人体结构绘画教学范文

导语：如何才能写好一篇人体结构绘画教学，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

智慧技能的教学是学校教学的中心任务．著名认知心理学家加涅认为，智慧技能主要涉及概念和规则的掌握与运用，它由简单到复杂构成一个阶梯式的层级关系：概念（需要以辨别为先决条件）规则（需要以概念为先决条件）高级规则（需要以规则为先决条件）．因此，对于中学数学的每个单元，学生应该按照加涅关于智慧技能由简单到复杂构成的这个层级关系去学习，以便按照这个层级关系把所学的知识组织到大脑当中，形成具有良好层级性的认知结构．

据此，笔者在“排列、组合”单元的教学中，将教材内容的顺序进行了调整．调整后的结构如图1所示．排列、组合p概念从飞机票和飞机票价等具体问题的辨别入手，得出排列与组合的概念，进而介绍排列数概念、组合数概念及其符号表示．

排

列

、

组

合

概念

从飞机票和飞机票价等具体问题的辨别入手,得出排列与组合的要领进而介绍排列数概念、组合数概念及其符号表示.

专题一

算法

在解释p1n＝n，c1n＝n（n∈z＋）的基础上，介绍加法原理和乘法原理（引例和例题的处理均须用由p1n或c1n组成的算式来解答）．

专题二

排列数公式与计算

专题三

组合数公式、计算与性质??

应用

用直译法解决纯排列与组合问题（同时用分步法解答纯排列问题）．题型如1990年人教版高中《代数》下册（必修）（简称：高中《代数》下册．下同）第234页例3、第245页例2.

专题四

用分类法解决加法原理的简单应用题．题型如高中《代数》下册第234页例4（此例还可用分步法）、第245页例3．

专题五

用分步法、分类法和排除法解综合性排列与组合问题．题型如高中《代数》下册第235页例5、第246页例4．

专题六

图1

于是该单元的教学次序是：基本概念的形成（排列与组合的概念、排列数与组合数的概念）基本算法规则的掌握（原理与公式）概念和算法规则相结合的应用（这里是以解题规律为主线，把排列应用题和组合应用题一并按其解法由易到难分层次集中而对偶地解决的），完全符合加涅关于智慧技能的学习必须按从概念到规则，再到高级规则的层级顺序去进行的规律，理顺了学生学习排列、组合内容的认知层次，加强了该单元认知结构的层级性．

2．运用先行组织者，促成认知结构的稳定性

运用先行组织者以改进教材的组织与呈现方式，是提高教材可懂度，促进学生对教材知识的理解的重要技术之一．其目的是从外部影响学生的认知结构，促成认知结构的稳定性．

因为高中生首次面对排列、组合单元的学习任务时，其认知结构中缺乏适当的上位观念用来同化它们，因此，我们在该单元的入门课里，在没有正式学习具体内容之前，先呈现如图2所示的组织者，能起到使学生获得一个用来同化排列、组合内容的认知框架的作用．

排

列

、

组

合

概念

排列、组合的概念

算法

算法原理、计算公式

应用

解排列、组合问题

图2

值得一提的是，安排在本文的入门课——专题一中的飞机票和飞机票价等具体问题，以及安排在基本原理课题中的两个引例，它们也分别起到了学习相应内容的具体模型组织者的作用．

3．实行近距离对比，强化认知结构的可辨别性

如果排列概念和组合概念在学生头脑中的分离程度低，加法原理和乘法原理在学生头脑中的可辨别性差，则会造成学生对排列和组合的判定不清，对加法原理和乘法原理的使用不准，从而严重影响学生解排列、组合问题的正确性．因此，在教学中我们必须增强它们在学生头脑中的可辨别性，以达到促使学生形成良好的“排列、组合”认知结构之目的．

按调整后结构的顺序教学，很自然地实行了近距离对比，加大了排列与组合、加法原理和乘法原理的对比力度，从而强化了它们在学生头脑中的可辨别性．

（1）在入门课里，开篇就将排列概念和组合概念进行近距离对比，有利于引导学生得到并掌握排列和组合的判定标准：看实际效果与元素的顺序有无关系．

（2）专题二首次近距离比较加法原理和乘法原理，并运用其判定标准——是分类还是分步，去完成对实际问题的处理，以加强学生对它们的理解与辨别．

（3）专题四、五、六里，把排列、组合问题按其解法分层次对偶地解决，在没有单独占用课时的情况下，很自然地为排列和组合的近距离比较，为加法原理和乘法原理的运用对比，提供了切实而尽可能多的机会．

4．及时归纳总结，增强认知结构的整体性与概念性

我们知道，认知结构是人们头脑中的知识结构，也就是知识在人们头脑中的系统组织，它具有整体性和概括性．认知心理学认为，认知结构的整体性越强、概括水平越高，就越有利于学习的保持与迁移．因此，在每个单元的教学中，我们必须随着该单元教学进度的推进，及时归纳总结已学内容的规律，以促进学生认知结构概括水平的不断提高，最终促使学生高效高质地整体掌握该单元，从而形成整体性强、概括程度高的认知结构．

于是对于“排列、组合”单元，笔者就随着教学进度的深入，引导学生不断归纳、及时总结出以下各规律：

（1）排列与组合的判定标准（见前文）．

（2）加、乘两原理的判定标准（见前文）．

（3）排列数公式的特征（略）．

（4）组合数与排列数的关系（略）．

（5）解排列、组合问题的基本步骤与方法：

①仔细审清题意，找出符合题意的实际问题．

所有排列、组合问题，都含有一个“实际问题”，找出了这个实际问题，就找到了解题的入口．

②逐一分析题设条件，推求“问题”实际效果，采取合理处理策略．

处理排列、组合问题的常用策略有：正面入手；正难则反；调换角度；整、分结合；建立模型等．但不管采用哪个策略，我们都必须从问题的实际效果出发，都必须保证产生相同的实际效果．因此，实际问题的实际效果，就是我们解排列、组合问题的出发点和落脚点，因而也可以说是解排列、组合问题的一个关键．

③根据问题“实际效果”和所采取的“处理策略”，确定解题方法．

解排列、组合问题的方法，不同的提法很多，其实归根到底，不外乎以下五种：枚举法；直译法；分步法；分类法；排除法．如所谓插空法，推究起来也只不过是在调换角度考虑的策略下的分步法而已．

5．注意策略的教学与培养，增大认知结构的可利用性

智育的目标是：第一，通过记忆，获得语义知识，即关于世界的事实性知识，这是较简单的认知学习．第二，通过思维，获得程序性知识，即关于办事的方法与步骤的知识，这是较复杂的认知学习．第三，在上述学习的同时，获得策略知识，即控制自己的学习与认知过程的知识，学会如何学习，如何思维，这是更高级的认知学习，也是人类学习的根本目的．

所谓策略，指的就是认知策略的学习策略，认知策略是个人用以支配自己的心智加工过程的内部组织起来的技能，包括控制与调节自己的注意、记忆、思维和解决问题中的策略．学习策略是“在学习过程中用以提高学习效率的任何活动”，包括记忆术，建立新旧知识联系，建立新知识内部联系，做笔记、摘抄、写节段概括语和结构提纲，在书上评注、画线、加标题等促进学习的一切活动．

在中学生的数学学习中，如果学生的认知结构中缺乏策略或策略的水平不高，那么学生的学习效果就不好、学习效率就不高，特别是在解题过程中，就会造成不能利用已学的相关知识而找不到解题途径，或造成利用不好已学的相关知识而使解题思路受阻，或造成不能充分利用好已学的相关知识而使解题方法不佳，以致解题速度不快、解答过程繁冗、解答结果不准确等．因此，中学数学教学，必须重视策略的教学和培养，让学生学会如何学习和如何思维，以增大学生认知结构的可利用性．

为此，笔者在“排列、组合”单元的教学中，除注意一般性学习策略（如做笔记、画线、注记和写单元结构图等）的培养以外，更注重解排列、组合问题的培养和训练．

（1）在专题二、四、五、六里，对排列、组合问题解法的教学，始终按“仔细审清题意，找出符合题意的实际问题逐一分析题设条件，推求问题实际效果，采取合理处理策略根据问题实际效果和所采取的处理策略，确定解题方法”的基本步骤进行，以培养学生在解排列、组合问题时，有抓住“实际问题的实际效果”这个关键的策略意识和策略能力．

（2）重视一题多解和错解分析（多解的习题要有意讲评，例题讲解可故意设错）．

一题多解能拓宽解题思路，让学生见识各种解题方法和处理策略．另外，一题多解又能通过比较各种解法的优劣，使学生在较多的思路和方法中优选．同时，因为解排列、组合问题，其结果（数值）往往较大，不便于检验结果的正确性，而一题多解可以通过各种解法所得结果的比较，来检验我们所作的解答是否合理、是否正确，从而起到检查、评价乃至调控我们对排列、组合问题的解答的作用．

错解分析能使学生注意到解答出错的原因所在，同时使学生体验到解题策略调节的必要性和方法，防止今后犯类似的错误，增强学生解题纠错力．

故意设错如高中《代数》下册第246页例4的第（3）小题：如果100件产品中有两件次品，抽出的3件中至少有1件次品的抽法有多少种?

