油画的艺术特征范文

导语：如何才能写好一篇油画的艺术特征，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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关键词：中国当代；油画艺术；卡通化风格

一、中国油画艺术卡通化的形成发展

首先对于油画这一画种的前身可追溯到十五世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经过“画家之父”的改良而诞生。从十八世纪开始，油画艺术在社会文化多方面因素的冲击下发生了翻天覆地的变化，发展为多种绘画流派。不同时期的油画受不同时代艺术思想的制约，呈现出不同的面貌特征。直至今日，油画的发展已经过古典、近代、现代几个阶段，中国油画在此经历了历史性的考验，艺术新潮诞生在文化革命带来的深层危机感中的“85思潮”，青年画家大胆的从西方现代艺术中寻求新的血液，将接收到的新观念融入到本土语言，从而为中国美术界的发展带来新的生机。由于“卡通”自身具有一目了然、简单易于理解的优势特性，因而新世纪迅速风行于人群之中。从“卡通一代”到“新卡通一代”的发展，卡通动漫的独特造型个性影响着当下年轻人的思维方式及审美，卡通元素被一些青年艺术家乐于应用到油画创作中去，通过油画的形式主观表现自己的精神情感世界，创作表现手法打破了传统的绘画形式，形成油画的新面貌，这也是时展所需要的。当前类卡通油画艺术家作品加入很多有趣的元素，时常加入超现实主义情节。随着时展作品内涵不同于以往大部分仅仅停留在图像绘画表层的“卡通式”绘画，或者是单纯追求画面风格表现的个性夸张，具有一定的深度。作品内涵丰富，能够反映当代社会存在的一些价值观。

二、中国油画卡通化风格的主要表现特征

卡通油画运用多种艺术表现形式创造出一批优秀新颖的艺术作品，画面内容具有夸张、奇幻、荒诞等视觉冲击力，独特的画面风格引领时尚，深受当下年轻人的喜爱。艺术家通过对卡通油画内容进行高度概括，减少表现对象的一些辅助细节以强化突出重点主体部分，并且所绘对象的造型上也不拘于严谨的比例关系，如人物的绘制会采用夸张和变形，画面不会面面俱到但看起来更加随性，不同以往的表达方式也随即吸引和扩大了欣赏群体们的审美视野。针对画面的色彩运用也做了进一步的提炼，多数卡通油画创作会采用大面积色块，甚至是纯色，色彩不会一成不变的按照写生的色彩明暗冷暖关系进行创作，用色大胆却又不失和谐，再结合平涂的绘画表现技法，使画面整体看起来更加简洁与平面化，增强画面的张力。色彩的饱和对比以及平涂的绘画手法形成了卡通油画中的显著特征。卡通油画与流行艺术是关系是密不可分的，流行艺术即波普艺术，它萌发于英国，五十年代在美国达到鼎盛，它的出现拉近了艺术与大众的距离。美国波普艺术核心人物之一的罗伊利希藤斯坦成功地将带有卡通漫画元素的绘画作品展示在美术馆中，在推广美国艺术运动中起到了领导作用，这也使卡通油画表现具有波普性的表现特征。卡通风格油画的色彩大多鲜艳明快，画面作品表达具有超现实主义色彩，大面积使用对比色也同样属于波普艺术的标志性色彩应用特征。作品不拘束于具体的形式，画面大胆且富于想象，因其夺人眼球的独特性给观众带来了不同以往的视觉体验。艺术家们通过“挪用策略”，即绘画中的挪用手段来进行艺术创作，使其作品独具个性，这也是后现代时期诞生的波普艺术里最常用的表现手法。卡通油画所表达的主题多数与艺术家自身的情感世界相关，经历过“卡通一代”到“新卡通一代”的艺术家们属于生活在卡通文化下的新一代人们，动漫影视、漫画书籍等一系列偏向娱乐方式吸引了他们浓厚的兴趣，虽然不同年龄段喜爱的卡通时代角色等有所区别。作为九零后的我来说同样是在这一时代下成长起来，能够深刻感受到卡通给予自己带来的积极影响举足轻重，开拓了自身的创意思维，同样年轻艺术家们也将油画注意力从最初所关注的政治题材进而转移到当下现实生活和自身的精神感受，在卡通文化新颖活泼的环境感染下，进行卡通油画的绘画创作，以此来表达自己对生活的独到感受，亦是一种现实的娱乐或是非现实空间的幻想。

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[关键词]梵高 向日葵 美学特征 后印象主义

[中图分类号]J205 [文献标识码]A [文章编号]1009-5349（2012）09-0094-01

后印象主义大师梵高生于荷兰南部，作为一个牧师的孩子，他生来就与众不同，少年时对艺术痴迷的追求与狂热的爱恋，直接影响了他短暂却又灿烂的一生。作为现代主义的先锋派大师，梵高浑身散发着炙热的光辉，他独特而热烈的艺术风格与他戏剧般的生活形成强烈的反差，给我们留下了无数的悬念，也为西方现代艺术打下了叛逆、革新的烙印，最终像同时代的其他巨匠一样，梵高矗立起西方现代绘画不可逾越的高峰。

一、生平回顾

梵高，出生于荷兰的布拉班特省。年轻的梵高曾经在画店里当过小店员，出于对绘画的狂热与追求，不久他便来到欧洲艺术之都——巴黎。在那里，梵高结识了当时已经出名的贝尔纳、西涅克和高更等人，接触到了印象派绘画。由于梵高勤奋好学，很快就在色彩上找到了感觉。后来人们也因为他与印象派的联系而习惯地称呼他为“后印象派”。

在绘画语言上，早期的梵高受到印象派影响，画面低沉、阴郁，但是他讨厌巴黎当时污浊的生活，想快速逃离，于是选择了法国南部的小城阿尔作为最后的精神家园。在那里他进入了全新的创作状态，开始追求更富有表现力的技巧。同时，梵高快速地吸收了革新思想和日本“浮世绘”画风的造型语言，风格为之大变，内心的压抑和热烈的情感得以宣泄。但一战之前的冷酷社会现实让梵高不得不面对种种社会生活压力，在数封致高更和弟弟鲁奥的信中，他诉说着自己的苦闷。天嫉英才，37岁的梵高终究无法逾越生活和理想的障碍，以枪明志，悲壮地离开了纷扰的欧洲。

二、艺术风格成熟期

梵高是一个自学成才的画家，他的绘画风格经历了数个时期，早期在纽南、安特卫普、巴黎画风神秘阴郁，到后来圣雷米和奥维尔风格明亮绚丽。但那时梵高还没有找到他真正的表现语言，直到在法国南部的小城阿尔，才迎来了他最辉煌的创作时期。阿尔金灿灿的满地麦田和耀眼的阳光让梵高一下子找到了灵感的炼金石，在那里他创作了一系列的作品，最有名当属《向日葵》系列。

作为天才，梵高能展现许多画家一生所不能企及的才华，但是身为精神病患者他又是极度可悲和躁动的。在阿尔的创作高峰期，梵高画了11幅《向日葵》，其中最有名的是一张画有15朵的《向日葵》，与其他画家不同的是梵高独爱向日葵那如阳光般灿烂的高贵和炙热炫目的色彩。这15朵向日葵，姿态各异，布于画面，执著而朴实，色彩绚丽且生动。在梵高的笔下，向日葵是太阳的象征，是宗教的符号，崇高光明，炽烈辉煌，是生命的延续。随着这一组画的完成，梵高的艺术风格日趋成熟，并最终找到了自己独特的艺术语言——“用个性和独特的风格，表达艺术家的主观见解和情感”。

三、梵高绘画的美学意义

谈到梵高绘画的美学意义，不能不说作为一名独特的艺术家，梵高建立了一种新的视觉体系。他用油彩以绚丽奔放的笔触，使得画面形成了如交响乐一般的磅礴气势，而他那农民体的装饰手法又像是一首亲切的乡村小诗，其美学意义让我们耳目一新。他把平常的自然景色和农民生活直白地呈现在你面前，不由得让你大呼过瘾。而画面上躁动的气氛又调动了你的一切知觉，随着梵高自己的节奏不断升华，变得明亮和绚烂起来。他的这一绘画表现手法，不但质朴，又显得高贵难得，亲切真实，影响了法国野兽主义、德国表现派和抒情肖像画等其他现代派的产生。

另一方面，梵高也是一位具有使命感的画家，他多次谈到，艺术应该关心现实问题，唤醒良知，改造世界。在艺术主张上他漠视学院教条的陈规，甚至主张艺术应该忘记理性。在他的眼中，关注自然，关注生活并以此陶醉，这才是真正的绘画。

在阿尔阳光灿烂的乡间小路上你常常会见到梵高先生，戴着那顶破旧的大边遮阳帽，背着画箱，步履匆匆，却双眼有神。他也常会突然停下来告诉你，我没有时间了，我还要到下一个地方去写生。就是这样一个人，一个热爱生活的人，他把生命祭奠给绘画，他没有选择，他真挚而可爱。

【参考文献】

[1]林和生著.梵高·麦田里的人[M].成都：四川人民出版社，1998.

