对电影艺术的认识范文

导语：如何才能写好一篇对电影艺术的认识，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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关键词：机电一体化现状；应用；认识

一、新型机电一体化的产生与应用

机电一体化技术是指在原机械传动工作机构中的主功能、动力功能、信息处理功能和控制功能上引进电子技术，将机械装置与电子化设计及软件结合起来所构成的系统的总称。

上世纪20年代以来，人们在传统的机械传动技术发展基础上，大力发展了机械工业化革命，推动了工业化社会的发展，在二十世纪40年代以后，又利用电子技术的初步成果，来完善机械产品的性能后，刺激了机械产品与电子技术的结合。通过计算机技术、控制技术、通信技术的共同发展，为机电一体化的发展更进一步奠定了技术基础。

20世纪70年代末期，机电一体化技术和产品得到了极大发展。各国均开始对机电一体化技术和产品给以很大的关注和支持。20世纪90年代后期，开始了机电一体化技术向智能化方向迈进的新阶段，机电一体化进入了深入发展时期。光学、通信技术等进入了机电一体化，微细加工技术也在机电一体化中展露头脚，出现了光机电一体化和微机电一体化等新分支。

我国从20世纪80年代以后的改革开放时期，就开始开展机电一体化研究和应用，在工业制造、通讯技术、航天航空技术、电气自动化控制技术应用等领域取得了一定成果，它的发展和进步依赖并促进工业技术的综合发展。机电一体化技术已成为一门有着比较完善的自身体系的新型学科，在当今科学技术的不断发展的以后，机电一体化技术还将被赋予新的内涵。

二、机电一体化的发展现状

机电一体化的发展大体可以分为三个阶段。20世纪40年代以前为第一阶段（称为初级阶段），在传统机械传动技术应用中，人们利用电子技术的初步成果来完善机械传动与控制的性能。特别是在第二次世界大战期间，战争刺激了机械产品与电子技术的结合，这些机电结合的军用技术，战后转为民用，对战后经济的恢复起了积极的作用。那时研制和开发从总体上看还处于萌芽状态。因为当时电子技术的发展尚未达到一定水平，机械技术与电子技术的结合还不可能广泛和深入发展，鉴于技术难度与价格诸问题，已经开发的产品也无法大量推广。

20世纪70年代~80年代为第二阶段（称为蓬勃发展阶段）。这一时期，由于微型计算机技术、控制技术、通信技术的发展，为机电一体化的发展奠定了技术基础。随着大规模、超大规模集成电路和微型计算机的迅猛发展，为机电一体化技术的发展和应用提供了充分的物质基础。

20世纪90年代后期，开始了机电一体化技术向智能化方向迈进的新阶段，机电一体化进入深入发展时期。一方面，光学、传感器技术和通信技术等进入了机电一体化，数控加工技术和微细加工技术也在机电一体化中展露头脚，出现了光机电一体化和微机电一体化等新分支；另一方面对机电一体化系统的建模设计、分析和集成方法、机电一体化的学科体系和发展趋势都进行了深入研究。同时，由于人工智能技术、神经网络技术及光纤技术等领域取得的巨大进步，更为机电一体化技术开辟了发展的广阔天地。这些研究，将促使机电一体化进一步建立完整的基础和逐渐形成完整的科学体系。

我国是从20世纪80年代初才开始在这方面研究和应用。国务院成立了机电一体化领导小组并将该技术列为“863计划”中。在制定“九五”规划和2010年发展纲要时充分考虑了国际上关于机电一体化技术的发展动向和由此可能带来的影响。许多大专院校、研究机构及一些大中型企业对这一技术的发展及应用也做了大量的工作，在机械制造、通讯、交通、航空航天技术等领域虽然取得了一定成果，但与日本等先进国家相比仍有相当差距。

三、机电一体化的发展趋势

（一）智能化趋势

所谓“智能化”，是对机器行为的描述，是在控制理论的基础上，吸收人工智能、运筹学、计算机科学、模糊数学、心理学、生理学和混沌动力学等新思想、新方法，模拟人类智能，使它具有判断推理、逻辑思维、自主决策等能力，以求得到更高的控制目标。智能化是21世纪机电一体化技术发展的一个重要发展方向。人工智能在机电一体化建设者的研究日益得到重视，机器人与数控机床的智能化就是重要应用。机电一体化产品不可能具有与人完全相同的智能。但是，高性能、高速的微处理器使机电一体化产品赋有低级智能或人的部分智能。

（二）模块化趋势

模块化是一项重要而艰巨的工程。由于机电一体化产品种类和生产厂家繁多，研制和开发具有标准机械接口、电气接口、动力接口、环境接口的机电一体化产品单元等，是一项十分复杂但又是非常重要的系统工程。如研制集减速、智能调速、电机于一体的动力单元，具有视觉、图像处理、识别和测距等功能的控制单元，以及各种能完成典型操作的机械装置。这样可利用标准单元迅速开发出新产品，也可以扩大生产规模，制定各项标准，以便各部件、单元的匹配和接口。从电气产品的标准化、系列化带来的好处可以肯定，无论是对生产标准机电一体化单元的企业还是对生产机电一体化产品的企业，规模化将给机电一体化企业带来美好的前程。

（三）微型化趋势

微型化指的是机电一体化向微型机器和微观领域发展的趋势，国外称其为微电子机械系统（MEMS），泛指几何尺寸不超过1cm的机电一体化产品，并向微米、纳米级发展。微机电一体化产品体积小、耗能少、运动灵活，具有不可比拟的优势。微机电一体化发展的瓶颈在于微机械技术，微机电一体化产品的加工采用精细加工技术，即超精密技术，它包括光刻技术和蚀刻技术。

（四）网络化趋势

计算机技术等的突出成就是网络技术。网络技术的兴起和飞速发展给科学技术、工业生产等领域都带来了巨大的变革。各种网络将全球经济、生产连成一片，企业间的竞争也将全球化。机电一体化新产品一旦研制出来，只要其功能独到，质量可靠，很快就会畅销全球。由于网络的普及，基于网络的各种远程控制和监视技术方兴未艾，而远程控制的终端设备本身就是机电一体化产品。现场总线和局域网技术使家用电器网络化已成大势，利用家庭网络将各种家用电器连接成以计算机为中心的计算机集成家电系统，使人们在家里分享各种高技术带来的便利与快乐，因此机电一体化产品朝着网络化方向发展是为大势所趋。

（五）绿色化趋势

工业的发达给人们生活带来了巨大变化。物质丰富，生活舒适；另一方面，资源减少，生态环境受到严重污染。于是人们呼吁保护环境资源，回归自然。绿色产品概念在这种呼声下应运而生，绿色化是时代的趋势。绿色产品在其设计、制造、使用和销毁的生命过程中，符合特定的环境保护和人类健康的要求，对生态环境无害或危害极少，资源利用率极高。设计绿色的机电一体化产品，具有远大的发展前途。机电一体化产品的绿色化主要是指使用时不污染生态环境，报废后能回收利用。

（六）人性化

未来的机电一体化更注重产品与人的关系，机电一体化产品的最终使用对象是人如何给机电一体化产品赋予人的智能、情感和人性显得愈来愈重要，机电一体化产品除了完善的性能外，还要求在色彩、造型等方面与环境相协调，使用这些产品，对人来说还是一种艺术享受，如家用机器人最高境界就是人机一体化。

参考文献：

[1]殷际英，光机电一体化实用技术[M].北京：化学工业出版，2003；

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【关键词】《呼啸山庄》；特殊视域；视觉呈现；研究

中图分类号：J905 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）10-0115-01

对于喜欢电影的人们来讲，一部好的电影在欣赏完之后，往往有长久的影响力，这种影响力不仅表现在人们欣赏电影的过程中，更多的是给人们留下可以回味的内容。从目前的电影制作人的角度来进行思考，可以发现当前很多电影制作人更希望将电影的创作朝着经典名作的方向发展，这样才能够赢得更多的观众和票房，才能够赢得广大观众的喜爱。《呼啸山庄》这部经典的传世之作，经过了电影制作人的改编之后，赢得了较好的市场效果，受到了广大观众的喜爱。笔者就《呼啸山庄》的特殊视域和视觉呈现进行了深入探讨。