错解：由分步法得c12c299＝9702（种）．

略析：像该题一样的“至少”问题最好莫用分步法，这里分步出现了重复计算（以上错解是学生易犯错误，教学中必须注意）．

参考文献

1 邵瑞珍主编．学与教的心理学．上海：华东师范大学出版社，1990

篇2

关键词：速写；循序渐进；教学；比较

0 引言

对于普通高中的美术教学而言，速写的教和学在实践性上不一定要做得很深入，但是对于美术班的学生来说，仅仅从专业角度出发是远远不够的。近几年，美术高考对专业的要求越来越高，学生的美术专业水平必须能达到一个新的高度，使绘画不再是简单的描摹，而是需要有一定理论认识上的绘画创作。这样一来，对教师也提出了一个新的要求，即如何在短时间内让学生理解，并且有兴趣地、有积极性地学习，在有限的时间达到一定的效果。

本文以高中美术班速写教学为例进行讲述，就如何合理有效地进行教学、激发学生的学习积极性、帮助学生合理地安排时间进行阶段性的学习、从而提高教学效果等阐述自己的观点。

1 速写教学的总体思路

在美术基础教育中，如果能让学生产生浓厚的兴趣，对于教与学就能事半功倍。就速写教学而言，同样需要采用积极有效的教学方法，既要有统一的教学思路，也要因人而异、因材施教。

所以，在速写的教学中要合理安排教学计划，从学生的实际情况入手，用不同的方法进行教学，采用四个步骤----临摹，解剖，理解，运用，来进行教学，让学生喜欢上速写，把画速写当成生活的一部分，而教师则要根据学生的实际情况，踏踏实实的做好每一步。

下面对这四个步骤的练习过程及如何把教与学达到最佳状态进行具体地讲述。临摹――让学生对速写有一定的了解，每个学生都有自己对线的感受，根据学生对速写的理解，可以选择对不同绘画大师作品进行临摹；解剖――深入了解结构，了解解剖，懂得结构在速写中的重要性；理解――着衣和人体的训练，回归基础，回归本质；运用――把基础知识和个人对速写的理解相结合，找到适合自己的速写。

速写的教学是一种练习，也是一种学习习惯的培养，作为教师，在教学中合理地安排教学时间，把教学质量提高，把教学的过程和实践相结合，做到一步一个脚印。

2 速写教学的过程分析

临摹――临与摹是按照原作仿制书法和绘画作品的手法，合称“临摹”。临，是照着原作写或画，可大可小；摹，是用薄纸（绢）蒙在原作上面写或画，不可改变大小。

提出问题：不断的临摹，学生会腻烦，提高不大？

对于刚接触速写的学生来说，临摹是一个必不可少的过程，因为在临摹的过程中能学习到很多东西，但是临摹一定要带着问题去临摹――我临摹的目的是什么？为什么要临摹？我该怎么临摹？他为什么要这样画？只有这样，才能事半功倍，达到临摹的目的。同时，临摹也有很多种方法，可以对不同大师的作品进行选择，有以线为主的，有以面为主的，也有线面结合的，当然技法上会有很多不一样，效果也不竟相同。因此，临摹前必须先做好准备工作，对临摹的作者进行熟悉，了解他对绘画的一些基本认识及绘画技法，懂其精神。画如其人，你的文化水平到哪个境界，绘画也到哪里！作者的生平能在他的绘画中体现出来，不同的阶段也有不同的认识。同样对于线的理解，安格尔的线和鲁本斯的就有很大差别：第一，安格尔的线条柔美；第二，鲁本斯的线条奔放。理解不同，表达就会不一样。线与面的理解：线，可以说是一个极度压缩的面，每个面都交代不同的空间，不同的体积等；面――也是有空间、有体积的，在不同的位置，它的形状和浓淡都是不一样，它要交代自己所处的位置。

刚进行速写训练时要把外形放在首位，要强调线的重要性，这过程可以由线性的速写开始入手，学生就可以舍繁取简的去理解形。加强学生对形的认识，知道形的重要性，工笔线描人物就是个好的开始，这个时候就要注意如何挑选临摹的范本，要有侧重点不同阶段，用不同的范本，不同的学生用不同的范本，这样就能让学生找到自信，缘木求鱼，找到自己擅长的方法。

线描人物写生的观察方法，运用的是将客观与主观融为一体的意象观察方法，运用客观的观察方法完成对表现对象的客观视觉研究，在客观的制约下，完成对客观物象的主观艺术夸张与概括提炼，从而达到既强调了表现对象的典型性，又不完全是客观对象摹拟的表现目的。然而，在刚接触速写时，如果考虑得太过于周全，对于体积、明暗、形等方面要求面面俱到，很多学生是做不到的。因此，从线上入手就显得尤有为重要，这样可以先解决形的问题，让学生明白，形在速写中有着举足轻重的位置，在临摹的时候要加强对线的认识，线不是简单的外形，画面中的每一根线都有着它独特而不可或缺的作用。

方法：第一，让学生统一临摹一张线描速写，然后统一讲解画面中每根线的用处。这样可以帮助学生增加对线的理解，懂得线不是简单的外形，线能表达明暗，能表达空间，体积等，还可以结合大师的一些素描稿子，让学生懂得绘画是需要理解的，好的速写每一根线条都值得去推敲。第二，短时间的动态练习。适当结合时间短的动态速写，让学生体会整个人物的动态重要性，时间尽量控制在5分钟左右，把短时间的练习和默写相结合。第三，长短期作业相结合。临摹速写时，可以适当结合长期的人物线描，让学生体会线条的变化。长期的人物线描可以帮助学生增加对线的深入理解，推敲每一根线的变化；第四，结合大师速写，适当带些明暗，了解明暗在画面中的重要性。

通过临摹的对比，可以发现学生在绘画的过程中对结构的不理解，这个时候就进入下一课程的学习――如何让学生加强对结构的理解。

存在的问题与如何过渡到下一个过程：临摹能让学生体会速写中线的变化，体会到形在画面中的重要性，理解线条的变化，找到速写的感受，但是学生往往只知道怎么去描摹对象，而为什么要这样做却是不理解的。然而，学习解剖则能让学生知道每根线条的作用，懂得衣服里面包裹的是结构，而不是一个萝卜。

解剖――对人体的结构的理解，包括骨骼和肌肉的外形比例。

提出问题：解剖是个比较枯燥的课程，骨骼和肌肉的外形都不一样，名字也不同，很难记。如何让学生懂得并进一步理解解剖的重要性？如何增加学习的积极性？这就需要把解剖课和实践练习相结合，采用多媒体、手绘示范等多种教学手段。

对于解剖的认识，本人认为是一个非常重要的内容，人体的解剖课是大学的课程，但是近几年美术高考提高了对速写课程的要求，这就必需把大学的课程带到高中来解决。当然，把解剖课上得和大学一样，也是没有必要的，这个阶段的练习就主要从形上进行理解，去了解每个结构形，不同的动作外形就会有不同的变化，高中阶段就解决这个问题。然而，对内部形不理解，会导致结构的不明确，如何在没有人体课的情况下让学生对人体的结构有适当的了解？可以通过人体动态摄影来进行，如《艺用人体解剖》等，先对解剖进行初步的了解，再结合动态，把解剖的理解带到形上去，把结构和形进行结合。

方法：第一，简单地了解结构。对于解剖的认识可以结合人体结构，临摹一张人体素描，再画一张肌肉解剖，最后再画一张着衣，后面两张都是学生根据自己的理解，自己默写，这样的一个过程，能发挥学生学习的主动性，让学生主动地去研究结构。第二，临摹人体的速写。让学生感受人体的速写，理解每个结构的变化，在临摹人体速写的过程中，能感受到动态会带来结构的变化，人体在不同状态下，他的外形会有微妙的变化，这也让学生懂得人体结构形的不同，这个阶段可以临摹吴宪生老师的人体速写。这个阶段的练习，是通过速写和素描的临摹相结合来解决，这样的练习就是把快写和慢写相结合，调动学生学习的积极性，让学习不觉得枯燥，这个阶段用的临本一般可以用吴宪生和列兵美术学院的人体素描。对高中学生而言，对人体结构的了解是有限的，但是需要了解大框架的解剖知识，大的框架及解剖在动态上有着举足轻重的作用，其中让学生理解人物的动态最主要是重要骨头的变化，还要了解人体的骨架，这样才能确定大动态，通过解剖的理解，学生会掌握到人物外形产生变化，结构自然也会改变。第三，长期人体解剖石膏像的写生。在有条件的前提下，开设素描写生课程让学生深入了解人体解剖的石膏像，这样可以深入地去理解人体结构。同时，速写的练习要适当地结合素描的学习，也可以把长期和短期的作业相结合，让学生在长短期作业的变化中找感觉。第四，用不同的学习方法让学生了解人体结构，以激发学生的学习兴趣。对于解剖的认识，如果只是通过机械的解剖的理解，不一定能达到最好的效果，而不同形式的理解，容易提高学习的积极性，进一步从形上理解结构，以下是三种不同的理解方式，加深学生对结构的认识。

