搞笑配音技巧范文

导语：如何才能写好一篇搞笑配音技巧，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

淮秀帮的发起人网名叫湖咯咯，是个斯文清秀的90后女孩。一个偶然的想法，让她成了“淮秀帮”这朵网络奇葩的帮主。湖咯咯从大学工商管理专业毕业后，进入一家建筑工程公司， 做了个朝九晚五的白领。每天的生活就是家里、单位两点一线，干着文件报表、会议记录这些不痛不痒的事情，所有这一切，让她感到很压抑、无聊。

湖咯咯喜欢娱乐，她爱看电视剧，崇拜赵雅芝，对于赵雅芝扮演的程淮秀的形象更是念念不忘，她模仿赵雅芝的声音甚至到了乱真的地步。每天下班之后，才是湖咯咯的快乐时光，她经常泡在网上调侃吐槽，偶尔也会发几个很短的搞笑视频，不想却很受好评，并因此结识了几个死党。快乐之余，她渐渐地爱上了吐槽，并生发了好好“秀”一把的想法。

此后，每每看到网上的各种新闻，湖咯咯的脑海就会不由自主地产生联想，比如新闻里一本正经讨论的食品安全或者房价调控等社会问题，她却会演绎出很多无厘头的联想。于是，她试着从吐槽的角度去重新表达热点话题，构思了全新的脚本，然后借用一些电视剧的视频，请来几个死党重新配音演绎，取得了意想不到的效果。这让大家信心倍增，决定借用偶像赵雅芝的角色之名，创立门户“淮秀帮”，开始闯荡网络，吐槽江湖。

2010年7月，霸王洗发水风波炒得沸沸扬扬，湖咯咯用自己的风格创编了《新白娘子传奇――淮秀帮洗发水风波》，到网上之后，瞬间引爆网络，这个4分30秒的视频，在新浪、优酷、土豆、酷6、人人网等众多视频网站登上首页，点击率累积突破500万，网友惊呼太有才了。“淮秀帮”的名号一炮打响。

初创的成功，坚定了湖咯咯的信念，也引来更多志同道合的朋友。这群“爱上吐槽爱上秀”的年轻人，为了让作品更完美，从创意构思、台词设计到视频同步等整个的创作环节，都是一丝不苟。为了让配音可以乱真，他们跟专业老师学习发声、变声等配音技巧，租借专业的录音棚，精细打造。

功夫不负有心人。他们创作的《新白娘子传奇、还珠格格之经典伤不起》《新还珠格格TVB体吐槽之对不起，我们已经尽力了》《涨工资体群星总动员之加薪何时有》《小燕子紫薇考公务员记》等对时事热点的吐槽作品陆续出炉。投放网络后，那切换流畅的镜头，真实幽默的台词，和影视原声相差无几的绝妙配音，让网友们好评如潮，大呼过瘾。淮秀帮在网络江湖声名日隆。

此后，湖咯咯和她的淮秀帮更加一发不可收，成为网络吐槽界的领头羊和风向标。最近，他们新鲜出炉的《淮秀帮2014十大关键词》，对“看脸的世界、安静美男子、自拍、任性、挖掘机”等2014年出现的社会现象，给予了善意的调侃，带火了整个网络视频。

篇2

［关键词］ “翻译新语言”； 电影翻译 ； 语境

“你太牛了，我是你的粉丝”

“出来混，总是要还的”

“素质！注意素质！”

“笨笨笨，我要吃糖糖。……大家安静，我家笨笨要说话了！”

……

这些话都是《博物馆奇妙夜》配音版里的，与以往译制片配音版受冷落的境况不同，这次居然因为有人看了原版不过瘾，跑到电影院“温故而知新”去了，回来后在各大论坛大赞这种“翻译新语言”的使用。

如今，无论是院线进口大片，还是网上的美剧、韩剧和日剧，在对白翻译中都竭尽所能地使用中国俚语、俏皮话，甚至还大量运用了网络语言和流行语。这种现象在去年的《加菲猫2》中就已经开始，当那只肥肥的，满身懒筋的外国猫满嘴狂喷 “歇菜”“猫咪我灰常灰常开心”“我一直都是顶你的”“满城尽带傻大木”这些现代时髦用语时，观众一下就爱上了它，以前那些全球流行的“加菲语录”早就被忘到九霄云外去了。

一部电影不仅仅是一种影视语言，其更重要的作用是不同文化的传播功能。著名翻译家Eugene Nida曾指出:“语言是文化的一部分,任何文本的意义都直接或是间接地反映一个相应的文化,词语意义最终也只能在其相应的文化中找到。”因此，如果没有贴切的语言来表达，影视作品终将是苍白无力的，尤其在国际的文化传播中，尤为如此。较之商业文稿翻译，电影翻译在语言的逻辑性、艺术性、感染力等方面都有更高的要求；较之单纯的文学翻译，它又有更高的通俗性和广泛性。因此电影翻译中的真正难点并不在于词汇或是文章的严谨缜密，而往往在于最普通、最地道的语言，在于对语言理解的深刻性。更进一步说，电影翻译不只是语言转换的问题，其现实是取决于接受方文化应用需求的扩展，而不仅仅是由源作品的要求形成的。语言的价值在于它的生命力和流动性，当加菲猫操着它那浓浓的中国乡音跟观众插科打诨的时候，观众不会觉得别扭而只会感到倍加亲切，当老外们口吐“冯氏”语言时，观众也会诧异原来这些语言的语境并不是惟一的。新语言在不断地尝试、使用和修改中，确立自己的江湖地位，不管是否有人说它们多么低俗与不堪、有损电影雅致，总之，存在就说明有它的合理性，卖座就说明了它的适用性，一切都得靠实力说话。电影是雅俗共赏的，翻译电影一定要让观众看起来感到熟悉和亲切，电影翻译除了讲究“信、达、雅”外，还要注意语境的变化，即是“入乡随俗”一说。

一、电影语言的特点

电影语言与书面文学语言不同。它有口语化、瞬间性、大众性等特点，从而使电影翻译也有别于其他文学作品的翻译。

（一）口语化的特点

电影面对的观众是具有多层次化的，除了特定的一些影片外，都应该使用通俗语言的。所谓的通俗语言，就是影片中使用的口头语言。电影语言多以人物对话或内心独白或旁白的形式出现,与文学作品语言的规范性相比，电影语言则更口语化。基于电影语言的这些鲜明特点,译者在将其翻译成另一国文字时,便不能不考虑语言风格的传译问题,以使他国的电影观众充分感受到影片语言的魅力,否则会因译入语的晦涩难懂、矫揉造作失去大部分观众。

译者应立足于本国观众，从观众领略欣赏译制片的艺术角度出发，选用本民族语言中与原片艺术最相似、最贴近的、为本国观众所熟悉的、易于接受的词语和文化意象来进行电影翻译。大胆地运用“翻译新语言”。

（二）瞬间性特点

电影语言是有声语言。转瞬即逝，若听不懂只能放弃，不能再听一遍。因此，电影语言要顺畅明了，在翻译时，要运用观众所熟悉的语言。电影语言必须符合广大观众的教育水平,要求能一听就懂。

（三）大众性特点

电影艺术是一种大众化的艺术，绝大多数电影作品是供人们观赏的，因此，电影语言要通俗易懂，雅俗共赏、老少皆宜，故弄玄虚只能适得其反。电影翻译的性质、原则与技巧决定了电影翻译必然和普通书面语的翻译有所不同，这种区别首先体现在翻译语言的运用上。

二、“翻译新语言”在电影翻译中的运用

从信、达、雅的译制原则，到灵活地渗透更多口语，突出本地、娱乐和网络新语言。如今译制片的翻译的确与以前有了很大区别，以前都是在直译的基础上稍加改良，随着观众对电影译制片的要求逐渐提高，生活化、通俗易懂开始成为新趋势。随着人们说话方式的改变，电影翻译也不得不放弃以前的阳春白雪向口语化转型，说 “人话”成了翻译界的最低以及最高标准。由于不同国家之间的文化差异，一些美国喜剧片的“笑点”直译过来的话，很多中国观众就笑不出来，这就需要植入国内观众所能理解的幽默。例如：《怪兽大战外星人》中“不是宅女”的原文是“原来你也有社交活动啊”，但如果按照后一种意思直译，中国观众听了肯定没什么感觉，而换成“宅女”这个词，既能保留原来的意思，也能让观众会心一笑。

接下来，我们通过《怪物史瑞克4》的配音翻译来探讨“翻译新语言”在电影翻译中的运用。《怪物史瑞克4》里既具中国语言特色、又极度贴合剧情的台词，成为电影中的一大亮点。由于配音台词的翻译根据内地的语言文化和环境作出了修改，尤其是一些加入了本地化处理的翻译，既增加了幽默效果，同时又没有显得过分生硬，完全没有了以往动画片翻译中过度使用网络热门词而造成的“雷人”效果。

（一）运用网络语言和流行语

20世纪，随着网络运用的普及，网络流行语以一种特殊的口语形式开始悄然风行。网络语言是语言在网络语境下的变异,尽管学界对网络语言褒贬不一,但不少网络语言已被人们广泛接受并在现实生活中使用,这种变异语言的应用给人们以新奇、惊异的感觉。对白译者在为进口电影尤其是时尚电影翻译配音时使用网络语言,带来了意想不到的幽默效果.

例如：

1.Its not like she is got any younger.