一、《呼啸山庄》小说所呈现的具体内容

在英国的文学创作道路上，《呼啸山庄》具有较高的文学地位，在较长的历史时期影响着英国的文学创作。无论是在英国文学史上还是在世界文学史上，它都是一部具有深刻影响意义的文学作品。《呼啸山庄》是英国作家艾米丽・勃朗特所创作的唯一一部文学作品，该小说发表于十九世纪中叶。在很长一段时间里，人们对于《呼啸山庄》的认识程度相对较低。二十世纪之后，它才慢慢地受到读者的认可，可以说该小说是经历了较长时间的沉淀，才得到人们的重视。[1]该小说描述的是吉卜赛弃儿被山庄老主人收养之后，受到不公正待遇，后来外出致富后，对其孩子进行报复的故事。这部作品体现了反抗压迫和争取新生活的精神，同时又笼罩着离奇、紧张的浪漫气氛。可以说这部小说是一部经典的西方文学作品，反映了那个特定历史时期人们的现实生活。

二、电影《呼啸山庄》的特殊视域和视觉呈现

在电影创作过程中，需要有特殊的视域和视觉的呈现，这样才能有效地吸引观众的注意力，从故事的情节当中找出适合观众需求的特殊视域和视觉呈现，从而提升电影创作水平。对于电影《呼啸山庄》的特殊视域，我们可以看到的是，将小说中的长篇文字描述，通过一定的图像或者形象色彩展示出来，这样就能够简化人们对现实生活的认识，从而不断完善故事情节，让观众在欣赏特殊视域的过程中，有效掌握电影展现的内容。电影能够直接将小说中较长的叙述呈现出来，将故事内容不断朝世俗化的方向发展，从而让人们享受到电影的视觉冲击所带来的震撼影响。[2]在电影的创作过程中，这种特殊的视阈和视觉呈现都是必不可少的内容，都是进一步展示电影艺术的重要方面。

在影片最后，当凯瑟琳和希斯克利夫的幽灵手牵手共同走进属于他们的城堡时，镜头回到了奈莉的叙述当中，这个镜头显得较为平静和自然，这种特殊视觉的呈现在电影创作过程中没有太大的争议，同时也是符合主流价值观念的一种视觉表达形式。从《呼啸山庄》改编成电影的过程中我们可以看出，只有创作出符合大众所认同的主流价值，才能够符合人们的现实需求，从而在电影艺术创作过程中，不断强化和完善电影艺术的发展水平。[3]

三、《呼啸山庄》欲望和毁灭的特殊视域

从《呼啸山庄》电影艺术创作的使用手法上可以看出，该文学作品的欲望和毁灭的特殊视域的使用，往往奠定了人们在现实生活中，对于自身所经历事情的一种反应，只有将这些特殊的视域进行深入了解，才能够有效提升人们对于电影创作艺术的认同感[4]，从而增强人们对电影艺术创作的认可程度，不断地将电影中人物的内心世界，展现到观众面前，让观众通过对电影艺术的欣p，对故事内容的进一步掌握和认识，深入到电影艺术的创作过程中来，提升电影艺术在观众心中的影响力和感染力。

综上所述，《呼啸山庄》作为世界经典文学作品，改编成电影之后，只有不断改进特殊的视域，才能够有效地改进人们对于电影艺术的认可程度。

参考文献：

[1]王艳萍.《呼啸山庄》――从小说到电影[J].电影评介，2013（02）.

[2]胡英歌.电影《呼啸山庄》的互文性解读[J].电影文学，2016（02）

[3]杨烨.荒原上的爱恨情仇――比较电影《呼啸山庄》与小说的主题差异[J].海外英语，2014（10）.

[4]程惠敏.赏析电影《呼啸山庄》看其艺术的创新[J].电影文学，2014（12）.

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1.光在摄影艺术中的效应造型用光是电影摄影艺术的核心和灵魂。没有造型用光的渲染和烘托，电影摄影艺术的效果就难以充分发挥出来。光线可以构造丰富多彩的艺术造型，使物体呈现出鲜活的立体感，细致刻画物体的微妙变化。光在摄影艺术中的视觉效应可以通过调节画面明暗配置，构造视觉反差，突出画面的层次感和立体感，丰富剧情表达。对于摄影家来说，创新光在电影摄影艺术中的应用，就如同艺术家描绘精彩的书画作品，通过对造型用光规律的摸索和光线特征的把握，充分传达造型用光的视觉语言。

2.光对摄影艺术造型的表现力造型用光是构造影视画面层次感、立体感，并形成视觉冲击力，增强画面层次效果表现力的主要影响因素。根据电影艺术创作中光线方向与太阳照射物体方向的差异性，可以从顺光、侧光、逆光等三个不同采光方向探索造型用光对摄影艺术的表现力。这几种光的组合和演变，使作品呈现了各具形态的艺术效果。如顺光以物体受光面的均衡多层次、多维度地再现物体的质感和艺术效果。侧光表现出鲜明的反差、强烈的视觉冲击力，空间立体感和层次感比较强。逆光侧重于对空间深度和环境气氛的烘托，偏向于对物体轮廓的勾画。

3.光对色彩还原的要素光在色彩传达中的再现与还原构成了五彩缤纷的彩色世界。根据造型用光的特点，可以将光对色彩还原的要求归纳为以下三个方面：即光的属性特征。不同的光在影像效果和色彩表达中有着不同的表现。如自然光和人工灯光的区别，成像效果也截然不同。从光的来源方向来看，直射光和散射光在影像摄影过程中的造型效果存在着较大的差异性。直射光无论是线条还是影调都比不上散射光柔和；顺光与逆光的差异，顺光拍摄物体光线较为均匀，但缺乏相应的空间纵深感和画面质感。逆光曝光不充分，但在特殊的摄影场合，这种摄影手法反而更能表达摄影效果。从造型用光的光线强弱来看，强光有利于烘托画面的层次感，制造出绚丽的画面，弱光摄影往往给人以意想不到的惊喜。

二、电影摄影创作中造型用光的技术处理和艺术表现

造型用光在影视创作中有着特殊而又关键的作用。光源在被拍摄物体的外观、立体空间、彩色构成等方面都有着特殊的运用。因此，在拍摄过程中应通过光线调节和搭配，尽量呈现出被拍摄物体的艺术性和视觉美感，巧妙运用不同性质的光线，合理搭配自然光和人工光，深度融合到画面的意像中。摄影师在拍摄过程中要智慧与技巧并存，巧妙构思，灵活运用，把握好造型用光的影像效应与“光感”，结合被摄物的影像特征，调和好画面气氛，增强被摄物的空间深度感和画面层次感，灵活运用大自然赋予的丰富自然光彩。造型用光的完美技术处理，既要求摄影师具备相应的职业素质和一定的专业水平，又要求他们能够发挥创意，创新造型用光在摄影创作中的巧妙运用，只有这样才能达到较好的艺术造型效果。影视创作因为有造型用光的灵活运用，才会让观众在轻松愉悦的环境中接受摄影作品中传递的思想观念和情感认识，体会其中蕴含的艺术价值。为了渲染影视作品中这一主题的表达，就需要确定好光线方位、光线强度、光线性质等综合效果的处理。当作品中的光线、色彩等达到一定比例时，就会让人产生一种宛若仙境而又难以言表的视觉美感。优秀的影视艺术作品一般都有其独特的审美价值和创作理念。

