是观赏者心灵灵光的闪现和自我心灵的重塑。

篮球运动与艺术虽然是两种独立的文化形态，但在各自的发展中却不断地靠近融合。早期篮球文化对艺术的影响仅限于绘画涂鸦等艺术作品的范围内，而后篮球运动与艺术的混合性成为特技篮球表演的基础，如今篮球运动与艺术的联系更加紧密，如花式篮球、街头篮球和扣篮表演等都具有很强的艺术成分。从更广泛的意义上看，每一场篮球比赛都是一场艺术表演，明星球员们不拘一格的服饰、光怪陆离的发型、独具个性的纹身、精湛的球技、默契的配合以及华美的扣篮，都展现出篮球运动无限的艺术魅力。除了篮球比赛本身包含艺术性外，篮球运动与艺术活动还实现了最大程度的兼容。如比赛开幕式和间歇期的表演活动成了音乐艺术、舞蹈艺术等艺术形式的展示平台；篮球运动题材也给艺术家们带来了创作的灵感，由此产生了大量与篮球运动有关的雕刻艺术、摄影艺术、广告艺术和影视艺术等作品。艺术蕴涵篮球运动，篮球运动深藏艺术，篮球运动拥有了艺术，才能拥有人的完整的感性生活，拥有不断发展创新的动力源泉。

1.3　篮球运动的表演艺术本质

表演艺术区别于其他艺术的一个重要标志，是艺术作品创作和艺术审美欣赏的连结存在着“表演”这一特殊的中介环节。篮球运动表演活动和艺术行为的深刻内涵预示着现代篮球运动的表演艺术化发展趋势，在人类精神需求至高无上的今天，篮球运动也必将日益趋近其表演艺术的本质，即篮球表演艺术。

篮球表演艺术是现代篮球运动表演艺术化发展的必然过程和最终结果。如同整体不是部分的简单相加一样，篮球表演艺术亦不是篮球运动与表演艺术的单纯组合，而是对篮球运动中的表演环境、表演形式和表演内容的美学体现。因此，篮球表演艺术可以理解为：在特定的表演时空环境下，以经过组织和美化了的运动员技术动作、战术行为、身体姿态和动作过程为表演形式，以运动员在场上的创造性活动、个人及群体的情感宣泄和时空变换为主要表演内容，来满足人类精神需求的具有较强观赏性和审美价值的文化艺术形式。

2、篮球表演艺术的表达维度

方千华在对竞技运动的表演性进行研究时指出：表演不能游离于身体，表演的意义需要通过身体的投射来表达。篮球表演艺术的表达自然也离不开身体范畴。

2.1　作为身体语言的篮球表演艺术

身体语言是篮球表演艺术表达的基本方式。英国美学家乔治・科林伍德指出：“表现某些情感的身体动作，只要它们处于我们的控制之下，并且在我们意识到控制它们时把它们设想为表现这些情感的方式!那它们就是语言。”可见身体动作是组成身体语言的基本素材。篮球运动中的身体动作主要是指运动动作，因此，篮球表演艺术的身体语言主要是以运动动作为基本元素，体现在技术动作和战术行为两个方面。技术动作方面，运动员通过对运动动作的身体姿势、动作轨迹、动作时间、动作速度、动作力量等结构规则进行不断的提炼、加工和美化，形成了各种具有语言意义的技术动作，如投篮动作，不同手法及抬臂、抖腕、拨指的每一个技术细节都是运动员不同身体状态的表达；战术行为方面，运动员通过各种跑位配合，为观众展现出丰富多彩的身体运动画面，如挡拆战术，默契的联合掩护和适时的各自跑位，以其极具节奏韵律的身体语言，传达出运动员的体能和角色信息。

篮球表演艺术的身体语言并不是运动动作的简单组合，它必须服从于一定的表现目的，通过运动员在实践中创造性的加工、改造、发展和重组而成，如乔丹的“飞翔”、约翰逊的“魔术”等，这些“天才篮球艺术家”的精湛球技绝不是与生俱来的，而是在运动

实践中不断融入个人生命感悟的艺术结晶。因此，只有体现出篮球运动的公平竞争、表达自我、沟通情感。引起共鸣等交流作用的技战术行为或其他身体活动，方能称之为身体语言。离开了这种身体语言，篮球表演艺术便失去了独立存在的价值和可能。

2.2　作为身体呈现的篮球表演艺术

身体呈现是篮球表演艺术表达的基本途径。身体语言的有效表达必须以身体呈现的竞争性和审美性为最终途径，方能实现人类对篮球运动美的感知和享受。竞争是公平竞争，是表达人类本真的竞争，篮球比赛的胜利者和失败者，只要对自身生命进行了真实而完整诠释，就能得到人们的赞扬和欢呼。如2009年，cBA铁军“八一”男篮14年来首次无缘季后赛，但仍赢得了广大球迷的热烈支持；审美性是篮球运动成为表演艺术的一个重要原因。篮球表演艺术通过运动员在比赛中的艺术表现诠释其独特的外在美和内在美。外在美不仅表现在运动员静态的人体美上，更表现在技战术运用的动态美上，如快速的移动、敏捷的抢断和精准的投篮无不演译着这种动态之美。在表现外在美的同时，篮球表演艺术更加强调把审美的意蕴引向内部，即呈现出运动员的个性气质、意志品质等内在美，从而使欣赏者沉醉于篮球运动美的意境之中，获得对生命的感知。

竞争性和审美性既是身体呈现的形式也是内容，形式与内容在“身体呈现”这个层面上融为不可剥离的整体。运动员只有在竞争和对抗中，呈现具有美感的技术动作和战术形式，才具有真正的艺术审美价值。而没有艺术审美价值的竞争，便如同古罗马竞技场上的血腥厮杀，只能成为少数人享乐的工具，不会有更多观众和市场。

3、篮球表演艺术的存在维度

篮球表演艺术的表达是身体的表达，而身体只有置于社会之中才能呈现其生命力。因此，当我们追问篮球表演艺术是如何借助身体表达得以存在的时候，社会便成为篮球表演艺术存在的理解之维。