[2]西洋美术家画廊——梵高[M].长春：吉林美术出版社，2001.3.

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【关键词】中国油画；本土化；意象油画

中图分类号：J223 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）02-0173-02

油画从西方传入我国开始，由于受到中国传统绘画美学的滋养和影响，在长期的探索和实践当中形成了具有本土化特色的中国油画，有效结合了西方传统绘画以及中国传统文化，也使得中国油画的本土化特征更加明显，推动着中国油画的本土化进程。意象油画是中国油画本土化进程当中具有代表性的油画风格，有效彰显了中国传统文化精神和民族审美，并且逐步形成了意象油画语言体系，使得我国的油画艺术得到了进一步的发展。

一、中国油画的本土化分析

（一）中国油画本土化的概念。中国油画本土化是在本土环境下有效吸收和接纳西方油画艺术，从本土化需求出发，在体现文化包容性和多样性的基础上，展开本土化的油画创作，有效满足本土化需求，真正实现文化和艺术的自我认同。本土化与民族化的概念是不同的，本土化是对文化艺术进行有效借鉴，并且在其中增加自己的文化和理念。油画艺术从西方传入我国之后，逐步开始了本土化的进程，中国油画的发展经过了很长一段时间，是在不断的磨合以及探索实践当中走出了一条本土化道路。中国油画的创作必须要注重彰显本土文化，使得中国的油画作品具有丰富的中国文化和中华精神内涵，这也是中国油画本土化的发展目标。

（二）中国油画本土化创作分析。油画在传入中国以后，油画艺术在我国传统文化的熏染下仍然走出了一条本土化的道路，而且中国油画的本土化创作已经成为油画艺术发展的趋势，并且逐步被人们接受和熟知。本文将从以下三个方面着手来对中国油画的本土化创作进行探讨：

第一，本土化与现代化关系的认知。随着经济全球化的推进，不同国家在文化交流方面也得越来越频繁，但是国际间的文化交流会对本土文化产生一定的冲击，本土理念也会相应受到外来观念的影响。就目前的油画艺术领域而言，油画的多元化和差异化的趋势逐步凸显，这也让我国的优化发展面临巨大的挑战。我国现代化的进程之路非常曲折，那么中国油画的发展速度也逐步减慢，这使得我国的油画艺术与世界之间的差距逐步增大。在中国油画本土化的创作当中，西方的审美理念和模式仍然严重影响中国油画创作，虽然不能否认西方油画艺术对于中国油画艺术发展的推动作用，但是西方的审美模式和观念会影响到中国油画本土化的进程。在这样的环境下，重视和加强中国油画的本土化创作迫在眉睫，这也是逐步缩小中国油画艺术与世界油画艺术之间差距的重要契机，必须要正确认知本土化和现代化之间的关系，明确中国油画的发展方向，推动中国油画的本土化进程。

第二，本土化与乡土化关系的认知。国际学术交流正在逐步增强，中国油画的本土化进程逐步加快，并且受到了中国油画艺术领域的重视。中国油画的本土化创作必须要明确本土化与乡土化之间的关系，本土化包含乡土化，但是二者并不相等，对于二者关系的混淆会造成对于油画本土化发展的错误认知。中国油画的本土化创作不单单是表现乡土化，而是逐步构建起一个本土化的油画艺术标准，使得这一标准能够与油画艺术标准相协调，体现出我国传统油画艺术与外来艺术相结合的特点，这样才能够更加鲜明地突出中国油画的本土化特征。

第三，中国油画本土化发展趋势与前景。目前而言，中国油画的本土化在借鉴西方艺术的同时融入进丰富的本土艺术元素。但是，中国油画的本土化还有很长的路要走，还需要在实践中进行不断摸索和探究，在促进自身发展的同时，要注重对外来艺术的融合，努力构建本土化文化。可以说中国油画的本土化发展是不断学习和进步的过程，在这一过程中要善于运用本土文化和技术来形成与中国审美思维理念相符合的文化艺术体系，也要善于将中国油画的本土化和现代化、乡土化紧密融合起来，使得整个文化体系更加的丰富全面。通过推动中国油画的本土发展，能够增强对我国传统艺术和文化价值的认知，还有利于对我国民族文化的弘扬和发展。中国油画的本土化是一种必然发展趋势，而本土化的创作会得到越来越多人的肯定和接受，并且让中国的油画艺术逐步与世界接轨。

（三）中国油画本土化与意象油画的关系。油画在传入我国之后，不断受着中国本土文化的滋养和影响，而且油画家和油画的欣赏者都是中国人，要想推动中国油画的发展就必须将油画与中国特色艺术以及本土的文化理念结合起来，真正体现出我国的民族文化，这样才能够不断拓宽油画的想象力空间，在艺术创作中更加的饱满充实。中国意象油画正是在这样的背景下出现，并且带有浓厚的中国特色，将不同的艺术手法整合起来，使得油画画面的意趣和境界得以提升，这也逐步成为中国油画本土化的一个代表风格。而且意象油画的创作对于油画画家的素质要求极高，要想真正体现出油画的意象境界就必须通过油画画家高超的文化精神把握能力以及对中国油画本土化特色的合理利用。油画虽然是一种外来艺术，但是自从进入我国以来，因为受到中国传统文化思想的滋养而焕发生机，而意象油画更具中国特色和中国油画的代表意义，体现着中国油画本土化的进程，也推动了中国油画艺术的发展。

二、意象油画分析

（一）意象油画概述。意象油画是一种强调用简洁意象代替真实物象的艺术种类，具有极强的表现性，融合了油画画家浓重的个人情怀和情感，而且与我国传统的水墨画以及古典诗歌的精神和审美一脉相通。意象油画与西方坚持以写实为主的油画风格具有极大的差异，而这样的差异也正是体现出对中国传统文化理念的融入。意象油画对于客观对象的写生会更多的偏重于感觉和印象，这与中国文化当中的意趣是紧密相连的，具有深厚的表现主义观念。另外，意象油画在绘画技法上突破了形似和笔到的限制，将我国古典的文艺理论作为创作的重要依据，将其中的意象说体现得淋漓尽致。因此，意象油画成为我国油画本土化的一个代表成果，体现出对中国传统文化和艺术的传承与发扬，也使得中国油画具备了持续发展的动力源泉。

（二）用笔意象性。我的绘画艺术更多的偏重于用笔，并且会尽可能地避免过分修饰，想要通过自然的用笔来描绘出内在精神，同时采用的用笔方法多种多样，并且善于和用墨方法整合起来，最终用丰富的笔墨形态来展现绘画形象，为欣赏者带来心理和视觉上的冲击。除此以外，中国绘画的用笔会有轻重、缓急、顿挫等不同的用笔形式，能够有效提高艺术的感染力和表现力。意象油画在创作中有效融合了我国绘画艺术当中的笔墨精神，在吸收和借鉴的基础上形成了意象性的用笔风格，实现了对中国传统绘画技艺的传承，在意象油画的用笔上非常讲究概括提炼，创作时往往会果断下笔，用能够彰显内在精神的大笔势和写意泼墨的方法，来增加意象油画的独立价值，也成为意象油画的一大创作特征。

