艺术作品的审美特征范文

导语：如何才能写好一篇艺术作品的审美特征，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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舞蹈艺术是肢体语言、音乐艺术、人文艺术的综合表达，舞蹈艺术的审美特征是对舞蹈艺术美学的进一步挖掘。舞蹈艺术的审美特征包括两个方面：一方面是舞蹈创作的审美特征，通过舞者的肢体动作变化、体态转化、舞步舞姿对舞蹈的技艺进行提炼；另一方面是舞蹈表演的审美特征，舞蹈表演包括了创作者的情感元素和作品的艺术特色。创作者通过情感表达来满足观众对作品的审美需求，让观众感受到艺术作品的演变过程。舞蹈艺术的审美特征对舞蹈艺术的表现力起着至关重要的作用，没有把握审美艺术的舞蹈艺术是无法有效进行情感表达和彰显作品生命力的。因此，掌握审美特征是提高舞蹈艺术水平和艺术修养的基础条件。

张彤编写的《舞蹈艺术审美与作品赏析》（上海音乐出版社2016年出版）一书，从几个方面对舞蹈艺术审美进行探讨和论述，并通过对艺术作品鉴赏的方式让我们分享审美特征的重要性和意义。开篇作者从舞蹈艺术的审美属性入手，围绕舞蹈艺术的动作美、舞蹈动作的节奏美、舞蹈艺术的抒情美和舞蹈艺术的综合美进行展开，让读者对舞蹈艺术有了最初的认识，培养读者的动作审美、情感审美和艺术审美。接下来，作者通过舞蹈艺术的主题特征、舞蹈作品结构的审美分析、舞蹈动律及风格特征的审美分析、舞蹈艺术作品的创作美、舞蹈艺术表演的审美特征、舞蹈音乐的审美分析七个方面具体展现了舞蹈艺术所特有的审美属性。读者通过书中的介绍可以深刻地感受到舞蹈艺术是情感和动作的结合，是生活和情感的结合，是舞蹈内在意境和创作者的情感宣泄，可谓因情而动、借物抒情。书中最后结合作者多年的教育教学经验，对部分优秀的舞蹈代表作品进行了审美艺术分析和鉴赏，带领读者一起感受舞蹈艺术的艺术性。全书围绕舞蹈创作和舞蹈演绎的美学视觉，展现了舞蹈艺术的审美特征，也提高了我们对舞蹈的审美眼光，可以说全书是对舞蹈艺术及其审美特征的绝佳阐释。

该书也是河北省首部由上海音乐出版社出版发行的舞蹈专业个人专著。该专著从舞蹈审美专业的视觉角度，结合舞蹈艺术理论、美学文化等多个角度进行全方位的阐述，对舞蹈的不同类型、不同主题、不同特征、不同结构进行了分类分析，并结合舞蹈创作中的重要元素即舞蹈动作、舞蹈编排、舞蹈音乐一并梳理，系统、全面地整合了舞蹈艺术的艺术成就，填补了舞蹈艺术审美理论和舞蹈艺术作品相结合方面的空白。该书还重点围绕审美特征将舞蹈艺术用诗一般的语言进行表达，吸引读者去理解舞蹈艺术的特征，从而在欣赏过程中产生共鸣，正如书中所言，舞蹈艺术具有因情而动之美、舞蹈艺术具有寄物于情之美、舞蹈艺术具有寄情于事之美。

舞蹈是一门具有生命力的艺术，历经时代变迁依然可以鞯萜湟帐跣浴⑹贝性。这是因为舞蹈中饱含着文学的艺术性、创作的戏剧性和时代的民族性，社会发生了怎样的变化，在舞蹈作品中都可以找到变化的缩影。因此舞蹈艺术作品本身具有时代的进步性，只有与时俱进才能赢得观众的认可和关注，因此即使是独创的作品也要以便于观众理解的方式进行表达。

舞蹈艺术的审美特征可以从舞蹈艺术的抒情性、舞蹈艺术的技艺性、舞蹈艺术的综合性多个角度进行有效的把握。舞蹈艺术的抒情性从最初编排到最后的表演贯穿始终，通过抒情的表达手法使作品的情感和动作达到完美的融合和释放，观众的情感也通过体态的变化和动作的节奏规律与创作者达成共鸣，从而更加深刻地领会舞蹈艺术背后所诠释的故事和意义，因此，抒情性是舞蹈表演、舞蹈节奏、舞蹈旋律的连贯表达。舞蹈的技艺性可以强化观众的感官享受，技艺的高低是视觉体验的基础，舞蹈演员高超的技艺性在带来视觉美感的同时，可以刺激读者对艺术的整体感官享受，提升视觉享受，可以充实舞蹈作品的艺术结构。舞蹈不仅仅具有自身的艺术特征，也包含了音乐、诗歌、文化、民族等因素，因此，我们要综合性地体验和评判舞蹈的美学艺术形式，任何的舞蹈都需要多元化、多层次的综合性表达，这样的作品才能具有时代的特征。舞蹈艺术因其审美特征获得观众的认可，因其审美特征得以长久发展，通过审美特征来挖掘舞蹈的本质是艺术形式久经考验的方法之一。