加大造型用光技术处理在电影摄影创作中的应用，将会推动电影摄影创作艺术的发展，并将创造出丰富多彩而富有艺术气息的作品。电影摄影创作中造型用光的艺术表现是丰富多彩的。在影视创作中拓宽造型用光的艺术表现，有助于丰富影片的故事情节并提升影片的艺术价值。如电影故事情节中合理运用光线可以使画面的内涵和意义表达更充分，更能渲染出故事情节和环境气氛。人物形象的刻画中巧妙运用造型用光技术，可以充分传达出主人公复杂的内心世界和深挚的情感表达，为人物形象的塑造和故事情节的发展提供帮助和支持。同时造型用光在摄影创作中的运用也可以做为重要的情节因素，通过造型用光的动态展现和运动韵律营造出或紧张、或欢快、或恐惧的环境气氛，进面渲染故事背景，丰富故事情节。造型用光还可以提升人们的艺术审美效果，影视创作中摄影师引导被摄者调整姿态或笑容，或创造性地运用光线，让观众产生美的享受，阐释艺术美的主观认识。

三、促进电影摄影艺术与造型用光的良性互动

1.将电影摄影艺术视觉节奏与造型用光有效结合电影摄影艺术是一种特殊的视觉语言，能够超越地域、文化、生活习俗等方面的差异。电影摄影艺术在构思、用光、色彩等方面的改进和提升，有助于增强画面的视觉语言，产生足够的视觉冲击力，让欣赏者产生实实在在美的享受。而光是调节摄影画面效果的调和剂，将造型用光与取景构图、画面处理、题材创新等结合起来，可以创造出或精彩绚丽，或动感有力，或意境十足的美丽画面。有人将造型用光看作是摄影艺术的生命，事实确实是如此。造型用光可以渲染出影视作品的画面气氛，突出画面的质感并不断提升画面的艺术造型水平。真正的摄影师都是善于全天候运用造型用光的集大成者，无论是白天还是黑夜，他们总能够在复杂的光线环境中创造出优秀的摄影作品。将电影摄影艺术视觉节奏与造型用光的有效结合，还要注重画面的影调与色彩之美，通过调节画面中明与暗的布局比例以及色彩的搭配，产生或具有强烈对比度，或柔和平缓的影调变化。从心理学的角度来看，将造型用光与电影摄影艺术视觉节奏结合起来，能够从不同的角度来维度来影响人们的心理感受，从而使艺术作品富有艺术魅力和感染力。

2.创新造型用光技术，增强电影摄影的艺术性影视作品中造型用光的呈现形式是多样化的，不同的环境、不同的气候条件、不同的空间位置等都会对摄影效果产生一定的影响，这为创新造型用光技术提供了可能。电影摄影中造型用光的应用和创新，不仅关系到影视画面的效果，而且关系到整个影视作品故事情节的表达。如在塑造一个冒险者从黑暗的山洞中穿梭而过时，由外到里，由浅由深，由明到暗等，冒险家的身影由清晰变模糊，欣赏者或观众的整个身心随着画面的上动态光线变化而变化，神经也开始逐渐绷紧。这种环境气氛的渲染，画面立体感和层次感的呈现、人物形象的塑造等都高度依赖造型用光并成为影响整个影视画面效果的核心要素。如果对造型用光技术加以创新和改进，就可能给观众留下深刻的印象，产生难以言表而又具有较强视觉冲击力和震撼力的优秀作品。

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关键词：三维动画；传统电影；动态视觉艺术

随着技术的飞速发展，三维动画逐渐拥有了突破传统电影表现能力限制的强大艺术表现力，三维动画只受限于创作者想象力的巨大自由度，超越真实世界的丰富性，都注定了三维动画设计不能受制于传统视觉艺术表现技法的窠臼，需要迅速开阔创作思路，对传统电影艺术的表现技法做出全面的补充与恰当的开拓。

一、三维动画的简单概述

三维动画是一门新兴的动态视觉艺术种类，与传统动态视觉艺术，如电影等有着异语同源的密切联系。当前三维动画的发展与电影制作相互依存的现实性使三维动画设计在艺术和技术上都对传统电影的制作方式有学习与继承的需要。三维动画的艺术表现特点需要遵循传统视觉艺术的审美规律，同时由于技术的革新又产生出超越传统视觉艺术的表现形式，其表现力也较传统电影作品更富有广阔性和自由性；如何对传统电影艺术既有的制作形式和审美规律加以继承，使三维动画作品更符合电影艺术长久积累的艺术表现方式并适应观众的审美习惯；同时运用三维动画技术对传统电影制作形式的局限性加以改进和拓展，使电影作品更符合人类与生俱来的欣赏视听艺术作品的生理心理特点，是当代三维动画技术最重要的发展方向之一。辨析三维动画技术对传统电影作品的继承与扩展，使三维动画与包括胶片、数字在内的电影作品相辅相成，独立而融合的发展新时代的视听艺术形式是三维动画的技术使命。

二、三维动画的发展现状

动画行业发展的快速和多元化，是和现代高速发展的科技，包括：生物，影像，新媒体技术等高科技技术的发展兼续并进的，也是与各种艺术形式的融合发展密不可分的。

二十一世纪以来，三维动画技术在上世纪末技术取得突破性发展后，已经成为一门比较成熟的艺术种类。但同时，三维动画技术更多的是与传统艺术一主要是传统电影艺术的表现形式加以融合，形成了具有新时代特征的各种视听艺术作品。

三、三维动画与传统实拍电影的差异与联系

目前由于三维动画技术性强的特点，世界范围内三维动画技术的提供者与传统电影艺术家相对属于独立的群体，这使得在利用三维动画技术的视听艺术作品，尤其是独立艺术家的作品往往在融合性上面有所缺失。而这一点正是由于对三维动画技术和传统电影制作方式的共同点和独特性研究不充分造成的。

(一)我国三维动画技术是在学习世界先进技术的基础上得以发展的

正因如此，三维动画的艺术表现形式有一定的独特性和复杂性。电影艺术家对先进的三维动画技术的掌握需要更多结合中国传统视觉艺术的特点来对技术加以选择吸收。同时对传统艺术表现形式特点需要更加深入的探究：对传统电影艺术的历史特点进行总结，并对三维电影作品的未来发展方向有理性认识。我国三维动画正处于商业化运作的初级阶段，成功作品相对稀缺，很多作品质量有待提高。在三维动画与电影结合方面，技术相对落后，造成电影对三维动画的强大表现力利用不够。三维动画艺术设计者对我国传统电影制作方式，艺术内涵及观众对传统电影的欣赏习惯研究不够深入。这不仅造成了我国三维动画作品表现力不足，题材狭窄，并在与电影作品结合以提高电影作品表现力进行开发的方向上进行的很不充分。

三维动画是诞生于上个世纪的电影艺术以及新兴并突破性发展的计算机数字影像技术的混合体。在构成这个体系的要素中，有多种艺术形式和科学技术基础的存在。这种结构从一开始就注定了三维动画是艺术性与技术性的融合，三维动画设计既要重视艺术性的创新，又要重视技术性的表现方式。

(二)三维动画是视听艺术的一种，是现代多媒体艺术中脱胎于传统电影艺术的独特类型

作为符合电影艺术规律的三维动画在设计中必须符合传统艺术的审美特点，符合人们长久以来观看传统电影作品所形成的欣赏习惯；而技术性是三维动画得以构建于计算机虚拟技术之上的根基，依托于计算机技术的飞速发展，使得三维动画设计也必须运用自身拥有的几乎以几何级数超越传统艺术技法发展速度的新技术创造出传统电影无法达到的新艺术特质。

(三)三维动画与传统拍摄的电影画面结合的视听作品是目前发展的一个最重要方向

越来越多的计算机制作的三维图像被运用到了电影作品的制作中。其视觉效果的魅力在某种意义上甚至已经超过了电影内容的本身。在这种以形式为主导的视点下，三维动画制作的电影特效使得电影能够回归“奇观”性本质，甚至可以作为了一种独立的视觉表现艺术而存在的。

从电影诞生之初，就已经有了电影特效的萌生。传统电影百年余的历史见证了电影特效这门特殊艺术的茁壮成长。并因为三维动画技术的出现迎来了崭新的一页。

传统电影在最初由部分的使用模拟特效的作品向全部由计算机制作的数字特效转变的过程中，所有人都看到了其在视觉效果上的强大和不可限量。今天，我们已经很找到一部电影没有运用三维动画特效。因此，人和电影制作者都不可能忽略三维动画在电影作品中地位，三维动画技术已经是电影艺术不可或缺的一部分。