3.1　作为社会体验的篮球表演艺术

社会体验是篮球表演艺术存在的基本条件。社会体验即社会在对事物生物的和社会的阅历中见到深厚的情感和深刻的意义，观众欣赏运动员的表演，固然可以依靠个体体验得到对篮球运动的审美感受，但是，这种仅从客观得到的审美感受还只是一种旁观者所获得的赛场感染，人们只有通过社会体验，才能最广泛地体会运动员的身体语言所进发出的内在生命力量，理解和把握篮球运动的本质内涵。社会体验具有情感性。正如童庆炳所言：“体验的出发点是情感，最后归结点也是情感。”人们在长期参与篮球运动的过程中必然会产生丰富的情感，当这种深厚的情感成为人们普遍的精神需求时，篮球运动也就拥有了人的完整的感性生活，具备了表演艺术的特质；社会体验具有认识性。人们总是习惯从内心的情感出发去体验和揭示篮球运动的真谛，随着知识的增长，人们又会自觉以科学和理性的视角对篮球运动进行重新审视，这种科学理性的认识往往使人们在追求美好的本能驱使下，穿越时空，在体味篮球运动美的历史回顾中看到篮球运动“表演艺术”的影子，并逐渐形成对篮球表演艺术积极的认识。

人们对事物的认识总要经历由感性到理性的过程，篮球运动也不例外。社会体验的情感性构筑了篮球表演艺术存在的感性基础，认识性构筑了篮球表演艺术存在的理性基础，情感性和认识性辩证统一的社会体验的结果常常是一种新的更深刻的把握了篮球运动和生命活动本质的智慧的生成，即形成对篮球表演艺术的广泛社会认同。

3.2　作为社会文化的篮球表演艺术

社会文化是篮球表演艺术存在的基本形式。美国人类学家克鲁克洪认为文化是“历史上所创造的生存方式的内涵。”篮球表演艺术只有作为社会文化的存在，才能体现出它的意义与价值。篮球表演艺术是篮球文化积淀和传承的结果。文化积淀方面，篮球运动经历了一百多年的文化锤炼和滋养，先后演变出“游戏文化”、“竞技文化”、“技艺文化”、“个性文化”等不同的文化形态，篮球表演艺术也是社会文化的表现形式之一，体现出特定文化的继承性。如篮球运动虽然起源于美国，但在全球传播过程中，秉承了不同国家及地区的文化特质，而表现出不同的技战术风格。如欧洲篮球“高、狠、准”、亚洲篮球的“快、灵、巧”等。在文化传承方面。篮球技术的物态文化通过自我发展、师徒传承和团队发展等传承方式，使篮球运动技术日臻完美，并日益展示出“表演艺术”本质；篮球制度文化形态以篮球规则的不断制度化、规范化和合理化为主要传承形式，使篮球运动最终成为公认统一的稳定项目类型；而篮球精神文化则在传承早期的“公平竞争”、“身心和谐”等思想内涵的基础上，不断融入时代性的思想元素，如“文化交流”、“人的全面发展”、“个性张扬”等，并成为人类精神需求的一部分。可见，随着时代的变迁，篮球文化历经各个历史时期的文化延续和传承，实现了篮球运动技术、制度和精神文化形态的全面发展，并逐步向表演艺术的方向迈进。

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【关键词】影视导演艺术 基本特性 研究 解析

由于人们生活质量的不断提升，影视导演艺术也得到了多元化的发展，能够将技术同艺术进行综合性的融合与运用，可以促使屏幕形象同文字形象进行有机地转换，呈现给受众不一样的感官触觉。从经纪人的角度上看，能够将导演艺术的作品进行完美化的分析，可以通过专业的角度、丰富的知识，对其进行系统性的整合。

一、有关影视导演艺术的基本特性阐述

（一）导演艺术是以剧本创作为基础，进行艺术的再加工与再创作。通常情况下，优秀的影视导演艺术作品是源于一部优秀的文学剧本的创作，是以文学剧本创作的质量为基础的。受到多元化社会和多样化需求的影响，不同的导演创作的习惯和方式也是不同的，能够借助于对文学剧本的多次解读和阐释，依托于应试导演的艺术手段，可以将剧本中的文学形象进行银幕性格的再塑造和人物形象的确立，并且能够借助于人物形象与性格，将剧作所要表达的思想感情和哲学观点传递给不同的受众群体，也可以说是导演的二次创作。就现阶段而言，我国的影视作品拍摄过程中，导演的二次创作不仅只是体现在对剧本的依赖性上，还会出现只是依照剧作大纲进行拍摄，这种形式的拍摄就能够让导演切实地进行思维的发散，能够在人物的表演与形象的呈现上融入自己所要表达的思想，进行作品的二度创作。

（二）导演的阐释是对灵魂的再创作。导演的阐释是对灵魂的再创作，主要是基于导演在进行影视艺术作品的再创作过程中，无论是出现了编导分离、还是编导合一都需要依托于文学剧本中的内容进行影视作品的演绎。这个过程中，要求导演能够对剧中的人物和剧情进行详实地再次精读，感受作品中人物形象和故事情节带给导演的不同感受，并将其注入到自身所形成的一套剧作拍摄体系当中。赋予人物以新的个性特征和时代特征，能够快速地形成主体意识，呈现出具有体系化特征的导演构思，并可以将人物塑造的方式、剧情衔接的手段和所要达到的受众效果予以全面与细致地进行剧本灵魂的再创作。因此，导演对剧本新的阐释，就是对灵魂的再创作，能够规避传统直译剧本剧情所带来的乏味与空洞。

（三）综合艺术的创作中心是影视导演艺术。影视导演艺术是一个需要集合多个综艺部门艺术成果的艺术体系，能够通过对多元化的艺术部门进行艺术要素的借鉴和融合，促使其在多元化艺术的基础上，能够形成独具特色的艺术手段。一般来说，一个优秀的影视作品都需要借助于多种科技手段和多种表演艺术，这些手段的综合性应用都要遵循导演构思的统一领导，这就促使影视导演艺术成为整个综合艺术的创作中心。影视导演能够根据自身对拍摄作品的要求，可以掌握各种艺术表达方式的特点与要领，并对彰显个性的表现进行合理化的指导，使之能够服务于整个影视艺术作品，促使影视作品能够借助于综合艺术的创作，进行影视艺术作品的再创作。

（四）影视导演既是影视作品的组织者，又是影视作品的领导者。影视导演在实际的影视作品制作过程中，能够依托于其作品构思的需要进行影视作品的组织，是整个创作团队的核心领导和组织人物。尤其是在摄影、录制、美工、剪辑、表演等方面进行合理化的组织，在演员的选择上，要能够贴近影视导演构思中人物的形象与气质。通过对创作团队的选择，能够将导演的艺术才华与品格进行展示，就影视导演自身而言，其不仅需要具备完美的构思能力和组织能力，还需要具有强大的领导能力，能够让整个创作团队都集中起来，听从他的指挥，完成整部作品的创作，并可以作用于各个环节之中，包括拍摄和后期的剪辑等，使之能够达到理想的效果，可以更好地传递给受众剧作所要表达的真实思想。