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艺术中的情感即审美情感，是一种无功利的具有人类普遍性的情感，情感在艺术活动动机的生成、创造与接受过程中均是重要的心理因素之一，同时情感又是艺术创作的基本元素。但是艺术活动也包含认知因素，认知在艺术活动中意味着客观的、理智的反映。在审美情感的深层往往隐含着理性的认知。

艺术活动是形象把握与理性把握的统一

形象，即审美形象，在广义上包括审美的情境和意境。形象把握是艺术活动特有的方式，是主体对于客体瞬间领悟式的审美创造，它是感性的而不是推理的，是体验的而木是分析的。但是形象把握又不能离开理性，理性在分析时代氛围、读选素材和题材、构思主题和情节、选择表现形式等方面均具有举足轻重的作用。

艺术活动是审美活动与意识形态的统一

艺术的审美特性是区别于其他社会实践活动以及意识形态活动的根本标志，但同时艺术又具有意识形态特性。艺术的审美特性是形象的、情感的和多义的，它规范着艺术活动的基本倾向，其意识形态特性则是隐藏在审美特性之中的，它使艺术的审美世界具有了更为广阔和深透的内涵。

艺术活动的功能

(1)审美认知功能;

(2)审美教育功能;

(3)审美娱乐功能。

艺术活动的基本性质

艺术活动是以特有的艺术语言体系为媒介、以创造形象或意境为旨归的人类的精神文化活动，它凝结为审美的意识形态。

艺术教育

艺术教育是美育的核心，也是实施美育的主要途径。

美育即审美教育，是指运用审美的方式实施教育，旨在提高人们的审美感受力、审美创造力及审美情趣，以促进其人格的完善以及全民族整体素质的提升。

艺术教育主要通过指导人们进行艺术创作、艺术鉴赏等活动，实现美育的最终目标。

艺术分类的方法

1、以艺术作品的存在方式为依据，可以将艺术分为时间艺术(音乐、文学等)、空间艺术(绘画、雕塑等)和时空艺术(戏剧、影视等)。

2、以对艺术作品的感知方式为依据，可以将艺术分为听觉艺术(音乐等)、视觉艺术(绘画、雕塑等)和视听艺术(戏剧、影视等)。

3、以艺术作品对客体世界的反映方式为依据，可以将艺术分为再现艺术(绘画、雕塑、小说等)、表现艺术(音乐、舞蹈、建筑等)和再现表现艺术(戏剧、影视等)。

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关键词：网络技术；数字媒体艺术；美学特征；艺术风格；交流

0引言

伴随着当前科学技术的全面发展，可以说我们的艺术创作形式已经进入到了数字化的时代。艺术创作者们的艺术创作理念在向数字化的方向过渡，他们的艺术创作手段也开始渐渐具有了数字化的特征。这样一种新生代的艺术风格样式的出现，为我们提供了新的审美特征。

1关于数字媒体艺术

数字媒体艺术指的是传统艺术与计算机图形图像数字化技术的融合。新一代的数字媒体技术包括传统的影视、广播、电视媒体向数字视音频、数字电影方向的快速发展，也包括日益普及的虚拟现实技术、计算机动画技术等[1]。简单来说，就是利用计算机对图形和图像进行的创作、设计和制作，从而产生能让人们感到无比真实的立体动画和场景。数字媒体艺术包含了听觉和视觉上的感受，它是一种动态的艺术。数字媒体艺术审美主体涉及到了三维虚拟场景、动态构图、角色形象、运动规律、音效、灯光照明等多个方面，这些审美主体所包含的内容比传统艺术要多很多。具体来说，数字媒体艺术包括着以下的领域：数字图像（数字图形图像艺术创作、数字二维绘画）；数字动画（数字影视后期艺术创作、数字三维动画）；数字音频艺术（电脑合成音乐、声波艺术、数字音乐创作等）；网络数字艺术作品的创作；虚拟现实艺术；电影、舞蹈、戏剧与数字技术相结合的综合数字媒体艺术。在数字媒体艺术看来，即使是同一件数字媒体艺术作品，如果不同的艺术家来赋予它不同的艺术审美特征，那么创作出来的作品风格也就迥然不同了[2]。

2数字媒体艺术审美

在来谈数字媒体艺术审美之前，我们先来看看审美的概念。审美，指的是领悟和感受客观事物或者现象本身呈现出来的美，它是人在参与实践的过程中与客观事物或现象所构建起的一种特殊的表现性关系。审美成为了人类认识和掌握世界的一种特殊方式，它做到了主观与客观的具体统一，理智与情感的具体统一，从而能够追求发展，追求真理。具体到数字媒体艺术的审美，指的是人们通过观赏艺术家们根据数字媒体艺术理念和数字媒体艺术创作方式创造出来的数字媒体艺术作品，从而感受到和领悟到数字媒体所带来的一种别样的艺术之美。它的审美对象便是动态的或者静态的二、三维数字化图像作品。在高度的信息化社会里，以计算机为主要代表的数字媒体艺术，将会对当前的艺术审美产生革命性的、颠覆性的、深远的影响[3]。在数字媒体艺术审美与一般审美的关系问题上，我们先要看到它们的差异性。由于审美对象的不同，一般审美是对现实美的感受，审美对象为现实的自然物和社会物，它们并不是专门为了审美而存在的。而数字媒体艺术审美对象为艺术作品，它们的存在则以审美价值为体现。不过数字媒体审美艺术和一般审美在实质上却是相同的，它们的审美都归根结底的指向了人类的审美精神，都归根结底的来源于现实。