三维动画对电影作品来说如此重要，那么该如何使三维动画与电影的结合更加融会贯通，避免使观众在观赏时有突兀感，又能通过三维动画技术给电影作品插上强大的翅膀使之能为艺术家恣意发挥想象力提供更自由的空间?研究传统电影制作方式，传播方式，长久以来电影观众对电影作品的欣赏习惯就是必然的选择。而打破传统电影拍摄过程的记录性本质，用三维技术的完全虚拟性构筑视觉艺术全新的表现技法也是三维动画设计者必需的创作出路。

从三维动画出现的那一刻起，三维动画与传统电影就紧密的联系在了一起。三维动画作为动态视觉艺术的一种，与电影艺术异语同源，既具有传统电影从来不曾有过的巨大自由度与先进性，又不能脱离传统电影的艺术规律而独立存在。无论是完全的三维动画设计作品还是三维动画与传统拍摄结合的电影作品，都必须符合电影艺术长久以来所形成的审美规律和欣赏特点。在三维动画设计中对传统电影制作中的现实性，摄制方式，拍摄器材的物理特点和传统电影特定的拍摄模式要有选择的加以模仿才能符合电影艺术的即成规律和观众的欣赏习惯。同时在三维动画设计中，应该利用三维动画设计软件的即时性和便利性以及非凡的自由度和表现力去克服传统电影制作中一些无法克服的局限，在符合艺术规律的情况下，创造电影艺术创作的新方法，新思路，只有这样，三维动画才能发挥自身优势改进电影制作的方式来增强电影的“奇观性”，使电影的视觉效果既有创新又符合电影作品的艺术规律和观众的审美习惯。在电影艺术的殿堂里书写新的篇章。

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关键词:电影艺术；新浪潮；现代性；后现代性；新表现规则；电影本体；艺术特性

中图分类号：J90文献标识码：A

这是终成正果的犹豫，与先锋电影的“哑声”不同，新浪潮电影的“现代性”，是“发声”现代性——有声和彩时期的现代主义电影。

这也是“现代性”和“后现代性”相互交接的版图。

“虽然后现代主义一直都有待于‘给出正当的理由’，但在电影领域这一问题尤为棘手。”① 对于电影来说，艺术的悖论是：作为艺术类型，电影本身就是相对于传统艺术类型的现代艺术范畴的一种，所以，电影艺术的“现代性”与我们习惯意义上的“现代性”，有着巨大的差异：现代派艺术的追求个体自由与电影自身的大产业性生产之间，几乎没有兼容性；电影是在现代主义和现代主义艺术的成熟期被发明的，它本身没有一个由传统向现代的嬗变，在某种程度上，电影的“现代性”——现代主义意义上的现代性，是向外“模仿”的“现代性”，而不是自身艺术嬗变的“现代性”。“在现代中已有了后现代性，因为现代性就是现代的时间性，它自身就包含着自我超越，改变自己的冲动力。”②

正是在这种意义上，仔细爬梳和辨识“现代性”电影，是极其重要的，因为只有如此，才使我们有可能认识后现代电影——好莱坞电影在好莱坞艺术中的特殊性以及好莱坞电影与传统后现代艺术的差异性。

在电影领域，后现代主义习惯上指一种美学范畴，一种含义宽泛的心理倾向或感受力，一种类型，理论观点的集合，各种各样的新技术，或者一个分期的概念。正因为如此，后现代主义这个词本身无法被限定在电影的某个方面，而必须和整个电影研究联系起来进行讨论。③

电影艺术的发生与发展，与其他艺术类型（样式）的差异在于：电影从被发明开始——电影从成为艺术的一种开始，就置身于西方世界的现代主义艺术的发生和发展的历史环境中。更何况，就电影历史的属性而言，它与传统艺术（音乐、舞蹈、美术、戏剧等）不同，前者是工业社会的产物，后者是工业社会以前的产物。所以，就大类别/范畴而言，电影艺术（包括摄影、电视和网络艺术）属现代艺术范畴（类别和种类），音乐、舞蹈等艺术属传统艺术范畴（类别和种类）。而且，按照本雅明的意见，立体派和未来派绘画的发生是由于电影的缘故。本雅明认为，立体派画家主要是受到了电影机对现实不同截面组合的启发，未来派绘画则主要是受到电影胶片运转形成的图像效果的启发。④

正是在这种意义上，我们说，电影艺术的“传统”是特殊意义上的传统，电影艺术的“现代性”也是特殊意义上的现代性。

也正是在这种意义上，我们说，就传统艺术（音乐、舞蹈、美术、戏剧等）而言，从现代主义艺术，现代主义运动中的先锋/前卫艺术，再到后现代艺术，其嬗变的时间序列和因果关系的关联度，非常显著。但对于电影来说，从现代主义电影，到实验/先锋/探索电影，再到后现代电影，其间的时间序列和相互关系的关联度，并不明显。

现代主义和后现代主义常常相互僭越了彼此间的典型“分界”。这意味着二者之间的界限归根结底是一种主观臆断（电影研究领域甚至有人试图简单地取消这种界限），虽然这种困境并非单单存在于电影领域。⑤

现代主义电影的两个阶段：默片时期的现代主义电影与有声时期的现代主义电影。前者可以称为早期现代主义电影，后者则可称为后期现代主义电影。

早期现代主义电影是一种主要对运动图像思考的现代主义，后期现代主义则主要是对声音图像都感兴趣和进行思考的现代主义。

不管我们怎样认识后现代主义的“后”，它一定与现代主义有着千丝万缕的天然联系。这就是百年电影中范围最广的一次电影运动：“新浪潮”电影。

可以这样说，“新浪潮”电影拼接出了一张“现代”和“后现代”相互交接与滲透的完整版图。

“新浪潮”来自法语La Nouvelle，是“新的波浪”的意思。⑥ 一般意义上的“新浪潮”电影，指的是1958年兴起于法国的新一代电影导演发起的新电影观念运动，但广义上的新浪潮电影，则是指发生于20世纪60年代的一场世界性的电影变革运动，包括法国“新浪潮”电影、“左岸”电影，英国自由电影，美国先锋派电影和新好莱坞电影，德国新电影，新瑞典电影，以及拉丁美洲新电影运动（包括巴西新电影），东欧国家（如波兰新电影）和亚洲国家的“新浪潮”电影，中国港台地区的“新浪潮”电影等。而瑞典导演英格玛·伯格曼，意大利电影导演安东尼奥尼、费里尼等现代主义影像风格，也都与“新浪潮”电影有着千丝万缕的联系。唯其如此，作为一种特定的概念，“新浪潮”电影也被称作“自由电影”、“新电影”和“青年电影”等。

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一、电影音乐中的独特的魅力

（一）电影音乐的特征

电影音乐是一种既有音乐艺术的特殊性，同时又区别于音乐艺术，形成自身特殊艺术特征的音乐形式。在电影音乐的创作中作曲家要根据电影中的思维、思想内容、艺术风格、影片的人物特征及时代背景进行音乐的创作，同时还要融合相应的民族特征及地方特色等元素进行创作；在创作的过程中采用专业的创作技巧及手段，为了体现影片中的思想感情和中心思想，在和声、配器等作曲技巧的使用，风格的确定及段落的安排，都必须要符合电影中艺术元素的要求，使音乐能够融于电影艺术中，给人呈现出整体的银幕形象。

音乐具有严谨的曲式结构，在创作的过程中以连续不断的时间运动为创作动机以表达作品的内容，而电影音乐则是在连续的时间运动上，既要结合影片故事情节的承续性和统一性，同时也要将电影元素与其他的艺术元素进行结合，体现出艺术的协调性和共融性，向人们呈现出视觉与听觉相结合丰富多彩、完美的电影艺术。