（五）影视导演艺术同影视技术的发展具有相辅相成的艺术效果。随着科技水平的深入发展和不断提高，影视导演艺术和电视导演艺术都得到了新的发展，能够借助于高科技的手段和技艺，进行美学观念与创作观念的革新。由于技术的快速发展，突破了传统不能将色彩搬到荧幕上的缺点，利用光学镜头可以进行水下拍摄和航拍等等，都推动了影视导演艺术作品进行时代性的跨步拍摄。各个阶段的影视技术创新，都能够借助于影视技术的发展而呈现给受众不一样的感官享受，尤其是在艺术效果的表达上更具有时代的特性。

二、电影导演艺术同电视剧导演艺术的区别阐释

（一）在造型处理方面的区别。电视剧导演在造型处理方面需要考虑到电视屏幕较小的特性，进行艺术画面造型的细致化处理。以中景景别为例，在电影画面中能够看清楚演员较为真切与细致的表情，并且还能够配上具有空间性的环境特性，而在电视画面中，通常为近景画面才能看清演员的细致表情。

（二）在观演关系上的不同。在观演关系上，电影要求受众走出家门在影院进行观看影视艺术作品，而电视剧则是借助于电视媒体直接进行电视剧作品的观看，受众可以在家里，也可以在移动终端上进行观影。在观演关系中，电影导演在叙事方式上要更加细腻和精致，而将其同电视剧导演的影视作品相比较而言，电视剧导演的叙事方式略显粗放。

（三）叙事容量上的不同。通常情况下，电影与电视剧导演在叙事的容量上具有明显的不同性，一部电影作品的长度一般不会超过三小时，而电视剧则会通过续集或是系列剧的方式进行演绎。受众在观看电视剧时，能够将随意性与自主性的特征融入其中，可以根据自己的喜好进行电视剧集数的选择，然后进行观看；但是电影作品要求受众能够集中精神投入到电影作品当中，细细品味两个多小时的故事情节，叙事容量比较大。

（四）视听语言处理上的不同。电影和电视对于视听语言的处理是不同的，受到电影画幅较大的影响，视听语言成为影视作品的重点，就目前来说，许多电影作品都是通过立体声的方式进行电影声音的构成。而电视受到银幕小的限制，在视听语言的处理上仍然使用单声道的处理方法，致使电视剧的表现力不足，略有些接近舞台戏剧，并且将依赖台词和演员的特性突显出来。

受到经济和科技的双重作用，影视导演艺术可以在多元化要求的新时代得到快速地发展，可以在视觉、听觉、触觉等方面制造出许多令人震撼的感官刺激，并且能够将影视导演艺术的基本特性融入其中，推动影视导演艺术的稳健发展。

参考文献：

[1] 陈彤.浅析影视导演艺术的基本特性[J].华章，2013（12）.

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关键词：话剧；表演；使用技巧

话剧表演艺术中，舞台表演艺术和语言艺术同等重要，基于某种程度而言，话剧的语言艺术表演的好坏与否直接关系到话剧表演的成败，而且它还在艺术界中普遍达成共识。话剧最早开始采用哑剧形式演出，但是在时代的不断发展下，哑剧表演已经不能够吸引观众。因此话剧的表演中，语言显得尤为重要。

一、话剧表演中话剧语言的重要性

首先，话剧表演中语言能够有效地推动话剧故事情节的发展，绝大多数的话剧题材和话剧形式表演中，话剧台词的语言都是不可或缺的，话语演员在舞台的表演中，借助语言独白向观众传递大量的信息，而且这些信息或者剧情的发生背景概况。另外一个方面，台词还具有推动剧情发展的需求，多是台词含有大量潜在性的信息，这些语言信息能够预示剧情的未来发展需求，还能够为观众提供线索。所以说，语言对话剧剧情的发展的推动具有重要性的作用。

其次，语言还能够有效地揭示出话剧人物的性格特征，无论何种类型的话剧，话剧语言都需要借助演员之口说出，并且带有一定的感彩和性格特质，经典的话剧中，主要人物的性格鲜明，其语言台词也成为后代敬仰学习的标准。多数演员在舞台上台词的学习和对白事实上是对艺术形象的丰满过程。最后，话剧语言具有较强的行动性，话剧作为一门行为艺术，主要是推动舞台动作对剧情的发展进行展示，需要在极为有限的时间内迅速展开人物的行动性格，而且容易发生冲突，而且揭示人物的性格、思想，针对此，话剧语言需要在话剧中服从戏剧冬枣。此外，深刻有力的台词不仅仅能够实现表演上的艺术效果，还能够更吸引观众的喜爱。

二、话剧表演中语言使用的技巧特征

（一）生活化语言的表达方式

艺术来源于生活又高于生活，所以说，话剧也是生活中的一种反应和表现，通常来说，话剧主要是对生活的一种表现，它通过一定的再现方式突出话剧所要表达的感情内容，话剧一般分为三种主要的形式，这三种形式主要为对白、独白以及旁白。而独白是需要靠演员自己来完成的，通常是一种感情的宣泄，例如，“真正的勇士敢于面对l参淡的人生，敢于正视淋漓的鲜血”。

最后是一种旁白的表演形式，旁白是一种对故事背景等做出的必要性的解释。

（二）台词语言的重复表演和即兴表演

对于话剧演员的表演而言，通常可被利用的表演方式是相对有限的，语言作为最重要的表演方式之一，它需要话剧演员在充分发挥语言表现力方式的基础上，进而达到表演的预期效果。话剧表演需要在表演中对语言的表达效果进行分析，还需要选择较为合适达到语言方式。另外，话剧演员在进行演出时，所饰演的人物表达需要一定的真实情感。最后，话剧演员还需要根据观众对信息的反应适当地对信息作出合理反应，可以说，这需要话剧表演者具备即兴语言表演能力。

（三）话剧语言与影视剧语言相比的特殊性

影视表演台词与话剧台词相比生活化气息较浓，它不需要声如洪钟，字字达声，而是需要角色化、生活话、口语化。影视表演中的对白是提炼过的最精彩最鲜活最有感染力的生活语言。简单来说，是否听得见、听得清楚是检验一个话剧演员基本功的最低标准。话剧演员需吐字清晰、发音标准，尤其是在展现人物性格和激烈矛盾冲突时就要更加强调每句台词、每句话、每个字的穿透力。