“你们不想让她成为剩女吧！ ”

要是按照原文直译的话“她的青春可等不及喔！”恐怕很难体现原文的幽默感，加上时令的“剩女”二字一目了然。结合中国国情换了一个词，国内观众就能有共鸣了。

2.―I was tricked into signing something I shouldnt have signed.

―You signed one of the damn jobs?

――我被骗了，签了些不该签的东西。

――“难道你按揭买房了？ ”

要是按照原文直译的话“你是不是签了一份苦力工的合同？” 植入当下的妙趣翻译,效果实在比英文原声好得多，被网友奉为经典，称其“很本土，很懂中国国情”。

3．So one got away.Who cares? Not a big deal.

有一只怪物逃走了，我很淡定。

“淡定”可以说是非常时髦的词汇，用在这里，既能准确地翻译出了源语的意思，又与现代人的欣赏风格非常吻合，可谓“一举两得”。

（二）运用中国俚语、俏皮话

中国俚语或俏皮话，简单地说来，就是俗话，是语言习惯中约定俗成的语言，不能通过字面意思直接理解的，但是其含义比较固定，常用于口语交流中。而电影台词的口语性，促成了译者在对白翻译中都竭尽所能地使用中国俚语、俏皮话。例如：

4.Do I look somewhat like a dog to you? If you have not noticed I am a donkey,not a dog.If I was a dog,theyll call me dog not donkey.

难道我看起来来像只狗吗？还是你没发现我是驴，不是狗。如果我是狗，我就会叫“狗子”而不是“驴子”。

“狗子” “驴子”，是中国人常说的词，很贴近生活，没有刻意为之让人反感，而是拉近了观众与影片的距离，让观众有了“身在其中”的感觉。

5．Well I will see who is the man in your family.

这回我知道你们家谁说了算了。

这个翻译就像是两个朋友在聊天，使用和人们日常生活密切相关的语言，译文通俗易懂，很容易被普通观众所接受。

（三）运用中国成语

翻译是一门艺术，是语言艺术的再创造。 好的电影翻译，不管内容是欢喜或悲伤，是美景或惨相，都应该栩栩如生，使读者欣赏时如身临其境，或喜或悲，或赞或骂，心情的高低起伏都由文字掌控。要达到这样的境界，就要求译文形象生动，深刻鲜明，意美而神似。而成语历经锤炼，对任何国家来说都是民族文化的语言瑰宝，是对劳动人民全部的生活经验和社会历史经验的典范表述，不仅凝练含蕴，内涵丰富，而且可以以实指虚，具体生动，形象鲜明，有助于有效地体现电影中的情态与意境，增强译文的表达感染力，带领读者身临其境，带给人丰富的联想，因此运用中国成语翻译电影对白，是电影语言的再创造。试看下例：

6．A donkey has an Ogre friend? Thats the most ridiculous thing Ive ever heard.

驴子有个怪物朋友? 我们做朋友简直是驴唇不对“怪物嘴”。

既有中国的语言特色，又符合片中的情景，不禁叫人拍案叫绝。

7．I remain here to in case of being the breakfast.

我就不去了省着“草菅驴命”。

要是按照原文直译的话“我就不去了省着沦为早餐。” 这种直译没有体现出驴子当时的情感，语言缺乏生动性。“草菅驴命”这个搞笑成语在这里的运用，既符合语境，又非常为中国观众所熟悉。

三、结 语

由于电影语言的特点，在翻译电影时，译文要使用普通的、和人们日常生活密切相关的语言，使译文通俗易懂。电影作品作为文化传播的一种媒介，只有使用大众化的语言才能更容易被普通观众所接受。译者要在通顺的基础上使语言靠近大众，清楚明白，雅俗共赏，老少皆宜。在进行电影翻译时，译者须立足于观众，从观众欣赏的角度出发，并利用一定的翻译技巧，结合电影语言的特点，根据具体的语境、语意、语篇条件，尽可能地将原作品完美地呈现给观众。“生动的语言、有新意的词汇在电影中出现，才是配音电影成功的关键，这样既能吸引观众，还能有效缓解两种语言在翻译转换中的文化流失。”上海电影译制厂副厂长刘风认为，目前的国内电影翻译需要开发一些具有时代特色的词汇，这样才能让更多的年轻观众喜欢。

［参考文献］

［1］ Nida Eugene A.Language,Culture and Translating［M］.Shanghai：Shanghai Foreign Language Education Press,1993.

［2］ 赵速梅.影视翻译的语言特点及翻译技巧［J］.合肥工业大学学报,2005(03).

［3］ 钱绍昌.影视翻译――翻译园地中愈来愈重要的领域［J］.中国翻译，2000(01)．

篇3

关键词：三维动画 质量 要素

中图分类号：TP391.4 文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2012）12（b）-0-01

1 研究背景

1.1 三维动画在电影产业发展中异军突起

20世纪末，随着梦工厂、皮克斯等动画公司的快速发展，三维动画开始逐渐走入人们的生活[1]。我们看到，三维动画因其逼真的视觉效果及表现形式在当今电影市场中占有一席之地。与此同时，日渐流行的3D电影也有力推动了三维动画的前进步伐。因此，如何创作迎合电影市场需求的高质量三维动画作品成为了电影创作者及电影投资人所关注的新话题。

1.2 三维动画在动画教学中被不断普及并推广

随着动漫产业的迅猛发展，三维动画课程逐渐在各大院校普及并推广。由于创作高质量、高品质的三维动画是教学者及学生们的共同目标，因而深入了解三维动画的制作技巧及创作流程是必不可少的工作。我们看到，动画教学应走在时代和行业发展的前端[2]，因此，分析并研究影响三维动画创作质量及艺术水准的相关要素成为了动画创作者们所必须面临的问题。

1.3 三维动画的观众需求及市场需求不断增加

随着人们精神生活的日渐丰富，观看动画影片已经成为许多年轻人消遣娱乐的重要的方式。随着美国三维动画作品在全球电影市场日渐风靡，越来越多的观众及投资者开始关注三维动画的创作与发展，因而制作高质量、高水准的三维动画影片成为了市场及观众的迫切需求。

2 影响三维动画创作质量及艺术水平的相关要素

2.1 前期剧本创作

不管是偶类动画、二维动画还是三维动画，动画剧本对一部影片的质量及水准起着决定性作用。一方面，剧本情节是否为观众所喜闻乐见，直接影响影片的消费市场及受众群体。另一方面，动画剧本涉及的人物造型及故事场景影响着动画创作者们的创作空间及工作总量，这直接关系影片的整体效果。因而，创作一部高质量三维动画影片，首要应提高动画剧本的质量与水准。具体来讲，我们应该提高剧本的受众广度、情节起伏，以此增强影片的艺术价值及商业价值。我们看到，2012年上映的美国动画片《马达加斯加4》就因其幽默搞笑、跌宕起伏的故事剧情赢得了观众的一致评价，并为其带来了丰厚的经济利润。

2.2 中期三维动画制作

（1）建模。建模是三维动画中期制作的第一步，适用的三维模型将良好呈现角色造型及场景设计理念，这是三维动画视觉表现的基础，也是整个中期制作的关键环节之一。其中，模型分为粗模和细模。粗模是指建模师制作的粗略故事场景、人物角色及道具等。粗模是故事板（Layout）的基础，它们可以依据剧本内容及故事板辅助导演完成摄像机机位摆放、基本动作设定、镜头时间掌控等内容。相比较，细模是在粗模的基础上根据导演建议及故事板精雕细琢完成的三维模型，它们才是动画影片的最终主角。模型的好坏直接影响动画片的后续制作及视觉表现，因而精细实用的三维模型是影片成功的开始。

（2）材质贴图及骨骼蒙皮。在完成建模的基础上，需要对模型进行材质贴图及骨骼蒙皮。其中，材质贴图一般针对动画场景，我们看到，不同的材质贴图会影响影片的表现效果和视觉感染力。为了良好的塑造人物及场景，认真筛选并对比不同的材质贴图是创作者必不可少的工作。相比较，骨骼蒙皮一般指人物角色进行动画调节前的一些模型变形、动作驱使等相关设置，骨骼蒙皮的好坏直接关系到角色的动作表演。我们看到，美国三维动画影片《功夫熊猫》的材质贴图及骨骼蒙皮极为精良，具有中国古典风味的纹饰图案在创作者们的精心绘制下和谐的融入于人物及场景之中，这不仅增强了影片的艺术效果也渲染了影片的主题氛围。

（3）动画调节。动画调节是一部动画片能否生动表达导演创作意图和剧本情节的关键。在这里，影片的动画调节应遵从运动规律，只有符合规律的运动方式才能在视觉表现上更加流畅自然。我们看到，美国三维动画系列电影《冰河世纪》在动作表现上极为夸张大胆，其优美的动作设定及人物表演为影片增色不少，这不仅使影片画面更加流畅自然，也增强了动画片的艺术美感。

（4）灯光渲染。灯光渲染是指灯光师根据前期场景设计效果图，对动画场景进行灯光照明、细节描绘的过程。良好的灯光渲染可以烘托影片的主题气氛，为影片的情节叙述增砖添瓦。我们看到，票房较好且制作精良的三维动画片大多能够较好的控制场景灯光，以此渲染故事氛围、增强画面美感。

