流行的平面设计风格范文

导语：如何才能写好一篇流行的平面设计风格，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

关键词：包豪斯；现代设计；现代主义平面设计

1 包豪斯设计戒律一：形式追随功能(Form Follows Function)

这一设计戒律由著名建筑设计师路易?沙利文③首先提出。在“形式追随功能”之前，设计师一直从过去来寻求借鉴的形式，自从这个概念提出并风行后，产品和建筑物都试图不再雷同，形式渐渐等同于内容，也就是审美与功能的相互协调。

随着时代的发展与科技的进步，从长远角度来看，单纯的实用性显然不能满足人们的需求，而“美”的观念经历着不断的变化，但人们对美的渴求依然不减。而形式与审美必须服从于内容与功能，这一点是包豪斯铁的戒律。建筑大师与理论家阿尔贝蒂认为，“建筑艺术作品不仅要具备功能性还须具备审美性――当然这观点也被广泛应用于版面设计”。 ④

现代版面设计起源于上世纪三四十年代包豪斯的具象艺术家及文字排版工们的无数实验。在他们的作品当中，试图创造出系统化的平面分割，给予版面设计以新的形式基础，并且每一个排版作品都需要将其版面内容结构化。这种结构化的艺术创造直觉，类似于构成主义和具象几何艺术，但这种系统化分割版面的设计方式，最终被发展创造为用来整合图片、文字等图形元素的现代格式手段，被称为瑞士版面设计。⑤这种版面设计手段不是简单地把文字和图片并列放置在一起，而是从画面结构中的相互联系发展出来的一种形式法则。它具有严密的文字和图片设计方案，贯穿全书的统一的版面设计风格。而这样做的结果是使版面设计作品重视比例感、秩序感，具备清晰感、准确性和严密性。于是，形式与功能得到前所未有的统一，所有的设计元素――字体、图片之间的协调一致成为可能。

2 包豪斯设计戒律二：忠实于原材料(Truth to Materials)

包豪斯提倡让每一种材料保持本色――不要把塑料伪装成木头、织物或者毛皮。正如在我们国家随处可见的公园扶手和山路上修建的栏杆，硬是把水泥实心的扶手栏杆伪装浇筑成木头的材质，显得与自然环境极不相容；还有形形的假花儿、塑料花儿，充斥着各式各样的环境空间。木头就是木头，植物就是植物，包豪斯认为，最简单的真实，有着最简洁的美。

这种简洁的美是可以被人们感知的。平面设计中的美感是通过印刷介质――纸张来传递美的。“纸的尺寸和比例自身是不能产生美感的，只有通过所有视觉元素的结合才能产生审美欣赏的对象。”⑥对平面设计来说，这意味着所有设计元素和材料的结合，纸质材料选择及其传递出的触感与温度，以及纸张的尺寸和比例；版面字体的选择与运用；插图、墨色的选择等，最终构成版面美感的将是印刷区域与未印刷区域的关系，所有这些材料与元素都是部分与整体的关系，构成它们之间美感的要素就是各部分的和谐统一。

3 包豪斯设计戒律三：少即是多(Less is More)

包豪斯认为，好的建筑设计可以让人一眼看出建筑的用途。“将装饰、象征主义和姿态抹掉，留下的便是纯粹的骨架：质地、颜色、重量、比例和轮廓。”包豪斯建筑理念以及“少即是多”的思想对平面设计的影响可以从包豪斯字体开始追溯。包豪斯的平面设计师们把“少即是多”这一理念应用到字体设计中，他们把古罗马文字的装饰线统统去掉，而保留了最简洁、整齐、直观、毫无隐瞒的字体风格――包豪斯字体。

现代主义平面设计追求简洁和秩序，除了使用毫无修饰的字体，设计师还会在版面设计当中以简洁和秩序布局。无论是阅读还是浏览，版面设计当中简洁和秩序地设计都能带给人以宁静的思考。包豪斯的设计理念反对在平面设计中滥用条形、线形、标点以及绘画式的构成图案。“少即是多”的设计理念强调掌握版面设计的关键介质：空白空间、文字、色彩和图片。空白空间不是用来“读”的，因此通常不会给予太多的关注，但“空间”是一种三维体验，当版面设计者使用它时，所指的则是一个平面概念，空白的，未经印刷的纸面就像建筑当中的空间一样。

4 结语

受包豪斯思想的影响，一种崭新的平面设计风格终于在联邦德国与瑞士形成，由于这种风格简单明确，传达功能准确，因此很快流行全世界，成为二战后影响最大、国际最流行的设计风格，因此又被称为“国际主义平面设计”。

注释：

①在包豪斯设计理念的影响下，一种新的平面设计风格在德国与瑞士形成，被称为“国际主义平面设计”(The International Typographic Style)，又作“现代主义平面设计”(Morden Typographic Design)，风格简单明确，传达功能准确，是二战后影响最大、国际最流行的平面设计风格。

②原名Ludwig MiesvanderRohe，1886年生于德国亚琛。最著名的现代主义建筑大师之一，与弗兰克?劳埃德?赖特(Frank Loyd Wright)，勒?柯布西耶(Le Corbusier)，瓦尔特?格罗皮乌斯(Walter Gropius)齐名，并称二十世纪中期现代建筑四大师。

③原名Louis Henry Sullivan(1850～1924)，十九世纪末二十世纪初美国著名建筑师，他最先提出“形式随从功能”的口号，为功能主义建筑设计思想开辟了道路。

④The architect and theoretician Alberti speaks of vulnerable beauty and takes it for granted that works of architectureand this also applies unreservedly to typography must be not only functional but also beautiful.

⑤瑞士版面设计可以追溯到20世纪20年代的构成主义，自从构成主义的中心地，德国的包豪斯学院解体后，瑞士的设计师们继承了包豪斯的设计思想，瑞士的设计学校成为主要的实验室。

⑥参见【瑞士】汉斯?鲁道夫?波斯哈德著，郑微译：《版面设计网格构成》第7页，中国青年出版社，2005年2月。

参考文献：

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随着改革开放的不断深入，优秀的平面艺术设计作品走出了国门，走向国际，为我国创造出了显著的经济效益并造成了良好的社会影响。与此同时，随着全球一体化进程的逐渐深入，国际设计风格也从各个角度冲击着我国本土的平面设计。在此冲击下，我国的平面设计，尤其是平面设计的视觉语言风格受到了极大的影响，有些平面设计师对国际视觉语言盲目的崇拜和模仿，而对中国本土的传统文化、传统图案、民间艺术等视觉语言弃之不顾，更有甚者甚至报以一种不屑一顾的态度。这些现象的出现不得不让我们心感悲哀。客观的讲，国际设计视觉语言确实有值得我们学习与借鉴之处，特别是在其创新性上大大超过了国内水平。但是，盲目的崇拜和模仿，不仅会带来设计思维的凝滞，形成一种思维惰性，从而导致创新能力的下降，更会使我国传承了数千的优秀传统文化精髓无法得以继承与发展，最后必将导致我们的平面设计丧失独立性与自主性。因此，不仅为了继承和发扬我国的传统文化，也为了探索出一条适合我国平面艺术的具有民族特性且独立自主的发展道路，平面设计视觉语言的本土化进程势在必行。

二、平面设计视觉语言本土化的原则

在讨论平面设计视觉语言本土化的原则之前，我们应首先明确“本土化”这一概念。所谓“本土化”指的是以我们本身所特有的生存环境、历史文化、民族特征为基础的形成一种属于我们自己的艺术设计语言及表达方式。它出现于“国际风格”的现代主义潮流之后，强调的是传统和本土性的新设计艺术。在探索“本土化”方式的时候，我们应注意一下两个原则。

第一，“本土化”指的并非是简单的“复古”风格，也并不是对传统民族文化狭隘的、片面的继承。“本土化”应秉承对传统民族风格继承与发展的原则，以继承为依托，以发展为目的。“本土化”并不应是简单的拿来，而应该融入设计师的艺术思考与创新，在深刻理解传统民族风格的基础上，吸收民族风格的精华，从而创造出新时代的民族风格。

第二，“本土化”并不应该完全的排斥“国际风格”。随着科技的进步和社会的发展，全球一体化是一个大的发展趋势。尤其是互联网的普及，使得这个世界的各个角落联系越来越紧密了，没有任何一个国家和个人可以躲开这种趋势。一切试图逃避这种趋势的行为也都是不合乎事物的发展规律的。

只有坚持了以上两个原则，才能保证“本土化”方式的探索不至于偏向某一方或走向某一极端，保证“本土化”方式探索的长期而有效的发展。

三、平面设计视觉语言本土化的途径

平面设计视觉语言本土化并非一蹴而就的，而是需要一个循序渐进的过程。在探讨本土化的方式之前，首先应充分认识本土化所涉及的两个主体——民族化图形符号与国际风格。在此基础上，我们才能寻找到平面设计视觉语言本土化的最佳方式。