三、话剧表演中的具体使用技巧

（一）话剧表演中必不可少的语言训练

话剧中语言表达技巧是话剧演员所掌握的基本技能，技能的掌握离不开日常的训练。首先，强调气息声调的练习，练习的过程中注意语气、语调，另外需要模拟顺口溜的练习。其次，把握好语言的速度，提高自己掌握语言速度的能力，进而提高语言的表达水平，最后，音调控制的训练，在训练中，控制好音调线条的训练，掌握音调高低、强弱的变化，提高语调的控制能力。

（二）富有个性化的语言和语言动作表达结合

一部质量上乘的话剧作品，单从语言上看，就能够看出各个角色富有鲜明的个性特点，个性化的语言是刻画话剧人物重要手段，角色语言需要符合并且表现剧中人物的身份、性格及特征。话剧表演中完整的艺术语言主要包括物质语言、情绪语言及肢体语言，物质语言即生活中日常用语，它构成了艺术语言的基础，情绪语言是表现人物内在情感的真实语言，某种程度上增加了语言的感染力，肢体语言就是语言的动作化，起到强化语言的效果。

话剧中的语言主要是为了体现人物性格特征，作为戏剧必不可少的是具有冲突，可以说性格引起冲突、冲突发展性格，所以说，语言的个性化和语言的动作化是相互依存的，因此，话剧表演中，将个性化的语言与动作结合，最终才能够向观众奉献高质量的话剧作品。

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关键词：行动　表演　基础

第一章　肢体语言的体会

人生如戏。一晃眼四年的戏即将演完了，在大学里的这场四年戏剧中学到了很多东西，也感悟了很多东西。感谢在我四年的戏中扮演的每一个角色，是这些角色赋予了我更多的生命力和想象力，也让我从表演中学会了人生的许多道理。

表演特征是运用接近生活的动作和语言创作影视角色形象。表演的特点是：演员就是创造者，自己的身体和声音是创造工具，运用肢体动作和语言手段来体现角色的表演行动。因此，演员的创作状态应是既有艺术创作性的体验、感受又有高度的自我控制的能力。表演的肢体语言包括动作、语言，表演主要是运用动作和语言来进行创作的，用接近生活又高于生活的动作和语言作手段来创造人物形象。影视表演艺术的特征是：一种运用接近生活的动作和语言创造角色形象。首先演员应当考虑，他不仅必须模仿自然，而且还必须把自然完美地再创造出来，以及在他的表演中真善美是相结合的，因此，身体的每一部分都应当在演员的支配下，使他能够随心所欲地根据既定目的和谐而优雅地运用任何一部分的肢体。

表演的肢体语言的体会：

1.动作和语言。演员是运用动作和语言来体现角色的舞台行动，行动的体现靠动作和语言，语言就是剧本台词。经过演员的精心处理，在表演时说的对白，在表演时做的动作和说话，都应让观众看懂角色的行动的目的，观众看懂了你是为了什么才做这个。为什么你不是这样做而是那样做，这就是观众被吸引的时候，他们想知道你下面做什么、最后什么结局，所以演员为了让观众看到有目的的行动，自己首先就要弄清楚你所扮演的角色行动及其目的性。行动是一环套一环的，是不断的，演员必须反复分析台词和行动指示，从字里行间去寻找有些行动目的。剧作者剧本中作必要的行动指示，其中很多是动作提示，但并非每个剧本都有具体的行动提示，全凭演员来创造，我们叫组织动作。在表演过程中都没有规定的动作和表演，全是靠演员自己去创造，而且一定要真听、真感觉，才能使得大家觉得戏不假。所以演员一定要好好地去分析语言中的每一句话，以及一个字一个词的真正含义是什么。分析准确的潜台词，组织具体的内心独白，才能把它很好地表现出来。

2.演员的身体和声音。演员的身体和声音是我们创造的工具。每次表演都是创造，为了保持作品的准确性、生动性，就必须体验、感受、热情饱满。在这里强调身体、声音、表情都是创造角色的手段、动作和语言、表情牢牢地掌握在演员自己手中，要创造好所扮演的各种角色。斯坦尼斯拉夫斯基说：“身体松弛，肌肉没有任何的紧张，整个形体器官完全服从于演员意志的支配，这对创作状态有很大的作用。有了这种训练，便能呈现组织良好的创作之作，演员便可以自由无碍地用自己的身体，把心灵所感觉到的东西表现出来。”当一个没有几句台词的角色，其重要的戏份其实都在这里，没有台词的戏常常就是最好的戏。当中演员就需要通过动作和表情把它细致准确地表达出来，让观众清楚地“看”到它。

3.演员的感受和控制。表演必须准确，有分寸，合乎人物、情境的需要和剧情发展变化的节奏。这一切，都必须由演员体验、感受、控制才行。影视中的哭与笑，既然是艺术创作，就不能流行自然主义，要给人以一种美感，给人以一种艺术的享受。生活中人们的哭笑，不论是悦耳还是刺耳，都无关大局，但在银幕中则必须使人感到如同音乐一样动听感人，要使自己的表演能感动观众，不要给观众造成一种生理上的不良刺激。演员本人的感情与角色产生了共鸣，才能体现更为动人的“创作状态”，但演员仍然会进行控制，这种控制的程度就在于不破坏“艺术的真实”而陷入真哭的境地。心里的感激、无奈惭愧等多种交错复杂的心情，让大家的心都纠结在一起，所以演员一定要有控制自己的情绪的能力。把握好分寸，才能抓住观众的心，才能使戏本身真实地展现在大家眼前。

第二章　行动是表演艺术的基础

1.什么是行动。有的演员，特别是一些没有经过正规训练的演员，在表演上往往总是想要直接地去表演情绪，或者是直接地去表演“形象”，更有甚者，则是以在舞台、银幕或者是在屏幕上常常可以看到的某种模式去表演。斯坦尼斯拉夫斯基强调演员在表演中首先要抓住行动。但行动究竟是什么呢？前苏联著名戏剧家查哈瓦指出：“行动——这乃是由意志产生的、有一定目的的、属于人类行为的动。行动有两个基本特征：（1）由意志产生的；（2）有一定的目的。行动的目的永远是想要改变行动的对象，或者如此或者如彼地改造它。前面所说的这两个基本特征就把行动和情感从根本上区别开来了。”

2.行动的真实性。表演艺术，是塑造人物形象的艺术，而人物形象的塑造又是以人物的行动作为它的基础。行动则永远是一个活动的过程，一方面它将占有一定的空间，因而具有直观性；另一方面，它在时间上也会有一个过程，因此也有着过程性。无论是演员在创造人物时，还是观众去观赏演员的角色的创造时，都是在这种直观性和过程性的统一中完成的。演员在一部电视剧中实际上是通过人物的一个又一个行动的过程才能够完成人物形象的塑造；而观众则是从演员所展现出来的人物的一个又一个行动的过程，欣赏到演员的创造。因此，创造出人物的行动的有机过程就是演员在掌握创作方法时应该注意的一个十分重要的问题。