2.3 后期影片制作

（1）影视特效。影视特效是特效师在三维软件或后期特效软件中依据影片故事情节添加电、闪、雷、烟、水、雾、火、光等效果的过程。合理而又出彩的影视特效将有效烘托影片氛围，提高影片的制作水准。这不仅需要我们认真分析剧本情节、了解导演创作意图，同样还要对镜头表现和视觉传达的美感有所考究。

剪辑配音。剪辑是指剪辑师利用剪辑软件将各个镜头进程组接加工的过程，它可依据导演要求及蒙太奇规则组接成不同版本以供选择。而配乐是指由配音师根据导演要求及故事情节对影片进行角色配音、音效添加的过程。精良的影片剪辑可以自然流畅的展现故事情节，引人入胜的配乐音效可以使观众产生身历其境、感同身受的共鸣，因而三维动画创作者应加强对剪辑配乐的重视与研究。

其他要素。除了三维动画制作过程的诸多细节会影响影片质量及艺术水准，字幕、宣传海报等同样属于影片的一部分，它们也会影响影片的整体水平，因而同样需要创作者们加以重视。

3 结语

通过分析影响三维动画创作质量及艺术水平的相关要素后，我们不难发现，三维动画影片的创作还是相对严苛及复杂的。我们只有保证影片在各个制作环节精益求精，才能最终创作出优秀的三维动画作品。具体来讲，我们应该从三维动画的前期创作、中期制作及后期制作依次着手，认真分析并了解各个创作环节的关键要素，以此创作为观众所喜闻乐见的高水平、高质量三维动画作品。

参考文献

篇4

2015年春，国产动画喜剧《十万个冷笑话》在全国各大院线上映，仅10天票房高达1.1亿，使这部只有100万起步资金、没有名导名角撑场面的小成本电影一跃成为国内原创动漫的里程碑！而打造中国首部“互联网电影”并创造这一票房奇迹的，却是一对85后逗比情侣导演。

逗比导演“遭遇”犯二女生

29岁的李姝洁，毕业于陕西科技大学设计学院动画系，与大多数80后一样，从小看着动画片长大。小学三年级前她是自己口中的“二次元花痴女”，梦想嫁给星矢、擎天柱这样的动画角色。而到了大学三年级的暑假，她已经能独立制作动画短片。

2006年6月20日，不满21岁的李姝洁抱着自己最值钱的家当去成都中华轩动画公司报到。动画导演卢恒宇接待了她。他拍了拍机箱，笑嘻嘻地调侃道：“妹子这副架势，看来，是不打算走了呀？”李姝洁点点头，回答说：“机箱在哪，家就在哪！”卢恒宇乐了。李姝洁看他趿着拖鞋，一脸胡子，看起来有些沧桑，以为他是已婚人士。但实际上，他只大她一岁。

在日常相处中，卢恒宇发现这丫头性格活泼，甚至有点犯二，常常能把人逗得喷饭。李姝洁有一回讲起大学里的迨拢她给班主任请假发短信，想说“老师我今天生日了，请一天假”。结果因为粗心竟发成“老师我今天生了，请一天假”，班主任当时很紧张，马上给她回信息说：“请一天假够吗？”

李姝洁则为卢恒宇的电影艺术积淀折服。那段日子，她每天像吸血鬼一样，疯狂地吸取这位才子的养分。很快，李姝洁已经在公司参与制作动画短片，作为新人的她在新片中担当了“万金油”的角色，从配音到导演、从音效合成到音乐，锻炼了一身技能。

令卢恒宇对她刮目相看的是在一次偶然的闲谈中，李姝洁提起了自己的目标―――“我要让所有人排着队、买票看我的电影。”这一句话深深地触动了卢恒宇。父亲担任电影放映员的卢恒宇，从小就看着各种各样的电影长大。他报考中央美术学院动画专业，也是希望能走原创动画电影之路。大学毕业后，他回到老家成都继续自己的梦想。然而，因为这一行收入微薄，相恋多年的女友最终选择离开他。卢恒宇曾经怀疑过自己对梦想的坚持是不是错了，直到，他遇到了眼前这个虽然犯二、但对梦想无比坚定的李姝洁。

他们有着共同的梦想、相同的爱好、相似的性格，又都是宅一族资深会员，渐渐地顺理成章成为了一对欢乐的逗比情侣。

《十万个冷笑话》走红网络

就在两人向着梦想进军时，2009年初，中华轩动画公司忽然间宣布倒闭。这对一头乱麻的小情侣，只能窝到电影院里排遣郁结。梦想在哪儿，谁都不知道。

一个月后，卢恒宇重新找了一家更大的动画公司做后期。工作之余，两人一起夜以继日地一起做原创漫画、动画。他们合作的动画系列短片《象牙之城》，李姝洁任导演，卢恒宇担当监制和编剧，他们终于有了自己的作品。但是，做动画很烧钱，两人的产出远远抵不住投入。为了维持原创，两人开始拼命接商业片，挣钱后再投入到原创动画中。

几年间，他们一直过着窘迫的生活。“最穷的时候，出去吃饭都会有压力，必须自己学着买菜做饭。”李姝洁说，那段日子她自己不吃零食，家里常常只剩馒头、咸菜和稀饭，但因为有爱有梦想，心里反而感到很甜蜜。

2012年春天，机会来了。常年在网络发表作品的卢恒宇和李姝洁，和一家名为有妖气原创漫画梦工厂的“神秘公司”搭上了线。当时，“有妖气”上连载着由寒舞创作的人气极高的漫画作品《十万个冷笑话》，单页浏览量就高达3万。这部漫画作品受到日本动漫《搞笑漫画日和》影响，极具无厘头和吐槽风。公司创始人董志凌，便请同样也在“有妖气”发表过漫画的卢恒宇、李姝洁，来担任《十万个冷笑话》网剧版的导演。

令他们惊讶的是，这一次跟从前遇上的满口资源和金钱的老板完全不同，双方的兴趣非常“合拍”。卢恒宇说：“我们99%的时间在聊创作，到了要签合同的时候，都不想看密密麻麻的条款，都在喊‘好烦啊好烦啊’，最后就一起随随便便签掉了。”

然而，将《十万个冷笑话》制作成动画并不容易。一旦做不好，将面临众多粉丝的口诛笔伐。但是，卢恒宇和李姝洁凭借着对梦想的执着和毅力，一边拿着很低的导演费，一边热情洋溢的做着动画。

《十万个冷笑话》网络版自2012年7月上线，至今已有两季，每季12集，每集10分钟。短小精悍的时间长度，外加每集都在用生命吐槽的精神，让《十万个冷笑话》一夜之间蹿升为网络热剧，并成为国内最具人气的动漫品牌，收视率高达17亿次。

而其颠覆传统故事的福禄娃篇、哪吒篇，原创的世界末日篇等系列故事，也让李靖哪吒父子、蛇精、匹诺曹、白雪公主等这些“经典历史人物”，变成了“新经典历史人物”。该剧在带热了一批网络流行语的同时，还吸引了不少明星的加盟。周杰伦自荐给“太2真人”做声优，邓超的《分手大师》、郑恺的《江湖论剑实录》也都在上映前来客串为自己做宣传。

打造中国首部“互联网电影”

2012年底，为了更好地做原创，卢恒宇和李姝洁聚拢了一帮志同道合的朋友，成立了自己的工作室。日子依旧是苦，但生活却在创作中越来越精彩。

两人受邀打造《十万个冷笑话》电影版时，周围朋友提醒“低于多少片酬就别接”。但卢恒宇依然坚持，“饿不死我就做”。同行也纷纷对他表示无奈。然而，不被嘲笑的梦想就不叫梦想。李姝洁说，他俩的考量前提有两点，一是对自己的团队是否有提升，二是对整个工作室品牌的打造是否有价值。

夜以继日却依然热情高涨。卢恒宇忙得连理发的时间都没有，吃面时甚至把胡子吃到了嘴里，实在“忍无可忍”，只好把胡子剪了。在做电影时，卢恒宇和李姝洁几乎包揽了导演、编剧、剪辑、音效、合成等多个环节。对于这对“多功能”导演，制片人感慨道：“所有成功作品能够被大家看到的人，你永远不会知道他们在成长经历中做了多少准备！”

电影《十万个冷笑话》，讲述了一群不靠谱的怪咖携手共同拯救地球的故事。为了让网剧中不同篇章的角色能自然地相聚于同一个时空，卢恒宇和李姝洁向漫画原作者寒舞提议：“不如加入一个时光机吧”。寒舞的“误听”，竟创造出了一个全新角色：时光鸡。谁能想到，“新人”时光鸡竟然成为电影内测后，观众最喜欢的角色。

因为是喜剧，片中笑点的设置自然很重要。虽然自称“天生是逗比”，但第一回拍电影，卢恒宇和李姝洁对于笑点的把握多少有些不自信。他俩为了学习技巧，专门研究《泰濉返南簿缏肥，甚至掐着表计算它的笑点数量及节奏。

李姝洁笑着说，如果非要给我们的电影下一个定义的话，那只能用“犯二吐槽动画”来概括。就像你看到一只摇头晃尾的“汪星人”独自溜达，正想过去蹂躏它一下，它突然站起来，摆出了一个“啾咪”的动作，冲你“喵”了一声……出人意料却“笑果”惊人，这就是“犯二吐槽”的节拍。