1. 民族文化图形符号及其个性

我国是具有近千年历史的文化大国，在漫长的历史岁月中，我国的文化与艺术均形成了自己的个性与特色，而可以象征我国文化的民族图形符号同样也独具特色。传统文化图形符号的思想性与创新性是其根本特性。我国的文化构成是一种“儒家”与“道家”互补的文化构成形式。“儒家”文化倡导一种“社会性”，社会的方方面面都和谐是他的精神追求。而“道家”文化倡导一种“自然性”，提倡无论是人还是世间万物，都应“法自然”，因为“人法天，天法道，道法自然”。我国的民族文化图形符号也正是这两种文化思想相结合的最完美体现。可以说，每一个民族文化图形符号的背后都具有深刻的思想性，都是我国优秀民族文化的卓越代表。民族文化图形符号不仅具有深刻的思想性，将之应用于现代设计视觉语言之中，也是一种创新。最早在国际上取得重大影响的华人设计师之一——香港设计师靳埭强，在他的平面设计作品中大量使用了中国传统民间文化的实物元素及图形符号。这种使用让他的作品在当时国际社会中显得耳目一新，与众不同，这便是我国民间文化图形符号的创新性所致。然而，随着平面设计的发展，一些设计师只顾盲目跟风，不假思索的滥用这种图形符号，使得它显得重复、使欣赏着产生厌倦感与审美疲劳。我们应该清醒的认识到，民族文化图形符号本身是极具创新性活力的，我们不应由于某些人的盲从和跟风行为就将其否定，在探索“本土化”的道路上，应充分发掘民族文化图形符号的创新性活力，通过设计师独有的艺术眼光和艺术智慧使其充放光彩。

2. 国际风格的发展变化

从历史的进程中我们可以了解到国际风格的发展变化过程。国际主义风格出现于二战后期，上世界50年代形成的国际主义风格其核心部分是无饰线字体的发展及广泛采用。最早促进国际主义风格在美国发展的设计师是洛尔?马丁（1922－）。他毅然决然地放弃了美国当时十分流行的写实插画方式，换而采用国际主义风格设计博物馆的展览、刊物以及海报。另一位把国际主义风格介绍到美国、并且将其推广的设计师是洛杉矶的平面设计家鲁道夫?德?哈拉克（1924－）。瑞士的国际主义平面设计风格自上世纪50年代起在美国开始流行，一直延续了20多年。至今，国际主义风格对全球的平面设计风格仍有重要的影响。当然，在谈到“本土化”的问题时，影响到中国平面设计的国际设计风格不仅仅是国际主义风格，而是以国际主义风格为主，同时包括了纽约平面设计派与后现代主义设计风格的设计风格。

3. 平面设计视觉语言本土化的途径

面对国际视觉语言的冲击，当代的中国设计师可以说是无时无刻不在思考如何将平面设计视觉语言本土化这一问题，在不断地寻求民族文化图形符号与国际视觉语言符号的共性与统一，从而找出一条本土化的合理途径。对于平面设计视觉语言来说，从“本土化”的观念来看，其对于旧有造型元素选择之侧重是反映地域概念与传递文化背景的手段。如果简单的采用悠远的彩陶纹样，民间的剪纸图案等等民族文化图形符号，这不过是体现文化意义的捷径，并未寻得民族符号与国际语言的真正统一。因此，本土化的途径不应是简单的拿来与模仿，也不应是勉强拼凑的形式一致，而应是在更深层次上的精神契合。

要实现这种精神上的契合，首先，要深入地研究我们民族自己的东西，并且应是在国际化的大背景之下进行研究，绝不应是闭门造车，更不应是死搬硬套，而是要运用一切可以利用的国际资源，深入挖掘本民族的文化潜力，体会我国社会的内在需求，进而创作出符合我国需求的设计，这才是真正意义上的设计本土化。在深入研究本民族的文化图形符号这种形式的同时，设计师们还应更多关注地关注符号背后所蕴藏的文化思想。只有有文化思想做基础，这些民族文化图形符号才具有现实意义和民族特性。因此，要保持接受国际风格影响的同时又要保持不偏离民族特性，对中华文化的了解是必不可少的，甚至可以说比了解各种民族文化图形符号的形式表现更重要。

其次，平面设计视觉语言本土化应被当做是一项极其迫切的工作。当一位欣赏着观看一幅平面设计作品之时，他所希望的是在这件平面设计作品中找寻到能够唤起他的审美记忆的熟悉的东西，因此，平面设计视觉语言必须具有本土化的因素，才能够广泛地被大众接受。在本土化的过程中，我们可以适当的借鉴国际上的先进运作方式，改变当前国内平面设计工作实践、理论研究及创意生成不成系统、不够科学的现状，集合大众的力量，改变单打独斗的场面，群策群力，把平面设计视觉语言的本土化当做是一件任重而道远的工作，有计划、有步骤的做下去。

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摘要：装饰主义Art Deco即放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光;摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物；速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展；几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题;新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利；打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等;古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象;.明亮对比的色彩。

关键词：西方现代美术；装饰主义；运用；风格

从人类艺术的诞生时，就没有离开过“装饰”这个名词。人类的艺术起源与原始的装饰有着某种不可割舍的关系。著名的美术史学者沃尔夫林就认为“美术史主要是一部装饰史”。装饰在原始社会是人们所创造的艺术的审美核心。各种彩陶纹样成为各种装饰美、形式美的标本。装饰是一种有意味的形式。它包含着特定的社会感情和文化意识。它不仅是“装饰性”的，从秩序、线条、形式、色彩等方面带给人们以审美愉悦，而且是“文化性”的，从文化、理想、象征、历史等方面满足人们更深层次的需要。沃林格在《抽象与移情》中说到：装饰艺术的本质特征在于：一个民族的艺术意志在装饰艺术中得到了最纯真的表现。装饰艺术必然构成了所有对艺术进行美学研究的出发点和基础，装饰对于现代设计同样具有十分重要的研究意义。

一、发展历史演变与渊源

19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品。

在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计，纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。从形式上看，20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。

二、装饰主义的运用

从18世纪工业革命开始，直到19世纪末期，工业技术改变着人们的生活方式，产品设计在这种变革与混乱中发展。人们在生活习惯与心理上对旧有产品的形式与风格有很顽固的留恋，这反映在设计上表现为装饰化的特点，注重传统装饰趣味。装饰与机械生产的要求之间的矛盾不可避免地产生因此，以约翰?拉斯金和威廉莫里斯为首的一批有识之士进行了一场名为“新手工艺美术运动”的设计风格改革运动，主张艺术家走入生活，艺术与技术结合，创造为大众理解和接受的作品，它反对维多利亚矫饰之风，倡导中世纪的纯朴装饰，并吸收日本的装饰，从自然中汲取素材，创出新的设计风格，这是一种可贵的探索。

三、装饰主义的代表及评价

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关键词 彩陶艺术；平面设计；启示

中图分类号 I06

文献标识码 A

文章编号 1007-7316-（2014）06-0012-1

我国彩陶文化的起源非常早，从旧石器时代，人类就开始具备了审美意识。随着时代的不断发展与进步，彩陶文化也得到了不断的扩展，艺术形式也越来越丰富。彩陶艺术最具有代表性的文化就是仰韶文化与马家窑文化，主要包括半坡类型、半山类型、马家窑类型、马厂类型等。彩陶纹饰主要包括三种，即动植物纹、几何纹、人物纹，均具有简洁大方、单纯优雅的特点。不同的彩陶文化体现了不同的艺术特征，通过相关研究，可以给现代平面设计一定的启示。

一、我国现代设计概述

现阶段，在我国现代设计中，部分设计人员主张学习西方设计风格，但是也只是一种简单的照搬照抄，没有深入理解西方设计的发展现状、理念、特色等，经常出现一些不知所谓的设计作品。在教学方面，西方教学过程一般均是在博物馆中完成，而我国均是在课堂上完成，只是利用一些图片、资料等展开教学内容，进而产生一定的差距。

就客观因素来说，我国对西方设计的探索还不够深入，因此，在进行设计的时候，可以运用一些我们能够轻易接触或者得到的材料与文化，这样才可以突出我们设计的特色，进而走在设计前沿，要不然，只能一直在别人的后面。针对此种形式而言，设计师可以利用一些我国传统文化，从中提取素材与养分，实现完美设计。因此，怎样辨别传统文化的精华与糟粕，怎样全面、合理运用传统文化，就成为了现在急需解决的问题。

二、彩陶纹饰对现代平面设计的启示

通常情况下，彩陶纹饰均是由点、线、面这三个元素构成，利用点、线、面的合理搭配与组合，形成优美、多样化的装饰形象。平面结构的基本元素也是点、线、面，并且彩陶的装饰形象在平面中也是适用的。彩陶纹饰一般均是采用对称、对比、韵律、分割、节奏等设计手法，利用点的大小、形状，线的疏密、长短、黑白、虚实，进行点、线、面合理组合的设计创作，这些多样化的设计方法是平面设计需要借鉴的。