任何人在行动时都会有一个心理过程，在这个过程中就存在着感觉、判断、产生态度和做出决定这样一些环节。演员在表演中去完成任何一个行动时，也同样应该有这样一个过程和过程中的各个环节。

但是，并不是所有的演员在表演时都能做到这一点，有的演员往往是在直接地去表演结果，因为在剧本中总是已经把人物要做什么写出来了，演员在表演时也就很容易去直接扑向结果，而忽略了行动的有机过程，丢掉了行动过程中的某些环节。这种表演，就被人们称之为“表演结果” 。这样一来，演员的表演就必然会使人物的行动失去了真实性和有机性，结果是显得十分虚假、造作。演员如果要想使自己的表演做到真实、有机，他在行动中就应该像在生活中一样地去把握住行动的有机过程，特别是把握住行动过程中的主要环节。也有人把行动过程中的环节称之为“行动的链条”，在含义上与行动的环节是完全一致的。

首先，演员在去完成任何一个行动时都应该真正地去感觉。这里所说的感觉，是指演员要用自己的感觉器官去感知剧本中发生的事件和事实，去感知你的同演者的行动中的一切微妙的反应，绝不能因为剧本中把一切都写出来了，演员就可以不去感觉而未到先知。我们经常会看到有的演员装模做样地看了一下手表，然后说“他怎么还没有来” 之类的话。但是，如果你问他刚才你看表时是几点钟时，他可能瞠目结舌地回答不出来，因为他根本就没有真正地去看表，只是做了一个看表的样子。

在感觉（感知）的基础上，演员就有可能去进行判断。但是，我们说判断是在感觉的基础上进行的，并不是说要先感觉完了之后判断才开始，而是说在感觉的同时判断也就会随之而出现。而它们之间的区别就在于感觉到的永远只能是客观存在的事实，而判断则一定会带有主观的分析。

尽管判断在人物的行动过程中是十分重要的环节，但是，演员在表演时一定要注意，判断虽然是在感觉的基础上出现的，但是不应该误解为它们之间是分割开来的。事实上，判断总是在感觉客观上存在的事实的同时就出现了，只不过是有些事实只要一去感觉就可以做出判断，而有的事实则要在不断的感觉中才能完成你的判断。例如：在一个剧本中，人们在山洞里被困住了，寻找出口的时候，通过水流声，寻找水源，摸索出口在哪个方位，马上就可以判断流水的尽头就是出口。然而如果一边是流水的方向，另一个方向却是光线，那么就得思考到底怎么走、哪边才是出口、该怎么过去等等一系列问题。至于对一些重大的事实的判断，如了解敌人的战略意图、侦破一个案件等等，则只能在反复不断地搜集事实和分析研究这些事实的基础上才能真正完成。

演员在表演中也应该是像生活中一样，对剧本中和同演者表演中提供出来的事实进行判断。一定要根据剧本的规定情境、人物关系、自己所扮演的人物的性格和当前所面临的事件与事实的性质，在真正地去感觉的基础上真正地去判断。如果说感觉是要求演员去真听、真看的话，那么判断则要求演员要真正地去思考，而且应该在看的同时就思考，在听的同时就思考，并且还要按照生活的逻辑去进行思考与判断，该长则长，该短则短。有的演员在表演中不是如此，而是为了判断而判断，在哪里去表演思考，本来是听到对手说了一句一听就明白，应该马上就可以做出反应的话，却要停下来去思考一会儿才反应，结果给人觉得影响节奏的感觉。尽管在有些电视剧中，对于一个事件的判断过程一直要到全剧结束时才能完成，例如像一些侦破案件的电视剧就是如此，但是这并不是说演员在每一个行动中都要有一个长时间的判断。在表演中，有时可以有很长时间的判断，而有时则完全可能只是在感觉到的同时，在一个瞬间就完成了。这就要求演员必须认真地去研究剧本所提供的规定情境、人物性格、人物关系，以及所发生的事件与事实的性质等等，然后还要按照生活的逻辑去创造出符合人物的准确的（不一定是正确的）判断的内容，只有这样，才可能真正地揭示出人物的心理活动来。

由此可以看出，所谓判断，在生活中就是人们对于周围环境以及在这个环境中所发生的事件与事实的分析与思考；在表演中，则是演员对于剧本中的规定情境以及所出现的事件和事实的分析和思考。所以在表演中有时也称之为“判断事实”。行动的过程所要展现的实际上是人物的心理活动过程，把握住人物在行动过程中的环节的目的，是为了在表现人的心理过程时做到真实和有机，因为任何一个环节的脱落，都会暴露出演员的虚假。譬如没有看见和听见什么就做出喜悦、惊讶、惶恐的表演，没有思考和判断就装出某种态度和做出某种行动等等，这都会破坏行动的有机和真实，因而也会使演员的表演失去可信性。我们必须首先要听到有人来的脚步声，才能做出相应的反应。只要是来的人没有发出脚步声，我们都不能有任何反映以及动作，只要做出了虚假的反应和行动就表示着这已经失去了戏本来的真实性，观众自然就会觉得这戏很假，那么这场戏就是令人失望的。所以演戏一定要源于生活，真实地去接受将要发生的每一个环节、每一件事情。

演员在创造人物的行动过程中所出现的心理活动，实际上就已经是演员对人物的思想感情的体验。这种体验，还同时必须借助于形体性动作和语言性动作才能够为观众所感知。因此，演员就必须考虑和寻求最准确、最鲜明的形体性动作和语言性动作，表现出人物的心理活动。在表演中，一方面是绝不应该有离开行动过程和对人物心理活动的体验的外部表现形式；而另一方面，也不应该是完全没有外在表现形式的行动过程和心理体验过程。演员在创作中只有做到内在的体验与外在的表现相统一，才能真正地表现出人物的行动过程和人物的心理过程。

第三章　结论

行动是表演中最重要也是最不可缺少的一个环节，演员之前所做的所有准备，就是为了这一刻表现出来，即所谓“台上一分钟台下十年功：。在舞台上所取得的成绩并不是一朝一夕就能获得的，而是通过长时间的摸索与实践以及训练才能达到的。舞台行动也是演员自身在成长中必须掌握的舞台要素之一。