首映那天，卢恒宇和李姝洁作为观众去看了自己的作品，也听到了观众一波接一波开心的笑声。散场出来，李姝洁流泪了，转头看卢恒宇，发现他也双眼晶莹。两人开怀地笑着说：“我们的梦想实现了！”

篇5

曾经是广告导演的乌尔善执导此片，将广告导演的创造性思维发挥到极致，他将大量动画、游戏场景、漫画、MV、纪录片等现代元素拼插于电影之中，电影由3000余个镜头组成，如一份“饕餮大餐”能够给观众带来强烈的视觉轰炸感。正是由于影片的现代感和强烈的视觉冲击性吸引了美国好莱坞20世纪福克斯公司的瞩目，成为该电影的全球发行。而曾经执导过《谍影重重》、《史密斯夫妇》的道格・李曼也成为该片的执行监制。

独特阵容看点多

一部好电影，不仅需要精彩的故事，新鲜的创意，独特的风格，更要有优秀演员的出色表演、精湛演技诠释每一个角色，给电影助力。更何况《刀见笑》是一部视觉盛宴，除了浓郁的色彩、夸张的造型外，演员阵容可谓独特，不仅请到了戏骨级的游本昌老师坐阵，又有演技和素养同样出众的日本演员安藤政信加盟，还“收获”了美丽与人气俱佳的张雨绮出演，导演乌尔善坦言自己是幸运的。更出人意料的是，该片还邀请了舞台剧和特型演员参与，不仅笑点十足，他们的加盟也为影片增色不少。

［张雨绮 首演古装秀舞技］

电影中唯一的女子――青楼花魁寐娘由张雨绮扮演，这是一个风情万种的角色，不仅是她第一个古装角色，也是首次与内地导演合作。能够邀请到张雨绮出演，再联想俏江南在电影中的广告植入，想必这牵线人就是当时还与张雨绮过从甚密的少掌柜汪小菲，导演乌尔善对此并不避讳。“张雨绮对我而言简直是个意外惊喜，毕竟她已经成为明星了。合作的对象都是周星驰、徐克这样的知名导演。而我作为新导演，电影也属小成本制作，当时完全不敢想象。她比我原本设想的演员合适很多。雨绮的作品虽然不是太多，但每一部给人的印象都很深刻。她的身材和形象更是这个年龄段女演员中的佼佼者，并且她的气质也很独特。”

在片中张雨绮一段冷艳与性感的舞蹈，让观众惊喜不已。为了首次舞蹈秀能够完美呈现，她还专门去学了一个多月的舞蹈。据导演透露，拍摄此段时正值冬天，非常冷，但角色要求张雨绮穿的很少，有一段从楼梯上面跳舞下来的戏要光着脚，但楼梯的木板上面还有些小刺，着实让她吃了苦头。为了取暖，拍摄那两天张雨绮还准备了酒，借助酒精来帮助自己取暖，将寐娘诠释得淋漓尽致。

［游本昌 20年后再战“江湖”］

“济公”游本昌曾是家喻户晓的演员，而此后的20年他逐渐淡出大众的视线，此番加盟《刀见笑》可谓77岁再战江湖。在片中游本昌饰演隐居多年的铁匠唐胖子，以他瘦削的身板扮演唐胖子，极大反差营造出强烈的喜剧效果。

这位戏骨级的老演员一直以来就非常向往在大银幕上表演，但是却鲜有机会演电影，为此他也曾感言，“五十岁的时候我演了电视剧《济公》，之后又等了二十多年，没想到被年轻一代的导演发掘了。导演这么亲和善良，我们的理念又相投，焉能不肝脑涂地？”

乌尔善表示，他在构思剧本时就是按照游本昌老师来写的。尽管影片中他的戏份并不是很多，但他为这个角色还是准备了很长时间，找这个状态。“我喜欢和这些真正的演员合作，从中能体验到工作的快乐，我们在探讨剧本时能得到很多建议，这也是我做电影感受到的乐趣所在。”

［安藤政信 最纯粹的演员］

看过电影的人都会对其中的哑巴厨子印象深刻，他的扮演者是日本演员安藤政信。他曾在陈凯歌的电影《梅兰芳》中扮演日本军官田中隆一，虽然戏份不多却依然给观众留下了深刻的印象。

由日本演员出演哑吧厨师，是否出于拓展海外市场的需要，又因语言原因而故意把此角色写成哑巴？乌尔善说：“邀请安藤出演该角色并没有考虑海外市场的因素，只因他是我一直比较欣赏的演员。在我看来他是既有偶像的气质，又具备足够的实力，况且他还是非常低调、非常内敛的演员，他只专注于表演，在日本他甚至坐地铁出行。这个角色需要这样的演员。国内的演员我也考虑了一些，但感觉都没有他那么合适，他的那种眼神的纯粹，那种隐忍，以及他的英俊，此角色非他莫属。这个角色是个值得同情的复仇者，因而做剧本时我就把他写成哑巴。剧中他会有几句台词，他为了那几句话学习了好长时间，还在日本请了老师，并提前20天进组，敬业程度让人钦佩。”

安藤政信在《刀见笑》里扮演的哑巴有三分之二的戏不用说台词，这样的表演看似简单，其实很难，既要看似单纯无知，又要内心充满了仇恨，而且还要求演员像一个真的习惯用肢体语言表达自己的人。角色还要求安藤下厨，这对于在日本只会做拉面的他来说是很大的考验，因为他在片中还要掂起7斤重的大锅，还要学习摆盘、切功、掌勺等厨艺。

特型演员增笑点

而邀请舞台剧和特型演员参与也是《刀见笑》的又一大特色。扮演杀猪匠少三两和他兄弟春哥的演员刘晓晔、韩鹏翼都是舞台剧演员，两人主演的话剧《两只狗的生活意见》曾广受赞誉。“两位演员身上那种一上来就很疯狂的状态，让人物更加符号化，漫画感很强，令这一单元的表演充满。”

而戏中铲和他童年的扮演者都是特型演员，是剧组特地去袖珍人木偶团邀请的。尤其是饰演童年铲的演员从长相到身材都如5岁儿童一般，但他们的表现力却很强，很出彩。因为袖珍人声音像小孩，后期时还专门给成年后铲进行了配音。他们的出场增加了喜感，“笑果”频出。

乌尔善

尝试打开另一扇窗

记者：作为一位新导演首部上映的商业作品，为什么选择武侠电影？

乌尔善：我是在2006年决定放弃手中的文艺片和独立电影项目，转而做商业类型电影的。在商业类型电影中我个人比较喜欢古装武侠片、魔幻电影和史诗类电影。我加入“亚洲星引力计划”后做了四个武侠片的项目，该计划的制片人选择了《刀见笑》，可能是因为这部电影投资比较少，比较好运作，电影的形态也比较特别，作为新导演的第一部电影也比较合适。

选择武侠、魔幻电影作为自己影片的主要题材，首先是缘于我从小喜欢武侠，它不仅可以打打杀杀，更能融入爱恨情仇。魔幻电影可以激发无限的想象力，我们的国家有丰厚的历史，因而可以提供更多的内容，对于这两类题材的电影我对自己更有信心一些，会拍出自己的想法，做真正类型化的武侠和魔幻电影，其他题材的电影无论是技术或意识形态都会有些局限，不能做到类型片的极致。

记者：3000多个的镜头量，手绘拼图、电子游戏等流行元素的加入以及拼贴等新电影手法的运用，使这部影片成了一部混搭式的武侠戏，除了大信息量外，是否体现了广告导演对流行的敏感度？

乌尔善：新导演的处女作，一部低成本的电影，一定要展现出一个导演与众不同的素质，让大家看到完全不同的电影语言及风格。拼贴技巧就是要达到这个效果。我个人对电影语言也很感兴趣，中国需要有新的电影语言出现，客观地说，这种风格应该也是省钱的风格，不用硬拼制作与特技。这也是我转化思维后产生的想法，把约束变成创作的动力，在各种约束下面展现解决问题的能力，我要证明最牛逼的作品不完全是钱堆出来的，最值钱的是大脑，是你的想法与创意。更何况作为广告导演出身，拼贴和插入短片等方式也是我擅长的。

的确，这部电影的信息量非常大，我把它称为“趣味大集合”。三段故事里融合了典型的武侠元素，青楼、酒楼和江湖，还有一些佛教的符号。它如同“大型自助餐”，你可以在里面找到想要的东西。喜欢看喜剧的就可以看它的搞笑和类型的颠覆。喜欢电影语言的就看它的结构技巧、拼贴与剪辑。对思想性感兴趣也能在里面找到贪、嗔、痴这些与佛理相关的内容。

记者：能够与20世纪福克斯公司合作，您认为电影最吸引他们的因素在哪？此番是否也意味着为中国导演打开了一扇窗？

乌尔善：我认为他们还是被这种比较先进的电影语言、电影风格吸引的。与20世纪福克斯的合作对我同样是个意外，他们希望能够做这部电影的全球发行，这对一位新导演和一部低成本的电影不仅有莫大的益处，对我个人而言也是一种鼓舞与肯定。

电影还没有上映，票房情况如何还不得而知，所以此时说为中国导演打开一扇窗还为时尚早。现在的中国电影看似繁荣，但原创和有想象力的东西实在太少，大部分都是翻拍或抄袭的跟风作品。对利益的追求大于对电影本身创造性的追求。而实际上，商业利益是电影的原创价值、娱乐性以及想象力的综合体现。我们要立竿而见影，不能不立竿而捕风捉影。如果《刀见笑》取得了不错的票房，那么它对电影人是一种启发，告诉大家原创、有想象力的作品能够同样卖钱。