存在的问题与如何过渡到下一个过程：对人体的结构理解不是很透彻，对外形的理解不明确，下一个课程如何加深理解。

理解――如何把临摹和写生相结合，把临摹的东西运用到写生中去，这也是提高速写的一个重要过程，有些学生临摹很好，但是在写生的时候就用不上去，这说明在临摹的时候没有抓到要点，是为了临摹而临摹，就是第一步骤没有做好。因此，可以通过对比的训练方法，临摹一张范本，再让模特做同样的动作，进行写生，让学生了解，临摹作品在写生过程中用了怎样的处理方法。同时，对于结构点的寻找和处理，也可以用人体和着衣的照片训练达到目标。例如，人体素描练习一张，再画一张着衣（透明雨衣）进行比较。

运用――是重要而长期的一个过程，让学生在不同的形式下进行训练，从而找到自己对速写的理解。

方法：第一，画外形，画动态。在较短的时间内，用最简单的线条去表现对象的动态比例，这样能增强学生对动态的敏感性。例如，剪纸的练习，在教学上可以通过皮影戏的原理，让学生知道外形的重要性；在外形练习的过程中，可以适当加些内部的线条，不需要加太多，让学生知道重要的动态线（主线）即可，并进一步学习如何去组织线条，了解线条的变化。

第二，在了解结构的基础上，临摹大师的人体，再根据结构给对象穿上衣服，这样就能让学生主动地去了解结构和衣服之间的关系。

在运用的过程中，要用多种的训练方法，有不同侧重点地去练习和了解，加强记忆和运用。例如，同一动态不同角度的训练，不同时间的训练。

3 速写教与学的相互相成

速写是个长期积累的过程，要把画速写当成一种习惯，尽量每天都要练习。在不同的阶段能够进行不同程度的训练，每个过程都要有目标，有短期和长期的目标。在美术的教学中，各种模式的相互结合，从量变到质变，教学时间与学习成效的相互相成，从心理变量来达到学习上的质变。因此，几乎所有的后续研究都是对“所花时间”和“所需时间”这两大变量关系作进一步细化或完善，在速写教学中把各个教学形式相结合，把两大变量关系作到最完善，这样有积累的练习，会增加学生的积极性。

速写是美术专业基础训练的重要科目之一，它不仅是锻炼造型能力、收集创作素材的重要手段，还是一种具有独立审美意味的艺术形式。速写是每个喜欢在大自然和美好现实生活中捕捉美好景物的画家必须具有的基本功之一，它是画家在体验生活与观察生活中灵感的结晶。然而，速写的训练是个长期的过程，是个耐心的过程，如何把速写画好，如何把画速写当成一种习惯，这都是我们要研究的。

参考文献：

[1] 伯里曼人体结构[M].广西美术出版社，2010.

[2] 吴宪生.人体线条素描[M].

篇3

这表现在：专业教育重艺术，轻技术，重纸面效果，忽视服装的内涵本质等。由于许多院校初期的服装教学是由搞绘画艺术的美术教师或搞染织的工艺美术教师担任，学生所接受的训练多是美术基本功和服装画的描绘技法，而服装设计所涵盖的艺术与技术的内在联系没被更多地意识到。造成了学生只会画，不会裁，也不会做(特别是对有变化的结构)，无法使设计意图得到完整体现。进入九十年代，服装教学经过前一阶段的发展与反思，教学上有了较大改进，服装的制图、剪裁、工艺缝制的比重加大，对学生强调动手能力，学生的专业素质有了明显提高。

不过，对服装工艺技术的重视并不等于就是抓住了专业教学的本质，对于怎样能使服装设计中艺术与技术相互交融，仍然还是教学中所要探讨的一个主要问题。目前设计教学上，款式造型与结构设计相分离现象还较普遍。结构制图课教学仍然较多地注重在常规服装上，对于款式造型设计及所对应的结构变化分析缺少必要的教学环节。要确实做到艺术与技术的有机结合，笔者认为，应从以下几个方面去努力改进。

一、引导学生树立正确的设计观念

设计艺术与绘画艺术不同，设计艺术不仅具有绘画艺术形式的美学原理法则，更主要的它是以不同于绘画艺术的思维理念传达视觉形式并体现自身的实用价值。本世纪二十年代，德国现代建筑设计学校提出“艺术与工业技术相结合”，首创包豪斯体系，翻开现代设计领域新的一页［1］。由此，西方国家的设计艺术教育得到了迅速发展。在我国，设计艺术远比绘画艺术引进的晚，国内的设计艺术教育多年来一直受绘画艺术教育所左右，致使各类设计观念局限在绘画艺术的思维定式中。因而，在服装设计教学中如何处理好艺术与技术的关系，确立对服装设计本质的认识，将主导着教学的发展方向和思路。

时下，我国各类服装赛事频频，学生通过参与这些表演展示，自然是天阔了眼界，得到了锻炼。但由于这些赛事多数是注重体现创新的理念与艺术形式，具有先导性文化特征，与作为商品的服装尚有很大距离，故服装本身的内在品质性因素往往不被参赛学生所重视，以致时常出现学生参赛获奖，但却搞不好日常生活中的时尚服装，到企业也胜任不了设计工作，究其原因就是学生对服装设计的理解认识不够，对服装本身实质性的技术技能掌握不到位，因此这就要求教师对学生在专业认识上要给予正确引导。

一方面，提倡学生要有较强的创新精神和艺术修养，积极参与专业大赛，注重培养学生对形式美及前卫时尚的敏锐感受力，使其具有超前的设计意识、设计理念。另方面，要强调学生对服装本质的认识，立足于学习服装结构、工艺技术方面所表现出的美，做到用良好的美感形式体现服装的功能价值；以得体的穿着效果展示高品位的内涵，树立起正确的设计意识及理念。

二、改进绘画基础教学模式

服装设计作为设计艺术范畴，自然离不开绘画基础，绘画基础的训练不仅是为了画好服装画和设计图，还关系到对学生审美情趣和形式法则的培养。国内服装院校的绘画基础教学，以往沿袭的多是美术院校传统的绘画基础教学模式，由几何形体、静物到石膏像、头像，再到人体、半身像、全身像，由浅入深逐步进行的训练。

但服装设计的绘画并不需要如此缜密、严谨的基本功训练

一是时间不允许，因为服装绘画只是服装系统工程中的一小部分，大部分应该是对服装的造型及结构变化、裁制工艺等方面的研究。

二是服装绘画表现的是人与服装的关系，人是第一位。必要的人体结构知识，对物体结构、空间、质感等非光影效果的理性表现，以及大量的人体、着衣人物动势的速写等短期作业，则是绘画基础训练的主体内容。纵览国外大师、名家的服装绘画作品：洗练、简洁的线条运用；夸张、到位的结构刻画；概括并富于质感的衣料效果；常常给人留有深刻印象。

三、服装款式造型与结构的一体化教学

服装款式造型与结构的变化统一，在服装设计中是最关键的环节，也是服装设计教学中的主干内容。只会画纸面效果，不能依此产生合理的结构关系，设计是“纸上谈兵”，相反只学那些已定型的常规服装结构，而不能灵活变化应用，那么也不能算是学会设计。就象有许多老裁缝能把西服、中山装剪裁得很合体，但若按设计稿裁一些有特别变化的时装则感到困难。

篇4

【关键词】时装画;人体

一、人体在时装画中的地位

时装画是目前服装设计专业所开设的专业必修课程之一,它也是整个服装设计的入门课程,是衔接时装设计师与工艺师、消费者的桥梁。时装画是以时装为表现主体,展示人体着装后的效果、气氛,并具有一定艺术性、工艺技术性的一种特殊形式的画种。

时装画表现的是服装的美感和服装在人体上穿着的预期效果,深入掌握人体、人体与服装的关系是时装画成功的基础。人体是表现时装效果的重要载体,服装是以人体为基础进行造型的,通常被人们称为“人的第二层皮肤”,服装设计要依赖人体穿着和展示才能得到完成,同时设计还要受到人体结构的限制,因此,人体是服装设计紧紧围绕的核心,这也决定了在时装画表现中人体教学具有至关重要的地位。

二、从时装画的特殊性强调以人体为主线

时装画特殊性表现为主体是时装,区别与其他艺术形式。脱离这一点,便难以称之为时装画。而时装画的内容是表现或预视时装穿在人体之上的一种效果、一种精神、一种着装后的气氛。而它的中心点又围绕在人体上。两者缺一不可。

时装画还具有另一个特殊性,即工艺技术性。时装画的工艺技术性,是指作为时装设计专业基础的时装画不能摆脱以人为基础并受时装制作工艺制约的特性,即在表现过程中,需要考虑时装完成后,穿着于人体之上的时装效果和满足工艺制作的基本条件。wWW.133229.Com也就是说从事服装设计行业者必需要熟悉人体,以人体为中心进行设计。

正是由于其特殊性,因此对该课程的教学,需要以人体为主线来研究和探索。

三、人体在时装画表现中的重要性

时装画课程的教学目标是要求学生掌握服装绘画的基本技巧,培养学生对时装画的认识和兴趣,旨在提高学生的时装绘画能力。按照教学内容和基本要求可分为时装画概述、时装画人体、时装画法、时装画的艺术表现、时装画与鉴赏五个章节。那么其中服装画人体这一章节在整个教学过程中占了相当大的比重。只有将服装人体的基础牢固后才能更好地延伸其相关内容。