电影音乐作为电影中的一部分，作曲家只是针对电影的需要提供歌曲中的一部分音乐素材，为了能够在银幕中呈现出完整的银幕形象和情感，需要对电影音乐进行不同音响效果处理。

（二）电影音乐的作用

1.揭示人物的内心世界，音乐在电影中的应用，可以充分的反应影片中的情绪情感，渲染影片中人物的思想感情，能够使影片的故事情节更加打动观众，引起观众对电影所表达的中心思想产生共鸣，所以音乐在当代电影发展过程中起到了关键性的作用，促进电影艺术更好地向观众传递文化精神。

2.对人物性格、感情、情绪、精神进行高度的概括，音乐在电影中的应用，可以通过电影特定的情节，对电影中的人物性格、情感及精神给予高度的概括，音乐通过与电影画面相结合，能够很好的反应出电影画面特定的内容及历史背景，在银幕中呈现出完整的人物形象，激发人们对电影故事情节的联想。

3.体现并深化影片的主题思想，塑造形象，电影中的人物内心世界变化可以透过音乐表达出来，在电影中人物内心世界的情感变化与电影的思想主题是一脉相连的，电影作品的主题思想人物性格、基本情绪、矛盾冲突等常常通过音乐或歌曲表现出来。所以在电影中可以随着音乐的播放，牵动观众的情感，最终达到电影的目的，促进电影音乐的更好发展。

4.推动故事情节的发展，在电影中随着音乐的播放及音乐的不断变化，可以烘托电影中的情节，起到推动情节发展的作用，使观众能够感同身受，对电影中心思想产生共鸣。

5.音乐可以渲染气氛，电影中的音乐能有效地体现作品的时代感、烘托环境、凸显战争、渲染恐怖、营造梦境或幻境气氛。

6.音乐有助于形成特定的电影节奏，通过音乐可以对电影画面人物动作及镜头的衔接等形成电影作品的因素进行节奏的调节，快节奏的音乐配以快节奏的画面动作，塑造快节奏的故事情节；反之则是体现出慢节奏的故事情节；然而在慢节奏的动作配以快节奏的音乐可以使这一段落的节奏加快；快节奏的动作配以慢节奏的音乐可以使这一段落的节奏减慢。

7.有助于观众在观看电影时形成统一感，音乐可以利用与镜头的组接功能，能将画面内容上彼此毫无关系的一些镜头组接起来，从一个镜头自然地过渡到另一个镜头，音乐不仅用来连接两个镜头，而且还可连接段落。通过利用音乐将段落之间衔接起来，可给观众一种统一的感觉，更有利于观众对电影主题思想的了解。

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一、电影中充分运用了绘画艺术中的画面色彩

色彩是绘画艺术作品的一个基本的组成元素，也是电影艺术一个十分重要的组成元素。色彩能被人们看见，主要因为两个客观物理因素:其一，光，也就是太阳光。就算是再漂亮的色彩，如果没有太阳光，黑夜里人们是不可能看到色彩的;其二，眼睛，有了色彩以及光之后，假如没有眼睛，就算再亮丽的色彩，再明媚的阳光，都是暗淡无光的。由于亮丽的色彩产生了不同的视觉效果而给人们不同的心理感受，色彩可以分为冷色、暖色;因为其明亮程度不同，色彩又可以分为高明度、中明度以及低明度色彩;根据色彩饱和度不同，色彩还可以按照纯度分为高、中、低三种。利用绘画作品中所运用色彩的各种明度、纯度、色相，从而充分反映出创作者的思想感情，将自己的内心感受通过色彩展现并且感染观众。例如，如果要想让观众产生激情的感触，画面所运用的色彩往往是明度稍中、饱和度饱和的暖色的那种，例如红、橙、黄等暖色能够准确地将创作者内心情感传递出来。王家卫的电影《花样年华》的海报所运用的色彩，充分反映了影片主人公真挚的感情，让观众对电影中的一段对白“在时光流逝前，好好地再依恋你一段”有更加充分的感悟，精确地传递出了电影中主人公深沉的爱恋。如果电影画面想要传递出理性、冷静、严峻，往往会运用那种冷色调的色彩，比如电影《辛德勒的名单》的海报中，所运用的色彩主要为黑、白两色，充分反映了创作者所要传递的内心感情。在任何一种艺术当中色彩都能发挥非常关键的作用，在电影中色彩能够反映创作者的思想情感，就像一把利剑，刺穿外在的面具，直达心灵深处。

色彩中的色相、明度、纯度的不同所传递出的画面思想感情也并不相同。因此，它成为传递电影剧情、感情的一个有效手段，并且在很大程度上反映了一个制片人的审美情趣以及绘画涵养。张艺谋导演的《十面埋伏》中运用了大量的竹海的景象，运用了大量翠绿的色彩，让观众有一种心旷神怡的感觉，同时也意味着在这非常幽静的竹海中将有一场无情的残杀;他另外一部电影《满城尽带黄金甲》中，运用了大量的黄彩，比如皇帝、皇后以及王公贵族等的穿戴、服饰、饰物、官兵的战袍、兵器以及宫中的生活用具、装饰品等都采用了各种不同纯度以及明度的黄彩。因为这种颜色不仅是皇权的象征，同时和电影中所要反映的“黄金甲”相吻合，并且还能使得电影中的情绪得到有效宣泄。在一部电影中色彩的表现力也反映在服装设计方面。比如《雷雨》中讲述了繁漪并不满意现实生活，她十分渴望获得独立以及自由，并且热切期待获得爱情，然而现实生活往往与她的愿望背道而驰。电影中的服装从一开始淡淡的紫变化到其后的色彩愈来愈深，其所运用的色彩的明度愈来愈低的变化正与她内心深处愈来愈多对生活以及爱情的绝望相一致;在王家卫导演的电影《花样年华》当中，女主人公先后更换了数十套不同的颜色、款式的旗袍从而充分反映出女主人公内心非常丰富的情感世界，对爱情的无限期盼、渴望。导演在整部电影中所运用的色彩明度以及纯度都比较低，这种比较暗淡的色彩，与电影中人物的情绪、内心情感十分相符，也和当时社会的现状非常吻合。因此，与绘画中的色彩相同，电影中的色彩不但是现实生活的再现，还是艺术真实反映。

二、在电影中充分运用绘画艺术的人物、动物、植物的表现手法

在绘画艺术中，为了更加充分地传递内心的情感，在运用色彩的同时，还会运用变形、夸张等艺术手法去描绘客观人物、动物、植物等，进而充分反映创作者的内心情感与思想。在西方著名的现代派画家毕加索的作品当中非常容易发现这种表现手法，例如在毕加索的作品《牛》当中，首张画的是一头非常写实的牛，其外形大小、比例与生活中的牛相同，然而其后创作的牛都实施了变形的处理，到最后一张甚至将牛抽象成为数个几何形状的有机组合，画面对于牛的复杂外形实施了高度概括的处理手法。观赏者对于现实生活中牛的形态能够站在一个全新视角进行观察与审视，对其有一种全新的了解与认识。事实上，电影艺术是在绘画艺术的基础上逐步发展而来的，是绘画艺术中的一个子艺术，因此在其表现手法当中无法脱离绘画艺术中对人物、动物、植物的表现形式，在电影艺术中随处可见绘画艺术的绘画表现手法。尤其是在动画电影当中有更加明显的体现，例如国外非常受小朋友欢迎的动画片《小鸡快跑》描绘的是在一个农场中，农场主人想将全部的鸡都杀掉，小鸡们就积极开动脑筋、充分运用它们的聪明才智想出了通过飞机逃跑的对策。电影中所塑造的鸡的形象就充分运用了绘画艺术的表现形式，对于鸡的外形进行了拟人化的处理手法，让鸡穿衣服，母鸡甚至还戴上了象征农家妇女的头巾。影片对鸡的外形运用了非常夸张的处理手法，比如电影中有一只自鸣得意的公鸡，为了充分反映这个特点，对其外形方面运用了十分夸张的绘画艺术表现形式，将鸡的脚画得非常大、将其胸脯刻画得比其他鸡的外形比例更大，运用这种夸张绘画手法主要是为了充分体现这只公鸡的傲慢的性格特征;又比如在电影《超人总动员》当中，电影中的人物都运用非常夸张而变形的绘画表现形式，电影中人的头、手脚、身体等都与现实生活中人的比例不吻合，头部的比例刻画得非常大，相比之下身体显得非常瘦小，运用这种绘画手法使得电影中的人物形象对观众有更加强烈的吸引力;在电影《冰河世纪》中，其中的动物也运用了绘画艺术中的变形以及夸张的处理手法。在电影的创作前期，美术工作人员进行了大量的绘画工作，创作了许多电影中动物的图片，并进行反复修改，比如大象的形象就充分综合了各种动物的形态特征，头顶还运用了拟人的表现形式，增加了一团头发，从而使得电影中的大象的形象更加活泼、生动。