记者：影片的视觉效果很强，是不是与您学美术出身有关？与其他导演相比，在美术上您是不是要求也更高？

乌尔善：电影是以视觉为主的艺术，我从小学习美术，所以我对视觉、对美术、对摄影的要求都比较高。为了人物造型的考究，我们查阅了大量隋唐古画、唐三彩等资料做参考。电影中运用了大量色彩，寐娘的点绛唇、大公公浓墨重彩的大白脸、老鸨的唐三彩服饰，都能给人以很大冲击力。而在电影视觉上，设定了“蛮荒偏远”、“粗糙奇幻”的大方向。这次的摄影师波兰人米好和美术指导郝艺都是与我合作多年的搭档，大家能够在美学上达成共识，而且具备很合谐的工作气氛。

记者：您认为广告导演出身，拍摄商业电影的利弊是什么？从几分钟的广告到100分钟的电影，这种逾越最大的难度在哪？

乌尔善：广告导演只是一个标签，与电影导演没有本质区别，但是导演要对自己有个客观的判断。就优势而言，广告导演实践的机会多，拍片量非常大，对技术掌握的非常快。能够适应完全不同的拍摄风格，不同的产品，不同的制作要求，不同的客户，能够不断交流、学习，他的影像技巧和沟通能力都比较强。当然由于职业的限制，他们很少拍长片，所以想做电影的广告导演要去完善自己，包括对故事的把握、对演员的表演等方面，为拍长片做技术准备。

从拍广告到拍电影最重要的是耐心，电影的周期较长，要求导演必须具备“马拉松”式的耐力，做电影会碰到各种错综复杂的事情，创作方面、人际方面、商业方面的，需要理性和韧性，在任何形势下都不放弃。广告是服务业，帮助别人表达，只是个呈现环节。而电影是整体的创作过程，对题材的把握、电影镜头的新颖与否，呈现方式等，都要求导演具备完善的专业素质。

篇6

一、激发学习兴趣

高级技工学校音乐欣赏课内容繁多，涉及古今中外各种各样的音乐作品，受阅历和知识的制约，学生不可能对这些内容都很感兴趣。他们往往是根据个人的兴趣、爱好，对不同的乐曲采取不同的学习态度。喜欢的就抱积极的态度去欣赏；不喜欢的就表现出厌烦情绪，以消极的态度去应付，不认真听，不动脑想。鉴于这种情形，我就采取多种教学手段先从激发学生的学习兴趣入手。比如，在欣赏古代歌曲《阳关三叠》时，我运用了音乐欣赏法，先从田震的歌曲《干杯吧，朋友！》入手，这首歌曲是前几年市面上非常流行的歌曲之一，具有鲜明的时代风格，通俗易懂，学生比较喜欢。听完这首歌曲后，让学生体会出其中所表达的含义是对即将远行朋友的一种依依不舍之情，之后，设问古代人是如何表达送别时情感的，从而自然地引出欣赏重点《阳关三叠》。此后用对比的方法分析出这两首歌曲虽然思想内容相近，但由于时代背景不同而风格迥异。采取这种授课方式，不但激发了学生的学习兴趣，而且给学生留下了深刻的印象，也拉近了教学内容与时代的距离，达到了较好的教学效果。我还总是努力创设一些互动的教学情境，鼓励学生提问、讨论甚至争论，每节音乐课我都抽出一点时间让几位同学上台当小音乐家，谈谈对音乐的看法，介绍自己喜爱的乐曲或进行配乐诗朗诵等。在轻松的课堂气氛中，无论内向或外向的学生都能各抒己见，在台上情绪饱满、充满自信、侃侃而谈，一年的音乐课让每位同学都有施展才华的机会，特别是让其他学科不够理想的同学有了成就感，取得了很好的效果。

二、重视视听结合

音乐虽然是听觉艺术，然而在音乐欣赏中如果能结合视觉功能，发挥视听能感的作用，创设音乐情境，那么学生对音乐的理解会更容易些，更深刻些。学生学习音乐的兴趣是来自多方面的，其中最主要是对新异事物的好奇。如在《梁山伯与祝英台》音乐欣赏课中，我投其所好，借助动画手法演绎的《梁祝》让同学们去欣赏眼前精彩的一幕。在动画片《梁祝》中，同学们非常喜欢的萧亚轩，以低沉声线给梁山伯配音。刘若英则演绎了活泼多情的祝英台形象。台湾著名主持人吴宗宪以充满喜剧感的语调再现着那个长着酒糟鼻的反派人物马文才。幽默搞笑的画面，深情感人的音乐，同学们还没来得及做任何准备就已被完全吸引并征服了。他们睁大眼睛注视着屏幕，听着声音，看着画面，从而怡情悦心，在和谐融洽的教学氛围中，情不自禁地萌生了喜爱音乐的兴趣及参与音乐教学的强烈愿望。视听结合，学生犹如身临其境，不仅感受到音乐美，而且享受到剧情美、背景美、语言美、形体美。学生的听觉、视觉、思维和情感同步。《梁祝》第二课时，安排同学们“听”音乐，只是静静地、纯粹地“听”音乐。在没借助动画片《梁祝》时，学生对完全“听”音乐不是很感兴趣，只有极少数同学能真正听完全曲，绝大多数同学听不到一半就显出不耐烦的神情。可如今，再看看那些“听”《梁祝》的学生，那么专注，那么感动，从他们的表情与眼神中，我读懂了他们的感觉。音乐教学必须贴近学生，音乐教师则应同学生一起享受喜怒哀乐。音乐老师要走出单纯演唱的角色，成为学生的激励者、促进者、指导者、协调者，而不是一个好与坏、错与对的评断者。这样才能让学生敢想、敢说、敢创新，才能做到积极参与教学。

三、诱导情感欣赏

篇7

关键词：文化产业；《快乐大本营》；创意性

中图分类号：J9 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）06-21-3

一、前言

随着经济文化的发展，人们越来越意识到文化产业的重要性，特别是创意性元素在文化产业中占有不可替代的地位。作为成功案例的综艺节目《快乐大本营》，一直被人们所关注、所喜爱。其先后荣获了1998年星光大奖和第十六届中国电视金鹰奖，2005年被《新周刊》评为15年来中国最有影响力的电视节目之一，2007星光大典年度最受欢迎综艺节目奖，13届亚洲电视节颁奖典礼之2008年度亚洲电视节最佳综艺节目大奖，中国世界纪录协会2009年度中国收视率最高的电视综艺娱乐节目，首届大学生电视节最受瞩目娱乐节目奖等。至今，《快乐大本营》始终采用娱乐元素为主导，尤其在发展过程中所体现出的创意性特征。

二、相关概念和《快乐大本营》的发展

（一）相关概念

“文化产业是指从事文化产品生产和提供文化服务的经营性行业，包括为社会公民提供文化、娱乐产品和服务的活动，以及与这些活动有关联的活动的集合。”大力发展文化产业已经成为当下我国文化艺术建设的重心，其带来的经济效益是不可估量的。

而在文化产业的发展中，艺术创意已成为文化创意产业的核心与基础，文化创意产业（Cuhure Creative Industry），又名“创意经济”、“文化产业”，这一概念是在20世纪90年代中后期由英国“创意产业特别工琪小组”最先提出，一般指源自个人创意、技巧及才华，通过文化知识产权的开发和运用，以产品、服务或体验等形式呈现出来，具有创造财富和就业潜力的行业。由此可见，创意性在文化产业中占有不可忽视的重要地位和作用。

在电视节目制作的综艺节目中，《快乐大本营》自开办以来，一直是综艺节目的领头羊。它随着市场的变化，不断地创新、改变、升级，最终成为综艺节目的风向标，而其长盛不衰的秘诀就在其创意性的体现。

（二）《快乐大本营》发展的三个阶段

创意性是文化产业的核心和基础，没有创意性就没有现在的《快乐大本营》。《快乐大本营》是湖南电视台的一档综艺性娱乐节目，也是湖南卫视16年一直保持的品牌节目之一，现由何炅、谢娜、李维嘉、吴昕、杜海涛五位主持人（又称“快乐家族”）主持。艺术创意以其丰富的特色以及内涵，在文化产业中发挥着不可或缺的作用。《快乐大本营》主要经历过三个阶段的改变、升级、创新。

第一阶段：经常邀请一些有特殊才能的人物和一些可爱的孩子来表演。

1997年7月11日创办《快乐大本营》，以娱乐体闲为主导，设有“开心一刻”“精彩二选一”“快乐传真”“火线冲击”等游戏环节，主要参与对象是青少年，场内场外观众参与性也很强。

1998年开始，《快乐大本营》不断在节目形式上寻求突破，陆续推出了“快乐行动”、“快乐小精灵”等一系列观众喜闻乐见的板块模式。

2002年，《快乐大本营》的常规节目由直播改为录播，栏目充分利用录播优势，设计了“快乐播报”“俱乐部”“快乐主打星”“SUPER STAR剧场”等新的节目板块。

2004年初，栏目策划推出“你最红”系列活动来提升品牌，吸引观众。第一轮“夺宝你最红”和“运动你最红”都取得了良好的收视效果。尤其是“冒险你最红”特别活动未播先热。