3数字媒体艺术的美学特征

3.1数字媒体艺术表现着技术之美

技术的发展是数字媒体艺术的最大特点，技术与艺术作品融合，形成了特有的技能美。计算机软硬件技术的发展直接决定了数字媒体艺术的发展，技术环境为审美价值提供了很大的帮助。每一次新技术的采用，都造成了新的视觉上的冲击。因此，与传统艺术相比，数字媒体艺术审美价值更多表现为技术之美。如著名导演卡梅隆创作的热播影片《阿凡达》，从它惊人的票房业绩就可以看出此片高超的艺术与科技价值。在全新的3D数字特效的支撑下，人们在影院中享受到了漂浮在云中的山峦、旋转飞行的蜥蜴、夜间发光的森林、一落千丈的飞流瀑布，这些拍摄手法和特技效果在以往的影视作品中都是不可想象的。在这些真实而脱俗的美妙视觉的背后，有着众多数字媒体技术手段的支持，他们搭配着全新5.1声道AC―3音响环绕的声音效果，给电影增添了巨大的震撼力。另外，先进的动作捕捉设备、自主研发的数字拍摄系统和强大的CG制作团队都支撑了这一完美艺术作品的出现。

3.2数字媒体艺术表现着动态之美

数字媒体艺术体现着视觉元素在空间中的不断变化和运动，与传统艺术的静态画面相比，它不仅包含了光影、构图、色彩等要素，而且还具有空间、时间、运动等数字媒体所特有的艺术特点。它的艺术元素并不是固定某点，而是随着时间的变化不断的在移动，时而加速运动，时而减速运动，有着丰富的变速运动，这就构成了一种动态的秩序，表现着数字媒体艺术的动态之美[4]。

3.3数字媒体艺术表现着互动之美

数字化的艺术作品，在作者和观众之间、创作者与受众之间是一种共同参与、沟通互动、角色换位、共同分享的艺术模式。在网络艺术的互动性数字平台上，不管你是任何人，处在何地，只要进入到数字网络系统中，就可以找到你感兴趣的艺术作品惊醒补充、修改和再创造，他们可以对这些“开放式”的作品进行多次的再创造，不断注入新的想法和内容，在这个互动过程中，原创者和艺术家们扮演者向导的服务角色，每一个参与者都品尝着艺术参与的和艺术家的荣耀，在此，每一个观众都能够找到与自己有着共同点的艺术作品，他们享有更大的修改权和选择权，形成了艺术家与非艺术家之间的互动，使艺术创作得到了换位思考和真诚的对话机会，因此，数字媒体艺术表现着互动之美，人们得到精神和情感上的陶冶和满足。

3.4数字媒体艺术表现着未完成之美

在传统意义上，一件艺术作品，如果在一定程度上达到了创作者的目的，作者就会对作品进行收笔，而数字媒体艺术正在改变着这一局限，开放式的作品结构使得作品在共同参与和互动中可以随时删改、剪切和复制，这样就无限延续了它的创作动机和创作期盼，在这种大众化的创作链接中，你很难看到终结，只要有人欣赏和接受，作品就会在互联网中无限创作，无限传播，永不会结束和停息，艺术家们永远在期待着意想不到的艺术奇观的产生。

4结语

在数字媒体时代，传统的艺术形式得到了无比广阔的延伸，传统的艺术审美理念也被重新定义和诠释着。只有力图把握住数字媒体艺术的美学特征，才能进行深入的探索，从而对现代艺术进行正确和科学的定位。

参考文献：

[1] 邱晓岩.试论数字媒体艺术的新美学特征[J].深圳信息职业技术学院学报，2004（2）：2022.

[2] 王伟毅.数字媒体艺术的多种可能性[J].天津美术学院学报，2005.

[3] 马凌燕.论新媒体艺术与数字艺术的异同[J].湖北社会科学，2007.

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关键词：数字媒体艺术；传统艺术；美学突破

随着计算机技术互联网技术的高速发展和广泛推广，数字技术开始和艺术融合和接轨，逐步实现了对传统艺术美学的完善和发展。因此强化对数字媒体艺术的研究工作，对完善传统艺术具有重要的现实意义。强化对数字媒体的应用，不仅能够给人们带来不同的审美需求、视觉感受，同时也能为艺术作品提出新的设计理念，完善现阶段的艺术表现形式，从而实现艺术形式的进一步发展。

1 数字化媒体艺术的概念

对于数字化技术而言，其主要是通过对计算机技术的应用，完成对声音、光等信号的编辑工作，同时实现对这些信号的数字化处理，进而方便进行信息的管理、传输和处理等。[1]

同时在数字化媒体艺术中，主要依托数字化技术，对艺术进行新的包装和处理，主要是指构建出动画、视觉艺术等形式。其不仅是艺术作品的数字化处理，也是采用数字化技术对艺术作品进行包装，这也是先进科学和艺术表达的完美融合，丰富其在艺术方面的表现形式，这也在一定程度上推动了我国艺术的科学发展。