行动是戏剧表演的灵魂，表演艺术实质上是“行动的艺术”。舞台行动作为一个艺术的创造过程，它本身就具有独特的规律性，具有科学的逻辑顺序，演员必须掌握舞台行动的全过程。在行动过程中存在着一系列行动的环节，只有在过程中经历这些环节，才能显示其真实性。舞台行动是现实生活的艺术反映，它与生活本身一样具有丰富复杂的方面。演员必须懂得舞台行动的种种类型，借以规范丰富复杂的行动，并在创造中掌握其细致的差别，使舞台行动充满生气。演员扮演的任何角色形象都毫无例外地要透过舞台行动过程展示在观众面前，因此，行动是表演的基础，也是表演中最根本、最难把握的要素。掌握好舞台行动，就能够帮助演员流畅地完成角色的塑造，这是演员毕业生需要研究和挖掘的主题。

四年的学习，四年的生活，四年的经历，演完四年这场戏。

参考文献

1.书籍引注 斯坦尼斯拉夫斯基 《斯坦尼斯拉夫斯基全集》第2卷.中国电影出版社，1959年版，第56页。

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关键词： 艺术 审美理想 认识

一、概述

艺术由多个领域组成：文学、戏剧、音乐、美术、影视等，这样的多种视角使得艺术具有形象性、主体性和审美性。审美性，是常人鉴别一部艺术作品质量的重要依据，一部艺术作品的“美”取决于它所反映的观念与体现的现象与自然社会的关系，它可以拥有自然美，也可以拥有社会美，更可以去表现艺术性的创造活动。

我们可以从深层次的多个角度来审视一部艺术作品的“美”。例如，作品所要表达的声、情、意，运用的创作技巧、体裁形式，表现的神韵，体现的风格与流派，等等。同样的，最简单的审美可以通过我们的感官来体验，看到的、听到的，或是感触到的，即使是一部作品所要表达的初元是个悲剧，它若是能让我们的心灵有所触动有所感悟，也算是“美”的。

二、对艺术审美理想的认识

（一）古代与现代艺术审美理想

相较于古代与现代，思想的进步，环境的改变，科技的发展，使得人们对艺术审美理想的认识千差万别。我国古代的四大艺术为人熟知，包括“琴、棋、书、画”。“琴”即古琴，一种承载中国千年历史文明的器乐。古琴的美是意韵悠扬的，古人弹琴前要“焚香沐浴”表达对琴的尊重，对曲的感慨，现今谁又能否认古琴的美？“棋”即围棋（古语中的“围棋”是一种闺阁游戏，跟现在的围棋不一样），棋艺代表一个人的智慧，古时帝王常用与将领切磋棋艺的方法来断定将领的引导作战能力，拥有精湛的棋艺，就代表足智多谋。在现今的人们看来，这或许是一种封建思想，但在古代，这确实是一种可以判断人的能力的具体方法。“书”即书法，谁人不见书法的极大魅力，这门独特的艺术具有极强的实用性和学问，“笔、墨、纸、砚”这四个部分就将书法演绎得出神入化。大篆、小篆、隶书、章草、今草、大草、行草、行楷、行书、楷书……各领，流传至今，由此可见，书法的美是显而易见的。“画”即水墨画，2000多年前，战国的时期帛画（丝织品上的画）开创了中国古老画艺的历程。山水画、花鸟画、人物画、写意画成为水墨画中的主流。画中或是意诗，或是描绘人们的生活娱乐场景，更值得人们去体悟的是画家所寄予的个人情感、理想，细腻如丝，悲切凄壮。看看这些历史留下的印记，不由得由衷感叹：这画如此之美。古代人将自己的理想寄于“琴、棋、书、画”这些美好的事物中，用现今人们的眼光来审视这样的美，也应算是美好的。

现如今，艺术领域不断拓展，影视、戏剧成为艺术的一种“新时尚”。

影视是一门综合的艺术，它的综合性可以分为三个层次：其一，它是各门艺术的综合；其二，它是科学与艺术的综合；其三，它是美学层次上的综合。影视艺术将视觉艺术与听觉艺术、时间艺术与空间艺术、纪实艺术与表演艺术、再现艺术与表现艺术有机地综合到一起。

分析一部影视作品，要从运动性、造型性、假定性和逼真性等方面入手，整部作品中镜头画面的连贯及生动，人物形象的典型逼真，直接地体现了这一部影视作品的质量。当今的影视作品逐步向现代生活靠近。同于音乐美术，影视作品也寄予了导演对现实生活的认识和对美好生活的向往，它所具有的不可抗拒的思想影响力，使得它拥有一种自然的莫名的力量引导着我们的视觉、听觉甚而是触觉。

现代艺术还有一种类别就是戏剧，戏剧是综合了语言、动作、舞蹈音乐、木偶等形式来达到叙事目的的舞台表演艺术。表演形式也是多种多样的，常见的有音乐剧、木偶戏、话剧、歌剧、舞剧等，它是一种典型的感官艺术。戏剧与影视作品两者都是运用叙事的形式来陈述一段或喜或悲的故事，从而在典型人物的身上体现当下社会中的矛盾冲突。

大部分的戏剧作品就是围绕这样的矛盾冲突而展开的，由一个冲突的提出、发展和解决作为整部作品的重要线索，这样别具一格的“冲突方式”给人们带来了另一种美的享受。

（二）东方与西方艺术审美理想

源远流长、博大深厚的中华文化是中华民族伟大创造的结晶，更是屹立在世界东方、自成系统且独具特色的文化。因此，东方的审美理想就更加偏向于中国化。东方偏中国式的审美理念拘于传统、保守、束缚的思想，这样的“历史主义”思想在现代社会中仍有体现。东方老一辈的艺术家在审视一部作品时，所寄寓的理想与现代社会的发展形势有很大的区别。传统的审美束缚于落后的社会环境及设备环境中，老艺术家常常借助于古老的传承方式――查阅历史文献来表达传统思想。正如《诗经》，一部最古老的艺术作品，是我国第一部诗歌总集，也是第一部民歌总集。现实主义的传统就是由《诗经》所开创的。

中国传统艺术精神中的“道”、“气”、“心”、“舞”、“悟”、“和”这六个字为中国的传统审美理念奠定了坚实的基础。源于本土历史，源于历史中旧社会及反映旧社会文化生活的东方审美观念虽说是传统的，但正是因为有这样的审美存在，原始的图景才付诸现实再现于人们的面前。