第二阶段改编为选秀节目，以观众权利为主，选举主持人。

2004年底，类型化、批量化综艺娱乐节目众多，传言说，《快乐大本营》即将停播，遭遇危机。于是，推出主要以主持人为核心的板块节目设计和平民游戏竞技活动，给主持人充足的变现舞台，瞬间，引起人们对《快乐大本营》的注意力。

2005年，栏目策划了几档大型活动：“和路雪・快乐心相通”和“快乐三人主持人PK淘汰”，于是《闪亮新主播》顺势诞生，掀起了继“超女”之后湖南卫视又一轮收视热潮，迅速扩大了《快乐大本营》的宣传力度，与此同时，抓住了观众的“眼球”，成功地脱离即将停播的危机局面。

第三阶段：多以嘉宾访谈游戏型的“全民娱乐”综艺节目。

2006年3月《快乐大本营》的舞台上出现了五个主持人，何灵、李维嘉、谢娜、杜海涛和吴昕（从《闪亮新主播》选出），再次打破传统模式，创新性的组成主持界的“主持群”团体，主持人各有明晰分工定位，又有默契的合作，给主持人提供了足够的空间去展现自己的才艺和表现力。

2007年设置主题性节目，使整期节目全部围绕一个主题开展，为普通观众提供了展现个性的平台和机会，如2007年第10期的主题就是“快乐大本营――我要我的滋味”，表演节目的嘉宾是在伊利大学生音乐活动中选出的大学生，所演唱的歌曲也是我们大众喜爱的《神话》，这就把之前的明星嘉宾转变到我们身边的普通观众中，节目内容中折射更多的是观众自己，这不仅能拉近与观众的距离感，更能让观众从舞台上看到自己的影子，产生共鸣感。

2008-2013年开始邀请海内外的巨星人物参与，在现场与观众一起游戏娱乐，拉近明星与大众的距离，并且每期都设置一个主题以宣传新片、新歌、新电影为目的，仿佛每一个即将上映的电视剧组、电影剧组和新歌片的出炉都要在《快乐大本营》进行宣传，宣传后就会引起人们的关注，同时会“火”起来，这似乎已经成为全中国的剧组或明星心照不宣的事情，由此可见，《快乐大本营》的宣传力度之大。

三、《快乐大本营》的文化创意性体现

《快乐大本营》的文化创意性主要体现在三个方面，分别是内容创新、形式创新和风格创新。

（一）坚持内容创新，多种元素的创意性结合

1、娱乐性元素和知识性元素相结合

《快乐大本营》以娱乐为核心，所以整个节目过程中全部以搞笑、调侃、游戏、搞怪、自嘲等娱乐性元素融合其中。例如，节目中谢娜经常调侃何炅的身高，何炅“嘲笑”杜海涛的虚胖和小眼睛等。在这搞笑过程中还掺杂着知识性的趣味游戏，例如，如何处理掉进水里的手机，如何让行李箱里面有限的空间得到最大化的利用等。再如，在“谁是卧底”的游戏中，既要有思维性的描述自己面前单词的含义，又要让别人不怀疑自己是卧底，还要猜别人说的是不是和自己的单词是一样的，所以，里面既可以延伸出娱乐，还要思维的指导性，是娱乐和知识性的结合。

2、商业性元素和明星性元素相结合

“电视台需要把用节目换取的收视率，收视份额等再度销售给广告公司或广告主，这种销售得来的收入就是媒体的核心收入来源。1999年《快乐大本营》首条广告插播每15秒价格高达3.8899万元，广告‘含金量’已直追在全国极具影响的中央电视台。在全国省级电视台卫星频道中更是遥遥领先。”由此看出，收视率的高低决定着收入的多少，而收视率的高低受节目质量的影响，总而言之，受众的多少决定着电视台的收入。

在《快乐大本营》录制的过程中，经常出现赞助商的商标，甚至主持人主持的主题即为某一商品做宣传。所得费用再次增加了湖南电视台的收益，并进一步使媒体自身得到良好的运转。节目组经常邀请一些中国大陆、香港、台湾、韩国等知名艺人来访谈，《快乐大本营》依靠各地明星品牌效益，增加了《快乐大本营》的收视率，给湖南卫视带来了极大的财富。节目还擅长利用植入式广告来增加收入，例如，在激情四射的开场舞之后，何炅就会宣布，“欢迎大家在星期六的晚上来到我们的步步高vivo智能手机”……

3、流行性元素和艺术元素相结合

当前流行的明星就意味着“潮流、时尚”，众多明星的参与更是将《快乐大本营》推向了，消解了工作压力和精神压力，强调对世俗的认同，是一种艺术与娱乐相结合的消费性娱乐节目。例如，近期流行的青春、熟男等大众关心的娱乐性话题，使节目更重视娱乐性、商业性和大众传媒性。

（二）坚持形式创新

《快乐大本营》在三个阶段的变化过程中，其创意性无处不在。在第一阶段中，游戏形式各种各样，精彩无比。在第二阶段中，随着各大节目的类型化模仿中，《快乐大本营》创意性地将观众的关注点从游戏转移到“主持人竞选”。第三阶段中，将观众的视点从主持人转换到明星和群众自身，并且创意性地添加“主题”性的核心，使每期节目随市场的变化而变化，随大众关注点的变化而变化，赚足了受众的关注力，游戏娱乐环节越来越大众化倾向，例如，新增加的游戏形式“谁是卧底”“健身KTV”“兵乓球”等，都是人们日常化的娱乐形式，并且节目中常暴漏明星的“隐私”来满足大众的好奇心和猎奇心，节目顺应了当代大众文化的潮流，满足了市场的需求。

（三）坚持风格创新

1、节目风格定位明确

坚持积极向上、休闲、娱乐、时尚的节目主题风格，以给观众带来“快乐”为目的，传达积极正确的“正能量”。这一点的定位和《天天向上》极为相同，主题定位的准确再次给《快乐大本营》增加了创意点。每期《快乐大本营》开场舞的风格都与主题紧密相关，为节目的开播奠定了良好的基础。

2、混搭式主持风格

何炅、谢娜、李维嘉、杜海涛、吴听五位主持人，各具主持特色，以活泼风趣无厘头主持方式活跃节目的“娜娜”，以机智幽默的主持方式掌控节目的何炅等。组成“快乐家族”，他们不惜牺牲个人的形象，甚至拿自己的隐私作为“爆点”，给观众带来笑点，例如：吴昕杂乱的个人闺房，暴露吴昕喜爱的娃娃；谢娜和张杰的新婚房首次曝光等。他们之间相互调侃和搞怪，真正让观众做到“快乐的时候看快乐大本营，不快乐的时候更要去看快乐大本营”。他们“快乐、休闲”的主持风格满足了观众的好奇心。它不同于婚恋交友综艺节目的“严肃”（较之于快乐大本营）。成功的综艺娱乐节目都有其各具特色的品牌主持人，提到《天天向上》，就会想到由汪涵、欧弟、田源、钱枫、俞灏明、矢野浩二、金恩圣（小五）七位天天兄弟组成的强大主持阵容；提到《非诚勿扰》，就会想到睿智的月老光头孟非等。

3、口号创新性鲜明

《快乐大本营》的口号简单易记，朗朗上口，五位主持人组成的“快乐家族”的名号。例如：

“快乐大本营，欢迎你来到”“快乐的时候看快乐大本营，不快乐的时候更要去看快乐大本营”“快乐大本营，天天好心情啦”等，这些口号与其定位、主持风格、品牌等紧密相关，更好地突出其“快乐致胜”的武器，对比于其他的综艺节目，这是《快乐大本营》的创意点之一。

四、对其他综艺节目的启示

（一）注重节目创意性：坚持与时俱进，防止固步不前

综艺节目内容要随着观众口味的变化而变化，不断地增加新创意，保持节目的活力。综艺节目形式方面，为了防止观众的审美疲惫，游戏环节要多元化，富有创意性。综艺节目风格要定位明确，主题性要明显化。《快乐大本营》善于打破传统，创意性明显。而创办于2000年之初的综艺节目《阳光快车道》，创办八年，一直以其清新明快的格调、健康向上的内容、轻松幽默的形态、稳定的节目质量获得了广大观众的一致好评，但是，因长时间缺乏创意性而导致停播，而《快乐大本营》因注重节目的创意性才可以长盛不衰。

（二）重视人才的创意性培养：凝聚团队力量，促进人才发展

《快乐大本营》人才济济，五位主持人各有千秋，何炅的机智与聪慧，谢娜的豪放与搞怪，李维嘉的绅士和默契，吴昕的乖巧和可爱，杜海涛的喜感和戏谑。他们既是主持人又是明星，何炅的主打歌《栀子花开》长久不衰，谢娜的主打歌《菠萝菠萝蜜》红透一时，“快乐家族”集体进军影视业，参与动漫配音和电影拍摄，特为《快乐大本营》打造的电影《快乐到家》等，展现了主持人表演的特长。由此可见，策划团队在给主持人一定“自由”空间的基础上，也要给主持人创意性的策划和包装，固定主持人的主持风格，形成团队合作精神。

（三）坚持品牌效益性：利用品牌效益，创造最大化价值

首先，“快乐大本营”五个字，既简单易懂又耳熟能详，更易做广告宣传，其五位主持人既是明星又是主持人，在节目中既是引导者又是表演者，他们不断强化“快乐大本营，欢迎你来到”或“快乐大本营，天天好心情”等口号，人们很容易的就记住了“快乐大本营”品牌。