2 数字媒体艺术的优势

数字媒体艺术作为新兴产业，能够在短时间内取得长足发展，同时影响人的生活习惯，因此其在传播手段等方面具备一定的优势性。

2.1 高效性和互交性

随着计算机技术的发展，其为设计师构建出便捷的操作管理平台，由于数字化技术具备简单易学、传播速度高效、因此能够有效提高设计师的工作积极性和工作效率，能够实现设计师内心和软件的融合，推动设计的人性化和科学化设计。[2]此外，随着网络艺术的点面发展，相对于传统艺术重视细致、复杂的手工操作环节，数字化艺术能够有效降低设计人员的工作强度，同时也提高了艺术设计的整体效率，为设计师提供更为充足的时间便于他们及你想你给创作、构思等方面的工作，为艺术创作构建出更为完善的内容。

由于计算机拥有完善的数据库，因此随着网络技术的发展，为创作者提供充足的素材和数据，以便于实现对艺术的多元化和交互化。对于创作者而言，能够借助数据库启发自己的创作灵感，充分体现创作的“互通有无”性特点。数字媒体的应用，能够有效丰富艺术的表达形式和表达内容，同时也为创作者提供更广阔的想想空间，保证艺术之间的沟通和交流工作。对于创作者而言，在内容、空间方面的交流、沟通，能够有效提高资源利用效率，实现资源的优化和共享，保证艺术的积极发展。

2.2 虚拟性与综合性

对于创作者而言，数字化技术能够实现创作工作的形象、生动、逼真效果，实现对作者真实想法的精确性表述。计算机软件能够推动艺术作品在听觉、视觉等方面的效果，增加艺术作品的表现形式。随着立体化创作形式的发展，为创作者提供传统艺术表达形式无法达到的高精度、高输出的设计作品。在这种现实生活中，使用数字化技术能够完善传统艺术形式的表达特点，保证数字化和艺术性的完美融合，改善大众在审美方面的综合效果。

3 数字媒体艺术对于传统艺术美学突破的具体表现

3.1 相较于传统艺术，数字媒体艺术的审美体验更趋向大众化

通常情况下，在人们的认知中，传统艺术的创作者都是一些技术水平比较高的专业人士，给人更多的一种不容易接近、神圣、脱离普通生活的感觉，艺术作品和我们的实际生活存在着一定的距离感，普通人群对于艺术创作以及艺术作品是怀着一种敬畏的心情。而数字媒体艺术的出现和广泛应用使得这种情况有所改善，使得艺术的受众人群在不断地扩大，普通人群也可以进行艺术审美。数字媒体艺术最为显著的特点是可以将艺术通过技术的方法来表现出来，只要人们掌握一定的操作技术，就可以创造出艺术作品，为大众创造艺术作品提供了一定的支持，促进了艺术作品的多样化发展。[3]当前，网络中的许多艺术作品的创造者都是普通的人民群众，他们通过数字传媒艺术将自身的创作灵感表现出来，创作出符合大众审美的艺术作品，丰富了大众的审美体验。

3.2 相较于传统艺术，数字媒体艺术更具有非逻辑性的审美特征

数字媒体艺术也在一定程度上影响了人们的审美逻辑，并且随着数字媒体艺术受众范围的扩大，其逐渐地形成一种和传统艺术相反的非逻辑型审美特征。[4]在传统的艺术作品中，人们能够通过自身的观察，借助一定的方法，通过逻辑思维能够理解创作者的所要表达的感情及创作意图。但是数字媒体艺术使得创作者能够使用非逻辑性思维进行思，进行天马行空的创作，在这个过程中利用率比较多的素材以及表达方法，因此在对数字媒体艺术作品进行欣赏时，使用传统的逻辑思维是无法体验到作品所表达的意图，而是要从现代人的思维进行欣赏，进而得到更加丰富的审美体验。

3.3 相较于传统艺术，数字媒体艺术更具有开放性

在进行作品创作的过程中，数字媒体艺术有着更大的开放性，在传统艺术创作中，所有的工作都是由创作者自身独立完成的，同时其创作出的艺术作品具有完整性。当前，由于网络的开放性，数字媒体艺术的发展使得艺术素材被更加广泛的利用，创作者能够更具自身的想法对开放的艺术作品进行不断更改，在这样的情况下，艺术作品一直处于被不断创作的过程，当一件艺术作品出现在大众视野范围之内，那么就会出现一些对作品进行不断创新、更改的人，因此数字媒体艺术更具开放性。这种开放性同时也能够为数字媒体的发展提供一定的支持，促进艺术作品不断地进步，同时更加地符合大众的审美观念。

4 结语

伴随着社会经济水平以及网络技术的发展，数字媒体艺术也在不断地发展，其受众范围在不断扩大，数字化技术和艺术元素进行有机结合使得艺术表现形式走向多样化发展，相较于传统艺术，数字媒体艺术有着更高的效率和交互性，同时具备着较强的虚拟性和综合性。数字媒体艺术的发展能够满足当前社会人们的精神文明需求，同时也是对传统艺术的继承和发展，数字媒体艺术的发展能够使得现代艺术有着更加丰富的内涵，可以促进我国艺术的长久发展。

参考文献：

[1] 刘俊.论传媒艺术的科技性――传媒艺术特征论之一[J].现代传播（中国传媒大学学报），2015（01）：93-100.

[2] 高楠.从数字媒体艺术教育的发展看传统艺术的美学突破[J].美术教育研究，2015（08）：135.