服装画人体这一章节主要掌握以下四个方面:一、人体结构;二、人体比例;三、重心平衡;四、从人体到着衣的画法、脸部结构的画法,四肢结构与表现。其中人体结构主要可分为躯干(包括头、颈、胸腔、盆腔、腰)、四肢、手脚、五官及发型等部位。我们将人体大形归纳成我们熟悉的形状便与掌握和记忆:1、头——蛋形2、颈——圆柱体3、肩胛——楔形4、肋骨骨架——梯形盒状体5、肘部——球形关节6、上臂——圆柱体7、骨盆——梯形盒状体8、前臂——圆锥体9、大腿——圆锥体10、手——菱形11、小腿——圆锥体12、脚——锥形。其中躯干和四肢的表现是人体中最主要的部分,因为服装主要依附其上进行表现,但不能因此忽略手脚和五官的描绘。时装画初学者往往受到一些时装画大师作品的影响,例如一些国外大师的作品中对五官和手脚的描绘少或者省略。于是就加以模仿,刻意省略。在这里需指出,时装画大师是具有相当牢固的基础后形成自身的绘画风格,擅长于省略或概括,并不是说手脚和五官的表现不需要或不重要。只有在牢固掌握人体各个部位基本表现手法的基础上进行简略,才能表现出纯熟高雅的风格,反之则只会弄巧成拙。

人体中手脚、五官及发型等的表示不仅不能忽视,有时候还应该作为主要设计因素表现。服装设计这一专业不仅包括服装的设计,还有服装配饰设计及整体造型设计等局部细节设计,这些因素综合起来才能完整表现整体的设计。在表现时装设计效果图时,不仅要表现服装这一主要元素,而且还有脚饰(鞋、袜等)、手饰(戒指、手链、彩绘等)、妆饰(同服饰相协调的妆型)、发饰(头花、帽子、发型等)等辅助元素,将主要元素和辅助元素完美的结合起来才是一个完整的时装设计表现。从这点来讲,时装画中人体的表现具有重要意义,在教学过程中需要注意认真讲解。

参考文献

[1](美)billthames著,白湘文、赵惠群编译.美国时装画技法.中国轻工业出版社,2001

[2](美国)史蒂文·斯堤贝尔曼著,余玉霞译.美国经典时装画技法(提高篇).中国纺织出版社,2003;

[3]庞绮.时装画教程.江西美术出版社,2007;

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[关键词]素描 教学 造型

[中图分类号]J214 [文献标识码]A [文章编号]1009-5349（2013）01-0238-01

在绘画艺术的发展史上，素描是最古老的艺术表达方式，随着科技的发展，各种艺术表现方式多种多样，但是素描却是一切造型艺术的基础。15世纪文艺复兴时期，意大利画家达·芬奇、米开朗基罗、马萨丘等人就高度重视素描，通过透视学、解剖学和构图学原理运用这些科学的手段完善了素描。艺术家们把素描称为“绘画的源泉”。因此，如何提高素描教学对于我们有着很重要的意义，我们通过对素描教学的研究从而提高素描在教学中的质量。

一、素描教学的造型问题

一幅优秀的素描作品，它的形体结构是构成艺术形象最基本、最重要的因素，素描作品中丰富的内涵是艺术家们冥思苦想的主题，艺术家们研究素描造型的过程是其对艺术形象的创造过程。在这个过程中对形体的塑造是关键，它并不是简单的模仿而是一种创新式的创作。艺术造型结构的研究是对物象解剖结构的理解，也是对自然物象形态的理解，它是一个艺术形象，要想学好造型必须有对艺术的追求，学习造型规律和学习艺术本身是密不可分的，艺术家们运用独特的技艺把个人的内心情感完整表现在了的作品中，绘画语言得到了丰富的展现，我们在素描作品中不难看出艺术家们的思想情感。

二、素描教学的结构观念和体面观念问题

绘画实践过程中对结构、形体、空间等的理解是素描教学的基本内容，这就要使学生树立起结构观念和体面观念。

艺术的基础是造型，是人们对客观物象的认识。从意大利文艺复兴时期到现在，素描教学的核心内容是对人体的研究和学习。在素描教学的过程中，要求树立学生对结构观念的认识，课程中开设的解剖学就是让学生了解和掌握造型观念，学生们通过临摹和写生，清楚认识了人体的动态、表情等，并对客观对象的内在结构特征有了较好认识。

在素描教学过程中，形的把握和体的塑造是密不可分并要同时展开的。有关对形的校正和对体的造型是契斯恰科夫素描教学体系中很关键的一部分，以此来培养学生的体面观念问题，从而树立学生对结构的认知，提高学生们表现结构的能力。

在素描作品中，空间的表达与透视原理和透视变形是密不可分，明暗与线条是空间表现的方法。它以颜色的渐变来表现空间的渐变，以颜色的突变来表现空间的突变。

三、素描教学的表现形式问题

现代社会不断多元化的观念使得素描也出现了多样性。在过去的古典艺术中，一个时期或者一个地域的风格样式都比较接近，越成熟的艺术越具有程式化的特点。例如：古埃及、古印度以及中国的传统艺术都是比较古典的传统的风格样式。

我们从艺术史的角度来看，造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了，造型艺术已经变成了和音乐、文学同样崇高的艺术形式。到了21世纪的今天，艺术家们通过艺术来表现自我，抒发自己的情感。艺术的关键在于创造，在于创新，大多艺术家为之而努力着。人们在对素描作品不断创作的过程中使素描呈现出了多样性。在素描教学中，要以培养健康的人为前提，尊重每一位学生，从而去发现学生身上的创造才华，帮助其创作出更好的素描作品。

我们不难看出，素描的表现形式是多种多样的，素描教学的内容也是非常宽泛的，素描不仅是技巧与方法的训练，也应是思想与观念的培养。

四、素描教学的实验性问题

实验性是素描教学的一个重要特征。

实验精神的具体方法与途径：一方面是材料应用的可能性；另一方面是视觉心理接受的可能性，从这两方面入手可以大大拓展我们的视觉空间。素描作为基础教学是有其相对稳定性的，但是，作为艺术教学，创造意识的培养是教学主要目的，没有实验精神就不会有所突破。

21世纪的今天，以开放的心态，兼收并蓄地对古今中外的艺术形式进行了各种探索和创新，开放的社会需要有开放的艺术，开放的艺术需要有开放的思想。在素描教学中我们应该体会的是思想以及创造精神，实验性是面向未来的，只有敢于融合多元，敢于创新，素描教学才能走向更新的未来。

总之，研究素描教学法，对于我们改进素描教学方法，把握素描教学的方向具有一定的现实意义和参考价值。

【参考文献】

[1]靳尚谊，詹建俊，戴士河.素描谈.吉林美术出版社，1995

年.

[2]张伟.俄罗斯素描再认识.素描学习——经典解读之五.上海书画出版社，2003.

篇6

关键词：美术基础；数字媒体技术；动漫游戏；教学

1 美术基础课的重要性

数字媒体技术（动漫游戏方向）专业培养的是复合型的应用人才，它要求学生既能懂得计算机编程，又能创作出动画作品，既要懂得熟练操作相关软件，又要具备良好的手绘能力，而对于计算机学院的学生来说，由于在进入大学之前，几乎都没有美术基础，对于美术的认识也较欠缺。因此，美术基础课就是要从培养学生的学习兴趣开始，最终的目的是训练学生的艺术创作和表现能力，为后期的动画创作奠定手绘基础。

我们知道，在动画创作中，美术基础功底的高低会对动画艺术作品的创作水平产生直接影响。如二维动画的创作，美术基础直接决定了原画设计的质量，它是否能满足动画脚本对于形象角色、人物性格、场景安排、道具设计等方面的要求，是否符合整个作品的风格表现，都与美术基础的好坏有直接关系；在三维动画中，美术基础对学生在人体结构、比例、运动规律、空间表现等方面的训练，是学生能否快速准确创建三维立体形象的直接影响因素。

故此，美术基础作为本专业的重要基础课，首先要培养学生用正确的观察方法观察物体，抓住事物主要特征，形成能较轻松塑造形象角色的能力，正确掌握人体结构、运动规律的知识，并且达到能分析色彩、运用色彩进行艺术表现的要求。

2 与传统美术基础课的区别

美术基础的训练通常包含素描、速写、色彩三方面。素描在传统美术基础的教学中重在培养学生良好的造型能力和明暗关系的把握，强调的是在结构、形体、明暗中找寻构成画面的语言，于静态中塑造事物的内在与外在形式，以及艺术表现手法，观察方法是固定的，作画步骤也相对稳定，整个过程关注的是同一角度，意味着结构、比例、透视、动态也是相对不变的。而在动画专业的素描和速写教学中，除了要求学生掌握基本的形体结构、比例外，更重要的是把握事物运动变化的过程和规律，关注的是事物在一个时间段内的运动，这就要求学生不但要具有空间思维，还需要时间概念。比如在速写的训练中，传统教学可能是对一个静态的人物或组合进行表现，而动画速写则是对人物的一系列过程进行表现，这个过程中，人体角度会随之改变，甚至会出现正面、侧面、背面等角度，而且头、颈、胸腔、腹腔、胯、腿、脚的关系也会有所不同。而在色彩基础的教学上，传统美术主要是通过水粉画的表现来达到训练目的，重在培养学生对色彩的感知和运用色彩来塑造物体的能力，在动画的色彩教学中，重点在使学生掌握色彩原理，利用色彩的不同属性来表现不同的情绪和营造不同的氛围，或者达到装饰的目的，其绘画形式可以各不相同。