三、在电影中充分运用绘画艺术中的构图意识元素

一幅画要充分体现创作者的内心思想与情感的同时，还应当感动观众。不仅需要运用画面色彩、夸张的外形处理，还必须运用一定的绘画艺术的构图元素。在传统的绘画艺术当中，画面构图往往十分传统，它所讲究的是一种中规中矩、平衡的视觉美感。这种构图方式往往给观众一种十分平和的内心感受，在我国传统国画当中得到了广泛的运用，比如著名画家徐悲鸿绘画作品《马》以及齐白石的绘画作品《菊》等，这些画面构图所运用的都是那种传统的均衡美感，充分反映文人的内心平和的艺术情感。然而在现代的绘画艺术当中，画面需要突破传统的构图形式，打破常规的构图法则，转而去追求那种能够产生非常强烈的艺术视觉冲击效果。在电影艺术当中展现在广大观众面前的每一个影像画面，绘画艺术当中的构图元素得到了充分的运用，首先是传统的画面构图，传递出一种均衡的艺术视觉效果，其次是现代的画面构图，让广大观众能够产生非常强烈的视觉冲击效果，可以在视觉效果上吸引更多的眼球。

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一、电影艺术与当代绘画的关系

图像是人类最直接感受事物的载体，是视觉的语言，是认识世界的精神和灵魂的投射。由于时代的发展，信息技术的日益成熟，图像对我们的社会产生了很大的影响，读图时代让图像语言成为我们日常生活中不可或缺的语言之一，所以，在电影与当代绘画的创作当中，所有渴望制作图像的创作者都应不留余力地来挖掘这座不断更新的宝库。人类的人文艺术发展，一切的文明创造皆是个体回归心灵本位后唤醒自我创造力的突破前行。在绘画领域中，古典主义是对自然的客观表现，现代绘画致力于形式的探索，当代绘画发展为更重视态度、重视观念、表明艺术家自我观点与责任的绘画艺术。当代绘画题材与内容众多，包罗万象风格迥异，表现出一种非客观、非现实、非逻辑性的精神秩序，强调人对生活以及现实社会的观点，让作品本身不再是单纯强调形式的表达和技巧的体现，而是内心精神的引申。拉康学说认为，电影荧幕类似于镜子，观众在电影的观看期间，会自行产生一种感知，完成自我确立，侧面反映了在观看电影时，就是再次认识自我的精神世界，在某种程度上来说，电影所产生的空间就像是现实世界的精神投射。国内外的电影大师们在电影创作中，让电影拥有跨媒体融合不同艺术学科的特点，不同于传统绘画的新表现的色彩意象、光学、空间等等并进行夸张，非正常的视觉表现，产生一种全新的审美境域以及所感知的图像之外的深层意义，使电影不再仅仅是对人或事物的生活表层逻辑的一般性再现。安德烈·巴赞在讨论电影时说，“电影的起源来自于人类对完整无缺再现现实的理想。”这和当代绘画发展的观念是一致的，一开始只是模仿，后来变成了思想情感的反射。电影艺术与当代绘画，虽然有着动态、静态的差异，受众也有区别，但是，随着社会的发展，人们对图像要求不断提高，两种艺术门类都追求更为深刻、多元的图像艺术，观众需要复杂的视觉、全身心的感知，使这两种艺术形式的发展需求相同，所以，电影艺术与当代绘画殊途同归。20世纪以来许多欧洲当代艺术家在电影中吸取养分，截取电影画面作为创作的素材，他们的视觉经验和创作灵感均取自这些影像。和过去艺术家不同的地方是，他们为了使艺术作品更具特色，适当调整了图像的使用方法及目的，这些作品展现了他们在当下生活中感受到的真实生命体验。因此，电影艺术与当代绘画之间的关系相比以往的艺术作品与电影之间的关系愈发密切，本文着重研究电影艺术与当代绘画中的叙事性，旨在进一步推动两种艺术门类之间的融合与发展。

二、电影艺术与当代绘画语言中叙事性的作用

叙事，是“模仿”，重现客观事物，也是“超越”探索事物以外的创作者的意图。用亚里士多德的观点来说，艺术不仅叙述确已发生的事实，也叙述根据可然律和必然率可能发生的事。当代绘画语言中的叙事性注重表达内心精神世界的主观真实，而并非眼睛所能观察得客观真实，把创作者的内心精神世界融入作品之中，呈现多样性、多义性等特征，展现画作本身的可能性，而不是诠释已经存在的某个事件。钟飚的作品有明显的当代绘画叙事性特征，如作品《出神入画》（见图1），当代绘画的叙事性表现方式尤为突出，画面的显示出无序的结构，连续性被完全的剥离，这种“无序”“复杂”的艺术形式，极具叙事性语言。画面上的人物形象完全没有逻辑性的关联，充满了符号，夸张比例的人物，巨大的建筑物，成为视觉的亮点，像电影镜头语言中近景远景的切换，画面中的符号忽大忽小、天马行空，抽象的暗喻了作者复杂的精神意义，作者编织出超越叙事性表象的连续涌动的视觉画卷。图1《出神入画》钟飚（2007）（图片来源：网络）钟飚的作品用创造性的叙事语言，探寻现实深处的普遍联系，把自身的人生观结合作品试图在绘画作品背后建立一种视觉化的语言逻辑，这种逻辑给观者带来内心世界的深刻思考，在思考的过程中体会作者的精神情感，作者在作品之中并没有明确的引导方向，让观众自己在画作中寻找答案。当代绘画的叙事特点给观者一种全新体会，让画面变成了变动的、复杂的、矛盾的、甚至是不可知的叙事视角。从绘画对象的形状、质感和画面造成的心理感受上反映作者要表达的观念和思想情感。初期的电影叙事是随着时间线推移下的自然叙事，新浪潮电影运动之前，电影工作者们一直致力于探索一套固定的电影体系，用这种电影语言讲述整个故事，更容易被观众所理解。随着时间的推移，电影从单一叙事发展到双叙事甚至是多叙事的复杂叙事手法。从二十世纪初叶开始，电影艺术家们对叙事的形式开始探索，把电影以外的艺术结合到电影这门新兴艺术之中，经过不断地探索与实践，电影更富表现力与实验性。经过不断的实验，电影新的叙事形式不再是单一的时间性叙事，更注重解释人物的意识和心理。电影导演罗伊·安德森，他的代表作《二楼传来的歌声》《你还活着》都是以几乎毫无关联的片段组成，没有连续的线性叙事，打乱了人物和时间线索，像一场拼图游戏，几乎每个镜头都使用长镜头固定的机位，每一位演员脸上都涂着白色的油漆，模糊了人物的表情，产生一种模糊感和陌生感，形体也十分的僵硬，以一种反表演的方式呈现，人物形象的木讷感，作品中传达出的暧昧不明的情绪，整体氛围都给人一种漂浮在现实之上的荒谬感。观众在观看电影作品时，会将现实生活带入到艺术创作中，从而产生共鸣和思考，电影导演罗伊·安德森在他的作品中，传递出一种暧昧不明的情绪，无逻辑性的时间线索、毫无关联的场景、非完整性的故事线与人物对话，运用碎片式的情节、符号的意象、夸张的人物造型等手段，非线性的叙事方式让观众在他史诗般的电影作品中想象与思考。这种叙事手法打破了以往单一叙事的规则，故事不再完整，让整个故事充满了未知的可能，缺失的部分也正是创作者想要引起观众共鸣与思考的部分。从观者角度而言，抽离了客观的具象事物的空间，图像依然能够直接触动个人的经历与记忆。因每个人的经历不同，感知与储存的形象有很大差异，使得所看到的图像营造的氛围在不同观者中形成不同的景象，有不同的体验。随着不同的观者的增加，个人体验经历形成一个无限大的空间，这时就不再是表现个人的感受，而是表现了一个与之相关群体的整体体验。从作者角度而言，抽离具象的空间，因没有具体形象的限定，从而有更广泛的指向，主体物的存在赋予的特定意义，画面成为主体物所能存在的一切空间的总和。