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    一、注重提高高职学生的知识文化素养

    欣赏者的艺术欣赏水平常常与知识文化素养成正比。也就是说,一个知识丰富、文化素养高的人,其艺术欣赏能力也会比较高。高职学生要提升艺术修养和艺术欣赏水平,必须积累必要的知识文化。首先,艺术是社会生活的反映,社会各个领域人的活动是艺术作品题材的来源。因此,只有对社会生活的众多领域(包括历史的、现实的)具有一定主题了解的人,才能较好地理解作品的思想内容。例如,不了解发生于15-16世纪欧洲的文艺复兴运动,人们就不能很好地理解产生于此间的众多艺术精品,如英国莎士比亚的戏剧,意大利达?芬奇与拉斐尔的绘画,米开朗琪罗的雕塑等等。不了解中国的历史,人们就不能很好地欣赏产生于其间的众多的诗、词、赋、散文、小说以及音乐、绘画、雕塑、戏剧等艺术作品。艺术是社会文化的一个重要组成部分,是建基于社会经济基础之上的意识形态,艺术作品是艺术家在一定的文化背景下创作出的观念形态的东西。所以,每当我们要深入地欣赏一部艺术作品时,我们总要了解它产生的时代社会背景,了解创作者的经历及其思想、感情等。对于高职学生来说,他们的主要生活经历是在学校中度过的,所以必须从社会生活的实践经验和书本知识两个方面来引导他们,使他们具有越来越丰富的知识文化素养,为他们欣赏艺术做准备。高职院校应该在艺术欣赏课中注重加强知识文化的传授。其次,艺术作为人类的一种精神情感活动,有自身发展规律与轨迹。各类艺术家都是在继承前辈的创作经验与成果的基础上,发挥自己的艺术才华,努力将艺术推向一个更高、更新的境界。因此,了解具体艺术门类的本质特征、创作规律、美学特征和艺术手法,并适当地了解中外艺术史上的一些艺术精品及其创作者的情况,对提高学生的艺术欣赏能力大有益处。例如,不了解《诗经》,你就不了解何为现实主义的创作源头;不了解李白、杜甫和白居易,你就不能很好地领略唐诗的绚丽多姿。同样,不知道莎士比亚及其着名悲剧,不了解关汉卿及其悲剧《窦鹅冤》的人,也就很难理解悲剧震撼人心的力量。此外,各类艺术的艺术家所运用的艺术语言和物质媒介是不同的,因此,其创作的规律及艺术手法也就不一样。如果我们不懂何为音乐的旋律、节奏、和声、调式、织体、曲式等基本知识,就很难听出音乐的美是怎样形成的;不懂得何为蒙太奇、何为电影镜头的景别等,你也不能很好的理解电影艺术的技法运用。各个门类、体裁、样式的艺术,具有各自的审美特征和表现技法,必须掌握了这些基本的知识,才能真正把握和理解作品,真正领略作品奇妙的艺术魅力。因此,高职学院应该引导学生了解具体艺术门类的审美特征、艺术手法、创作规律等基本知识,让他们能够由“看热闹暠的外行逐渐转化为“看门道暠的内行。

    二、不断提高高职学生的审美情趣

    艺术创作离不开社会生活,艺术欣赏也同样离不开社会生活。欣赏者总是在自己生活经验的基础上去感受、体验和理解艺术作品。欣赏者的生活经验越丰富,越有助于对艺术作品的审美欣赏,理解也越深刻。尤其是那些对生活作了高度概括的艺术作品,没有丰富的生活体验和广博社会阅历的欣赏者是很难透彻理解和认识的。同一件艺术作品,人在年少和年老不同时期去欣赏会产生不同的审美体验。只有具备较丰富的生活体验和生活阅历,才能深刻体会和透彻理解对生活作了高度概括的艺术作品,也才能真正欣赏它。[2]艺术欣赏作为一种审美活动,除了具有调节精神、愉悦情感的功用外,还具有陶冶性情、启迪思想和净化心灵的重要作用。如果仅把艺术欣赏视为一种休息或看成是一种娱乐的话,那么这种欣赏只能停在一种较浅薄的层次上,只有不满足于此,更进一步地追求思想上的启迪,情感与心灵的净化,乃至对社会生活理性认识的提高,才能将艺术欣赏提到一种较高的层面上。也才能真正提高我们的欣赏能力。例如,对于电影欣赏,有的学生只爱打斗片、枪战片、爱情片,原因往往在于学生只寻求感官上的刺激与。殊不知,即使是动作片、枪战片或反映爱情的影片也有品位高低之分。作为高品位的影片,既不排斥生动、紧张的情节,也不排斥激烈、惊险的格斗与枪战,又不排除真挚炽热的爱情,但更追求艺术形象的感人和主题的深刻。为什么我们不能在获取情感愉悦的同时也寻求精神上的教益呢?关键就在于我们是否致力于培养自己健康的积极向上的审美情趣。尤为值得一提的是,生活中有些人在腐朽、落后、消极的人生观驱使下,一味地从那些黄、画册与录像中寻求刺激,完全违背了艺术欣赏的主旨。实际上,这些人的思想意识中,美与丑已经被完全巅倒,这就不仅仅是欣赏品位的问题了,而是精神堕落、思想腐朽的表现。上述行为又往往与社会犯罪联系在一起。对于青年来说,有时由于好奇心的驱使,同时也因为缺乏正确的人生观与审美观,也可能导致上述“欣赏暠行为。作为当代的青年,除了应接受先进人生观教育之外,还应该学习的美学理论,树立正确的审美观,培养高尚的审美情趣。此外,在古今中外一些经典艺术作品中,有时也会出现一些不美的瑕疵,这对于那些思想尚未成熟的青年来说,常常会产生一些负面影响。这就需要学校、社会与家庭加强对他们审美教育,当他们欣赏这些作品时,给予一定的指导,而不应采取封闭和禁止的办法。因为那是一种因噎废食的不明智做法,不仅禁止不住,反而会导致青少年更大的好奇心乃至思想上的混乱。高职院校责无旁贷地担负着培养和提高学生审美情趣的任务,高职院校切实履行这一职责,才能使他们的世界观、价值观、审美观达到健康、正确、先进的高度,才能真正提高他们的审美能力、艺术欣赏能力,促进他们审美人格的形成,成为全面发展的人才。