除此之外，从彩陶纹饰的特点与类型能够看出，彩陶纹饰设计均是从自然出发，主要就是对自然实物的抽象化、几何化、简单化，纹饰就是一种高度的艺术提炼与概括。在进行平面设计的时候，设计师一定要加强对自然的了解，从自然中发现美，并且对相关自然元素进行创造，在此基础上，进行相应的创新，加强对写实元素的抽象化、几何化、简单化，这样就可以实现平面设计的效果。在彩陶艺术中，存在着很多的几何纹样装饰，在现代看来也是非常流行的，具有一定的时代感。在平面设计中，具有良好的几何效果也是非常受人们欢迎的。

三、彩陶造型与纹饰统一对现代平面设计的启示

设计的最终目的就是体现一定的审美性与功能性，而彩陶艺术也可以说是一种审美性与功能性完美结合的产品。彩陶的造型非常优美、多变，在符合审美要求的情况下，也可以进行相应的使用。比如，半山类型的垂弧锯齿纹双耳罐，其造型主要就是小平底、鼓腹，其宽度超过高度，腹径、底径、口径的比例也是非常恰当，利用非常柔和的曲线描绘出了一些饱满、优美的器型，相应的外部轮廓也是非常优美，具有一定的和谐之美。又比如，马家窑漩涡纹双耳尖底瓶，其造型主要就是小口、双耳、尖底，设计成小口的目的，主要就是保证水不会轻易流出；双耳设计的目的，就是方便系绳，并且进行重心的平衡；尖底设计的目的，就是方便其下垂于水中，并且容易注满，这样的设计形式，可以充分表现其造型的美感，并且具有很高的实用性。整体造型主要是以漩涡纹为主，瓶身设计主要就是四方的连续漩涡纹，并且设计一些圆形的涡点，在一定程度上，体现了整体造型设计的严谨性，相应的线条也是非常的流畅，具有较强的动感与韵律感，充分体现了审美性与功能性的完美结合，在平面设计中，可以进行相应的借鉴，促进平面设计的进一步发展。

在实际设计中，大部分人也只是重视了其中一面，对另一面有所忽视。一方面，一些设计人员缺少相应的设计经验，并且对产品的材料与市场销路等内容非常陌生，导致其在进行设计的时候，只是关注了审美性的体现，对其功能性的体现有所疏忽。另一方面，在现代平面设计中，在审美性方面也有所不足。首先，缺少一定的设计美感，现阶段市场上存在的一些设计作品，在设计风格、形式等方面都是相似的，均是按照相应的模型进行简单的照搬照抄，无法充分体现其独特性，进而缺少一定的美感。其次，作品的设计美感得不到社会大众的认可与肯定，部分设计作品太过追求差异性与个性化，甚至出现了“以丑为美”的设计理念，只是为了审美而审美，根本不去考虑社会大众的真实感受，导致得不到社会大众的认可与肯定，无法实现设计效果。

结束语：

总而言之，我国平面设计起步比较晚，一定会借鉴一些西方设计理念，没有对本民族文化进行深入的研究。因此，在进行平面设计的时候，一定要加强对本土文化的研究，比如彩陶艺术，加强对自然事物的了解，开展独特的设计形式，从中找出设计灵感，逐渐摆脱模仿西方设计的局面，开创自己的设计文化。由此可以看出，加强对传统艺术形式的研究，可以有效提高我国设计水平，实现我国设计行业的可持续发展。

参考文献：

[1]赖小娟.探索彩陶纹样中点线面的应用技巧[A].第九届全国陶瓷艺术设计创新评比暨首届中国陶瓷艺术大会论文集[C].2010年.

[2]陈淑光.谈中国传统吉祥图案在产品设计中的运用[A].首届中国高校美术与设计论坛论文集（上）[C].2010年.

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［关键词］波普风格;平面广告设计;应用

波普风格是起源于20世纪中期的一种设计风格。波普风格的产生并不是偶然的，当现代设计风格统治了全球设计风格长达数十年之后，人们渐渐厌倦了现代风格本身所追求的那种机械美、简约美和功能美，开始向着相反的方向寻求更好的发展，于是波普风格应运而生。严格意义上说，波普艺术的产生并不是时代的落后，它给当时的设计添加了新鲜血液，尽管这一设计风格的实用性并不是很强，但确实能够给人们带去更多的视觉上的感受。

一、波普艺术的时代特性及平面设计应用的领域

现代平面广告的信息传达已经随时展变得迅速而大众化，在商业平面广告设计中体现得更加明显。设计师要紧跟时代精神、审美倾向和创新观念进行艺术发挥创作。波普风格艺术兴于20世纪50年代的英国，60年代鼎盛于浓烈商业气息的美国，工业化时代，城市的广告宣传也造就了波普艺术的问世，波普艺术大众、通俗、流行的面貌不仅颠覆了传统的审美观念，而且打破了艺术与生活的界线，它反映了当时西方青年一代反传统的文化观、消费观、思想意识及审美趣味。然而，平面广告设计与波普艺术思维一致，对于这种时代性，青年一代推动着波普艺术前行，再加之明星和消费品赢得人们信赖后，波普风格的广告招贴随着这股潮流，出现了夸张的人物造型，卡通动漫、涂鸦和插画等都为波普提供了新的表现形式，在竞争激烈的商业化社会，为了增加竞争力，商业平面广告需要满足普遍大众审美的心理需求，把时尚元素、波普风格和平面广告相融合。但同时我们还要注重“草根文化”，这种平民文化特质正好与波普艺术的通俗大众文化相契合，在平面广告设计中自然接地气的作品出现在大街小巷，也成为一种时尚潮流。现代设计倡导简约主义，波普艺术风格又流行简约风格，广告招贴上大色块的图形正是简约的表现，这些绚烂多姿的大色块增添了波普风格的鲜明个性，所以说广告招贴与波普艺术一直在时展中交互和融合中前行，这也是时代艺术和商品结晶的体现，时展推动着艺术和消费品的不断更新，波普风格艺术和平面广告在时代的发展下共同进步，共同为大众服务。波普风格不是一种具有统一性的风格，它表现为多种风格的混合，是迎合大众喜好的。平面的招贴广告中，波普风格的表现分为很多种，有通过图形表现波普风格的，也有通过色彩表现波普风格的，更有通过一种拼贴的手法来表现波普风格的。

二、波普风格图形在现代平面广告图形设计中的应用

(一)波普风格图形在现代平面广告中的应用。波普风格表现形式最明显的就是图形。现代广告设计也是视觉传达很重要的表现形式之一，而广告中图形元素恰恰是很重要的组成部分，具有很强的视觉冲击力，图形和文字在同一画面中，图形的注意度远远大于文字，因此广告设计中图形是成败的关键。那么波普风格图形怎能恰到好处地用在广告设计中呢?如何能在最短的时间让观看者领悟到广告设计的内涵就成为关键。我们知道波普风格的图形总能够通过幽默、风趣、诙谐和情趣等手法演绎出当今人们生活的时尚，在设计中强调用新奇和独特来刺激人们的视觉体验。图形在平面广告设计中必须要用它独特的“形象”对商品进行宣传，吸引大众购买商品。如BONG的啤酒广告利用摄影写实手法，把啤酒和内部的二氧化碳细致地刻画出来，背景选择自然健康的麦子，啤酒瓶图形占据画面二分之一，很明显这是波普和摄影艺术的有机结合，虽然图形没有利用夸张和新奇的形式，但是通过对现实事物的真实、生动及细微的刻画表现出商品的某些特点，引起大家视觉上的注意，并且能够刺激消费者购买的欲望，这也是波普图形能够通过现代摄影技术对事物进行真实再现的反映。有如米尔顿•格拉塞设计的广告招贴，画中的女孩头发都是采用波浪的花纹进行展示，线条疏密有致，色彩丰富新颖，这些装饰图形除了进行装饰，还具有一定的内涵，波浪的头饰寓意人们遨游头脑海洋，这也是设计师情感的宣泄和表达，一直到今天大家都会看到类似的平面广告，简单的曲线图形和条纹一直被沿用，这也是波普跟随时代潮流发展而进行创新的体现。(二)波普风格色彩在现代平面广告中的应用。明朗亮眼的色彩，传达着幽默和快乐，波普风演绎新一轮的时尚主题，为人们带来耳目一新的感觉。现代平面广告中敢于运用绚丽的色彩、充满想象力的趣味图案、画面中层次分明的各种色块，让平静的生活多了快乐的随意性。甚至一些平面广告敢于采用强烈的色彩对比，如《》的作品中沿用丝网印刷的技术，色块虽然对比强烈，但是经过精心的色调分离后完全略化了色彩之间的微妙变化，复杂的色彩通过高度概括、取舍、归纳而变得简练，体现出作者用色用形的果断。波普色彩具有它独特的视觉感受，通过色彩语言不仅能把广告主题的情感表达出来，而且还能起到引导消费者情感的作用。在平面广告中不仅要思考颜色怎么搭配好看，还要思考波普色彩的风格和特性，怎么协调统一，怎么统一变化，表达什么样的感情使用什么样的色彩基调，当下波普艺术色彩也在做一系列的努力，利用波普的多色彩与光的结合，这也是波普与科技相适应的表现，在一些平面广告中我们会看到多种自由五彩曲线营造画面时尚、神秘和梦幻的效果，色彩与色彩之间利用柔化、加强、减淡和融合的原理实现色彩的未来感和科技感，这也是波普色彩的未来精神，科幻绚丽的色彩让人们感觉到未来的畅享。如《变形金刚》这一系列的电影海报，每一幅海报设计的色彩都充分体现出光速感和战争感，那些多彩玄幻的色彩，质感强烈的“金刚战服”，打造出强烈的视觉冲击力，让人们对这部电影充满期待和幻想。