西方的审美观念应是具有时代性的，这取决于西方社会经济的快速发展。当然，西方的艺术中也囊括了古老的历史文化。就拿西方的文学来说，《荷马史诗》（古希腊两部著名史诗《伊利亚特》和《奥德赛》的合称）是欧洲文学的开端，也是世界文学史上最伟大的史诗，具有巨大的认识价值和美学价值，在世界文学史上占有极其重要的地位。这部史诗就可以当作被审美的对象，而它的价值所在是显而易见的。

西方审美打破传统的束缚，领先于世界前沿成为与现代艺术最为符合的审美观念。音乐、美术、文学等艺术领域也在不断地革新，使得现代主义更加丰富，而现代主义的流派在增加，风格在创新，西方的审美自然就占据了审美主流，这正体现了西方审美理念的先进性。

三、结语

由于时间的差别，笼统地将人类所生活的与人类未生活的年代区分为了古代与现代。也正因为年代的不同，造成了人类对艺术审美理想的不同认识。生于古代的人们，在艺术领域中寄寓了自己的理想，对现实的不满，对自己怀才不遇的愤慨，以及对安逸生活的向往都有可能在审美意识中体现。与古代人相比，现代人则忽略了“琴、棋、书、画”，他们注重的是现代社会所特有的艺术领域。即便是这样，古代与现代人对艺术的审美理想还是有交集的，虽然说现代的人更注重时代的潮流，但还是有一小部分的人执著地追寻着历史的足迹。

同样的，西方与东方的审美观念虽然截然不同，各个地域人文风情都有很大的差异，但是对于艺术作品来说，运用各种审美来审视它，得出的结论虽不一样，但相信，最终人类想要表达的一定是作品中所独有的“美”，这样的“美”寄托了别具一格的理想。

参考文献：

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【关键词】影视；话剧；表演；演员；方法；区别；塑造

中图分类号：J802文献标志码：A文章编号：1007-0125(2016)01-0037-02

一、我们眼中的演员的表演

谈到表演，大家无外乎都知道这是一个分门别类的艺术，包括音乐表演、舞蹈表演、杂技表演、戏剧表演等，但他们都有一个共性，那就是都是由人去表演的。而我要说的表演是一种综合类表演，是涵盖了很多门艺术并且是活生生演人的艺术，即戏剧表演艺术，这种艺术的主体就是我们俗称的演员。演员在剧作家创作出的文学人物的基础上进行再创造，即二度创作，将平面的文字描写的形象塑造成一个活的有血有肉有灵魂的角色形象，这种形象是演员扮演角色时创造出一系列的行动过程来完成的，因为表演是行动的艺术。

凡是学习过表演的人在校期间都学过表演专业的相关技能，也做过很多专业训练，我们都经过了动物模拟、观察生活、小品练习、小说文学作品改编、经典戏剧作品排演的过程，在关于演员的创作素质训练中也做了“七力四感”的元素训练，同样地在毕业大戏时也学习了怎样排演一整的大戏，怎样塑造角色并把所塑造的角色精彩完整地呈现在舞台上。但是尽管如此，为什么在经过这么多的程序后我们在毕业实践中还是不能掌握一个表演的分寸，即影视和话剧，我们怎么样去适应这两个同样是表演的两个领域？由实践得知，我们从事一项工作，有很多原因，我们热爱，我们没办法选择别的，我们只会这个，或者我们只想做好这个。那么影视和话剧同样存在选择的问题，但要想成为一名好的演员就要了解怎么样做才会拓宽我们的表演道路。我相信我是热爱表演的，但在实践的过程中发现虽然我在学校排了那么多作业片段，也有一定的舞台经验，但在跨出校门的那一刻还是感觉自己是一张白纸。当我们真正要把我们所学的应用到实践中时却无从下手。同样是表演，为什么影视表演和话剧表演的差距会有那么大。对于一个专业演员来说，能演好话剧的不一定能演好影视剧，能演好影视剧的不一定能演好话剧。而真正的优秀演员是既能演话剧又能演好影视剧的演员。

二、存在于过程中的话剧和话剧表演

我说的过程有两个，一个是话剧排演的过程，另一个是话剧演员塑造角色的过程。我们知道，话剧是以对话方式为主的戏剧形式，主要手段是演员在台上无伴奏的对白或独白，但可以使用少量的音乐和歌唱等。因为话剧表演具有抽象性和浓缩性，相比真实生活而言，它更夸张。所谓“艺术源于生活却又高于生活”就是说话剧是经过艺术提炼过的生活，和生活还是有区别的。对演员的要求是连续的、一次性的、一气呵成的。话剧又是一门综合的艺术，剧本创作、导演、表演、舞美、灯光缺一不可。

演员在演话剧时是一个打磨自我的过程。演员从拿到剧本开始就要细细咀嚼剧本所提供的信息，除了剧本里提供的信息外，我们还要揣摩甚至查阅剧本外的信息，如年代背景，当时人们的生活习惯，包括衣着特点、语言特点还有发生的重大事件特点，从而反映在角色身上，还要把角色的一生如人物小传般讲述出来，包括戏前发生的事、戏中发生的事，直到戏后发生的事，并且要将段落性的事实和几个事实推动出的重大事件总结并贯穿起来。做到心中有数，将角色和演员融合起来，才能投身到下一步的排演阶段。在排演过程中演员仍然要一遍一遍地揣摩角色，每一句台词是什么意思，其中的潜台词是什么，我为什么要说这句台词，还有在形体上、行动线上，每一个动作，在台上走的每一步，都要清楚我为什么做。

随后进入话剧的排练过程，即从粗排最后慢慢进入细排，合服化道声光电，而演员即使在最后上场前也还是会琢磨自己的表演是否到位，哪种表现手法更贴近角色等等。所以，一台话剧的呈现是一个演员幕后排演多次的结晶，也是智慧的结晶。正如在近期举行的人民艺术家李默然艺术人生论坛上，展出了老先生为表演事业所作的诸多贡献，他的作品被后人称赞，老先生就是在塑造每一个角色时都精心揣摩，他的人物分析笔记陈列在展览厅里，试问，现在还有多少演员有这样的习惯去尊重自己的角色呢？包括戏剧大师于是之，他善于总结，融生活与艺术为一体，把表演技巧深隐于形象创造之中。