三、电影艺术与当代绘画创新性结合

面对当今略显繁杂的世界，我们很难准确描述它，并且，也不能选择出一个或者多个具体的形象来代表这一整体状况。如果运用具体形象去表现，无论多少形象的叠加组合也都是选取到的形象的信息的总和，对于整体状况而言，总是显得局部和片面。法国诗人在《现代生活的画家》中写道，艺术的革新就要到来，这将是一场关乎于什么是美的新讨论，产生出全新的艺术理解、全新的理论和全新的历史。当今社会人们的审美能力不断提高，观众对艺术的追求不再停留在对图像的单一叙事，有更高层次的理解和思考。艺术可以是讲故事，但绝不是单纯的讲述故事，观众需要创新的艺术形式的诞生，需要这种跨媒体的艺术形式相互融合。所以，新时代的艺术家们需要不仅要记录新的时代，更要使用新的技术和语言去表达和再现我们生活的世界。亚里士多德在《诗学》中说，并不是只有一个主人公出现情节就是单一的，一个人的身上会发生许许多多的事件，有些彼此联系，有些甚至都无法称之为一个事件；比如，在电影创作中，融入当代绘画语言中的叙事性表达手法，在电影作品中，打破固有的电影语言体系或叙事规则，让这种不完整性提升电影艺术在美学呈现上的真实感和张力，将时间、空间、人物关系完全的打碎重组，让观者不能直接地感受客观事物，甚至产生“错读”“误读”，这种独特的观看体验让观众打破固有的思维定式，对图像有更深层的理解，需要思考才能体会导演更深刻的图像表达，这种多元的表现方式给观众带来复杂的视觉与全身心的感知。如上文提到的电影导演罗伊·安德森，他就像一个画家，他的作品中带有明显的当代绘画语言特点：独特的冷灰色调、僵硬的人物肢体动作、大量的符号语言，夸张、扭曲的画面，构成镜头语言来表现荒诞的冷幽默，在画面上也刻意堆积抽象元素和戏剧的视觉效果，让观众在莞尔一笑的同时，心情沉重。怪诞的妄想和现实的失重用非线性叙事的手法表达隐喻了创作者所构建的“世界”，让观众充满想象。电影作品融入当代绘画的语言特点，观众既可以感受创作者虚构的“世界”，又被赋予新的角色要求，扮演“追寻者”“搜集者”，寻找碎片化的故事和精神隐喻，观众必须融合自身的审美和社会境遇共同构建这个作者内心的“世界”。在互联网时代，当代绘画虽然面临着问题与挑战，绘画艺术的本身却还是拥有无限的可能。当代绘画作品中也可以借鉴电影艺术的语言。比如，吕克·图伊曼斯在绘制人物肖像作品时，运用电影的特写镜头语言将人物图像瞬间定格，用绘画的形式保留人物造型最强烈、最吸引人的瞬间。传统绘画的人物作品通常伴随相关的场景衬托，不会只集中于头部这样的大特写构图，图伊曼斯的绘画作品中常见的是特写与大特写的镜头语言运用，这些绘画作品像没有对白的电影默片，诉说着某个时间段的历史故事，让人思考人物的身份，在名字下隐藏的悲喜故事，除表现对象的内在精神气质外，也传达了艺术家在塑造人物时的思想情感和审美理想。在电影作品中，把连续的动作无限拉长，会产生一种模糊的观感，这种连续性的特征会产生一种视觉上的失焦，将这种失焦的视觉表现手法融合在当代绘画创作中会减少图像的局限性，减少对客观对象的再现。模糊的画面可以看作记忆的储存，利用这种手法来表现，随着时间的推移，代表记忆也会随着时间慢慢模糊、淡去。这种模糊、失焦的视觉图像会与现实的时空产生距离感，让观众回忆、怀念过去的时光与记忆。在数字化时代，艺术家不应再局限于单一的埋头工作，需要更看重社会性的互动与交流，不再排斥其他艺术对自身的冲击。艺术家们在自己的认知和见解中将所接收到的信息融合其他艺术门类，甚至，多次加工、融合、再创作，转化为属于自身的语言呈现在作品中。电影作品中融入当代绘画语言，使电影作品艺术感更加强烈、更深入地剖析人性及意识活动，激发个体对生命的思考。绘画作品融入电影艺术语言，丰富绘画作品的表现力，加大绘画作品的受众群体，更加贴近我们的生活。

四、结论

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音乐作品内容丰富,形式多样。音乐分为两个大类,一种是人的声发出的,叫做声乐;另一种是乐器发出的,叫做器乐。声乐是最为普及的音乐表达形式,也是最为人们所容易接受的,上至几十岁的老人,下至几岁的孩童,都能够用自己的声音表达出自己的感情。声乐按照演唱人数可以分为:独唱、重唱与合唱。而器乐是音乐艺术的重要表达方式,通过乐器能够更好的表达出音乐作品的感彩。的确,乐器也有着自己的特点。比如,小提琴,高音时悠扬,低音时忧郁;小号,振奋;圆号,典雅;长号,威武;提琴,优美等。而且,器乐还促进了眼、口、手等的协调。器乐按照演奏人数可以分为独奏、重奏与合奏。音乐是动态的,经过若干时间的动态表达,对一首(部)音乐作品进行完整的表述,使人有一段延续的体会。蒙太奇,是电影不得不谈的一种艺术表现方法,这是电影最基本,也是最独特的一种表现方法。电影的蒙太奇,除了镜头内部、镜头与镜头之间的组合关系外,还包括画面与音箱、音响与音响之间的组合关系。包括对前期的策划,中期的拍摄,由此,再经过创作者对后期制作的独特构思,对电影片段、场景的非线性编辑,直到最后,对整个故事情节的整合,产生出一部完整电影。音乐有时可以一个人完成,也可以是一个乐团进行合奏。可是电影,很难做到这一点,它需要各个部门的通力合作,才可以完成它的使命,因为如此,导演不可能一个人完整的将自己的思想呈现出来。

二、两种艺术的教育

对于音乐艺术和电影艺术,在对人的教育方面,这两种艺术都有同样的教育结构,分别是施教者,受教者和教育媒介,三个部分构成了一个稳定的教育链条。

1、施教者施教者组织艺术教育活动,是艺术教育中的主导因素。无论是对于音乐艺术还是电影艺术,作为施教者,都需要有对本专业相对深人的研究,对众多内容的了解。另外,施教者本身,要有良好的心理状态和较高的审美素质,以及作为这一行业工作者的高水准的情感体验能力。其次,对于教育媒介要有很好的掌握能力,能够熟练的掌控媒介,控制情感的表达。再次,对于不同的受教者,施教者要有适应的能力,迅速的调整自己的状态,找出更容易让受教者接受的方式方法,更好的起到教育教导的作用。

2、受教者受教者是指接受教育的对象。对于受教者来说,同样存在着共同点,二者都充斥着社会的各个角落,受众的层次也都是层出不穷,比如年龄的不同,受教育程度的不同,人的性格的不同,都可能导致对同样的作品都可能产生相同或者不同的欣赏结果。除了先天对视觉和听觉的固有的机能,或是对莫一方面天赋异享。而且还要,无论是欣赏音乐还是电影,受教者需不断提高自己的艺术素质,提高文化水平,努力去积累审美和非审美的经验。