三、波普风格表现技法在现代平面广告中的应用

(一)涂鸦在现代平面广告设计中的应用。涂鸦艺术在现代平面广告创作中注重对形式语言的强调，画面构图随意和偶发，反对传统的形式美法则，如对称、均衡、统一、和谐等规律，追随孩童般的随意涂抹和绘画，不受任何条条框框的限制，色彩和图形的随意性会让人感觉到快乐无拘无束。只要能够把广告主题语言表达出来即可。当红黄蓝三原色强烈地吸引着人们的视觉，并且人也因此觉察出内心的惊讶和喜悦时，这种夸张前卫的艺术形式，正在颠覆着传统构想，各种奇怪的造型、千奇百怪的图案设计不仅让人眼前一亮，更治愈了“审美疲劳”。笔者认为涂鸦艺术带有浓郁的草根性，是容易被老百姓接受和承认的艺术形式。著名的波普涂鸦艺术家凯斯•哈林在他的涂鸦艺术作品中就透露出简单和明确，涂鸦画面单纯美好，带有很强的娱乐性和游戏性。如我们熟知的“动感地带”平面广告设计中的人物就是通过涂鸦创意夸张和其他元素组合在一起，画面动感十足，当年这个广告设计走遍大街小巷，这也是涂鸦艺术结合时展特点取得成功的原因所在。所以后期我们看到的“动感地带”就一直沿用涂鸦艺术元素，其强烈地烘托了中国移动广告的侧重点。随着波普涂鸦艺术的发展，又出现了“光涂鸦”，这也是时展的产物，画面完全可以表现得美轮美奂，这是给黑暗营造出的美丽乐园，这种梦境般的特殊视觉效果已经在很多商业广告设计中广泛使用，可谓是妙趣横生。(二)插画设计在现代平面广告中的应用。现代平面广告插画设计之所以受到波普艺术的影响，也是和时代环境有关系的，当下物质条件丰裕，年轻人对新生事物好奇并狂热地追求，受流行文化的影响有着鲜明的个性风格趋向。波普风格插画就恰恰能体现出时尚、个性和流行等特点，这也是现代平面广告插画艺术成为年轻人表达自己观点、审美标准及价值取向工具的重要原因。插画实际上也是波普图形的另一种表现形式，对一些图形和图案有着较强的审美标准，设计师通常通过艺术夸张、简化和变形创作出插画图形。但现代意义的插画，已经不仅仅是对文字做补充说明和增加版面美感，而是对表达的内容做出艺术和图像性的解释，所以更容易被不同年龄、不同文化、不同国家和不同语言的人所接受。平面广告的商业插画要为商品服务就必须具有强烈的消费意识，为广告商服务就必须具有灵活的价值观念，为社会服务就必须具有仁厚的群体责任。插画绘制是一个相对比较独立的创作过程，会带有很强烈的个人情感依归，而观看的人也有其喜好的主观意识。对于商业插画来说，画面漂亮、抢眼，符合主流审美，能够突出商品卖点或性质，符合商品调性，抓住商品定位客群。而对于艺术插画来说，其是根据画面的氛围情感、色调风格、笔触线条形式创新等来综合评定。如LIMI护肤品，LIMI是法国维真护肤品制造商旗下的年轻护肤品牌，以年轻女性为消费对象，平面广告插画设计以LIMI小人展开系列包装插画，无论从色彩上还是感觉上都令所有女生得到一种梦幻般享受，宛若公主等待王子玫瑰，使目标消费者会自然地产生一种好感，这也是波普插画风格在随时展而变化的创新点。插画作为商业广告包装的一种手段，好的插画无疑是最能引起观众兴趣的。如彩妆品牌的创始人安娜苏凭借绝佳的流行感和色彩触角，创造出专属自我的安娜苏彩妆品牌，除了色调大胆，还在化妆品中加入蔷薇花香与多种天然植物精油，给肌肤额外滋润，但颜色与质感不是安娜苏彩妆的一切，安娜苏彩妆广告时尚又复古，给人以神秘和魔幻的感觉。优雅独特的黑色雕花容器精雕细琢，永不凋谢的蔷薇花图腾，平面广告插图设计俏丽又精美。广告所体现出来的唯美、美妙、魔幻和神秘等，均体现了见证改变的理念。(三)pop文字设计在现代平面广告中的应用。随着平面广告的发展，平面广告设计已经成为商业发展的产物，在平面广告设计中，文字本身也是一种信息交流的视觉符合，一直以来波普艺术为平面广告的文字设计提供根植生活的设计思路，直白的文字语言结合图形和色彩，让人们根据画面效果感受到文字所带来的幽默。这也是平面广告设计中文字一直被赋予的实质化和大众化的设计使命。平面广告文字要紧跟时代步伐，注重文字在商品广告宣传中鲜明的个性，诸如在《中国合伙人》的海报文字宣传上就大胆地采用直白的文字:苦B、我们是合伙人、我出一份苦力、你出一份仗义、他出一份馊主意等等，还有可口可乐的平面广告文字:心随我酷、爽起来、畅快喝可口可乐、这个feel倍爽，等等。这些都是在波普通俗直白的文字语言基础上进行有节奏、有韵律的编排，提高了人们对这个品牌产品的易读性，文字夸张的造型、鲜艳的色彩，能够让人们注意到广告中需要了解的是什么，为什么这样宣传。正如香港艺术家曾建华在他的众多作品中就把粗俗文字和华丽图像完美融合，不管文字是大还是小，字母如何颠倒错乱，都不会破坏整个画面的和谐感，这也是曾建华把波普文字融合于时展的艺术结晶，拉近了高雅和大众之间的距离。正是通过这种发自内心的表达方式，才使得目前广告设计变得更加富有时代感和激情。

作者:陶瑶 单位:马鞍山师范高等专科学校

参考文献:

［1］陈宙．独特的反叛设计———波普［J］．现代装饰(理论)，2012(7):123．

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艺术设计论文范文一：色彩在艺术设计创作中的表现

摘要：艺术设计创作是具有两重的属性，一方面，是艺术设计创作属于艺术的范畴，是具有审美价值的，另一方面，艺术设计创作还具有实用的功能。因此，在艺术设计创作中，色彩的表达是表现创作者的一种对社会和对周围的感知过程。分析认为，艺术设计创作中的色彩表现体现了创作者的风格，也架起了创作者和观众之间的情感桥梁，色彩的表达也体现了色彩的情感需要，色彩的表现更是文化需求的一种诠释。

关键词：艺术设计创作；色彩表现；审美

所谓艺术设计创作其实就是用艺术表现的形式，通过审美的表现来结合社会、文化、市场和科技等多方面的因素，然后把这些因素和我们的生活紧密联系起来，创作在设计中。一般情况下，艺术设计创作从艺术的角度来说，是具有审美的功能的，从实用的角度来说，其实还是具有使用功能。因此，作为艺术设计来说，是为人的精神和物质文化而服务的，是满足人类社会的物质功能和精神功能的完美的结合，也是现代化发展的社会历史进程中的必然的产物和过程。实际上，在艺术设计创作中，对色彩的运用也是很重要的，色彩是通过人的眼睛，脑和大众日常的生活经验综合运用的情况下产生的一种在光的作用下的视觉的效应。这种视觉的效应是创作者对周围感情的认知，也是对感觉的一种向往。创作者在进行艺术设计创作的时候，也需要通过色彩的表达来表现自身内心的感觉和自己内心的喜好，而色彩也是最好的一种表达内心的过程。实际上，艺术设计中的色彩设计和表现就是一种颜色的搭配，在实际的艺术设计创作中，这种艺术的表现是千变万化的，通过艺术设计者的创作把色彩表现出来，再通过大众用眼睛来体会周围的环境，色彩的作用就凸显出来了，在人类的视线中产生相应的各种各样的效果，带给大众不同的体会，也会反映大众的美感认知、情绪波动和自身的审美的情绪。因此，在艺术设计创作中色彩的表现是十分重要的。

一、艺术设计创作中色彩的风格表现

在艺术设计创作中，色彩具有十分重要的作用，直接体现了创作者的风格，和把握创造的精髓。实际上，在现实生活中有很多优秀的艺术品，在创作设计中都是用色彩来体现风格的，作为色彩设计来说，就其自身的内涵有很多不同的风格的，比如由鲜艳、强色的暖色调的色彩配成的艺术设计创作的风格表现和由冷色调配出来的风格就是不同的。一般情况下，暖色调的色彩风格都是给人以明快的感觉，也可以突出艺术设计创作的主题。其实，在艺术设计创作中，生动的色彩设计可以诠释创作者那一刻的心情，以及呈现给观众，观众也可以了解作者的风格和作者想表达的主题，这种色彩的风格的体现是很直观的，直接在色彩的表现中表现了出来。另外，在艺术设计创作中，内涵的体现也是很重要的，很多时候浓厚的色彩直接对创作作品的内涵显示就起到了重要的凸显作用。