（三）造型意象性。就我国绘画造型理念而言，往往会将意象性的造型作为造型创作的理念和方法，在绘画时将主体感受以及事物的象结合起来，并逐步在头脑中形成意象，接下来再进行整体造型的构建。在意象性造型当中，夸张变形以及取舍是其中最为突出的特点，这样的绘画艺术表现手法能够让造型更加自然，并且富有无穷的意趣。我国意象油画的创作将意象性的造型运用得淋漓尽致，并且运用取舍和夸张变形的手法使得造型能够有效彰显出我国的文化精神和艺术内涵。可以说，意象油画的创作已经摆脱了模仿的局限，更加关注在自然基础上进行有效的主观创造，在画面造型当中融入情感和深刻的寓意，有效提升意象油画的创作效果。

（四）色彩意象性。油画是一种侧重于色彩并且在色彩运用上极具张力的艺术门类，换言之，色彩是油画艺术的生命。油画画家能够运用多样化的色彩以及色彩的变化来直接明显地表达自己的情感，而且色彩是油画艺术进入到欣赏者视觉的第一信号，最为直观的为欣赏者传递艺术信息和情感。我国意象油画的色彩运用则有效凸显了意象性的特征，不仅仅运用了西方在油画艺术创作中瑰丽色彩手法，还传承了我国绘画艺术当中侧重用色彩表现音乐之美的理念，使得意象油画的画面色彩具有强烈主观性的同时，又有着色彩的生动性和生命力。在整个意象油画的画面当中，常常运用大面积的平涂或制作底色来展现出意象性油画简单中寻求变化的精神，给人一种整体上色彩对比的艺术观感，也使得意象油画的色彩融合度和对比度大大增强。

（五）气韵意象性。意象油画追求的境界是气韵，那么在意象油画的创作中同样也体现了对意象性气韵的无限追求。在创作意象油画时，中国的油画画家会将自己的情感和灵魂融合到自己想要表现的艺术对象当中，将艺术的创作变成对个人思想和灵魂的表达，也使得整个油画当中充满了深厚情感同时又注重对涌动的气韵进行灵活的把控，这样整个油画作品都会以显示出超然的意境，使得油画艺术得以升华。中国意象油画的创作特别注重对我国传统绘画艺术当中气韵的表现手法和技巧进行吸收和借鉴，那么油画作品会显示出一种超然物外的逸气。当观众在欣赏意象油画时，会被自然地带入到画面当中的情感中，引发欣赏者的情感共鸣，感受意象油画带来的艺术震撼。

三、结语

中国油画的本土化伴随着油画的传入而开始，同时大量的中国油画家都在积极探索推动中国油画本土化的方法，并通过本土化的创作而使得中国油画发展散发勃勃生机。意象油画就是中国油画本土化的代表，将意象和写意作为中国油画本土化的重要切入点，使得当代油画和我国的传统文化融合成了一个整体，在推动意象油画全面发展的同时，也对当代世界绘画艺术的完善和创新起到了促进作用。

参考文献：

[1]王利民.中国意象油画作品中的线语言解读[J].河南大学学报，2015，（8）：69-70.

[2]李志强.论意象油画的诗意魅力南京艺术学院学报，2012，（8）：15.

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关键词：油画平面化；语言创作；表现形式

当代油画，呈现出多元化的创作形式。在这个多元化形态中，越来越多的艺术家在进行油画创作中采取平面化这一表现形式。油画平面化创作已经成为当今油画创作的一大趋势，当然平面化表现出来的画面更具有视觉效果，具有鲜明的时代特征，在当代中国油画艺术现象中不容忽视的，平面化作品更容易反映真实的社会生活。在当代中国油画中，油画平面化特征越来越明朗，许多中国画家也进行了很多大胆的尝试，逐步走出一条中国特色的艺术道路。但是油画平面化语言创作究竟有哪些表现形式呢，本文对此进行研究。

1油画平面化语言的构图形式

创作者的视觉直觉是艺术创作的基础上，就是创作者所具有的敏感性。有了它，艺术家才有自己的创意主题，才能创作出优秀作品。德拉克洛瓦说：“当我评估一个伟大的艺术家，天才的艺术作品，我们只赞赏他独特的观察，组织和自然的再现方式”，平面化的组成要求我们对屏幕因素重新剪裁和安排。在现实中，构图形式，需要的是敏感，而不是传统的事物再现。我们必须将要表达的事物平衡分配在画面上，使构图更加主观和具有表现力，同时重点必须是视觉效果不受影响。更多的考虑的是画面的构图，不再局限于自然的影像瞬间和写实的手法描绘，注意画面的表现力和内涵；注重对称与平衡；统一性和多样性；变化秩序之间的内在关系。如莫迪里阿尼的《尼斯的公证人》这幅画中用色彩组合来代替空间表现上的复杂变化，让人耳目一新，不仅突出了画面的美感，还让人们感觉到画面的温馨。油画平面化语言的构图形式重在表现画面内在特征，即“内在美”，并且不破坏画面原有的“形式美”，主要就是利用线条和色彩的变换来展现画面的平面化特征，其在表现方法和塑造形象上都有极大的灵活性。

2油画平面化语言的形态特征

更改所描绘的对象的颜色和形状，不要违背一种自然现象，但更多的是促进它们达到理想状态。每一个颜色和形状的元素在其中，即平面化纯艺术的斗争将导致一个特定的环境，纯粹是不受干扰的释放它们的价值，收到所有其他元素的支持和帮衬。平面化是利用简化的手法，使任何物理对象变成一种更简化的符号象征，是不是专注于画面本身与客观对象的像与不像，而是更多的关注客观对象的所反映的平面感受。油画平面化语言的形态特征主要表现在夸张与变形和归纳与简化上。

2.1夸张与变形

在油画创作中，需要运用绘画人自己感情，对画面进行夸张或变形，来渲染画面所反映出来的内涵，达到油画创作的目的。夸张与变形是油画平面化语言的形态特征最常用的手法，夸张是对油画艺术的强化。主要是以表达真实事物为主，在其基础上，可以运用所学的知识对画面进行适度的变形，以突出事物最美的部分，保留事物的自然形态特征，删去复杂的部分，让人整体感受美感。

2.2归纳与简化

归纳和简化是油画平面化语言的形态特征的另一种表现形式，自然界的事物是很神奇的，千差万别的，不运用归纳和简化，油画创作无从着手。其实，要想创作一件完美的艺术品，归纳和简化是必不可少的。当然，归纳和简化要有所取舍，油画贵在简约，以最简单的画面表现出最深刻的道理才是油画创作的关键所在，也是油画平面化的一个重要特征。

3油画平面化语言的色彩表现形式

3.1平面化色彩的表现形式

现代主义绘画风格的色彩组合规则有所不同，但只要存在于作品中，色彩的平衡点在创作人的头脑中形成某种特定的心理语义。通常情况下，艺术家就是利用色彩的和谐配置的关系，以创作反映真实情感的作品，以实现颜色符号最大可能的美学价值。在绘画过程中的人的审美追求就要求将理性与感性相结合，强调在感性的基础上，加强对绘画艺术主观的理性意识和主观的表现形式。改变传统绘画自然形态类似的模仿，取而代之的是现代绘画理念。平面化是在自然颜色的基础上，对绘画颜色的收集，存储，分析和处理，这是平面化的色彩与情感的主观反映。这是来自自然和人的意识超越了自然的反应，是纯粹的色彩造型的材料颜色。平面化色彩的表现形式并不完全是为了传递自然色彩，而是为了传达作品的平面化色彩，渲染作品的意识形态。

3.2装饰性色彩的表现形式

装饰性色彩是对画面的美化，是现代绘画的视觉审美形式，是现代绘画中视觉美的主要表现手段。装饰性色彩在现代绘画中是必不可少的，它不仅创造了现代绘画的视觉美的形式，而且还传达了画面本身的情感因素，是画面文化意义和时代精神的再体现。也反映了艺术所包含的艺术形式和文化内涵两种形态。而画面所表现的精神情感则寄予在这两种形态中。如果绘画包含理智和情感两方面，那么装饰色彩就体现了绘画的情感，也就是外在表现。一幅优秀的油画作品是需要理智和情感完美结合的，既要有“外在美”，也要反映画面本身的“内在美”。由此可见，装饰色彩在现代绘画中也很重要，装饰色彩的表现形式就是视觉审美的艺术形式。如何把握绘画的装饰色彩，就需要了解装饰没的造型规律，从装饰语言着手。装饰性色彩的表现，是不同于一般绘画所常用的写实性色彩的表现。

4结语

油画平面化更能突出油画的生命力，在进行油画创作时，要时刻注意油画的平面化特征，用线条和色彩来表现画面的构图形式，用夸张和变形，归纳和简化来体现平面化语言的形态特征，用调和色彩来表现平面化创作的色彩形式。总之，平面化语言在油画的发展中，还有很长的路要走，创作人需要不断完善油画创作过程中的平面化意识，使我国的油画平面化发展更加完美。

参考文献：

［1］　张玉丹.同西方的比较中看中国画的“不似之似”［J］.华商，2008（9）：18-20.