3 在实践教学中的探索

（1）让美术融入生活。由于数字媒体技术专业的学生几乎没有美术基础，对美术的了解仅局限于中学美术课本，对素描、速写、色彩的内容和形式更加茫然，加之作为工科背景的学生，谈到绘画难免会有恐惧感。在本学期的新生教学中，曾经遇到过这样的情况，上第一次课的过程中，在给学生讲完并作示范之后让学生尝试初步练习，有一部分学生竟然不敢下笔，问之缘由才知，由于之前毫无接触过绘画导致天生对美术或绘画无所适从，不敢下笔当然就能理解了。

因此，对于该专业的美术基础课教学，从最初的第一节课开始就应消除学生的顾虑和恐惧之情，并贯穿到整个课程，因为在绘画的不同时期，学生会面临瓶颈期的问题，往往感觉不到进步甚至以为在退步，进而出现焦虑和烦躁情绪，有些学生还会认为自己天生就不适宜作画。作为美术基础课的教师，当发现这些问题后，应该及时给予正确的心理疏导，讲明美术基础课的学习规律，帮助学生能以正确积极的心态重拾学习绘画的信心。其中较为有效的途径就是“让美术融入生活”，最开始不要求学生对绘画技能的高超掌握，而是通过美术作品的欣赏，老师的示范，讲解有关美术的历史等，使学生在生活中发现更多有关美术的点滴，培养学生善于发现身边一切美的事物，从而让美术慢慢地融入到每一个学生的生活学习中，进而从内心深处接受美术。在实际教学中发现，当建立起这样的感情基础后，再从美术角度去进行教学，会很大程度避免学生学习的被动性和消极性，整个教学过程也会较为顺利展开。所以，“让美术融入生活”这个环节在本专业的美术基础教学中尤为重要，甚至应该贯彻到整个专业学习，为该专业的学习创设一个良好的美术氛围。

（2）培养学生善于观察、正确观察的习惯。无论何种专业的美术基础训练，正确的观察方法都是作好画的第一步。在进行绘画练习之前，首先必须给学生解决观察什么，怎么观察，观察的意义等一系列问题。如在美术训练中，强调整体的观察就是要使学生明白视线不能一开始就注意到任何一个细节，而应关注静物或模特的全貌，这样可以很好地快速构图并把握整幅画的基调。对于初学绘画的人，最易出现的问题就是没有整体的意识，喜欢观察局部，导致直接从局部开始作画，并且自始至终作画的焦点都停留在局部的点上，最终破坏了画面的整体，出现画面不统一、形不准等问题；其次，要培养学生学会比较的观察方法，从最初作画就应比较静物的大小、高矮、远近、虚实、黑白、色调、质感等诸多因素，还要找准物体间关键的点、线、面关系，才能准确塑造物体的形体；此外，理性的观察也是作画必不可少的条件，让学生对画面进行理性的观察与分析，避免被错觉误导画面，还有画面的取舍也要求经过理性的分析。

此外，美术基础的教学具有很强的实践性，而动画创作的规律是源于生活，尤其是对于人、动物的运动规律的把握，其专业特点决定了动画中很多细节均来自现实规律。所以，培养学生善于观察身边事物，留心一切人物、动物、景物，不断从大自然和生活中汲取营养，积累经验和创作素材，用自己擅长的方式记录自己感兴趣的事物，在观察中提高审美意识，形成创作的形象思维和生动活力，于平凡的生活中获取独特的艺术感受，提高学生的学习兴趣和效率。

（3）转变造型观念。在动画创作中无论是原画设计还是草图绘制多以线条进行表现，针对这一特点，在进行美术基础造型训练时，就需转变传统造型观念，以符合该专业的训练方式来展开。

在传统美术教学中，多采用明暗、色调的造型方法，而在数字媒体技术专业的美术教学时，则要侧重动画素描或速写的研究，特别是人体的结构、比例关系，这是学好该专业的重要保证。因此在教学中，可以适当舍弃光影、调子、色彩等因素，用能体现结构、运动变化的线作为造型工具，培养学生用线来塑造形象。如在素描教学中，可以加大结构素描的训练，使学生用线来建立牢固的结构意识，通过多角度、全方位、多视点的研究与表现，形成快速准确的表现内部结构、形象特征和运动规律的能力，为后期掌握运动中的造型变化奠定基础。

（4）结合专业特征，优化教学内容。在选择和组织美术基础教学内容时，不能照搬传统美术教学的套路和模式，要紧密联系该专业的特点和学生实际情况，优化教学内容，使其具有更强的实践应用价值。如素描与速写的教学，可以有目的、有计划地将相关教学内容按照认识规律和动画制作过程的逻辑展开，促进教学内容的实用化。在选择素描与速写教学内容时，应将写生重点从静止的物体或模特上移开，而增加动态速写的训练，选择一个完整的走路、奔跑、舞蹈、投篮、武术等动作进行塑造，重在培养学生的运动意识和对运动规律的把握。基于这一原则，在绘画教学中，首先需要培养学生良好的默写能力，不管是素描还是速写，均应增加默写内容的训练，一方面可以检查学生对于人体结构、比例的掌握情况，另一方面可以加强学生对于事物的感知力与敏锐性，培养学生对事物关键特征的把握，在默画过程中还能丰富学生的想象力，这些对于该专业的学习都是很必备的。

而对于色彩的教学，首先要使学生能理解绘画色彩和设计色彩的区别。绘画色彩是将色彩作为表现物象和抒发内心情感的重要元素；设计色彩却是通过特定的色彩与色彩搭配来传达设计主题，相比较绘画色彩而言，设计色彩更具有抽象性却又体现出科学性，是理性的运用色彩规律，需要学生能科学理性地认识和运用色彩，而不再是单纯的对现实色彩的再现或情感表达。

根据数字媒体专业的特点分析，在教学中需要侧重于培养学生利用色彩达到搭配、装饰、归纳的色彩表现能力，不再单纯地、被动地依靠色彩感觉来进行作画。因此，在进行色彩训练之前，必须使学生掌握色彩构成的基本原理与知识，要能理性的分析和利用色彩，用色彩来传达不同的情绪、心理、情感或者营造不同的气氛，或者表现作品内涵，达到主动驾驭色彩的目的。例如，让学生用不同的色彩对黑白照片或动漫图片等进行上色和变色处理，来塑造不同的氛围和情绪。

（5）注重对学生创新思维的培养。一部优秀的动漫游戏作品，必须具有与众不同的创新点，这就要求创作人员须具有创意思维。故在该专业的美术教学中，首先要时刻给学生灌输创新观念，利用发散思维对一个对象作大胆的想象与改变，尤其是在后期的教学中，这一思想尤为重要。可以让学生进行不同类型的主题创作，针对不同教学内容创设不同的命题，如设计创作一个典型人物的系列状态，要求学生结合模特、图片或根据一个故事、文学作品等原型，自己设计一个人物形象，完成一个不少于二十个表情和动态的系列形象创作；又或是针对同一个主题，充分调动学生的思维，利用不同的风格、要素、技巧等来表现。

4 结语

数字媒体技术作为一门较年轻的专业，涉及多个不同学科，在制定人才培养方案时，要把握专业发展趋势，从实际情况出发办出自身的特色。总的来说，该专业的学生因其本身的特殊性，需让美术充分融入学生的生活学习，建立起学生对美术的兴趣和自信，这是打好美术基础的关键。在课堂之外，还需引导学生广泛的接触优秀美术作品和相关展览，以提高学生的审美水平并创建一个更为积极友好的美术学习氛围。

参考文献：

[1] 姜莉.动画素描基础课程教学初探[J].现代装饰（理论），2011.

[2] 杨平均.动画教育 创新思维――论动画专业基础美术的创新思维培养[J].科技信息，2013.

[3] 朱广宇.卡通漫画的技巧与欣赏[M].机械工业出版社，2011.

[4] 孙茂军.关于动画专业美术基础课程教学改革的探索[J].科学大众（科学教育），2009.