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1.绘画艺术的内容美

在绘画艺术的审美特征中，中国绘画在内容上寄托着对于美的理解，而中国画的灵魂也正是绘画的内容美。中国绘画受到哲学影响，将神韵和意境作为中国绘画艺术中的最高境界。在绘画过程中，对于内容美的强化需要把握意与象的结合与运用，将神韵表现在艺术与现实的处理方面，从而连贯艺术构思与象征意境的发展，从而推动绘画艺术内容美的发展。

2.绘画艺术的形式美

随着绘画艺术的发展，人们也更为重视艺术作品的形式美，绘画艺术的形式美体现在形式结构的多样统一中，而绘画作品形式结构具体表现在构图方面，构图的原则是多样统一，并且让绘画内容中，取得统一，让艺术作品呈现出整体的和谐美感。与西方绘画相比，传统中国绘画，在构图形式上，通常会在画面上留下大量的空白，从而表达出淡泊的创作思想。在中国绘画的形式构图中，充分运用浓淡、疏密、宾主和虚实等形式，富有表现力的线条也正是绘画艺术的形式美之一，在世界绘画艺术的发展历程中，线条始终处于重要地位。线条随着绘画艺术的演化，更具有表现性、含蓄性和象征性。色彩作为艺术作品的重要因素，对于绘画作品往往起到关键的装饰作用，从而促进绘画作品的完美，而色彩也能体现出绘画的形式美。随着色彩运用方面认识水平的深化，色彩在绘画作品中国的作用也更为重要，在中国绘画中，色彩上的浓淡运用，也是画风演变的重大趋势。

二、个体的道德素养生成

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【关键词】戏曲;乐队;审美;特征;民族;地域;创新

中图分类号：J818 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）10-0058-01

戏曲乐队是戏曲艺术的重要组成部分，直接关系到整个戏曲艺术的优劣成败。从美学的视角与高度来研究戏曲乐队的审美特征，对于戏曲乐队乃至整个戏曲艺术美学品位的提升，既具有重要的理论思考价值，又具有重要的实践参考意义。为此，本文专门对戏曲乐队的审美特征进行全面系统、深入细致的探讨与研究，以期引起关注与讨论。

具体来说，戏曲乐队的审美特征，可以分解为以下三个层面来进行系统化解读与探讨。

一、民族性

戏曲乐队的第一大审美特征，是民族性。

民族性是世界上所有国家、所有民族的所有艺术共有的审美特征，也是一切艺术的核心特征。19世纪的俄罗斯著名作家赫尔岑明确指出：“诗人和艺术家们在他们的真正的作品中总是充满民族性的。”[1]

戏曲乐队的民族性审美特征，是十分鲜明的：其一，戏曲乐队从本质上讲属于民族乐队范畴。其二，戏曲乐队中的所有乐器，均是民族乐器。戏曲乐队的传统叫法是“场面”，又分“文场”与“武场”两大类。“文场”指的是乐器中的吹、拉、弹、拨等各种管弦乐器，例如京胡、二胡、板胡、三弦、月琴、琵琶、笙、管、笛、箫、唢呐等;“武场”指的是乐器中的打击乐，例如堂鼓、大锣、小锣、铙钹、撞钟等。其三，戏曲乐队伴奏的唱腔或演奏的曲牌，也都是民族乐曲。其四，戏曲乐队的演奏风格，也是民族风格，包括讲究韵律与意境，推崇蕴蓄、婉曲、谐调、中和、简约、适度，追求“气韵生动”，强调“以情带声，声情并茂”……如此等等，不一一赘述。

二、地域性

戏曲乐队的第二大审美特征，是地域性。

地域性是民族性的重要元素之一，地域性特色愈鲜明，民族性特色也就愈强烈。鲁迅先生早就指出：“有地方色彩的，倒容易成为世界的，即为别国所注意。打出世界上去，即于中国之活动有利。”[2]古今中外的许多艺术家的艺术作品，都以鲜明的地域性作为亮点与看点。例如《红楼梦》的北京味儿、《金瓶梅》的山东味儿。