二、艺术设计创作中色彩的情感表现

在现实中，人们的感知的色彩是通过现实的眼睛来直观的反映和体现的，一般情况下，视觉器官在感知色彩的时候，都是伴随着其他器官而产生的综合性的知觉和感觉的意识活动。所以在艺术设计创作中，创作者使用色彩其实代表的是一个整体的形象和过程，包括了客观的创作者的印象、记忆、联想和情感的体现，只有综合的丰富这些元素和内容，才会在艺术设计创作中体现出良好的色彩的效应。比如，在实际的艺术设计创作中，同一类的色相或者色调的配色方式其实在画面相一致和颜色相一致的情况下，很难达到和谐统一的效果，但是如果色调反差很大的话，色调的落差又正好突出明显的颜色，画面是否丰富，色调是否统一其实带给观众的都是一种情感的需要，淡雅的紫色配上大雁的黄色，这样的情感需要其实就是一种色彩情感的体现。也体现了创作者当时创作阶段的心情，给观众也表达了自己的倾诉和追求。所以，色彩的配色是一种情感的表现，在艺术设计创作中，要特别关注色彩设计配色的反差和魅力，善用色彩的配色来赋予颜色的内涵和丰满颜色的内涵。

三、艺术设计创作中色彩的文化表现

在艺术设计创作中，不管是商业的设计还是个人的爱好创作，实际上都是一种流行和文化的反映，色彩的表现是一种模仿和流行，色彩可以带来追随和认可。实际上，艺术设计创作者在色彩表达的时候，可以把色彩和同一色调的事物明显的表达出来，比如在平面设计中，可以通过平面设计的色彩表达方式直观的反映色彩中的流行的文化，在设计过程中，在思维上就可以演绎细微和微妙的色彩感受力。众所周知，红橙黄绿青蓝紫这些普通的魅力的颜色再加上黑白灰颜色，不同的颜色的搭配和属性就会呈现不同的创意和表现。在艺术设计创作者创作的过程中，在对色彩的感知过程中，实际上不能忽视眼睛第一时间的即视的感觉，要从文化魅力的角度来体现艺术设计创作中的色彩的表现。文化是一种流行，也是一种魅力，色彩的表达是文化流行的元素，也是引领设计的一种新潮，色彩给人的文化表现，给人一种文化的流行，艺术设计创作的色彩一旦拥有了文化的气息，也必将经得起市场的考验是流行的文化的体现。综上，在艺术设计创作中色彩的表现力量是很强的，直接反应了创作者的风格和情感和文化力，因此，艺术设计创作中，色彩的表现是十分重要的，也是设计创造者最直观的视觉表达，突出了创作的表现力。在艺术设计创作者创作的时候，必须根据色彩的实际情况和创作作品的实际情况来进行色彩的搭配和分析，用色彩来表现自己的心理特征，用色彩来感知创作者的思想和空间。因此，色彩是直接联系创作者和观众的桥梁，艺术设计创作中的色彩的表现是直观反映创作者和观众情感和思想的重要呈现。

参考文献：

[1]侯履晖，论艺术设计创作中的色彩表现，现代装饰(理论)，2012年5月

[2]吴志华，色彩通感在审美活动中具有的价值，南昌大学，2012年8月

[3]徐燕，论色彩在中西现代油画艺术中的情感表现，山西师范大学，2012年4月

[4]周小娟，浅析艺术设计中的设计色彩表现，安徽文学(下半月)，2010年12月

[5]杜森，现代海报设计中的色彩表现，中国艺术研究院，2009年3月

艺术设计论文范文二：明清环境艺术设计与陈设

摘要：文章重点针对明清环境艺术设计与陈设思想进行分析，以便从中得到启示。

关键词：明清；环境艺术

中国现代环境艺术设计融合了我国传统设计理念和西方设计理念，风格多种多样，有中式、欧式、简约、田园等，不同的设计风格彰显着别具一格的设计理念。其中，我国的传统设计理念对现代环境艺术设计有着重要的指导意义，也是我国现代环境艺术设计的基础。因此，文章重点对明清环境艺术设计风格进行研究，这对我国现代环境艺术设计有着指导意义。

一、明清环境艺术设计的内涵

明清的环境艺术设计总体思想在于“道”，大到园林别院，小到客厅卧室，“道”之思想始终存在。古人云：“园总之奇在变化万千、独藏与道之衍一，虽穷变亦在气中，顽石水榭楼台阁角，无不与气通。”其中的“气”就是指“道”，这句话的总体意思是说虽然环境艺术千变万化，但是每一种都要与“主人的气”相互沟通，通俗来看这是因人制宜设计理念的表现。明清环境艺术设计的总体理念在于“藏”，既能“藏拙于巧”，又能“藏灵于愚”，具体表现在“不漏”二字上。明清的环境艺术设计没有唐代的夸张、宋代的活用，但是就“不漏”二字而言可谓登峰造极，最著名的莫过于皇家别院与园林的设计。每当我们看到故宫、天坛等设计，总会感慨其气象万千，但如果仔细挖掘，则能够发现其设计材料种类虽少却精、颜色虽少却重，总体设计理念并不张扬，但是在稳重的表象下藏着设计者根据皇家气象别具一格的“不漏”思想，既不让人感觉到夸张，又能衬托出皇家的威严，这是化繁为简、去伪存真的“简”的思想。明清环境艺术设计的总体方针在于因地制宜，即根据不同的地域进行不同的设计。如，北京地区的设计方针在于大气，江南地区的设计方针在于别有洞天，西北地区的设计方针在于方便使用，因地制宜思想成为当时的主要设计理念，任何设计都不可能脱离当地的地域风情、民俗习惯。因此，明清环境艺术设计针对不同的地域风格、人民生活水准、业主，提出不同的设计方案，即追寻上述的“道”“气”“藏”“不漏”等思想理念，根据实际情况进行调整，尤其是在1570至1620年间，由于当时民间思想更为开放，在这一段时间内基本打破了“士农工商”的阶级理念，建筑设计标准也随之被打破，因地制宜、因人制宜、因时制宜的设计思想得到普及。明清的环境艺术设计内涵在于与人结合、与“道”结合、与时结合、与地结合，不拘泥于形式。

二、明清陈设思想的内涵

与整体环境艺术设计相比，明清的陈设思想更为复杂。明代陈设在于“自然”，沈津为《长物志》写序说：“几榻有变，器具有式，位置有定，贵其精而便，简而裁，巧而自然也。”明代的陈设布置根据主人经济状况的不同有一定的区分，但是总体讲究“自然”，陈设摆放的位置、款式、数量都有一定的规格。如，明代的书房陈设标准要有长桌、笔格、笔筒、笔洗、古砚、水注、糊斗、镇纸等，根据文人的地位和经济状况，这些事物都要有不同的款式规格。又如，明代的卧室陈设要有榻床、滚凳、小几、花尊、定瓶、鼎炉等。清代的室内陈设讲究简约，没有固定的要求，在设计理念上，设计者根据自身喜好可以对室内物品进行增减，其总体标准在于简约实用。同时，清代的汉族设计理念与满族设计理念相互杂糅，所以清代的陈设思想也融入了一定的少数民族风情，更贴近自然。明清两代的陈设思想有一定的不同，但总体而言，陈设与主人的地位相适合这一中心思想没有改变，室内的陈设能够从很大程度上反映出主人的地位、品节、风格，如读书人的客厅讲究市声不入耳，俗轨不至门。客至共坐，青山当户，流水在左，辄谈世事，便当以大白浮之。室内外布置为“门内有径，径欲曲；径转有屏，屏欲小；屏进有阶，阶欲平；阶畔有花，花欲鲜；花外有墙，墙欲低；墙内有松，松欲古；松底有石，石欲怪；石后有亭，亭欲朴；亭后有竹，竹欲疏；竹尽有室，室欲幽”，讲究自然、情趣、意境。

三、明清环境艺术设计与陈设思想对现代环境艺术设计的启示

明清两代环境艺术设计理念都以尊崇主人的地位、身份为根本，配合“道”“藏”“自然”等思想在细节上进行一定的变化。这一思想理念对现代环境艺术设计的启示可以总结为三点：第一，设计根本在于衬托业主的气质，配合地域、民俗等客观条件，能够在一定程度上展现出业主的个人品格和思想观念；第二，设计的根本在于结合当下社会风气融入艺术气息，因时制宜地进行设计变通；第三，设计根本在于在繁复中彰显简约、自然，自然含有素朴、本性、本质之意。一些人常常注重繁复的设计风格，却忽略了自然的特性，也忘记了从简单的事物中体验快乐的感觉。因此，要想现代环境艺术设计最大限度地融入自然，则必须回归简单的设计风格。明清环境艺术设计更多地受到了儒家思想的熏陶，将环境与人看作一体是这一时期的主要思想。因此，若想将这种自然的设计理念运用于现代环境艺术设计，则必须基于时代的角度具体问题具体分析。结语明清环境艺术设计与陈设受时代影响较大，并且受文人思想与社会风气的影响较大。现代环境艺术设计应当延续明清环境艺术设计与陈设思想，将其设计理念用在具体的设计中，如此才能传承传统环境艺术设计理念并将其发扬光大。

参考文献：

[1]王思天，郝翰.室内环境艺术设计中的陈设艺术.现代装饰(理论)，2015(1).