篇7

一、绘画造型对于动画专业的重要性

我国高校开设的动画专业课程基本涵盖了动画创作的各个主要环节，但培养动画人才要符合学科的专业特点，对所需具备的绘画造型能力和美术基础素质应重点培养。无论制作二维动画，还是制作三维动画，从前期制作阶段的角色设定、场景设定与故事版创作，到中期制作阶段的原画与中间画绘制，没有绘画造型基础作为支撑则难以完成动画。迪士尼早期每周都会邀请著名的乔伊纳德艺术学院（Chouinard’sArtInstitute）顶级讲师唐•格雷厄姆培训工作室员工，以提高学员的绘画才能。起初，培训只涉及常规的人体素描，人体素描很有用，然而发展不够深入和快速。同时不止一位迪斯尼的前辈告诫新手说：“学设计动画之前，要尽量学好绘画。”宫崎骏在一次访谈中向后辈们的忠告：“基本的绘画技术是动画制作者永远不能抛弃的。”由此可见，从动画行业的需求、动画产业的大王到动画大师中的大师，纷纷强调绘画造型能力在动画专业学习中的重要性。

二、动画专业提高绘画造型能力的意义

1）提升学生艺术审美的情趣。

法国影评家埃丽•福尔满含感情的预言：“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。”动画专业是一个对于绘画造型能力要求很高的综合学科，需要具备良好的艺术修养、独特的艺术眼光和扎实的绘画造型能力作为基础。这门艺术并不是会动的画，而是被描绘出来的艺术，了解了绘画造型的基本规律，才能使动画更具艺术审美表现力。

2）动画专业教学课程设置的需要。

动画师从事造型工作的内容与要求、方式与风格具有一定规律，通过对其进行归纳、分析、总结并结合课堂教学实践经验，可制订一套即符合大学教学规律又满足社会对动画师专业能力需求的科学、高效的素描教学体系。加强动画造型能力的训练，应该按照动画教学的规律，科学安排基础绘画课程，既不能砍掉基础绘画课程，也不能孤立地去开设基础绘画课程，需要一些特有的、有针对性的，循序渐进的绘画造型训练引入动画专业教学。

3）提高动画作品制作的质量。

格里姆•纳特威克提出：“你的绘画基础越好，就越容易驾驭动画的动作设计。你要从各个角度描绘出人物的各种姿态，如果你达不到效果，就必须换个角度，这是个既受局限又耗时的活。”如果当我们在画一组动画角色动作的画面时，只需让每张画面的线条连贯、流畅，最终的动画效果就大不一样。特别是在制作传统二维动画时，线条的表现、动作的准确和动作序列的流畅度都是提高动画作品制作质量的重要因素。

4）促进动画产业的发展。

中国动画市场需求大，而好的国产动画片的制作质量平平，原因之一是创作人才的基础能力素质不足，动画片创作由于各方面的局限无法达到预期构想的效果。动画产业自身要发展，绘画造型能力作为动画创作人才的最基础的素质，决定着这个行业的动画创作的根基，只有绘画造型能力这一根基牢固了，动画产业才有可能蓬勃发展。

三、紧扣专业特点绘画造型能力的培养途径

动画片的创作具有其特殊的专业性，动画造型风格的多样化、造型和动作的关联性与造型的表现方式，是动画专业艺术表现的重点与难点，针对动画片创作的各环节，需要训练的绘画造型能力侧重点主要包括：

1）造型的基本规律。

形体的点、线、面，比例与分割，特征与基本形，转折与轮廓，透视与空间，明暗与调子等这些造型的基本规律，除了极少数具有艺术细胞的天才外，绝大部分的学生要通过长期的绘画练习和丰富的造型理论知识学习，才能逐渐提高他们的绘画造型能力和艺术修养。同时，要把这些的理论知识熟练的用到动画的创作中，也需要投入大量的时间和精力去反复的学习—练习—运用，从而达到炉火纯青的地步。

2）场景与角色的默写。

动画场景是为动画角色表演的搭建出舞台，动画角色为讲述生动而富有吸引力的故事，这两个方面是构成动画视觉画面的主要元素。角色的默写训练主要包括人体的基本结构、动物的基本结构、人物的面部表情、不同年龄段的人物特征等绘画内容。场景的默写训练，是将学生平时熟记于心的一些室内外场景，造型准确并根据动画剧本的要求，同时插上幻想的翅膀设计绘画出来。

3）动态动作准确的线描。

二维动画创作中，角色的动作是表演的基础，是通过一张张连续的动作绘画序列表现完成的。角色动作中出现的每个动态，都需要动画师们进行精心的绘制，特别是影响角色整体动作的关键动作姿态。熟练掌握人体结构并运用，动画角色的表演离不开角色的动作，绘画出匀、准、挺、活的线条，表现富有张力的角色动态动作，可以让动画角色的运动更流畅，更生动。

4）富有镜头感的构图。

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关键词：造型基础；立体观念；教学改革；学习兴趣

中图分类号：G642.0

文献标识码：A

我国的动画艺术曾经辉煌过，后来停顿了。改革开放给予动画产业新的活力，也促进了动画教育的全面发展。目前国内的动画教育基本上是重新起步，师资队伍中的相当一部分人是从其他绘画专业转型而来，特别是基础教学这一块，因此，教学方式不可避免地带有绘画训练的痕迹。但大家也逐渐取得了共识，即动画造型基础并不完全等于绘画基础。绘画基础的重点放在研究结构对表象的影响和表现技法上，对象是相对静止的。动画的特征是“动”，是动画画面的连续演示，有时空、场景、人物、道具等相关物体的形态和色彩变化，而对于表现技巧的要求并不高。可以说，“动”和“变”是动画基础教学的核心，而在表达语言上，力求准确、概括、简练。

学校是教学试验的场所，各种尝试都可能引发积极的教学探讨。独立学院的艺术设计，包括动画设计的基础教学有其自身的特点和难点，应当因人制宜，因材施教。基础教学是相关专业不可绕行的门槛，不能弱化，而应加强，但教学内容和教学方法可以探讨。

一、关于基础

少数想学动画的人，存在一个认识误区，以为现在的电脑技术完全可以替代人手去完成各种造型设计，人的作用只是想像，只是发出指令。他们不了解一个基本常识，即动画设计是需要创意的，需要创作者首先拿出设计方案或效果图形来，才有可能借助电脑去完成动画制作。即使是直接上机绘制方案还是需要手脑并用，只不过将纸质底稿搬到显示屏上去罢了。前不久曾出现过这样一件事：某动画公司老板到一专业院校招聘设计人员，明确表示需要绘画基础好的学生。他认为，培养一名优秀的绘画人才，需要3～4年时间，而培养一名优秀的电脑操作员只需三个月，设计人员和操作人员是有质的差异的。所以，对于动画基础教学而言，首先应该明确：一定的绘画基本功是进入动画设计必要的过程，一切创新都应当建立在这个框架上。有了较扎实的造型基础，学生学业结束后才有可能在影视、出版等媒体和制作岗位上从事动画造型、动画原画、动画创意、动画编导和电脑动画制作等工作。

所谓造型基础，实际上是一个综合概念，包括对所有造型元素的熟悉和运用，如构思、构图、绘制以及形体感、空间感、整体感、形式感的表达等等，并不仅仅指对物象作单色或彩色的描摹技能。但在我们的实际教学中，基础课的重点似乎又只能放在技能训练方面，因为不解决好最基本的表达技能，上述诸元素就无从反映，并且会直接影响其他专业课的进度。其实，无论是绘画造型、艺术设计还是影视动画，基础课的目的就是要解决一个基本造型问题，即把看到的想到的东西再现出来。基础越好，再现能力越强，后面的专业课就可能学得越快越好。然而，一个不可回避的问题是学生的底子薄，上手慢，基础课课时又极有限。这就让我们不得不思考这样一个问题：什么是基础课教学中最主要的内容?如果能抓住这个要害，其他的问题是否就可以解决好呢?笔者以为，最好的办法是调动学生的学习自觉性，使他们能够多实践，多钻研，通过大量的课外练习来消化和拓展课堂知识，这样才能产生一股合力，教学效果肯定会好得多。

为了提高学生的学习兴趣，使基础训练更加有的放矢，在教学方法和授课内容上有必要作些调整和改革。比如，可否将目前从静物和石膏像人手的绘画教学模式改为直接从临摹经典动画造型人手，让学生从这些造型中去体会动画表现与写实表现的相同和不同，进而引导他们了解和认识一般的造型规律呢?再如，目前的场景写生意在培养学生的空间感和组织画面的能力，但面对真实的场景和移动的人物，学生往往感到无从下手，一切理论知识似乎根本派不上用场。要是改为从临摹完整的动画画面或连环图画开始，使学生先有一个从平面到平面的认识过程，再引导他们去观察和认识现实生活中的场景和人物，效果是否会好一些呢?这样的练习方法其实就是中国古人学画的传统方法，为什么我们不能借鉴呢?