三、与镜头并进的影视剧表演

作为影视剧演员，在表演上也需要有话剧表演功底做基础，但会降低夸张度，其他的功课也要做，比如人物分析，只是在表演时有一定的区别。影视表演是镜头的艺术，是镜头前的表演，最终的成品是经过了摄影和剪辑的渲染的影视作品。影视的空间以实景为主，尽量让观众能够感觉身临其境，演员表演更加接近生活。影视的世界是一个真实的世界，演员的表演也务必要符合这个真实世界的逻辑。屏幕形象的一个特点是比舞台形象具有更丰富、更细腻的心理描写。影视理论家巴拉兹认为，影视特写“不仅使人的脸部在空间上同我们更加接近，而且使它超越空间，进入另外一个境界，即心灵的领域──‘微相学’的世界”。影视表演在这个固定好的屏幕前必然会显出局限性，但也分情况，不同的镜头语言有不同的表演方法，要求演员灵活即兴的能力强。镜头语言会提供给演员行动线，也就是走位，在远景全景时，演员可以像话剧表演那样，形体台词可以自由地根据规定情境还有演员个人对角色的理解而进行表现，但是近景和中景就需要演员有镜头感，自己找镜头，越生活化越好。特写镜头就需要用到演员的面部表情状态了，即使细微的表情也能将表演的情感放大很多倍，所以演员表演时切忌夸张生硬，要充分对角色的内心生活和思想感情进行体验，当演员真正地在行动过程中产生了情绪体验时，这种与之相适应的表情就油然而生了，也就是自然地流露出来了。

影视表演考察的内容也包括演员的即兴适应能力以及心理素质。当我们站在镜头前的时候，我们演的场次和剧情可能会连接不上，这时我们就要去适应对手，适应此情此景，适应NG很多遍的体验。影视表演考察演员的想象力。很多时候需要正反打的拍摄，当只有一台机器的时候，我们往往要对着镜头表演，没有对手的我们只能靠想象去完成任务，包括动作。在台词上，由于话剧是给台下的观众表演，具有一定的空间性和抽象性，观众要想看懂首先要听清楚看清楚，这就要求演员的声音要大，口齿要清楚，无论情绪低落还是高涨，都要饱满地表达出来。而影视剧的台词有收音的设备，所以我们表演时不需要太大声，生活中怎么说就怎么说，也不需要夸张的语音语调，心平气和地再现生活就是最自然的。

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一、电影表演和电视主持在美学上的关系

电视主持是通过电视的媒介对虚构现实的一种有组织表演和再现。演员主持人进行创作时，要充分调动身体上的情感，通过语言和动作完成自身形象的一个塑造。表演和主持艺术，决定创作者和其创造角色之间的矛盾，他们即是表演中的角色，又是创作者。不仅要按照角色的逻辑行动，还要在表演中保持自我。

马克思经典主义作家让我们知道，人类把握世界的方式有艺术的、科学的、生活实践的和宗教的四大类。从这一角度出发，电视的美学可分为电视记录美学、电视技术美学和电视艺术美学这三个方面。它们在电视这个媒介中，不仅相互区别还有着相互的联系。美是一种关系，如果电影技术美学研究对象是影视美和审美与电影技术的关系，那么对电视主持美学上的主要研究就不会是科学自然的世界，却是人们生活实践中构成的人与社会之间的关系。简单来说，就是对人们日常生活的表现和捕捉，并不是艺术上的加工。

电视播音主持是最能够体现出电视特征的表现形式。它是对艺术、记录与信息传播在功能上的融合。如果说电视艺术主要表现在消遣娱乐和承担艺术的功能上，就会使电视主持变成电视化的产品和样式。所以，对电影表演和电视播音主持美学上的研究是电视美学不可缺少的一部分，拥有典型的意义。

二、电影表演的真实性在电视播音主持上的使用

在媒介发展的历史上，电影、戏剧、舞蹈、绘画、文字等用其鲜活形象，使人类产生“真实”的幻觉。但自从电视的出现，使电视成为记录接近现实生活的一种重要媒介。然而电视不同于其它媒介，它不需要像戏剧与电影一样的放映演出，而是与人们的日常生活结合，成为了人们现实生活的延伸，是我们在生活中不可割舍的构成要素。

然而问题不像想象中那么的简单，我们一旦将其真实的原生态和电视观众接受到的真实放在一起，就会发现，期间通过摄像机、特技机等工具的特效处理形成了多重假设技巧的运用。最后在电视上播放出来已经经过了多重假设的过程。使电视主持的真实与生活的原生态有了本质上的差别。

如果说电影、戏剧、舞蹈、绘画、文字等媒介是通过物质和意识来创造比生活更加真实的“艺术真实”，那么电视播音的记录就远远不会那么单纯。因为它既有取自生活的原生态，又经过了一系列的加工、改造。这样就会让观众领悟到一种艺术假定的结果。于生活的原生态合二为一，令观众难以区分。

人们说真实是电影表演的生命，但是问题出现在，人们用抽象的真实作为标准，来衡量电影电视表演的真实，会发现其在不同的情况会拥有不一样的内涵。所以有必要对真实这个概念进行一个具体界定。

三、演员和电视播音主持技巧上的结合

    说到电视播音主持的技巧应该会是一个新概念，所以结合实践中的现实，人们会有很多种的理解。但是既然有了对概念上的基本界定，好的主持人标准应该是集记者、播音员、演员甚至是导演的技能于一身的全才，当然这也是很难实现的。实际一般只是做到把握表演基础技巧后，对深层的技巧也是各有认识，像做过演员的会更重视戏剧表演技巧、做过电视播音员的会更注重播音语言技巧一样。但电视播音主持的基本技巧和电影演员的基本技巧是互相关联的。一名好的主持人要像演员一样，有集中的注意力和信念的真实感，加上对行动技巧的掌握，能在镜头前更积极的行动，熟练运用表演的基本元素。就像行动、判断、交流这三要素是对一个主持人最基本的要求，一旦没有这些基本的本能保持，那么何来更深入的技巧呢？虽然电视播音主持人的技巧是综合的，但是它依然是表演艺术的范围。主持人想要高水平的表演艺术技巧和高层次的自身气质，并不是一朝一夕就能成就的，需要的是主持人长期的自身磨练和修养，因为它直接关系到主持人技巧和功力上的运用，可以说它也是优秀主持人运用主持人技巧的一个前提条件。就像凤凰卫视播出的《非男非女》一样，女主持人的温婉清丽和善解人意，对观众洒下的温柔，使饱经爱情坎坷的人们对未来有了憧憬和慰藉。但是在人们的想象里，这样的栏目似乎要有一位感情阅历丰富的年长妇女来主持会更加合适一些。但是作为一名未婚的妇女，使这个栏目拥有了另一番风味。她没有婚恋经历，更没经过离异，但是她充分运用专题的假设，用自身的行动来表达对节目的诠释，使节目更具观赏性，而主持人的亲切温婉也得到了许多观众认可。