［2］　傅抱石.中国绘画理论［M］.南京：江苏教育出版社，2005.

［3］　蒋述卓.中西艺术真实观之比较［J］.广东社会科学，2009（4）：15-18.

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(一)我国当代表现性人物油画的发展阶段

在经历了长时间的社会动荡、政治运动以及战争苦难的摧残后，20世纪80年代初的中国社会呈现出一片较为安定和谐的景象。随着改革开放的不断深入，我国与西方社会的交流日益增多，西方的艺术形式再一次走入国人的视线当中，因而西方艺术在中国有了生存和发展的空间。在这种前提之下，油画艺术在中国的发展也不可避免地成为中西艺术交流过程中的重要环节，而表现性人物油画作为西方油画艺术中的分支形式也引起了人们的关注。这一时期的两个重要画展将中国表现性人物油画的发展推向了崭新的阶段:首先是1985年举办“前进中的中国青年美展”，自此之后中国的绘画界更加注重艺术理念的进步、艺术创作的自由以及作品形式和感觉的丰富性。其次是1989年举办的“中国现代艺术展”，在这个展览上中国的绘画第一次以“表现性”为主题，确立了表现性油画的发展地位并致力于从这些绘画作品中表现当代绘画艺术的精神实质。这种积极健康的艺术氛围令表现性油画家们逐渐大胆起来，他们开始在作品中表达自己的艺术精神和内心世界，逐渐摆脱了原来单纯性的借鉴和模仿式的学习阶段，积极投身于将西方现代绘画艺术与中国传统艺术形式相结合的探索过程中。以段正渠、罗中立等人为代表的大批表现性油画家创作出的许多优秀的作品，用中国式的油画绘画语言向我们阐释了他们的艺术感受和审美体验。此时的中国表现性油画以全新的绘画表现方式，开启了中国油画发展的新局面。

(二)我国当代表现性人物油画的繁荣阶段

自20世纪90年代末期开始至今，表现性人物油画进入了发展的繁荣阶段。这一时期里，随着中国与西方发达国家在政治、经济、文化等方面的拓展流，再加上社会主义市场经济体制的先进性作用，人们的生活水平得到了逐步提高，思想观念也有了跨越式的进步。生活稳定的同时，人们开始注重精神层次上的追求和享受，这种趋势和个人审美观念的差异为中国的文化艺术带来了前所未有的空前发展。当代的中国画坛受到西方艺术思潮的强烈冲击，人们不再满足于过去的油画绘画语言，转而开始寻求更为新颖的、多元化的表现手法和表现方式，这是促使当代中国表现性油画走向繁荣的潜在原因之一。此时涌现出了大批表现油画家，罗中立、岳敏君、王玉平、赵君超、夏俊娜、段正渠、任小林、曾梵志、申玲等人都以丰富的绘画创作经验为表现油画的探索做出了突出的贡献。这些画家中不乏从事教育行业的高等院校教师，他们的画作中呈现出明显的表现性绘画语言，注重自我精神的表达、自我情绪的宣泄以及自我价值的实现。正式这些艺术家们的不懈努力和执著追求，才使得我国当代的表现性人物油画有了广阔的审美阶层和市场空间。

二、我国当代表现性人物油画的写意性

(一)我国当代表现性人物油画中的写意精神

表现性人物油画与我国传统的国画艺术在绘画方法上有着潜在的联系，其中的“写意性”是具有代表性的特征之一。中国传统写意绘画充分利用水墨所产生的艺术效果，用自然随意的心态和简单概括的造型表现独特的意象。关于意象的记载，最早见于《周易•易传》中的“立象以尽意”一句，它既是中国传统美学的重要命题和价值体现，也是中国文化特征的评断标准之一。相对于西方绘画的“写实性”手法，这种追求意象的写意画注重作品精神的传达，希望通过有限的作品外在形态展示无限的内心精神世界。写意画不求形似但求神似，而这也是画家们艺术追求的最高境界。表现性油画在中国经过长期发展，已经从起初简单模仿西方油画的绘画方式的阶段逐步过渡到自主性的绘画创作阶段。当代中国的表现性油画对绘画语言有着更为丰富、更加新颖的探索和创新，在不断融入中华民族文化特征的同时朝着中国传统写意精神的方向不断发展。表现性人物油画中的“写意性”是在历代表现画家的长期实践中不断总结得来的，也是西方绘画与中国传统绘画思想相结合的产物。当代的表现性人物油画具有着典型的中国传统艺术趣味，代表着中国本土的特殊油画形式。它因为中国传统美学思想、价值标准的融入以及传统文化的滋养而显示出了浓厚的中国气息。西方绘画艺术重“写实”，而中国绘画艺术重“写意”，这两个看似不可被调和的矛盾却被我国的表现性人物油画完美地诠释出来。中国的表现性人物油画注重对刻画对象形体筋骨的表现，强调用洒脱而严谨的写意笔法代替西方油画中的浓墨重彩，从而展现出更深远的价值取向和艺术理想追求。这种写意精神符合中国传统美学悠远深长的已经，以主观的感彩和写意的形象描绘出趣味横生的现代绘画空间。

(二)以罗中立作品为例分析我国当代表现性人物油画中的写意性

罗中立是中国成熟时期表现性人物油画的代表画家之一，其绘画语言相对较为夸张，善于运用写意性的事物传达色彩浓烈的情感特征。在他的表现性油画中，常常用粗壮有力的四肢和宽广厚实的身躯来表现人物的生命力和强大力量;而对于人物眼睛的刻画则成为他油画作品中的点睛之笔，传递出难以用语言形容的思想情感。罗中立绘画的表现性体现在他能以独特的思维洞察一切平常的现象，用窥视者的角度揭开隐藏在深处的秘密，这些全部都通过其油画中的“写意性”传递给欣赏着，通过传统的写意精神诉说着自己的情感。在《撒尿》和《冬水田》中，罗中立用敦实矮胖的人物形象、参差纵横的写意画笔触以及对比强烈且极为通俗化的色彩展示了乡村的地域文化色彩。他将“美”与“丑”的对比发挥到了极致，表现出生命的强大力量以及习惯上的荒唐。写意精神的融入令这两幅画有了更加强大的表现能力以及更为突出的象征性，让我们在欣赏的同时感受到强烈的心灵震撼，这一点事单纯的写实油画所达不到的。

三、结语

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关键词：表现油画；写意油画

西方油画传入中国已有一个世纪的时间，在这期间我们经过了懵懂学习、吸收消化以及探索创新三个阶段，艺术成果可喜可贺。尤其是改革开放之后，通过各种展览、画刊和对外交流的渠道等使我们了解到了西方艺术的精华，艺术家们如饥似渴地研究西方油画艺术，由于受印象派和苏联的影响多些，整体表现风格单一。到了85新潮，中国的油画艺术才算是真正的“百花齐放”，古典艺术、现代艺术、后现代艺术等等才涌入人们的视野，当然用我们曾经引以为豪的一句话就是：我们用了短短几十年的时间走完了西方几百年的艺术历程。那种饥不择食的学习精神确实值得我们这些年轻人的学习，不过在那种“求快、求新”的学习状态下难免会学的广而不精。到了21世纪初大家似乎也意识到了这个问题，所以第十一届全国美展把择选作品的标准定在了“学习深入”的问题上，即，在学习西方传统油画的表现形式、风格技法等上的精益求精。这也算是弥补之前学习皮毛的缺陷，只有真正学精透了西方艺术的精华，我们才能在其基础上更进步。当然一味的深入学习还是不够的，毕竟那是西方的传统艺术，是舶来之物，要想在中国五千年文明的土壤上扎根发芽还需要将其本土化。也就是说我们在学习西方优秀艺术的同时还需要结合我们本土艺术风貌、风俗民情、地域差异等特征不断的开拓创新，创作出即不失西方油画艺术特质又具有中国特色艺术风貌的本土化油画。只有这样才能为西方油画和我们的民族传统艺术注入新鲜的血液，使其迸发出勃勃生机。