二、关于造型

目前公认的造型模式大致有三种：具象造型、意象造型和抽象造型。具象造型因能再现世间万物的形体空间，容易被人接受；意象造型介于具象和抽象之间，大多有形，也比较容易理解；抽象造型因脱离了具体物象，一般不太容易被人理解，但在现代生活中又似乎无处不在。所以“造型”这个词本身就是抽象的，并不具体地指哪一种模式：平面设计造型同写实的油画造型有很大区别，民问美术造型也不能与环境设计造型划等号。

动画是美术和影视的联合体，在造型方面有自己的规律和特点。就现状看，动画造型的基本模式当属于意象造型，即在真实的基础上追求夸张变形，既不完全是具象，也不完全是抽象。基于此，动画专业的造型基础就应该沿着这条思路进行，首先使学生具备起码的写实能力，了解物象的基本结构和团块关系，学会用立体观念去观察和表现物象。有了这些条件，才能让他们在专业课中去创造，去夸张，去变形，使他们的设计造型既有具象的内在结构，又有符合动画特征的意象外表。动画中的立体观念不同于绘画中的三度空间概念，而是三维的思维模式，它不求在一个平面上去表现立体感觉，而是通过多画面多角度去对同一物象进行表现，即全方位描绘，是“围着一个物象打转”。这是真正意义上的立体，不是平面幻象。

三、关于表现

线条是一种最简省的形体表达方法，因而在动画造型中最为常用。尽管线条的形式多样，表现力丰富，但对于动画用线来说，还是应当求简不求繁，其主要任务是确定造型，要求肯定、沉着而不可游移、飘忽。

近年来，随着电脑技术的发展和动画产业含义的扩大，一些画面复杂的动画片开始出现，一些具有动画造型特征、表现内容丰富的平面出版物也进入了动画的范畴，加上偶动画的迅速发展，似乎对传统的动画表现模式产生了冲击。但只要分析一下它们的构成元素和制作过程，线条的作用总是不能忽视的。

以线条为表现形式的速写和默写，有利于提高学生对物象敏锐的感受力和记忆力，也有利于快速地表现动态。能画速写和默写，是动画设计者的基本功。

由于动画的制作稿一般都在8开左右，画小幅构图和具备一套画小画的基本技法也是动画基础课值得注意的内容。能在有限的小幅画面中安排和表现好所需要的信息，需要一个练习过程。

相对于绘画，动画是会受到时间限制的，观众不可能停留在某个画面单帧上去作仔细的欣赏。也许是为了弥补这种不足，才出现了动画插画，但从总体来看动画还是要求以一个个连续变化的画面来完成一个动态过程。

无论是从线条造型、小幅画面处理，还是动态和

情节的连续表达，很多优秀的中外连环画为我们提供了很好的范本。

四、关于结构

对于造型艺术而言，结构当指所有参入了造型的基础元素，但一般多指会对物象的外表产生影响的内在构件。如人的表情、动态、体貌都会受到内在骨骼和肌肉的影响。不熟悉人体的基本结构，就不可能准确而生动塑造出人的动态和形貌。同样的道理也适用除人体之外的其他物象。

人是动画造型的主体，也是其他造型的重要参照体。让学生认识人体的基本结构是动画基础教学必不可少的内容。虽然在认识和表现上没必要像绘画专业那样深入细致，但光靠纸上谈兵还是不够的，应当有一个直观描绘的过程，而且最好是结合动态进行。笔者在教学中发现，相当一部分学生对五官的理解是概念化和机械性的，遇到抬头、低头、侧转等动态时往往仍按正面平视的标准进行描绘，片面或者说是教条的理解教材上的“三停五眼”概念。在这种情况下，就只能临时又透视的相关内容。对于那些没有绘画基础或只是在高考前突击了一番的学生来说，要他们一下接受这么多知识的确有点为难他们。

初学动画的人往往会认为变形比写实容易，既然学动画就直接学变形的东西得了，何必谈什么比例结构呢?应该承认，动画造型的确没有具象写实造型复杂和严格，但也绝非可以随意。动画中的人物和动物造型不管怎样变化，其基本结构总是存在的，动画角色的各种运动也离不开结构的制约，否则就成为胡编乱造了。人体的基本结构可以概括为一竖(脊椎)、二横(双肩点连线、左右大转子连线)、三块(头部、胸廓、骨盆)、四肢。把这一、二、三、四的关系弄清楚了，并能在实践中加以运用，都需要经过反复的练习和实践。这样一些带有规律性的东西，在其他物象的形体中也不难发现。对于教师来说，需要从实际教学中不断总结，积累经验，以便能够更有针对性地设计和安排好教学内容。

五、关于构图

构图是指在有限的平面范围内(画面)，按照一定的艺术规律去摆布描绘对象，使其成为一件协调完整的艺术品。它是建立在形式美、艺术法则和艺术技巧等理论基础上的一种思维方式，是作者创意构思的具体落实。

构图教学可以分三种形式进行：一是多画小构图。在写生(不论是素描还是色彩)之前，要求学生尝试着画几幅小稿，以确定主体物象的位置、大小、朝向、空间，考虑一下是用竖幅还是横幅。因为没有经验，可能有部分学生的小构图是被动完成的，这时，老师要帮助学生分析、比较，甚至演示构图对于画面效果的影响，然后确定其中的一幅作为正稿放大，并提醒学生放大是按比例同步放大，包括主体物象和所留的空间。

二是将静物随意摆放，让学生在画面上进行组合。这样的办法也可以用于人物与人物，人物与环境的组合。如果是风景写生，则要求学生在不同的位置去画同一景点，利用距离和角度变化形成构图变化。

三是适当安排命题画或变体画作业训练。命题画由老师出题，学生完成构思、构图、造型的全过程，变体画则是根据已有的作品，要求学生不改变原画的构思和主体造型，只是改换视角，重新调配画面关系，形成全新的画面。

另外，还可以把创作小草图也纳入构图练习，引导学生积极参加校内外的艺术创作活动。

六、关于色彩

色彩基础课的目的有两点：一是让学生认识色彩，了解色彩规律，把握色彩造型的基本法则；二是学会一两种色彩画表现技法。

综观目前所见到的颜料，大致能分为软质和硬质两类。软质颜料经过调合和稀释，呈现出的色相干变万化，通过与用笔技巧的配合，产生出各种各样的表现效果。所以，软质颜料的应用一直是色彩绘画的主流。硬质颜料虽然有携带方便、容易控制的优点，但在表现技法和效果上无法与软质颜料抗衡，大多作为辅助工具来使用。水彩画和水粉画一直是色彩基础教学常用的方法，特别是水彩画的基本技法最适合动画专业的表现特点。但在教学实践中不难发现，学生对水彩画似乎普通地存在着一种害怕心理，不敢大胆地用笔用色，致使画面颜色惨淡，缺乏鲜明度。或者用小笔慢画，不会用笔造型，为填颜色而用色。还有少部分学生寄希望于彩铅、粉笔、马克笔等硬质颜料工具，不愿大胆尝试水彩画。

凡此种种，绝大部分并不是学生的学习态度问题，而是实践得太少，不了解水彩画的性能。相对而言，水粉画的情况就好得多，因为水粉有遮盖力，能改动，水份也比较容易掌握，学生的心理压力较少。画水彩画对用水、用笔都有一个熟练过程，这是急不得的。在教学过程中，应当随时发现学生的长处，鼓励他们的每一点进步，促使学生增强自信心和自为能力。对于一些喜欢尝试新材料的学生，要引导他们抓住色彩课的本质。当然，课堂上的现场示范是非常必要的，这种办法看得见，摸得着，学生愿意接受，而且立即能进行实践。

七、关于教与学的其他思考

教书育人是教师的天职，欲育人必先了解人。据了解，对专业特性不了解的现象在学生中普遍存在。他们的绘画基础较差或者没有绘画基础。又要在较短的时间内掌握以上知识并具备一定的表现能力，的确有一定难度。因而一部分同学表现出茫然、悲观，甚至厌学。解决这些问题，任课教师有一定责任，要想方设法提高学生的学习兴趣。有了兴趣才能变茫然为自觉，变悲观为信心，变厌学为好学。同时，也需要素质导师、心理教师及相关部门多做工作，使他们放下包袱，轻装上阵。

随着教学改革的深入，目前对不同专业应有相应的基础教学内容和方法取得了较为一致的认识。因此，对于教师的排课也应有一个相对稳定期，以便他们能更好地熟悉和研究相关专业的特点，做到有针对性地进行教学，同时能摸索出一套相对成熟的教学经验。当然，不同专业之间也有许多共同点，值得相互借鉴。具体怎么调配，当慎重一些。

动画造型有较强的时代感，基础教学中使用的一些道具、教具也应体现这一点。可以适当增加适合动画表现的玩偶、玩具、模型、机械和质量较好的人体模型。

为扩大学生视野，直观教学，并适当减少人体模特或外出参观费用，教研室应逐渐积累一些图片资料，有些还可一式多份，以备临摹，画变体画，启发构思构图等作业用。

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关 键 词 ：素描教学　设计素描　创造力

当今素描在高等艺术院校的重要地位早已被大家所认同，但如何使素描教学更有效地发挥作用一直是大家探讨的话题，围绕着素描教学如何有机地同提高学生潜在的艺术素质和创造能力结合起来已成为焦点。早在包豪斯学院时期，艺术教育就提倡艺术与技术的统一，并聘请伊顿、康定斯基、克利、蒙特里安等当时颇具影响力的艺术家组织双轨制教学，目的是培养具有艺术修养和科学实用设计思想的综合人才。克利认为：“不应该模拟自然，而是遵循自然的发展规律和法则，法则造成自然，而不是单纯地再现自然的外表而已。”这种观念曾经被人们所淡忘，但在经历了近百年的历练后，人们再次发现了它的内在价值。这也提醒人们，素描作为艺术教学的基础课程所担负的重任，如何培养复合型的设计创作人才成为大家关注的重点。