戏曲乐队的地域性，更以我国各地方戏曲的地域性为依托。例如京剧的京味儿、川剧的川味儿、越剧的江浙味儿、吕剧的山东味儿、豫剧的河南味儿、晋剧的山西味儿、河北梆子的河北味儿、秦腔的陕西味儿、粤剧的广东味儿、湘剧的湖南味儿、赣剧的江西味儿、黄梅戏的安徽味儿……而所有这些地方戏曲的乐队，当然以鲜明的地域性为其题中应有之义。

三、创新性

戏曲乐队的第三大审美特征，是创新性。

创新是一切艺术、文学、科学的生命，“艺术创作是人类一种高级的、特殊的、复杂的精神生产活动。艺术的生命就在于创造和创新。没有创造，没有创新，就没有艺术。这就意味着艺术家必须不断地超越前人，超越同时代人，以及不断地超越自己。”[3]

事实上也的确如此，中国戏曲乐队的发展史，就是一个不断创新的历史。京剧大师梅兰芳先生，最早将二胡引进到京剧乐队之中，增强了京剧乐队的艺术表现力。粤剧最先将西洋乐器小提琴引进到粤剧之中，也增强了粤剧乐队的艺术表现力。京剧琴师徐兰沅，创造出用优美和谐的“过门”和巧妙的“托腔”“垫头”，为梅兰芳的演唱起到云托月的伴奏效果。王少卿也为京胡伴奏创造出许多新技术、新技巧。杨宝忠、李慕良等京剧琴师，也都创造出独特的伴奏风格。京剧鼓师白登云，曾先后为京剧名家杨小楼、梅兰芳、王凤卿、谭小培、郝寿臣、程砚秋等司鼓，以技艺精湛、善于创新著称。

综上所述，戏曲乐队的审美特征，以民族性、地域性、创新性为三大支点。而这三大支点，又是紧密结合、三位一体、相辅相成、相得益彰的。

参考文献：

[1]赫尔岑.往事与沉思[A].赫尔岑论文学[C].上海：上海文艺出版社，1962.27.

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关键词：影视音乐； 艺术形式； 审美特性及功能

1．影视音乐发展现状分析

影视艺术的出现，给人们带来了多姿多彩的生活，而音乐作为人们表达情感的最原始、最具活力的艺术形式，使得影视艺术不再作为一种单独的视觉表达，在视听上更加满足了人们多样化的生活需求和感受。

伴随影视艺术的发展，影视音乐也开始繁荣起来，并成为影视作品中的亮点。影视音乐是音乐艺术与影视艺术融合产生的新的艺术形式，影视音乐虽然作为音乐艺术的一份子，但它已经不是纯粹意义上的音乐了，而是服务于影视作品的主题和思想的一种意识表现形式。

现代影视音乐的创作往往通过各种音乐技法和音乐手段来表现，为影视作品专门创作和编配音乐，烘托影视作品中的气氛和情感。当代影视音乐作为影视艺术语言的有机组成部分，对影视艺术作品的鉴定和发展具有不可估量的作用。

2．影视音乐艺术形式特性

影视艺术音乐语言在影视艺术叙事过程中为表达影视作品的情感服务，其美感层次主要体现为渲染美、真实美、情感美、故事美等。音乐本身具有的神秘色彩使影视音乐具有更丰富的内涵，影视画面的具象性与影视音乐的抽象性相结合，使影视艺术作品的进一步升华。影视音乐往往通过不同形式的乐器进行演奏，其审美价值通过多元化的配乐器材、变化旋律和多功能和声来表现影视作品的主题思想、情景以及气氛的烘托。

2.1 影视音乐结构形态的片段性

影视音乐往往在影视作品总体进程的前提下，间断出现，灵活服务于整个影视作品。充分把握画面与声音的协调配合，让音乐在整体结构中间断出现，在影视作品中具有超时空和情感的参与性。

2.2 影视音乐表现形态的非独立性

影视音乐最显著的特点是音乐与画面的有机结合，影视音乐为更好突出影视作品的主题和思想通过音乐来渲染提升影视作品的的整体基调。这种音乐形式并非作为一种独立的音乐存在，音乐与影视画面的有机结合，使得音乐更加生动有力，促进了观众情感与影视画面的互动。

2.3 影视音乐表现内容的确定性

影视音乐的情感表现并非自我的表现，在进行音乐创作时往往受固定故事情节和画面效果的约束，因此，整体来说，影视音乐的内容与主人公和画面效果的整体情感相符合，伴随电影画面，影视音乐的内容具有明确具体的情感表达，表现为强烈的确定性。

3．影视音乐的审美特性及功能体现

影视音乐的审美具有不同于其他音乐作品的特殊本质，它没有完全的音乐独立性和自主性，必须将影视音乐置于影视画面和声音等影视系统背景中进行感悟和思考，才能最大程度上获得艺术审美感受并体现出其功能性。

3.1 深化影视作品主题

任何一部影视作品都有其要表达的主题思想，影视音乐的出现和使用为影视作品主题的艺术表达提供了重要的方法。影视音乐用音乐这种特殊的艺术形式为深化影视作品的主题和思想发挥着重要的作用。在我国当代影视作品中，经常会运用“主题歌”来概括一部影片的主题和思想，这种用以表达影视作品主题思想、概括影片的主题情绪或刻画主人公性格的主题音乐往往是影视音乐的核心，即影视作品音乐发展的基础，在关键时刻采用主题音乐对剧情的发展或主要人物进行烘托渲染，进而深化影片的主题思想。