经过了几代人的努力，中国的油画艺术日渐呈现出了具有本民族风貌的特征。出现了一种具有东方写意风格的油画，我们暂且称其为“写意油画”由于其风格特征除了具有中国传统写意画的特征之外还具有西方“表现油画”的特点。故在此比较分析，便于我们清晰了解这种艺术形式。

一、关于写意油画

“写意”是中国绘画的一种重要表现形式。中国绘画受中国哲学儒、道、佛禅宗思想的影响，讲究天人合一、物我相生、最终导致写意绘画的出现，所谓写意就是借物抒情、象中有意、意由象生是物我相容，主客观的统一，中国式的写意绘画讲究凸显的是作者的情趣、胸襟、品格、智慧、素养、气质，它是通过简练而且概括的笔致，着重表现和描绘对象的神韵和意态，而非对现实的客观模仿表现，从而表达自己的一种精神品格和审美追求。这个绘画形式强调“写”是从毛笔的书写演变过来的一种绘画语言。在西方油画传入中国的这一个世纪以来，艺术家们一直试图把这种西化体系的艺术形式民族化，从林风眠、潘玉良、赵无极到吴冠中、罗工柳、董希文以及闫萍、王琨等艺术家们的努力探索，西方油画终于在中国的土壤上呈现出了新的艺术面貌，这是中国人骨子里精神的召唤，是艺术家情不自禁的意识表现。写意油画成为了东方最突出的艺术表现，艺术家通过写意手法和油画的写实的结合在一起，突出意境的表达，在“似与不似之间”“笔不到意到”的写意绘画追求之间创造出了不同于西方传统油画特征的独特艺术风貌，为油画民族化做出了显著的贡献。当然从表面看来写意油画和西方的表现油画惊人的相似，在形式上都是作者的主观表现，但由于东西方地域文化背景差异的不同，两种艺术形式大相径庭。

二、关于表现油画

20世纪的西方艺术形式多样、朦胧不断的变化，受当时社会背景的影响，表现主义这一艺术流派在德国产生了，其间经历了“一战”，一直持续到20世纪20年代，艺术家们的创作热情极其高涨，德国的艺术也在这动荡不安、危机四伏的年代里迎来了命运的转折点。主要成员集中在德国1905年雷斯顿的“侨社”和1911年的慕尼黑的“青骑士”这两个社团。主要的代表人物有凯尔希奈、康定斯基、克利、迈德纳儿等人。我们从其作品的表现上来看，那中简洁、扭曲、抽象的线条和形状，以及浓重、明亮、刺激、夸张的色彩表现集中反映了那个时代的美学和社会变革，内容涉及战争、自然、宗教、生活等可以说是那个时代的精神写照。表现主义的团体或个人虽然在表现形式上各有特点但对自我感受的强调、直率、坦诚、追求视觉的表现力成为其表现油画的共同特点。

从广义上说，现在许多艺术流派的作品都属于表现主义的范畴，如法国批评家路易・沃霍尔就曾说野兽派代表人物马蒂斯的作品属于表现主义。从狭义上来讲，表现主义专指20世纪初在德国出现的上述风格流派。野兽派和表现主义是同一个时代并存的两种不同的艺术派别。德国表现派艺术家的作品里体现的是德国人的哲学精神，在当时的社会特殊背景下，丑陋和黑暗面前，艺术家用神经质的敏感去夸张表现人们在敌对的不世道的社会面前所感受到的不安和恐惧，如蒙克的作品《呐喊》用极其夸张的造型和浓郁的色彩表现的一个人极度孤独的痛苦。表现油画一度打破之前艺术的理想美，在手法和形式上更自由、用色更大胆夸张。

三、写意油画与表现油画的关系

首先、写意油画是表现油画在中国特殊历史背景下的概念范畴延伸。

写意油画是表现油画在中国的特殊表现，有人称其为新表现油画。它是西方油画在中国的本土化，是对中国传统绘画形式的借鉴。写意油画除了具备表现油画的绘画语言之外，主要是对中国传统写意绘画的“意境”“情趣”的借鉴吸收。两种绘画风格都是对物象经过提炼、加工后的再现而非直接的客观描绘。写意油画在此基础上更注重“写”，注重画面里线的组织、意境的表达和品位的体现。西方油画厚重的肌理、潇洒的笔触、浓烈的色彩对中国油画产生了影响，而中国写意在传达内心情感和表达意境情趣方面也影响了西方油画。如吴冠中先生曾被誉为“东方的马蒂斯”，他的作品主要以风景和静物为主，艺术风格活泼、秀雅，笔势流畅奔放，线条具有浓郁的抒情意味，故他的作品总能给人以全新的审美享受和视觉冲击。立足东方审美意识，借鉴西方油画语言表现中国人的题材、趣味，可谓把东方神韵发挥到了极致。赵无极，这位长期居住海外的华裔法国人，受毕加索、马蒂斯、林风眠等人的影响而走上了抽象主义之路，但他的抽象画和西方抽象还不太一样，在他的画面里把中国书画的艺术形式、哲学思想和油画材料融为一体，吸收欧美绘画流派的精华，并融汇东方渊源深厚的文化，虚实相生、阴阳一体，表现了中国人虚无缥缈的宇宙观和传统哲学的冥想精神。他的画风多变，与书法相近、线条粗细相间、色彩瑰丽、恣肆、风格独特，备受国际艺坛的青睐。由此可见写意油画不仅是西方表现油画在中国的本土化，还是世界油画艺术中的一支新生力。

其次，表现油画为写意油画的发展提供了广大的艺术形式和思想理念。

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关键词:油画 意象 意象创造 艺术

油画创作中意象创造是作者追求艺术道路上的自我倾诉，达到艺术之最高境界的途径，具有作者独立之人格、思想之灵魂、自由之心灵的表现。意象是一种精神境界，追求的是心由外物，表达的是置身其中、耐人寻味的意境美，其艺术创作能够使人感到一种朦胧深远的空间，呈现出一种极具个性的艺术特色。

一、油画创作中的“意”与“象”

（一）意象创造中的“意”

“意”是作者油画创作中的主观意志，即情思与情意的表达，在绘画中借用“象”来体现，从而达到“意境”。意境就是个人世界观对人生获取的一种感悟，是情感深处的体验和一种寄寓深情的诗画情调。“意”的表达不能拘泥于形式，例如林风眠在油画作品《仕女》中将中国画的笔墨与西方绘画色彩结合起来，创造出了东方意蕴，展现出笔墨韵味，将油画以新的形式和精神开创了彩墨画式的油画意象。

（二）意象创造中的“象”

“象”是作者想象以及作品物象的结合。意象不同于“具象”，却离不开“具象”，意象在于它把对生活表象的描述引申到对生活深层的探求，需要在具象的刻画中强调人的历史内涵和内心的精神。意象也不同于“抽象”，抽象抛弃了自然界的具体形态，意象是以不失常态的夸张变形为特征的，是群众能理解和接受的。意象主张通过“象”来追求主体的精神情趣，在追求中使灵魂得到提升与净化。总之意象既摆脱了具象刻画的束缚，又没有走向抽象，意象创造能使其成为充满感彩和超越客观具体形象的艺术形象。