[2]肖一倩.艺术设计专业实践教学手段、方法的研究和实践.南京广播电视大学学报，2009(1).

[3]赵杰.关于植物造景的分析.安徽农学通报，2008(16).

[4]王朝晖.园林绿化与生态景观结合的意境美.黑龙江现代建筑，2014(14).

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关键词：3D效果；标志；视觉冲击力

中图分类号：J524 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）30-0191-01

一、3D效果标志的定义、形式及出现原因

（一）3D效果标志的定义

3D效果标志的设计表现，是一种以平面的手法体现空间效果的表现方式，利用不同的表现形式，使图形呈现空间感、体积感，达到一种幻视的效果。三维空间的表现形式具有形状改变、排列、位置的变化、凹凸等效果，可通过色块的分布、形状的压缩变形、近大远小的透视原理以及矛盾空间效果等方式来实现。

（二）3D效果标志的形式

1、透视变化型

标志图形的前后距离关系是立体形产生的主要条件。通过对标志形体元素的大小、长短、重叠、弯曲、疏密等透视变化，使之产生前进或后退的感觉。这种简单的透视方法是创造立体形标志基本的设计方法之一。

2、光影变化型

在视觉上，光线是让物体体现立体感的重要元素。从最初的素描基础课我们就已经了解到，物体轮廓的不同，其受光线照射时所产生的明暗变化则不同。根据这一原理，通过对标志中平面图形的阴影位置进行设计，使标志产生了凹凸的感觉，从而达到一定的3D效果。

3、色彩属性变化型

颜色的明暗关系常常会产生3D的效果。它并不受几何形的限制，在同一水平线上，仅仅依靠色块的区分就可表现出空间感。可见，标志图形中明度高、纯度高，暖色有向前感；明度、纯度低，冷色有后退感。色彩的组合变化可使标志图形达到3D效果。

4、矛盾空间型

在常规的思维模式里，我们对空间的认知是根据一定规律来实现的，而事物的空间效果也有着自己的规律，但是在设计中打破这一陈规旧俗，将某种在现实中不可能实现的形式在平面中表现出来，这种不可实现的空间被称作“矛盾空间”，这种神奇的表现手段，如今在标志设计中较为普遍。矛盾3D效果标志利用非常规的设计手法使受众的视觉游弋于超现实世界之中，其显示出来的自相矛盾、自我冲突的性质，彰显了与众不同的个性，增加了受众对标志图形的想象空间和吸引力，从而加强了对标志感知强度，获得良好的视觉传达效果。

5、绘画形式3D效果标志

国外3D效果标志的应用较大胆，也较广泛，甚至可将立体的具象形，即绘画效果或实物图片直接作为标志图形。可以说，国外立体标志的应用已经到了一个较为成熟时期，立体效果普遍被应用，给人们带入了一个更高层次的新视觉领域。

二、3D效果标志设计的发展趋势

随着人们审美观念的不断改变，简单的平面图形组合已经不能满足人们的审美意识和视觉感受。3D效果标志改写了标志设计僵化的思维定势，三维效果较之二维平面的效果具有更强烈的视觉冲击力和更前卫的视觉感受，表现形式上也更加丰富、真实和形象。所以，3D效果标志的表现形式必将成为标志设计的新方向。同时，由于科学技术的提高，无论前期制作与后期输出，都为3D效果标志设计提供了较大的发挥空间，既拓宽了设计师们的创作思路，又为他们带来了方便。但是，任何一个固定的风格，都不可能在它出现后一直保持在设计领域的顶点。标志设计的发展趋势表明，任何一个新颖的理念的持续时间总是很短的，都势必经历一个“来了，过去”类似于过山车似的情景。也就是说3D效果标志设计将伴随着其他新兴的设计风格一同发展，3D效果设计不是以单独的个体存在，而是为更多的新兴形式的标志设计来服务的。也就是说必将有更多、更富有现代感的设计形式出现并引领着标志设计的浪潮。

随着平面设计的发展，标志的设计思维也经历了多次的演变，3D效果标志设计的表现形式是当今所流行的标志设计趋势之一。3D效果标志的出现，冲破了某些简单几何化风格的标志的束缚，更大胆、更前卫、更能掠夺我们的视线，同时也强化了标志独特的属性和易识别、易记忆性，满足人们视觉上的延伸感。标志设计的表现形式将发展为更具有装饰性、变化性和人文性。人们越来越苛刻的视觉欣赏要求，软件越来越强大的功能，加上越来越方便有效的传播媒体，无不推动着这次势不可挡的潮流。但这个潮流发展没有也不可能代替或排挤传统风格，必将有越来越多的设计潮流涌入到设计的大环境中来，共同推动着设计的发展。

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美国嬉皮士海报广泛继承了许多优秀的设计风格，其中借鉴最完整、特点最突出的要数法国新艺术运动中诞生的新艺术风格。许多嬉皮士海报大师，如奥尔顿•凯利、维斯•威尔逊、大卫•博德和史丹利•茅斯等都是新艺术风格的忠实崇拜者。他们认为新艺术风格中出现的具有强烈戏剧效果的装饰元素与嬉皮士年代的精神特质非常吻合，这促使了嬉皮士海报装饰情结的形成。下面笔者就以新艺术运动中的主流艺术家风格——穆夏风格与奥布里•比尔兹利风格为论述依据，详细分析嬉皮士海报装饰情结的表现。

1.穆夏风格。穆夏是新艺术运动平面设计领域的代表人物，他的作品充斥着精致、细腻，带有极端唯美效果的蜿蜒曲线、拜占庭的华丽色彩、洛可可与巴洛克的奢华几何装饰，展现出了令人动容的装饰主义情调。穆夏的这种富于戏剧张力与浪漫情怀的装饰风格让嬉皮士设计师们所折服，他们争相效仿，于是就诞生了我们现在看到的装饰趣味浓烈的嬉皮士海报。如奥尔顿•凯利与史丹利•茅斯合作设计的阿瓦隆舞厅海报，两位设计师参考了1898年穆夏为烟草公司设计的招贴，画面中一位身材曲线玲珑、有一头飘逸卷发的曼妙女郎被手中香烟的烟气萦绕——漩祸形状夸张、浓密卷发与四周装饰效果强烈的藤蔓缠绕在一起，视觉效果极富张力，精致而不失大气，再搭配嬉皮士夸张的迷幻色彩展现出了一种与众不同的美感。

2.奥布里•比尔兹利风格。奥布里•比尔兹利是19世纪英国新艺术运动的代表人物，其创作风格深受印象派、古典主义、巴洛克以及日本浮世绘等装饰意味浓厚的艺术流派或艺术形式的影响。他的作品线条流畅、前卫，唯美中又带有一点颓废、怪诞的气氛，这种感觉正是嬉皮士设计师所寻求的。60年代，许多设计师将比尔兹利的颓靡装饰风格作为典范，以大卫•辛格创作的西菲尔莫尔会堂海报为例，设计师将孔雀和老鹰的下半身线条抽象为一个诡怪的人物侧脸——黑白交错的曲线搭配版画般的色彩平涂处理，不仅使作品张力十足，更传达出了嬉皮士文化的魔幻气质。

二、光效应艺术影响下的视错倾向

起源于德国包豪斯学院的光效应艺术又被称为“光学艺术”或“视觉艺术”，其主张利用光学原理绘制几何图形，制造令人眩晕的视觉幻象。嬉皮士们被这种能够创造出主观色彩的视觉艺术所吸引，创作出了大量带有光效应艺术风格的海报作品。这些作品绚丽多彩，充斥着诡异、瑰丽的虚拟光感，如同舞会上的灯光秀一般令人着迷。下面笔者就分别从几何式视错觉风格和色彩视错觉风格两方面详细分析美国嬉皮士海报在光效应影响下表现出的视错特征。

1.几何式视错觉风格。光效应艺术通常会将正方形、圆形、矩形等常见的几何图案进行切分拆解，而后以大小不一的、重复的方式重新组合，使重组图案在人的眼睛快速移动过程中产生一种线条游动、色块抖动的视觉怪相。如迷幻大师维克多•莫斯科苏为阿瓦隆舞厅设计的人物版海报作品，画面中头戴礼帽、嘴叼雪茄的嬉皮士由黑白两色构成，设计师在人物背景和人物身体白色平涂部分加入了六瓣风车状的圆形图像，当人们的目光游走于海报人物主体与背景之间时，风车状图片便会产生顺时针转动的视错效果，令人感觉十分新奇、有趣。