当前设计专业的素描教学内容已超越了写实与具象表现的范畴，要求把培养学生的综合艺术素质放在首位。这一点可从19世纪末20世纪初的艺术家中得到启示，他们把艺术语言的创造观念发挥到了极致，塞尚采用几何化的手法概括和改变对象的形体，分割画面，打破了传统忠实描绘对象的手法，这种主观的艺术处理给人一种崭新的视觉冲击，而毕加索则进行了更为大胆的尝试，不仅对物象的外部形态加以变形，更在神态上进一步夸张，采用种种反常规的手法，从而达到艺术上的惟妙惟肖的效果，这也反映出这位大师摆脱了客观物象的束缚，在观念和手法上达到随心所欲的完美境界。马蒂斯则注重画面的构成形式，强调画面的色块对比及画面的装饰意味和情趣。塞尚曾经说过：“艺术不是自然的简单再现，而是在自然中找出严密的秩序，然后重新构成画面，从而创造出新的自然。”说明完美的艺术作品的产生源于创造。而另一位艺术大师罗丹也曾说过：“仅满足于形式以达到乱真，纠缠于无足细节表现的画家，将永远不能成为大师。”从以上两位大师的话语中不难理解艺术创造的重要性，其最终目的是发掘表现事物的本质，这种观念给后来的设计师们造成了巨大的影响，对于设计专业的素描教学也是非常值得借鉴的。

设计素描教学内容应遵循渐进的原则，重视学生的创造才能的同时也不能忽视他们造型能力的培养，避免走极端的做法，使设计素描的绘画性和创造性有机地结合起来，使学生具有扎实的素描表现与创造才能。首先从线条的角度练习几何形体结构素描、超写实素描，认识和掌握线语言表达的不同状态，如：情感、材质等。掌握用线条虚实表现复杂组合形体的空间穿插结构关系，锻炼学生学习空间思维想象的能力，着重理解、区分，表现石膏几何形体与不同材质形状的物体的质感、形状组合特点，了解规则形体与不规则形体之间的搭配组合关系，及实际生活中不同形状、质感、量感的物体，如何用线条、明暗、肌理等素描语言去描绘他们的本质特征，此阶段还包括物体自由组合默写素描，可借鉴实物，但要求学生主动地从构图、形体、材质、色调等诸多方面去创造一种新的画面构成语言；另外，为了加强学生学习静物素描的积极主动意识，可结合设计创新思想去进行艺术加工与处理，如变形、平涂、对比、夸张等美学法则，同时提供范画以增强学生的形象思维理解能力，提醒学生注意画面色调的整体布局及构成关系，提高学生对画面的宏观调控水平。其次是人物头像与人物全身着衣素描写生与创意，目的是提高学生造型能力的同时注重人物解剖结构的分析与处理，因学时所限，故以速写形式为主要表现方法去认识人物结构与衣纹变化的关系，以及认识人物在不同姿态下的比例关系和构图关系，增强学生的速记和默写能力，提高学生的审美意识，为人体写生做好铺垫。人物创意练习主要从形态、比例、重心、结构、构图、色调等方面去进行创造，采用平涂、肌理、变形等方法，可以是一个或多个人物组合，充分体现对象的特征和神韵。再次为风景速写与创意，描绘对象的内容可以是校园、公园、街景和乡村景色等多种题材，速写是锻炼学生对事物的敏锐感受及对画面的主次、取舍、空间等构图关系理解的最好途径，以及怎样处理好复杂事物和如何形成画面对比关系的能力，艺术源于生活，是在生活中发现、整理、创造美的形式，也是艺术专业一贯倡导的学习方式，风景速写中注意造型关系、透视关系的同时，应提高学生对线条的理解，每个描绘的对象要有详有略，不要让学生认为画的越精细越繁琐越好，要讲究线条的虚实与粗细、画面黑白灰的对比关系的表现。风景创意要根据已完成的作品去体会和感受并加以创造，创造是对生活原形特征的高度夸张与概括，不要在创造中失去物象的原始特征。最后为人体设计素描写生与创意，它有别于绘画性素描，强调以速写形式为主去描绘在不同角度、姿态下的人体变化规律，这样学生既提高了写实能力又掌握了人体的结构比例关系，人体素描写生是设计素描学习的最高阶段，人体速写还锻炼了学生快速捕捉对象特征的能力。在此基础上进行人体创意表现，充分发掘人体在设计中的魅力，实现设计以人为本，并最终为人类服务创造条件。

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[关键词]初中美术写意人物画课堂教学

[中图分类号]G633.95[文献标识码]A[文章编号]16746058（2015）330066

在传统的写意画中，主要通过临摹、写生等方法，运用笔、墨、设色等各种绘画的手段和绘画语言进行作画。而在现在的写意人物画的教学过程中，不仅要能够把握住传统的写意人物画的相关的特点，还要注意以下的几个问题。

一、关于临摹教学

在临摹的过程中，要选好自己的临摹范本。临摹是通过一些范本来继承和发展写意人物画的一些基础性的语言，所以，在教学的过程中教师要指导学生选择合适的临摹范本，以便更好地进行艺术创作。在现在，写意人物水墨画越来越丰富化，从而让很多的中国文化素材的作品也都得到赏识和珍爱。所以，在教授学生绘画的时候，要指导学生选好适合的范本，从而继承和发扬中国画，也让学生在其中少走弯路。

当然，在造型和笔墨的临摹方面，也要注意到，水墨画比较讲究一定的造型，如果没有一定的造型作为基础，笔墨问题就没有着陆的基础。所以在教学的过程中，要训练学生做到速写不能离手，速写的造型要有准确度。在作画的技法上，要能够运用钩、勒、擦、点等笔法，此即“笔”。而“墨”则是指烘、染、破、泼、积等墨法。当然，在理论方面，强调以笔为主导，墨是随着笔而画出的，这样才能取得形神兼备的效果。

二、关于写生教学

在对于笔墨画的教学过程中，对于落墨，很多画家都是在眼睛处着手，但是要注意的是，眼睛的形状以及它的位置，是正面、侧面还是半侧或者是四分之一的位置。而且对于不同年龄层次的人，它也有很多不同的特征，在正常的光线照射下，眼睑有投影，加上睫毛，所以要画得粗黑一点。在上眼睛的中段，要用焦、重墨，由里向外渐渐地虚淡，下眼睑有受光，所以比较清淡，用笔也比较放松。并且在衔接的过程中，要自然，和谐。

对于鼻子的刻画，要注意到鼻子的棱角以及方直，流出鼻子的高光白，同时要注意到线条的变化，鼻子正面的轮廓要刻画得清晰和明确。正向的鼻梁，线条不明确的话，可以皱擦鼻梁上的结构，用线条勾勒鼻头和鼻翼。鼻孔的形状要随着人的表情的不同而变化。画鼻子的关键是抓住鼻子的外形方面的特征。

对于嘴的刻画是作画比较关键的一步，因为嘴是脸上比较传神的部位，嘴角、嘴唇等一些器官都能直接影响人物的表情以及气质。而且嘴型也人各有异，要指导学生观察出其中不同的特点。耳朵虽然不能左右人的表情，但是也是人物身上一个关键的器官。耳朵的结构还是比较复杂的，所以教师在教学的过程中，要引导注意学生线条的粗实变化以及绘画节奏的变化。在对于人物头发的刻画中，要先把人物的头发结构给搞清楚，然后分几步去描绘，头发虽然很细碎，但是要把画笔运用得精准，并且对于魔团要有大小和主次。在描绘染污的时候，要分清头发的浓密，先以浓墨侧锋概括发型的趋势，高光画飞白，然后以浓墨稍加晕染。画头发要有一定的层次感，不能死墨一团，也要体现出干湿的一些变化。在这点上，教师就需要去重点引导学生。

之后就是对于人物衣着的相应刻画，衣服体现出人物的精气神，教师要指导学生去掌握人物衣服的一些组织规律，掌握人体的一些结构以及相关的运动规律。人体的结构或是他自身的运动规律都能决定人物的走向、松紧，所以教师在这个时候需要让学生去观察人物，了解人物的一些特点，这样就能很好地去刻画人物的衣着，体现出人物不一样的精气神了。

三、关于着色问题

在教学过程中，教授学生着色也是一个很重要的过程。着色教学中，先以赭石，胭脂加淡墨，点染皱擦内外眼角、嘴逢、鼻孔等较重处，以加强其结构关系。并且在教学的过程中，要注意到下面的几个问题：首先要让学生把自己作画的笔路给构思好，注意在作画的过程中高光和空白的呈现。其次是要求学生在下笔的过程中要做到利索、精准。对于用笔，要根据人物的形状结构用笔，下笔要有虚实，要灵活地着色，将笔调放得轻松一点，避免不同笔之间出现水渍。在将肤色画定好之后，要快速地用淡肤色的画笔连接各处，并且填补没有画完的空白的部分，等到肤色半干的时候，以偏红润肤色的画笔，在颧骨，脸颊等处补几笔，让它自然地晕染开来。在发际线和眉眼附近要用现成肤色加适量的花青稍加晕染，从而让肤色有微妙的变化。