二、中国油画的意象创造特征

油画创作中对意象的创造是以油画为媒介表达作者内心深处的一种情愫，反映一种写意精神。罗工柳指出：“写意油画是一种创造，一手要深入研究西方近现代油画传统，牢牢把握油画特征；一手要深入研究中国绘画传统，牢牢把握写意精神。”意象创造包括意象和创造两个方面，一是在油画创作的时候要遵循一般油画的创作方法，二是利用创新思想对油画进行意象的创造，即即兴创作。可见，油画创作中对意象的创造表达了作者在油画创作中对追求艺术神殿的美好热情。从意象创造的审美来看，油画创作要追求画面的“意境”。画没有“境”，不能引起人们的想象和联想，意就表达不出来。例如莫奈的《日出印象》描绘了勒阿弗尔港口一个多雾的早晨的景象，光和大气就是主题，没有刻画具体的物象，其表现手法则是写意。

三、油画中意象的创造方法

中国画家卢沉说：“易使人振奋的作品使人动感情，使人陶醉的作品往往使人纯粹欣赏美。”意象创造的作品能够使读者看到夸张的物象与深邃的情感，在油画创作的实践中，首先，艺术家要感受生活，在生活中寻找艺术灵感，追寻意象的来源，在油画中表达现实生活，使作品感人至深，引发共鸣。其次，要选择一种表现的工具与材料，用情感的思想在脑中深化拓展，进行主题构思，然后能够通过技术的运用来表达作者内心深处的感受。

四、中国油画的意象创造形式

（一）造型的意象创造

绘画是一门造型艺术，中国画造型的最高境界是“形在似与不似之间”。形似与神似是艺术学的创造，是作者对物象观察感受再创造与提炼的结果。意象造型要尊重对象的客观特征，同时加入自己的主观感受，打破客观物象的局限，打破“随类赋彩，传移模写”的造型方法，能动地把客观物象进行变化，追求透过事物表象，对客观对象做相应的处理，做到“似与不似之间”。油画创作中的意象创造是造型与写意的完美结合，艺术的使命不是复制自然对象，而是表现内心对客观事物的一种主观感受，画家面对物象时，由于某种审美因素而激发出表达的冲动，常以粗犷的线条、简练奔放的笔触、鲜明的色彩，运用多姿多彩的技法，体现主观情感，带来动人的艺术形象和深刻的艺术含蕴。例如吴冠中的油画就是以线性结构作为构成画面的主体，同时借鉴中国画的表现手法，把油画与水墨进行结合。

（二）色彩的意象创造

绘画中的色彩是传达艺术精神的重要形式之一，也是视觉艺术的一种形式语言，它承载着精神因素，具有文化性。从意象创造的色彩审美上看，油画创作中的色彩显得具有强烈的主观情感化，它不只停留在固有色的描绘上，还摆脱了光的限制，打破了严谨的画风，画面色彩更加纯粹，使之具有人性化与生命力。意象油画以艺术美感为标准，加入了画家主观意愿的“物我融一”的表现性色彩，以色彩与色彩之间形成美感的效果为依据，追求色彩浪漫、优美、悦目、雅致、梦幻等，具有地域特征和人文特征。

（三）线的意象创造

绘画是一种视觉语言的表达方式，它以画面的形式来倾诉自我，以经历的空间来感悟生活。中国绘画以线造型，线条是中国绘画的精髓。意象化油画将油画笔触书法化，讲究笔性、笔意和笔韵，作者将带有书法式的笔意和笔韵融入油画当中，以色点、色线、色束并置的办法将中国画中的诗化语言视为标准，时而朦胧，时而清新，动心之处随时成篇，创造出一种耐人寻味的意境美，追求完美的艺术特色，在增强其表现力的同时也极大地丰富了绘画的文化内涵。中国传统绘画源于书法，后来中国的绘画应用线条的意义，意象用笔用线不是为了再现客观物象，而是追求意象表现，将自己的精神与情绪用线条在绘画上表达出来，这种以意抒写，以线韵带动画面节奏的笔触呈现强调线和平面化，追求线条自身的审美意义，打造“神似”的效果，强调“以形写神”的美学观，流露出丰富而生动的情感意象。

结语

油画是一种充满情感的艺术，而意象的创造则是情感的升华。油画创作中对意象的创造打破西方焦点透视和时空的束缚，蕴含着深刻的艺术底蕴，具有深刻的思想性和显著的象征性。油画创作中意象的创造以其独特的情怀理念和新颖的创作手法为中国油画艺术添上了另一笔风采。

参考文献：

[1]张利玲.意象油画简论[D]. 内蒙古师范大学，2009.

[2]杨静.析当代中国油画语言的“意象化”[D]. 西安美术学院，2008.

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中国写意油画的进一步构建对于中国写意油画理论和创作主要有两种表现：其一，认为只要掌握了西方油画技巧，中国人画的油画就必然有自己的特点，在绘画实践中往往是被动模仿西方传统油画技巧，有意无意忽略了绘画所承载的民族气魄和文化精神。其二，认为油画中国化、写意油画是嫁接后的折中风格，产生不出“中国版本”的油画。笔者认为对第一种倾向需要我们在油画创作实践中用历史唯物主义和辩证的观点加以反思，而第二种观点则根本就是错误的，因为不同文化的碰撞、交流与融合总有其同质“基因”的激发，这正是文化更新发展的内在根源。同样，在中国传统绘画写意性观念基础上产生和发展的中国写意油画，是中国意象美学观在现代油画中的体现，它既站在传统文化的高起点上，有着广泛的民族基础，又具有一定的世界性，是中国油画昭著于世的必然趋势。所以，我们应该有足够的自信把中国写意油画进一步构建好。为此，作者作了如下思考：

一、民族文化艺术审美对西方油画的扬弃

西方油画在几百年的发展演变中，它的形体、色彩、材质的丰富表现性对视觉产生的强烈冲击力，特别是油画创作所承载的人文精神和独特的审美趣味，是油画语言独特魅力和其艺术生命力所在。所以，中国写意油画的发展及民族化不能脱离对西方油画发展中优秀成分的继承和学习。在研究和掌握西方油画技法与创作规律的基础上，只有从外在形式到艺术精神上真切的把握到油画创作的真谛，才能在写意油画中自如地驾驭油画语言，体现人文精神，使中国油画最终为本民族及世界认同。当然，诸如西方的文化霸权、惟西方独尊之类的东西，以及艺术上一味对西方油画技巧的片面追求，都应该在文化大融合的大背景下得以扬弃。正如吴冠中所指出的“学习和借鉴西方长处则应别具慧眼”，那样亦步亦趋地仿效或“翻版”西方油画，既无必要也无出路，因为好的油画作品既有它与生俱来的优秀品质又有在此基础上创造而体现出的独特审美趣味。

二、民族文化艺术审美的拓展与超越

在民族化写意油画中对传统“元素”（样式、风格、方法、材质）不能只是效仿、利用或仅用油画材质表现传统文化元素的“表层化”，油画的民族化应该是中国文化精神、民族审美心理和地域特征对外来油画艺术内核的转换，也并非是油彩的中国画。写意油画应从中国艺术特殊的思维和表现方式这一原点出发，取得与中国艺术精神的正面链接，经过一个当代视角的过滤、改造、转移和超越，从而发现并获取新的创造元素或“基因”，才能使它们重新“复活”在当代艺术的躯体上，并将中国传统文化精神在中国油画艺术中加以延伸和发展，实现中国油画对民族文化艺术审美的拓展与超越。否则简单地“翻版”的传统，就不能超越自身而进入当代艺术的新视野。

三、文化自觉与时代精神

面对当前文化全球化趋势和“西方文化霸主”的压制，一方面中国油画家必须出于民族自信和建造先进文化的文化自觉，从弘扬中华文化和艺术精神的立场出发，在民族传统文化与现代西方文化的碰撞中，通过对外来文化的扬弃，寻找发掘写意油画的内在活力，使中国油画在汲取外来文化的积极因素中求得新的发展，使这门艺术成为表现民族思想、情感和审美的文化载体；另一方面，还必须使油画艺术具有充足的时代精神，这就要深入时代生活、扎根于生活的土壤、切实感受生活从中获得具有时代特色的创造激情。只有在充满激情和社会责任感的精神力量支配下，使油画家们自觉地投入现实生活和社会潮流，才能真正创造出无愧于时代具有强烈影响力的艺术作品，创造出具有民族特色民族气魄的中国写意油画。只有如此，才能构建出具有自己民族特色和东方审美意识并富有创造性的油画艺术“版本”，在世界油画之林中真正地赢得一席之地，并融入其中，产生广泛的国际影响。综上所述，油画艺术在中国的发展缘于中华文化之写意性。具有西方文化“基因”的油画要存活于东方文化的“母体”并得到发展，“中西融合”的民族化是历史必然。