其次，主持人经常以幽默调侃的话语，在节目刚开始时，不断强化《快乐大本营》的观众现场票的“一票难求”，在观众的潜意识中埋下《快乐大本营》的“受欢迎度”之大的意识形态，使其品牌形成良性循环的品牌营销中。

最后，“快乐家族”中每位主持人都有《快乐大本营》的符号特征，任何一个人的娱乐八卦都会与《快乐大本营》所挂钩，也以此再次为其做免费宣传。《快乐大本营》的嘉宾都是明星、商业精英或有技艺的名人，他们身后都有大批的粉丝，嘉宾的动态定会给《快乐大本营》带来免费的品牌宣传，并进一步强化品牌，形成固定的品牌效益。

（四）遵循市场化原则：不断细分市场，吸引受众群

市场处于不断变化的过程中，受众的观注度也在不断地变化，《快乐大本营》的每期主题也迎合市场不断变化，这也是其创意性的重要意义。在中国的人群结构中，最具活力、时尚的便是青少年，并占有较大的市场空间，《快乐大本营》的受众群正是针对具有青春、时尚的青少年，与其节目内容相吻合。这给其他的综艺节目产生了引导作用，近期播放的国内首档明星模仿秀《百变大咖秀》集一流表演、多重笑点、不断惊喜、融合经典与时尚的娱乐节目，嘉宾从歌唱界、表演界延伸到了曲艺界、主持界，真正吹响了暑期档抢滩“暑期强档”的冲锋号角，《百变大咖秀》学习《快乐大本营》遵循市场化原则，迎合市场的需求，所以，在开办之初就迅速的吸引了青少年群体的固定受众，获得了巨大的成功。

篇8

最开始，万合天宜和当时众多病毒视频公司方向一样，主要做的是广告、微电影、病毒视频的项目。万合天宜COO柏忠春对《财经天下》周刊说：“当时的传播效果可能很好，但是它很难积累成一个品牌的东西、一个能有知识产权核心的产品，也很难积累粉丝。”

他口中所说的“知识产权核心的产品”，变成了后来的《万万没想到》――这部网剧于2013年8月开始在优酷视频网站首播，开始成为万合天宜的主力产品，并最终走上大荧幕，成为万合天宜众多目标产品里第一个实现的。

对易小星来说，《万万没想到》是他的第一部电影作品，这部电影也让他卷入了前所未有的公众评论中：“我没有收到过这么大量的好评，也没有收到过这么大量的差评。”

《万万没想到》上映的时机也好：大盘突破400亿，有同样属性、同样由网剧改编的《煎饼侠》收获10亿票房。还未等点映，就已被业界看好，迟早进入十亿俱乐部，成为网生代的主力军。提前点映期间，这部电影也不负所望收获了1.1亿票房，可惜高开低走，最终收获3.2亿票房。

这个故事看起来有点像《万万没想到》主人公“王大锤”的命运――一心想要走上人生巅峰，却还是被现实“打趴在地”。

一部高评分的互联网喜剧

坐在万合天宜的办公室里，易小星总结说：“现在所有成绩来看差不多就是65分，不管是口碑也好还是票房成绩。当然，很多人会觉得我们应该考到95分，都觉得你应该考清华、考北大。”因为外界的压力以及一些负面的评价，易小星也着实低落了一段时间，“但后来我想，不对啊，我自己当导演也才两三年，这部电影本身90%的非专业演员，又在这种档期，这个成绩我觉得不错啊。”这部电影上映后，易小星承担了不小的压力，但这个“第一次”让他学到不少。“我们总结了经验和做的不足的地方，收集了大荧幕受众的喜好，这些都为以后电影的拍摄和后期运营提供了参考。”抛开其他因素，这部电影让易小星收获良多。

尽管没达到死忠粉们的期待值，易小星和他的团队还是成功地拿下了攻入三次元的第一座山头。

在优酷五花八门的自制剧当中，《晓说》这样具有人文气质、由名人主持的节目才是它最想突出的节目，而《万万没想到》只是覆盖相对较低年龄层的一档节目。

没有人意料到它会成功。按照最初万合天宜与优酷的协议，双方各自投入制作费用的50%，而柏忠春告诉《财经天下》周刊，当时的预算只有几千块，拍摄的仪器是由佳能送的两台5D2。拍摄场地也是能省则省――剧组在办公室内部取景是常有的事，所以来到万合天宜的办公室，总有种进了《万万没想到》剧情里的感觉。

易小星也记忆犹新，因为预算紧张，演员也只能选用内部的人。于是，本来只是在万合天宜做配音和策划的白客，就在没有预算的原因下，成为了男一号“王大锤”的扮演者，而在幕后做特效的孔连顺，上午可能还在做爆炸的特效，下午就要穿上女装，在《万万没想到》中客串一系列类似周星驰电影里如花的角色。

《万万没想到》的第一季第一集“低成本武侠剧”中，没钱做特效的剧组，用幼稚的涂鸦和简单的文字展示武打动作，与白客配戏的多个角色也都由易小星一个人完成。

低成本、非专业演员等等“凑合”并没有阻挡《万万没想到》的走红，2013年8月底一上线，这部符合互联网节奏、拥有密集笑点的短剧就受到了关注。等到第三集播出的时候，已经有媒体和广告客户主动找上门来。因为当时有三集备播，所以到了第四集正式开始有了广告。

万万没想到，到了第二季，每集只有10分钟左右的网剧已经变成了互联网自制剧的标杆。到目前为止，各大互联网视频网站以及内容出品方出品了近百部各种类型的短视频，但很少能有一部剧可以在两季内点击量突破10亿。

《万万没想到》第二季的广告收益超过3000万元，除了贴片广告、植入广告之外，还有固定的视频露出广告以及花絮广告。最后，因为客户数量实在过多，不得不开发番外篇来消化广告。

《万万没想到》已经成为一个覆盖面超大的平台，“Youtube加上优酷土豆以及其他一些发行的平台，加起来有25亿播放次数。覆盖人群至少过亿吧。就是说一个人看25次，25集，这种概率可能都比较小，因为大家时间都很忙，追剧的人群可能占到当中的1/3，剩下的，可能每个人看三集五集，但是他已经get到你了。他不一定是死忠粉，但是已经喜欢你了，有好感度有认知度，这个人群完整地加起来可能过5亿了，这就是一个非常重要的信号。”柏忠春觉得《万万没想到》更加具有互联网基因，“很多剧其实就是电视剧，不过是把名称改叫网络剧，这一招对于传统的内容公司来说比较容易，它是不是完全的网络基因，有不一样的说法。”

“网感”主要还是来自于CCO易小星――在2007年，这位土木工程师在工作之余制作了一组“叫兽作品”上传到土豆，并同时在当时最火的亚文化社区猫扑，于是他的播客成为了当时互联网亚文化的热点之一，并长期占据播客导演第一名的位置。

正是在这段时间，易小星遇到了时任土豆网高管的范钧与柏忠春，三人一起成立了万合天宜影视文化公司。最初，公司只有20多个人，后来扩大到了240人，出品的视频也从单一产品变成了多条产品线：与优酷合作的《报告老板》、与爱奇艺合作的《高科技少女喵》、与乐视网合作的《学姐知道》，还有优酷腾讯双平台发行的《名侦探狄仁杰》，这些网络剧时长更长、类型也更多样。上线第一季，《报告老板》的点击量就超过了6亿。

随着万合天宜从一个不起眼的内容出品方成长为一个不可小觑的大角色，易小星觉得是时候升级了：“以前我们从短视频要升级到网络剧，再往上走，应该是电视剧或者电影。”

作为万合天宜最有观众缘的一部短剧，《万万没想到》自然成为大电影制作的第一选择。易小星和他的合伙人商量之后，找来了合一以及众多赞助商，来自红杉资本的千万级A轮融资也同时到来。

二次元世界与三次元碰撞

在互联网上，《万万没想到》绝对算是拥有超高影响力的作品，但互联网和院线并不是一回事。要做院线电影，易小星必须要突破互联网喜剧的壁障，将《万万没想到》的收视人群扩大。“我已经做了很多弱化二次元的努力了，但还是不可避免地犯了一些中二病。”易小星说，根据优酷的统计，《万万没想到》90%左右的观众年龄在30岁以下，他们是移动互联网的主要用户，更习惯碎片化阅读与浏览视频，这类群体大多是大学生以及参加工作不久的白领，他们是互联网最深度、最频繁的用户。

如果你对二次元熟悉的话，你会在《万万没想到》中发现《搞笑日和》式的表达方式以及《银魂》一样的笑点，法国喜剧《总而言之》的快速剪辑手法也在《万万没想到》中有所体现，这些方式都是二次元用户习惯以及熟悉的手法。

易小星说《万万没想到》其实是一部“后期喜剧”：“纯粹得靠后期，得靠音乐、特效这些东西才能把喜感给做出来。”这种喜感，与传统剧集中的笑点不一样，它们不一定来自表演本身。举例来说，《万万没想到》每一集开头的广告赞助都是静态展示，例如“本集由韩国宇航局赞助播出――我要去远方看看还有什么是属于我们的”，或者“本集由找靠谱工作的赶集网赞助播出――你没工作不要紧，我有啊，啦啦啦”，都可以说是属于二次元人群的笑点。