2.色彩视错觉风格。早期的光效应艺术主要通过黑白两种对比效果强烈的色彩制造视错效果，到了20世纪50年代后，越来越多的设计师开始尝试用色彩之间的冷暖关系差异制造平面作品的纵深感、光感和空间感。这大大拓宽了色彩的选择范围，得到了嬉皮士们的广泛欢迎。如创作于1968年的Y-Knot舞厅海报，画面中央是两朵盛开的花朵，背景为放射状的线条，设计师通过红色、橘色、蓝色的暖色到冷色的过渡，使画面产生了有深度的立体幻象，大大提升了画面的视觉冲击力。

三、迷幻、迷离的感觉传达

迷幻是嬉皮士海报最基本的视觉特征，设计师需要通过精心计算和处理才能将主体意识强烈的嬉皮士迷幻精神传达出来。具体来讲，嬉皮士海报迷幻、迷离的感觉传达主要体现在迷幻图形与迷幻影像两方面。

1.迷幻图形。在最初，海报设计师们大多通过类似于新艺术运动交错重叠的曲线形象或文字来塑造繁复而带有迷幻气质的视觉图形，在光效应引入后，他们开始寻求使整个画面流动、转移、收缩、扩张的图形表现手法。这为嬉皮士海报图形的迷幻感传达提供了更多可能。以迷幻图形创作先驱维斯•威尔逊为菲尔莫尔会堂设计的火焰海报为例，画面中的“火焰”线条妖娆、细腻，层层“火光”中隐约透出一张“人脸”，再搭配红、黑的配色，便使海报产生了一种诡异、神秘、似有还无的迷离感。又如，李•康克林为纽约音乐会创作的海报，画面中的图形和文字以毫无规律的方式扭动、摇摆，产生了一种犹如油滴入水中的魔幻意境，令观者沉迷于其中。

2.迷幻影像。迷幻影像是当时流行的一种照片处理手法，其能将客观影像处理成光怪陆离的迷幻影像，给人一种迷离、颓废的视觉感受。如维克多•莫斯科苏用迷幻影像处理手法创作的Matrix舞厅海报，设计师将原本的人物照片处理成了相片底板效果的影像——原素材中的深色部分变为了影像的浅色部分，原素材的浅色部分则变成了影像的深色部分。这种颠覆常理、色差强烈的视觉效果恰好同嬉皮士们所迷恋的“脑中幻境”相吻合，受到了当时青年群体的广泛欢迎。

四、自由、随意、对抗的视觉诉求

与当时以机械性的文字样式、图形、摄影为主要表达手段的严谨的主流设计风格不同，嬉皮士海报带有一种自由、随意，同理性的现代主义思潮相对抗的精神。很多嬉皮士设计师并不太关注海报作品对信息的传递功能，而是把目光更多地集中于设计个性以及审美价值的表现，甚至将海报看作是一种纯粹的视觉艺术形式。下面笔者就分别从对文字的否定和对图片的否定两方面对嬉皮士海报的这一风格特点进行详细分析。

1.否定文字信息的功能性。嬉皮士海报设计师们往往只注重字体的艺术性，而忽略了其信息载体的功能，这使得嬉皮士海报中的文字阅读性不强，甚至根本不能正常阅读。如维克多•莫斯科苏创作的海报《God’seye》，画面中的主体文字化身为了图形元素，并组成了若干个大小不一、层层套嵌的正方形，乍看之，受众能够体会到海报造型的精妙，却察觉不到其中隐藏的字体，更很难读出其所传达的信息。

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【关键词】Photoshop课程 教学效果 方法

Photoshop这门软件的专长在于图形、图像处理。它被广泛运用于手绘、平面广告、网页设计、照片处理等方面。

中职学校平面设计专业的学生，毕业后走进传媒公司、广告公司、展览公司等工作，工作性质对学生的专业能力有较高的要求，教师在教学过程中，需要根据学生情况、教材情况、市场需求等开展教学，力争达到良好的教学效果。

下面是我在教学实践中总结的一些提高Photoshop教学效果的方法。

一、兴趣是学习Photoshop的前提

兴趣是探索的源泉，如果学生对这门课不感兴趣，教师剃头挑子一头热是难以取得良好教学效果的，并且灌输式、被动式的教学方式并不被我们所提倡，相反，如果学生对Photoshop感兴趣，就会主动地、持续地、认真地去学习、去掌握这门知识，从而逐步将其变为己有并进行运用。

在Photoshop的教学初期，教师可根据学生的年龄、爱好合理设计教学内容，激发学生的学习兴趣，促使学生主动学习。

（一）明星海报设计

中职学校的学生通常对偶像剧明星、音乐歌手、球类明星等十分崇拜。在教学中，教师介绍这些明星的海报，首先可以拉近与学生的心理距离，便于与学生交流、沟通。其次，教师将教学内容设计在学生感兴趣的人物身上，可以让学生在愉快的氛围中掌握教学内容。比如：使用文字工具在明星的照片上添加文字内容；运用裁剪工具裁剪明星照片；运用蒙版制作与明星的合影等。

（二）插画欣赏

随着互联网的发展，插画不再仅限于纸媒的传播，也不再单纯依靠实物的纸张和画笔进行创作。在浏览网页或阅读杂志时，图文并茂的页面通常比全篇文字更具有吸引力。Photoshop的绘画功能为手绘爱好者带来了丰富多彩的设计空间，加快了插画的流通和传播。在给学生讲授Photoshop中的色彩运用、图片格式、画笔工具、钢笔工具、画布设置时，以流行的插画为例，让学生进行临摹或自行创作，提升学生的美术基础，加深对Photoshop教学内容的理解和掌握。

（三）照片修饰

数码相机、智能手机的普及，让每个人都成了生活的拍客，也让Photoshop强大的图像处理功能体现得淋漓尽致。肖像去痘去疤、去除红眼、皮肤美白、添加艺术相框、大头贴制作、处理曝光不足照片等，都与Photoshop的运用息息相关，通过Photoshop的处理，弥补了原始照片的缺陷和不足。在课堂上，教师在讲解实例之后，再让学生运用相应工具处理自己的照片，调动学生的兴趣和积极性，让学生在轻松愉快的氛围中掌握教学内容。

Photoshop是一门操作性、实用性很强的图形、图像处理软件，在教学过程中，教师将教学内容设计到学生感兴趣的事物中，让学生带着兴趣带着爱好去学、去尝试、去创作，以达到让学生接受知识、掌握知识、运用知识的目的。

二、成就感是学习Photoshop源源不断的动力

在开展一段时间的教学以后，学生的学习效果会因个体差异而呈现梯度变化，有的学生掌握软件知识较快，设计思维也比较灵活，但有的学生思维的跳跃性没有那么强烈，对软件的运用也没有那么熟练，学习的效果相对较弱，但不管是哪个层次的学生，都需要周围人认可自己的进步和成绩，以得到自我内心的满足，自信心和成就感是继续学习的动力。

（一）进行课堂作业点评

在学生学习Photoshop的中期，教师可运用任务驱动法，指定一个主题或内容，比如：以保护环境为主题，让学生设计公益宣传海报，而后让学生讲述自己作品的设计想法、传达内容和设计步骤，教师和其他学生参与点评，找出每一份作品的成功之处和改进之处，对每一位学生的作品亮点进行赞赏和肯定。

以这样的方式开展教学，可以调动学生的发散思维，促使学生动手、动脑。同时，设计理念得到共享，学生相互学习，扩宽了个人的设计思路。在点评过程中，学生的作品得到肯定，学生心理上获得一定的成就感，学习积极性、学习兴趣、学习信心都会得到一定的增强。

（二）借助活动，开展主题比赛

借助学校活动开展设计比赛。比如：开展篮球比赛，可让学生设计活动海报，将篮球比赛的活动进行宣传；元旦文艺表演，让学生设计征集节目的通知。开展这些设计比赛，最终对设计作品进行评选，优秀作品进行张贴展示。这个教学活动的结果由于关注者更多，学生设计的作品能够得到更多人的认可，获得的成就感更为强烈。

（三）广告公司实例模仿

收集当地广告公司的一些作品，作为实例设计在教学内容中，按步骤进行详细的讲解，而后发放素材，让学生对讲解的作品进行模仿。模仿身边的作品，一是学生对作品比较熟悉，易于掌握设计想法、表达形式、整体思路；二是通过模仿，增强学生对Photoshop的综合运用能力。三是在这个过程中，尽管是模仿，但学生从中能够获得较强的自我肯定。

成就感是学生学习Photoshop源源不断的动力，学生的作品得到周围人的肯定，从而在心理上获得一定的荣誉感、满足感后，产生更强的学习兴趣、学习信心和学习动力，继而能够不断地提升自己的知识层次、强化自己的技能。

三、校外体验是学习Photoshop的重要强化

对于Photoshop这门课程的教学来说，如果只将视野局限于课堂，那么最终的教学效果难以与社会需求接轨，Photoshop本身又是操作性和实用性强的软件，在学习过程中，若得不到真实的社会体验，学生的技能往往得不到巩固和提升。为了强化Photoshop的学习效果，在教学后期，鼓励学生进行短期的校外体验。