中国写意油画在不断构建中实现超越并融入世界是中国油画发展的历史必然。其中，融古今以生新风、合中西而成新体、溶生活而确立新意是中国油画超越自己和西方传统，实现当代油画复兴的必由之路。在西方强势文化渐次式微、中国文化初领的今日，中国人以博大的胸怀吸纳世界优秀文化元素以走向未来，具有民族传统文化精神的中国写意油画，也将是世界油画艺术的一大财富。求得人的心灵与精神上的共鸣和满足为依据，以笔墨造化为最高价值。表现主义是西方艺术的现展，它抛弃了再现因素，显性的形式美因素和技艺因素，而寻求摆脱了物象模拟之后的纯粹化的视觉体验和精神体现。这就让两者有了接近和对话的可能，也让中国油画家们寻找到了两者之间桥梁与纽带。将“意象”转接到油画创作中，势必推进中国油画的深入发展和本土化的演进，也是中国绘画传统的基本理念向现代转化的一个重要生长点。意象油画将是中国油画的发展方向。意象油画是中国文化精神、民族审美心理和地域特征对于异质艺术内核的“我化”与“转换”。它不是舶来品，更不是中西绘画艺术混交的产物，而是油画艺术在中国本土所体现的、最具民族特质的时代绘画艺术。

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关键词：意象油画；抽象油画；意境；色彩；表现

中图分类号：J205 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）26-0167-01

20世纪90年代初，随着全球性商品经济的发展，中国油画家开始从综合性的技巧和观念出发，积极进行着本土文化反思，去开拓写实与写意相结合的现实主义表现空间。由此，中国油画发生了巨大变化，出现了很多不同风格的作品。中国意象油画和抽象油画是当代全球化语境下中国油画创作的艺术观念和方法的本土回视，是传统文化支撑下的民族个性也是中国油画的价值和魅力所在。本文重点探讨中国意象油画和抽象油画在中国传统审美理论的指导下，呈现出来的油画语言的表现性异同。

一、意象油画和抽象油画的定义界定

意象是中国传统美学体系中的一个重要概念，到底何为“意象”呢？最早的起源大约是《周易》的“圣人立象以尽意”。这里说的“意”和“象”是两种概念、两个范畴，跟本文中说讲的油画艺术中的“意象”还有差距。刘勰在《文心雕龙.神思》中提到“驭文之首术士窥意象而运斤”，他说的“意象”是指具有作者的感受和情意的具体物象，着重于“意”的含义。笔者认为：“意象”是在表现客观物象的基础上，融入了作者的主观情感, 是可以感知的，它渗透了作者的审美意识和人格情趣。意象油画基本是从关注人的本质与价值出发，重视人的精神信仰与尊严，强调艺术的情感化，重视艺术的表现性与审美性。中国意象油画的内在核心是中国的传统文化精神，其表现形式可以将西方的“表现”同中国传统美学中的“意象”很好地结合起来。

抽象油画也是当代较流行的一种风格。所谓“抽象”就是艺术家运用提炼、概括手法，抽取出形象的共性及本质特征，并把这些生活中常见形象进行抽象的艺术加工，创造出不同于具象写实的艺术形象。抽象是艺术家的一种语言表现方式，能以纯视觉的方式来呈现艺术家的心态和个人生活状态等。抽象油画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。在当代多元文化主义的追求中，抽象油画的核心价值更多的在于一种个人化的表达，突出人的作用和价值，以人的存在方式思考并认识客观世界，逐渐淡化艺术的写实性而加强精神性的探求。

二、中国意象油画与中国抽象油画的表现语言的相通之处

中国油画的发展有百来年，现在我们对西方现代油画艺术要有批判、有选择的借鉴，才能使中国当代的油画艺术更富有表现力。从传统中寻找作品新的思路和灵感是中国油画家形成自己绘画语言和风格的必然选择。中国的意象油画、抽象油画和西方油画最大的区别，在于中国油画最大程度地渗入了中华民族的人文气质与文化心理。中国油画继承了中国传统绘画背后所显示的文化精神，渗透着中国文化的天人合一思想，同时具有强烈的时代特征。意象油画是中国独有的，抽象油画缘起于西方，但由于中国社会、政治、经济、文化语境的不同，中国的抽象油画从其产生之初就具有自身的艺术史价值和独特的文化现实意义，和意象油画的表现语言有很多相通之处。它们都与具象油画有很大的区别，不是对描绘形象的真实写实，基本都摆脱了时空观念的限制，最后能体现出一定的意境。意象油画和抽象油画中的色彩表现也有一定的相似之处，画面的色彩主观性比较强，色彩能达到挥洒自如的效果。

三、当代中国的意象油画与抽象油画的表现语言差异

当代中国的意象油画与抽象油画有明显的差异，主要表现在以下几个方面：

第一、意境表现形式不同。中国意象油画基本以写意为主，其表现语言和鲜明个性引人关注,意象油画之“意”最终是要达到一种“意境”。中国意象油画借鉴了“以意造型”这一中国传统绘画的造型要旨，画家通过描绘形象表现出一定的境界和情调，作品能开拓欣赏者的审美想象空间。中国的意象油画不像写实油画那么真实，也不具备某些抽象油画的夸张性，它基本摆脱了时空观念的限制。笔者认为吴冠中先生的油画是中国意象油画的典型代表，正如他所说“地球缩小，中外交流，艺术交融更如青春恋情，绝非人力所能阻挡。交融碰撞后双方必起变化，变后更上层楼仍可不失各自特色。”他是在探索、研究中西绘画异同的基础上寻找结合点,发挥和提取他们之间艺术的共同性,用油画的气质、形式与民族形式有机融合, 创造出了独特的绘画形式。

中国抽象油画的意境表现讲究构思的巧妙、新颖，强调画面的节奏和韵律，作品通过点、线、面在画面中诗意化的交织摆放，色块的提炼，以抽象“写意”的形式表现大自然的韵律，并以表现中国意境、意象为目的。它既吸收了西方绘画中的抽象形式美又吸收了中国传统艺术中的抽象意境美。笔者认为赵无极先生的油画是中国抽象油画的代表，作品中具象形象不再存在,而是利用“晕影”在“流动”的背景上画出“有意味的”符号 ,同时加入对“气韵”的描述,侧重于对意境的营造。

第二、笔触变化、肌理表现不同。在中国意象油画中，画家将油画笔触书法化，讲究笔性、笔意和笔韵，明显可见对中国传统绘画别讲究的笔、墨形式感的借鉴与挪用。有些作品中突出画笔、板刷、刮刀等工具的运用，强调笔迹与刀痕的肌理和形式效果，讲究笔势，表现力度和生动性。意象油画中的笔触变化、肌理表达与具象油画比较接近，观者能看出画面中笔触的变化是针对某种描绘对象。

第三、色彩语言表现不同。西方油画艺术对色彩的表现，主要是依据科学的色彩透视理论。西方绘画理论中的色彩在空气透视下产生明与暗、冷与暖、纯与灰的变化，这一切都是为了在画面造成一个物理空间。中国意象油画的色彩，既继承了西方油画艺术色彩的瑰丽之美，又传承着中国特有的音韵之美，画面的色彩主观性比较强，同时也很生动，可能会表现出壮丽、淡雅、强烈等色彩。中国抽象油画往往为了追求画面的整体效果而削弱或是忽略形象的体积空间，使用更为单纯、变化较简单的色彩。