3、教育媒介在施教者和受教者之间,有一条教育的纽带一一教育媒介。艺术教育媒介,是被用来实施艺术教育的艺术品。对于音乐艺术的作品,其主要认识和审美主要是通过听觉,电影是通过视觉和听觉,对两种艺术作品的欣赏,都需要受众的想象力。但其中也具有不同点,音乐,通过听觉对人产生作用,人们是仍需要通过自己的联想和想象来对作品进行品味,而电影却有不同,电影是拍出来的,有画面有声音,对感情的表达有指向性,生活里面有什么,电影里面就有什么。音乐艺术具有非具象性,或者某种程度的抽象性。但是这不等于说音乐意象作为流动的线的形式根本没有空间性。两种艺术作品的教育功能,主要是对于审美的培养,同时他们还具有非审美的教育功能,对于人们的知识、道德等非审美方面的提高,同样有着一定的功效。

三、电影和音乐有着不可分割的联系

电影,有许多叙事的元素,音乐是其中重要的一项。它可以解释剧情,可以延伸画面,塑造人物等等。比如,台湾着名电影人侯孝贤,他的电影历来少有对白,语言总是不被他喜欢,但是音乐确实不可缺少的,就像电影5最好的时光6里面5Rainnadtaesr6就有着替代语言叙事的功能。每次音乐响起的时候,总是感情发展上升和发展的时候,音乐就像是感情的见证,清楚的表达画面内和外人物的关系。这部电影里面,有摇滚乐,也有台湾民谣,导演的刻意安排,体现了现实社会,体现了台湾六、七十年代外来文化和本地文化的互相融合。

1、声音营造空间感电影的画面是二维空间,在视觉上,依靠构图和被摄对象之间的比例来创造三维空间。声音,这第五维度的空间关系。如果可以有效利用,能增加空间和画面的立体感。在电影片段5恋爱梦6里面,桌球的撞击声,就是利用的这个特点。

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关键词:电影艺术；电影数字技术；电影奇观；电影美学；中国电影；影响；发展；走向

中图分类号：J901文献标识码：A

电影是现代科技与艺术结合的产物。在世界电影发展史上，任何一次电影技术革新都会成为一种内驱力，数字技术在电影领域的兴起，同样给电影创作和电影美学造成冲击。对之进行理论梳理和严肃思考，无疑具有重要的理论尤其是现实意义。

一、数字新媒体技术与电影的革新

数字技术的核心是计算机技术。而计算机技术介入电影制作领域，始于20世纪60年代后期，这一介入使得电脑成像和电脑绘画获得的数字影像及其虚拟空间成为电影的重要表现手段，实现了电影与电视及多媒体的结合和渗透，从而滋生以电脑为核心、以互联网为主要平台的新媒体。伴随着媒介的变化，审美文化、艺术样式也发生变化，在此背景下，数字电影应运而生。

简单地回溯一下数字电影的发展历程：经由1968年的《2001：太空漫游》的初试牛刀，1977年美国电影《星球大战》中的飞船模型，可以看作是数字技术应用于电影制作的开始。随后，《魔鬼终结者2：审判日》（1991年）、《侏罗纪公园》（1993年），到《阿甘正传》（1994年）、《真实的谎言》（1994年）、《泰坦尼克号》（1997年）、《拯救大兵瑞恩》（1998年）、《角斗士》（2000年）、《魔戒三部曲：王者归来》（2003年），《金刚》(2005年)等，都尝到了数字技术的甜头，而《狮子王》、《阿甘正传》、《未来水世界》、《龙卷风》、《山崩地裂》、《火山爆发》、《泰坦尼克号》、《黑客帝国》、《精灵鼠小弟》、《完美风暴》、《恐龙》、《指环王》、《神鬼奇航》、《指环王3》等大片更是大规模地使用了数字技术，2010年的《阿凡达》，则把数字电影推向了另一个高峰。

中国电影史上最先采用数字化图形技术的影片是导演周晓文在1996年拍摄的《秦颂》，片中用数字化技术演绎了古代战争的历史画面。1999年影片《紧急迫降》、《冲天飞豹》、《横空出世》等，也运用了十几分钟的电脑特技。此后，《少林足球》(2001)、《英雄》(2002)、《功夫》(2004)、《天下无贼》(2004)、《无极》(2005)、《夜宴》(2006)、《满城尽带黄金甲》(2006)等影片的拍摄，都开始大量采用数字虚拟的特技制作技术。而且，数字技术本身和它对电影的全方位入侵，还是“现在进行时态”。

那么，数字新媒体技术给电影创作带来了什么影响？

首先是真实观的变异。

传统电影的拍摄和制作方式由于技术条件的限制，更多地以现实生活的真实存在景象为电影的影像来源，观众以电影与现实中真实存在的事物的接近与否来衡量电影是否真实，无论是巴赞的长镜头、克拉考尔的现实复原，还是爱森斯坦的蒙太奇理论，都是建立在对于现成物体的拍摄的基础上的，所反映的题材也基本围绕人类现实生活而展开。现在，由于数字新媒体技术的进入，这一局限被打破，利用电子成像技术，电影的拍摄可以不用再面对实体，转而在电脑上任意生成图像，于是，不仅原先很难表现的诸如火山喷发、强烈地震、飓风、海啸、空难等惨烈灾难场景可以很容易地再现于银幕，而且如外星人、神话传说、外层空间、神秘原子世界等等这些原来电影表现不了的题材变成了可能，也使得电影不再以照相为本性，而代之以合成性或者生成性，一种新的电影美学——“虚拟”美学——也随之诞生。

其次是对电影语言及叙事方式的冲击。

传统电影的语言系统建立在长镜头和蒙太奇基础之上，是一种线性剪辑方式，数字新媒体则是非线性的剪辑方式，它可以最大限度地发挥电影时空的自由性，完全根据剧情跳接、无限制复制等剪辑手段，使电影达到了前所未有的奇观化效果，“长镜头”和“蒙太奇”的对立在数字技术下已显得不那么重要。

再次是对电影观看方式的冲击。

传统上，影院观影被视作主要也是最典型的观影方式，它的仪式性、集体性、暗示性以及对人类“窥视欲”的满足等，也成为分析电影观众心理的主要范畴。然而，数字技术改变了传统的观影方式，录像机、影碟机、家庭影院、网络、电视机、手机、MP4等等逐渐成为新兴的电影播放媒体，传统影院观影的仪式感不复存在，集体性转变为个体随意性、黑暗空间的心理暗示被明亮的空间取代，从而颠覆了电影接受的典型方式，一定程度上削弱了观影效果，影响了“入片状态”，减弱了幻觉体验。

在新传媒时代，正是以上三个数字技术对电影的主要影响，不仅极大地冲击了电影实践，也严峻地考验着传统电影理论和电影美学。概而言之，这种考验集中于传统电影美学对于电影艺术本性的坚守是否不再适用于数字时代的电影？电影对深度和意味的守望是否应该让位给数字技术带来的“视觉奇观”？尤其对中国电影来说，数字电影是否应该成为追逐的目标？

二、技术革命不等于美学革命

应该旗帜鲜明地指出：技术革命毕竟不是电影美学革命，甚至也不必然带来电影艺术的整体革命。而且，如果电影美学层面上的问题（这恰恰是中国电影最大的问题）得不到解决，新技术及其所带来的电影形式技巧的繁华热闹，反而会遮蔽电影艺术自身的问题，使真正的问题得不到重视与解决，其结果可能是电影美学的萎缩和电影艺术的退步。

概言之，技术的革命并未动摇电影的艺术本性，也就未动摇电影美学的根基。此处所谓电影美学，就是以美学精神观照电影，视艺术为电影的本质属性，把深刻的人文内涵、心灵的感动、人生境界的提升，看做是电影应该也必须具备的根本。换句话说，任何技术的进步，都须以对如上目标的推动和趋近为旨归，除此，就是舍本逐末之举。

电影美学就是建基于对电影艺术本性之上的。所谓艺术的本性，就是看艺术在何种意义和方式上逼近对人生根本问题的解答。具体到电影艺术，就是看一看电影艺术在精神形态上表现出什么特征，它在塑造国民灵魂方面是否起到了它应有的作用。

从审美哲学的角度看，电影的艺术本性可以做如下检讨。