（一）让学生观摩大街上的宣传广告、海报、招贴画。

日常生活中，售房宣传单、电影海报、招聘广告等随处可见，学生平时关注这些平面设计作品，可以扩宽自己的设计思路，接触不同的设计风格，对学生的设计技能、艺术修养都有一定的提升。

（二）带领学生到数码冲印店、影楼等参观、学习。

在影楼、照相馆，设计师运用Photoshop 对拍摄的照片进行美化处理。学生在假期，可以到这些地方进行短期学习，配合设计师进行基础的修图工作，增强对Photoshop的运用技能，提升自己的工作业务能力。

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【关键词】吉祥文化 吉祥图案 平面设计 表现

绪论

在中国民间，流传着许多含有吉祥意义的图案。每到年节或喜庆的日子，人们都喜欢用这些吉祥图案装饰自己的房间和物品，以表示对幸福生活的向往，对良辰佳节的庆贺。吉祥文化是中国传统文化长河中一条十分重要的支流。凡是人们认为好的东西都会将其表现在吉祥文化中，或以吉祥图案的形式来表现。

吉祥一词早在两千多年前已有——《庄子》：“虚室是生日，吉祥止止。”唐代成玄英《疏》：“吉者，福善之事；祥者，嘉庆之征”。喜庆吉祥，福寿平安是人们的美好向往，是对中华民族千古永恒的希望和追求，是人生命的孕育和延续的永不凋谢的主题。

吉祥文化，可以说是中国人民智慧的结晶。人们不仅创造了数不胜数的吉祥字，吉祥辞，吉祥语和吉祥联，而且还创造了许多寄意托情的吉祥神、吉祥物、吉祥俗和吉祥图。吉祥图是一种吉祥符号，在中国传统的风俗理念中有驱恶避邪的作用，能使国泰民安，如：盘长图、古钱图、方胜图等。吉祥俗是由于吉样活动，吉祥心理需求而形成的约定俗成的吉祥风俗，每一种吉祥俗都有它的特点，习惯。吉祥物分动物、植物、器物三大类，都代表着不同的吉祥喻意，比如：龟、鹤喻意长寿；百合、蜜桃喻意百年和合；戟，瓶喻意吉庆平安等。吉祥神包括福、禄、寿三星。有财神、喜神、灶王、月下老人等，是传统观念中的幸福使者。吉祥字、词语、联包含喜庆、祥和的喻意，常被用来增加喜气、驱恶避邪。 中国吉祥文化有着鲜明强烈的民族特征，它是中国现代平面设计所要继承运用、开拓创造的坚实基础和独特法宝。吉样图案是古人在理想主义的思想指导下,通过借喻、比拟、双关、谐音、象征等手法来表现向往追求美好生活表达趋吉避凶的内涵的一套完整的艺术形式。以含蓄、谐音等曲折的手法，组成具有一定吉祥寓意的装饰纹样。它的起始可上溯到商周，起始于商周，发展于唐宋，鼎盛于明清。明清时，几乎到了图必有意，意必吉祥的地步。它以特有的艺术风格和民族语言,传递着人们美好的良愿。研究吉祥图案的文化内涵与表现特征,目的就是研究其“意”与“形”。研究一种在变化发展中符合中国与世界审美需求的意和形的组成形式。

一、吉祥图案的文化意蕴及内涵

我国的吉祥图案有着独特的艺术特征和审美特征。“图必有意,意必吉祥”,这是对吉祥图案特征的高度概括，她是具有东方神韵的真正象征性艺术。吉样图案中形式美与深层意念相结合的表现方式为设计师提供了设计灵感，在图案的吉祥主题中，包含着传统文化的众多内容和人文精神，包含着人生的各种需要和方方面面。它于表层意义之外,还在深层隐含着另一些寓意,恰当灵活运用设计是一种整体化、系统化的创作行为,是有目的、有计划的设计思想与美的设计形式相结合的实现过程,而民间吉祥文化的特殊图案形式可以说造就了中国古代的实用设计体系,是经过提炼的,大众普遍接受的,承载着一定情感内容的图形符号。吉祥图案所传达的内容和构成这些内容的意象无一不来自大众的生活,它的存在与社会普遍流行的风俗和信仰有关,它来源于大众,是集体智慧的结晶,有着相当稳定的受众性,其设计图案的象征性为公众所周知.由于具有广泛的群众基础和社会普遍性,把它合理的运用于设计中,无疑会增强说服力和表现力。

二、吉祥图案的表现手法

中国传统艺术不重写实，重传神。中国传统美学强调主客体的统一整体意识和求全美满的美学观念。吉祥图案是运用人物、走兽、花鸟、器物等形象和一些吉祥文字、图符等进行设计造型而形成的。除了给人视觉以美的享受外，还涉及到了精神的营养。它以民间传说及神话故事为背景,通过借喻、比拟、双关、象征、谐音等手法.构成了“一句吉语一图案”的表达形式,赋予其求吉呈祥、消灾免难之意，寄托着人们企盼幸福、长寿、喜庆等美好愿望。因此它的文化内涵非常丰富,表现手法很多：如“鱼”象征富裕吉祥，“牡丹”象征富贵, 仙鹤、松树、灵芝喻意长寿,龙凤、麒麟代表祥瑞, 如意代表可如人意。最具代表性的龙凤形象作为中华民族的象征物在不同朝代都有不同形态。谐音是以相近或相同的读音代表某些吉利祥瑞的含义,如以“蝙蝠”中的“蝠”谐音“福”,由蝙蝠和寿字组成的图案，表示幸福长久;以“莲”谐音“连”,以“鱼”谐音“余”,画莲花、鲤鱼,寓意“连年有余”。“喜鹊”谐音“喜”，“桂花”，“桂圆”谐“贵”， “吉(戟)庆(馨)有余”,等均是谐音寓意手法来表现。

三、吉祥图案在设计中的应用

为了适应多样化，个性化的发展，人们对设计的深层次内涵有了更高的要求。我们要把具有传统特色的审美追求同现代设计结合起来，形成具有民族个性的设计风格。

如圆中有方的古代铜钱包含了丰富的设计理念和文化精神,蕴含着天圆地方、包罗万象、矛盾统一的中国哲学思想,设计师靳埭强对中国的文化传统有深刻的理解,选用天圆地方的中国铜钱的图形作为中国银行标志的造型,既符合了银行的商业属性,又从中蕴含的哲学思想引申出中国银行是面向全球的国际性大银行。中国联通的标志就是采用了源于佛教的“八吉祥”之一的“盘长”造型,取其“源远流长、生生不息、相辅相成”的本意来体现联通公司的通信事业无以穷尽、日久天长的寓意 ， 整个造型都洋溢着古老东方的吉祥意味，充分表明了中国银行面向全球的国际性特点。

凤凰卫视中文台的台标“双凤”造型，借用原始社会彩陶上的风鸟图形，运用了中国图案特有的“喜相逢”结构形式，反映出一种厚实的文化底蕴。

吉祥图案浓缩了中国传统文化的众多内容和人文主义精神，作为平面设计的形式本身,图形化倾向一般比较明显,民间图案的应用,可在它们之间建立一种内在的联系,观者可以从中领悟作品深层的民俗精神和民族特点。因此,在设计时,离不开对周围民俗精神的考查和认识。在现代平面设计中体现民俗观念是一种良好的创意设计方法,因为民俗观念本身与广大受众的交融性,将有助于设计为众多人所理解和接受。有利于弘扬民族传统，发展我国经济建设。同时,设计中的民俗特征不应单单从造型的角度来理解,也应对其深层的民俗基因进行把握,这样设计出的作品才更具有时代特色和民族风格，也更具说服力。

四、结语

中国吉祥艺术构成了民族文化特色的生活观，展现了中国人民独特的生活观念，生活智慧。艺术本身是一个开放的体系,不断受到新科技与新观念的冲击而更新发展,它的内涵与精神是民族长期积淀的结果,是中华民族所特有的。中国传统吉祥图案有着辉煌的历史,具有很高的观赏性、装饰性,因造型简约、对比强烈、形状优美等特点而受到广泛应用。因此,它能够被开发成为中国平面设计可借鉴的资源宝库。优秀的设计不仅透过形式来表现意义，在理解透、把握准基础上,通过对传统吉祥图案进行取“形”延“意”的再创造再设计,去探寻和挖掘蕴涵在它们背后的“意”，一方面更好的继承和弘扬传统文化,另一方面,通过对西方现代设计的兼容并蓄的学习和模仿,相互借鉴，积极创造，逐渐形成具有自主特色的设计发展之路, 从而适应多样化，个性化的社会发展。

参考文献：

[1]杨小燕,冶建明.浅论中国传统图形艺术元素在现代标志设计中的应用.

[2]寻胜兰,浅论中国象征符号与传统造型 装饰 北京2000年.

[3]雷圭元《中国图案做法初探》上海人民美术出版社 1979年版.

[4]赵屹，莫秀秀《吉祥图案》 中国社会出版社 2008年3月.