意象油画的代表者吴冠中先生坚持经常对景写生，逐渐体悟到对物象色彩关系的一种理性认识。吴冠中先生的意象油画色彩语言是做色彩的减法，他将色彩微差概括为黑、白、灰三种色阶，他的意象油画与中国画在色彩上形成了异质同构的关系，这是一般画家做不到的。赵无极先生的抽象油画则反映了从西方抽象艺术向中国传统的回归,这是从哲学和美学的高度审视下的回归。他在向中国传统绘画借鉴的过程中,没有忘记油画材料中光与色的优势,这使得他的绘画更加具有张力。在他那酣畅淋漓的油彩下,所蕴含的东方意韵令人沉醉,其笔端也自然地流露出海外生活所理解和渗透的西方浪漫主义色彩。他的特殊技法之一,是把油彩当作水彩来运用,使油彩具有精致、透明的效果,画幅中心喷涌出适度的“色浆”,一切似在转瞬即逝的雾气之中。赵无极的油画中更多地体现出东方文化的内涵与气质。

四、结语

综上所述，中国当代的意象油画和抽象油画表现语言有共同点，同时也存在一些差异。总的来说，中国当代的意象油画和抽象油画目前已经取得飞速发展，是中国本土文化与油画材质的完美结合，具有广阔的发展前景。

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[关键词] 具象油画 色彩语言 色彩运用

一

具象绘画是指所有以具体形态为特征的绘画艺术形式。具象绘画描述的共有特征,第一是回归到架子上面的平面绘画,第二是形象大都回归到画面,第三是它超越了绘画形式与内容,包容性很强,进而在单一形式下形成了多元化艺术风格。

现代具象油画的技术手段不同于原来的具象油画的是愈发渐趋个性化,这乃是现代具象油画和原来的那种具象油画描绘方式主要不同。可是,原来的写实绘画的构成要素,构成与布局的理论、纵贯于整体间的和谐和比例,源自于古希腊理想的艺术方式,在传统和现代具象油画中一直运用或者加以提炼、扩展且广泛运用。

若从现在来看具象油画的意义,肯定和最近几年新潮美术对西方现代艺术的推介与引进密切相关。从概念运用角度看,传统具象这个词指的是具体形象,具体来说是实际生活或自然中实际存在的物象。那么具象一词在当今造型艺术中的流行,一是很大程度上和艺术家们对建立在“摹仿论”基础之上原来的现实主义艺术的规避和疏离有关;然而从另一角度来看,具象油画画家们不愿抛弃对具体物象的描述又在很大程度上表明了艺术家们对传统艺术的观望态度,也表明了艺术家们在艺术多元新媒体与后现代思想源源不断的现在,守望绘画这种古老艺术实践方式的坚强立场。

二

纵观西方这么多年具象油画发展历史,对色彩的认知大致分为两部分,且催生出古典主义色彩与现代主义色彩理论。印象派归到哪里呢?当然要划到现代主义色彩系统。古典主义色彩理论要的是自然视觉效果,它注重色彩的固有色的使用,有点唯物质的趋势。印象主义要的是主观表达,色彩表现依据色彩的光学原理,要的是光照在物象所出现的环境色与补色以及色彩冷暖变化的自然效果。色彩作为视觉艺术的主要元素,在具象油画中承载着重要历史使命,它在各个阶段具象油画中的表现,和文化背景相关,展现着美术作品的时代印记和流派风格的不同,也展现出艺术家的个人化特点。

从希腊罗马的古代壁画――印象派以前色彩的表现大都是固有色的理论范畴。“尤其是文艺复兴时期文化的形态从神回到人间,运用人的感觉方式去感知世界,感知人的自身,注重人性化的时代,画面因此表现出了三度空间的关系,又加入了油性成分,强化了色彩表现物象形体空间的真实感受,因此出现了距离和空间的感觉,色彩逐渐追求表现直观的真实。单调的色彩附着于形的质感变成画面众多元素的主导因素,色彩关系建构在画面色块间风格之比例节奏之中,也蕴涵着固有色那种和谐。此种色和形依附表现的方式形成了古典具象油画的色彩理论,对文艺复兴之后的具象油画色彩展现有很深刻的影响。古典具象油画艺术注重色彩和形共存,其特点是重视固有色的力度,它展现的色彩关系是和形互补与和谐的。

古典具象油画在色彩展现上是用固有色本身明度的不同而展开,与此同时也展现出了色彩的冷暖关系,仅是把细微的冷暖转变控制在大的色域之中,进而产生了种种色相自身具有的力度。此外,它还很讲求各种色相的纯度秩序,来达到色彩的层次感染力。色彩在美术中的表现全部依据严格复杂的程序,运用的技术方法是多层叠色法和半透明染色法等,使色和形极好结合,进而促成了古典具象油画色彩表现的审美标准。因为古典具象油画的固有色表现,产生了相应的油画技法,促进固有色在长时间的具象油画发展过程中和各种具象造形与表现技巧相结合,创造出很丰富的艺术语言。

古典具象油画是依据严谨的造型与色彩关系来表达艺术家最终想表达的意念。好的古典具象油画作品都展现出严谨又有理想的形和色,并把固有色归入一个意味深长的价值范畴之中。固有色在具象油画中的展现是和精神、生活、艺术材料的不断发展、技术的演进、形象思维、艺术情趣与审美评判都有着很紧密的联系。色彩在它自身发展演变过程中,由纯粹、平面化渐渐向丰富和立体的空间化演进,里面的复杂和多变的情况不是一个固有色能总结的。这是历史和时展的趋势,历史让具象油画中的色彩表现与使用发挥到了顶点。

19世纪末20世纪初印象派画家对光色变化的美妙瞬间的渴望,对色彩规律的认知与色彩表达方法的发展起到了一个助推剂的作用,为色彩表现增添了新的含义。环境色或条件色的概念表现了在光的作用之下每个物体间颜色的互相影响所导致的色彩关系,促使绘画的色彩变得更加灿烂夺目。和它相对应的古典具象的固有色概念变得愈发模糊,不好界定。印象派让色彩从形体的层面上释放出来,让色彩的表现拥有了自己独立的审美价值。

印象主义的色彩理论与体系首次旗帜鲜明地打破了全因素造型的长期垄断,将色彩元素“分离”出为己所用。画家用自己不一样的心境面对大自然,抒发他们的情感。印象派将当时最新的光学、色彩理论运用到绘画领域之中,这可以说是具象油画色彩表现的一次革命。

三

色彩是具象油画展现语言极其重要的部分,可以说是具象油画诸元素中最具有情感特征。色彩在美术作品中表现的意义就反映了艺术家们选择色彩的个人美学之追求。人们也可以将色彩在具象油画中的展现形式分为两种,其一是色彩自身形式的展现,其二是艺术家们赋予色彩主观感情的表现。

色彩表现的方法还表现出画家感情多种影响力与因此触发的色彩想象。色彩表达出的意义和艺术家们主观选择密切相关。艺术家选择何种色彩和色调,一是表达情感的需要,二是艺术家构建美术作品形式的需要,也即是艺术家艺术作品风格的需要。因此,选择的依据就是,一感情,二形式。

美术作品中的感情与形式建构了作品的内涵乃至和谐秩序,展现出艺术家们演绎作品的面貌。这两者共同的作用表现出艺术家们在美术作品色彩展现上的审美方式与深层的心理因素。色彩在美术作品中表现出的作用:首先是要求艺术家要有相当程度的色彩知识修养和技法的掌握;其次是色彩的表现最终结果是艺术家的感知、感情与想象的本质自然的创造。荷兰最富盛名画家梵高就认为色彩在作品表现出的独立性是艺术家主体精神的展现。我们看到梵高创作并表现出奇特色彩的作品《夜咖啡馆》,运用红和绿来展现个人化情绪,绘画作品色彩表现出的极富暗示性的力量与艺术家自己的情感密切相关。咖啡馆是他借用色彩表现内心丰富的情感和想像,绘画作品的色彩表现的意义是他本人的色彩本质。梵高的美术色彩思想给了人们启迪,谁若在绘画中坦率地释放自己的情感,谁就会自然而然地找到色彩表现本质的所在。

四

具象油画的发展让色彩在具象油画之中再次获得了无限的表现力。色彩的表现是具象油画的载体,它担负着艺术家个人绘画的行为,表现出艺术家所身处时代的审美趣味,这就是色彩在具象油画表现上的意义之所在。

参考文献:

[1]颜文梁.色彩琐谈.上海:上海人民美术出版社,1978.