另一方面，“《万万没想到》的一个特点就是，只有‘王大锤’这三个字是固定的，其他的都是不固定的。”易小星总结说，在每集十多分钟的时间里，白客扮演的 “王大锤”在不同时空中扮演不同角色，总是经历不同的失败以及倒霉。而对于这部剧的主要受众来说，王大锤的经历或许可笑，却也多少地调侃讽刺了他们身边的现实世界。

可想要进入院线，易小星就必须要与更多没有互联网基因、不理解二次元笑点的人互动。西游题材是最为合适的切入点――首先，这是一个家喻户晓的设定，其次，《万万没想到》30多个故事中，西游题材都是最受欢迎的。于是易小星与手下四个联合编剧花了几个月的时间写出了第一版剧本――在万合天宜网剧一周一集的频率下，一集剧本基本上只能花6、7天时间，花上几个月时间来做一个剧本是十分罕见的。根据监制黄建新的回忆，到他手上的时候，已经是第41版。而易小星告诉《财经天下》周刊，他们花了6个月，写了50多版剧本。

柏忠春说：“电影不一样，因为电影要做合家欢，要做很大的人群。你的内容有没有这样的包容度，像好莱坞做的一些合家欢的片子，是6到60岁都能进去一起观看的，这样你的受众就大了，你是做给1亿人看，还是给10亿人看，这个市场是不一样的，内容方向也不一样，里面的尺度也是不一样的。”他举了个例子――《万万没想到》里面没有接吻镜头，连肌肤接触都没有，就是照顾到了有小孩的家庭。

正式上线前，万合天宜找来电影调研公司做了两轮专业调研。易小星说：“路上随便找那么几百个路人来看电影，然后填调查问卷。基本上所有给出的答案都是65分到75分之间，大概优于大多数商业电影的级别，当时觉得挺有信心。”

但到了大规模路演的那一天，情况开始失控。“一夜之间所有的口碑、舆论全都反转了，感觉好像我拍了绝世大烂片一样。”这部电影的豆瓣评分也开始下滑，社交网络上的评论也开始好坏参半，“我觉得可能是很多人对我们的期望值过高，他觉得没有拍出85分就是烂片。”

二次元的笑点进入三次元并不容易，《万万没想到》的网剧在某种程度上做到了。它把二次元的笑点、节奏以及叙事方式，用三次元的方式拍摄出来，但是当它要通过院线电影推广到更大的三次元空间里时，还是碰到了从二次元延伸出来的壁垒。易小星也坦承：“算是有碰壁吧，就是说没有打破这个次元壁，因为网络剧本身其实就有点挑观众，这个当时我是知道的。”

次元壁并非只有《万万没想到》遇到。二次元作品《进击的巨人》在日本上映前，宣传铺天盖地，但特效无法做到尽善尽美、情节也因为片长的关系有所改动，越想要兼顾两头，越容易得罪两头：对于原作粉来说，电影所做的改动让他们失望，而没有看过原作的观众，也不太能感受到气氛。

易小星认为《万万没想到》是一个介于成功和失败的作品。虽然它的票房看起来不够理想，但早在上映前，就已经通过广告植入与发行收回了成本，所有的投资商也从票房中获得了回报。另一方面，通过这部作品，万合天宜也打通了一个新领域，第二部电影作品将于今年启动。易小星觉得，最好是将下一部电影定在暑假档期，因为这个档期才是二次元市场：“因为我是从青年亚文化里走出来的，这种亚文化要成为完全的主流文化，确实还有一段时间距离。但我还是选择相信年轻人，相信年轻人终究会成长，更多地接受这种亚文化的东西。”

万合天宜这个大平台

现在，万合天宜的团队已经扩大到了400人。在柏忠春看来，这可能还不够：“其实满足眼前是可以的，但是要从发展的角度还是要增加一些人，我们也希望更多优秀的人能够加入我们，有梦想的人吧，我觉得是这样。能力的话，能力是一个方面，但是意愿值，首先这个事情对你来说是个工作还是个有梦想的事情，如果是有梦想的事情，那大家就可以走到一起。”

但是在易小星看来，这个团队需要精简――因为之前的极速扩张，有时候找不到一个A级人才，需要拿几个B级人才去顶这个位置。“这是没办法的事情，因为不扩张的话你就赶不上市场的变化。”

你可以把万合天宜的管理方式理解成一个大集团与旗下子公司。柏忠春、易小星与范钧三人为统筹，旗下分为不同的项目组，每一季都会有一个重点项目。每个项目组根据其重要程度分为S、A、L等不同级别，不同级别会有不同的编剧、导演、演员、宣传人员进行配合。如果是重要的项目，人员可能是专职;若是重要程度稍低的话，则可能一人身兼数职。标准配备是一名核心编剧带几个编剧来辅助，而易小星则作为把关人监督所有成果。

万合天宜编剧的培养方式有点像“学徒制”。也许这与易小星的工程师背景有关，万合天宜的新人基本上都会有一个“师父”――跟着项目走、跟主创一起开会，去现场跟着一起打板拍摄。易小星说万合天宜没有科班出身的人，而培养他们最好的方式即是“实战中总结出经验”。

这创造出了一个相对包容的环境。“不断去找新的东西来做，去尝试，不停地试错，这是没有办法的事情。万合天宜好就好在它能够不停地去试错，这是其他的大公司可能不具备的条件。易小星举例说，2015下半年万合天宜上了三个节目，这三个节目有好有坏，但对他来说坏的项目也能帮助他发觉这几个剧组里面编剧、导演各自的优点，这是一件好事。

除了网剧之外，万合天宜还有着新的尝试。“我们会跟平台建立节目带，不管优酷、腾讯或者是爱奇艺、乐视我们都会做，每个方向都会做。”在互联网上建立了品牌之后，传统媒体例如电视台也开始来找万合天宜了。这些电视台需要大量的受观众欢迎的内容不断地推出，万合天宜的品牌概念、品牌养成习惯是电视台比较了解与追捧的。但是与互联网不一样的是，电视台主打的是女性市场。“可能有55%或者60%观众是由女性组成的，剩下40%是由男性组成的。因为男生的话，你想，玩游戏，年纪大一点的话可能开始创业忙事业，其实他留在电视、pad端的时间相对少一点。”柏忠春说

所以在电视端，万合天宜的方向可能不会是喜剧。同样一个包袱你只能用一次，再用的时候就不灵了，观众不一定笑得出来，因为可以猜到你的结果。但是电视做的时候，它基本上很难做喜剧，大部分都做情感、悲剧方向的，因为这个方向好做。而在易小星看来，电视台无法放开手脚，使得万合天宜突破常规的内容很难进入到卫星梯队中。但无论如何，在《万万没想到》等作品的后续之外，今年万合天宜将推出的新剧超过10部。

万合天宜还收购了一些其他PGC内容出品方，未来还会在出版方面增大力度。但三位高层对这家公司的一致看法都是，这是一个人才公司。“未必非得有那种特别娴熟的技巧或者怎么样，但是你能在他的文字里看到灵性，年轻人喜欢的东西，能颠覆常规的东西，但是又在规矩之内，这种感觉上的东西。”易小星说。

他也怕万合天宜变成一家“老”公司。“做内容的永远会有一个年龄老化的问题，你如果能够时刻保持一颗年轻的心其实是很难的一件事情，那只能是这样不停地更新换代。你要是40岁能做出40岁的人喜欢的东西那也行，如果你40岁的时候做不了40岁的人喜欢的东西、做不了年轻人喜欢的东西，那只能给你换个岗位了。”他想了一下继续说，“这没办法，只能是自我学习，都是成年人了，谁还逼你去学习，竞争这么残酷。”

创意10问 易小星

目前做过的哪一个项目让你最有成就感？

易小星：应该是第一季 《万万没想到》 吧，那时候一集万万的成本就几千块，是最困难的时候，但是做出来的作品得到了大家的认可，也给了我继续做下去的动力。

是什么在激励你的创作？

易小星：做导演一直是我的理想，我就是想做这件事，希望拍出来的东西有人喜欢。

描述一下你的创作风格是什么？

易小星：一切顺其自然，做自己最擅长的事最重要。

你职业生涯中最重要的影响来自于什么？

易小星：海贼王。

你最推崇的创意人是谁？为什么？

易小星：创意人的话就像广告人一样，没有哪个创意人我特别（喜欢）。

你觉得创意阶层最重要的特质是什么？

易小星：最重要的特质是能够找到那个新的兴奋点。

如何理解创意阶层在商业社会中所起的作用？

易小星：内容是持续性的东西，创意是灵光一闪的东西。内容就是内容，创意只能占很小的一部分。内容是有它的工匠的东西在的，作为一个工匠来讲你要是不按时不定时做事的话，怎么成为一个工匠呢？你如果全凭那种灵光一闪来工作的话，公司还怎么维持呢？除非你是个人工作者，个人工作者可以这样。但是如果作为工匠来讲，你不能那样。

你觉得当前最大的困难是什么？

易小星：市场是瞬息万变的东西，但是你得抓到最适合自己公司的方向，这是最困难的一件事情。不断求新求变，不断去找新的东西来做，去尝试，不停地试错，这是没有办法的事情。万合天宜好就好在它能够不停地去试错，这是其他的大公司可能不具备的条件。

每天早上起来做的第一件事是什么？

易小星：看朋友圈。