3.2 塑造影视作品人物形象

影视音乐情感的体现，往往集中于对人物形象的塑造，包括人物的思想情感和心理变化等。观众通过音乐的抒情，进一步了解人物形象，形成对人物的个人感受，影视音乐往往能准确抒发剧中主人公的思想情感，从而加深和强化观众的情感体验。恰如其分的影视音乐可以促进观众对电影故事情节和情感的理解，深入进剧中主人公的内心世界。正如电影艺术作品《泰坦尼克号》的音乐，如同其震撼人心的画面一样已深深铭刻与观众心中。正是因为影视音乐的存在，电影才有了丰富的表现力和情感色彩，人物形象性格特征才更加鲜明深刻。

3.3 描绘影片场景和氛围

影视音乐是影视作品情感的一种延伸，电影中的音乐对整个电影剧情具有推动和调节作用。影视音乐艺术创作最大的特点在于音乐依附画面，音乐和画面共同完成影视作品艺术形象的创作。影视音乐与剧情完美结合才能将影视音乐的特性完整显现出来，音乐的表现必须完全服从影视作品的内容需要，始终考虑到画面和影视剧情的发展，将音乐结构置于影视创作之中。

总之，影视音乐以其特有的艺术表现力在影视电影中承担着重要的功能和作用，影视画面与音乐准确到位的结合，不仅使音乐富有表现力和感染力，也使得画面更具有节奏感和戏剧性，相得益彰。影视音乐展示了音乐艺术发展的前景，因此，研究影视音乐的审美特征和功能是时代的需要，是当代音乐工作者的使命。

参考文献：

[1]. 狄其安，《电影中的音乐》，上海音乐出版社，2008.10

篇9

黑格尔指出：“艺术的本领在于通过想象去把握和玩味感情”。罗丹认为：“艺术就是情感”。真挚与强烈的情感，是艺术作品的生命力所在，没有情感的作品是没有生命力的。白居易说：“感人心者，莫先于情。”艺术家在创造艺术形象时，不能没有审美情感，艺术家塑造的艺术形象，总是把他对于大千世界现象的情感反映凝聚在形象身上。因此，艺术形象是渗透着艺术家的审美情感，带着浓厚的情感特色，体现着艺术家情感的倾向性。高度重视和强调线条的表情功能，是中国画的一个重要特征之一。在中国画中，线条的运用不仅起着描写外物的作用，还能发挥它在描写物象和表现情感功能。如宋人梁楷的《李白行吟图》，在线条的运用上不仅生动真实地描写了李白傲岸超然、自由不羁的性格神态，而且也传达了一种自由奔放的情感。徐悲鸿画奔马，在不同时期创造马的形象都有不同情感态度的表达，解放前，他画马题的是：“天涯何处无芳草。”解放后画马题的则是“：河山百战归民主，铲尽崎岖大道平。”这表明，他在不同时期有不同的生活经历，对马的观赏产生不同的感受以及思想感情。情感活动在艺术创作和欣赏中占有重要地位。中国古代文论对情感的地位和作用一直有论述，《乐记》最早明确提出了情感的表现问题：“乐者，音之所由生也，其本在人心之感于物也”。“情动于中，故形于声；声成文，谓之音。”这里所说的“乐”，包括诗、歌、舞在内，是中国古代艺术的总称，因此，说“乐”是起于人心感于物而产生的情感的表现。《毛诗序》说：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故泳歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。”这里明显地说明诗、歌、舞都是情感的表现，而且在情感表现的强烈程度上，一个比一个更高。画论中也有“感物而动，情即生焉”的论述。上述诸论说明，艺术家的情感和他们的作品是不可分的，情感通过艺术创作得以表现，任何事物在艺术家的笔下都是有情的。古今中外的艺术杰作，都深刻地表现着艺术家真挚和强烈的情感。艺术作品是表现、抒发作者感情的载体，但表达作者情感更重要的目的是实现与观者的情感沟通，用作品在观者心中引起共鸣，达到交流情感的初衷。托尔斯泰在《论艺术》中说：“人们用语言互相传达自己的思想，而人们亦用艺术互相传达自己的感情。“”艺术活动是以下面这一事实为基础的；一个用昕觉或视觉接受他人所表达的感情的人，能够体验到那个表达自己的感情的人所体验过的同样的感情。”艺术作品要供人欣赏，要从情感上打动欣赏者，因此要求作品的情感表现必须清晰、真挚，才会产生深入审美活动和真正的社会效果。在艺术创作中的情感表达是基于对事物的认识，充分利用情感与认知之间的辩证关系，在情感的帮助下，引起观者的情绪，实现情感交流。情感的表现和情感的交流、共鸣等情况是复杂的，因而有不同的性质和不同的类型，是多种多样的。

二、运用“移情”手段加强情感表现

“移情”是艺术创作经常使用的方法。移情是艺术家把情感移入某种对象，让情感与对象合为一体，也就是艺术家对对象富有情感的想象，通过被涂上了情感色彩的事物形象来实现情感的表现和交流，使人在观赏中也沉入对象，进入特定的情感世界。移情现象是普遍存在的一种心理现象，审美移情是审美情感的一种特殊功能，是艺术家进行艺术创作的重要环节和手段，通过移情可以使情感表现更加丰富、强烈。古人早已有所发现“移情”的作用，刘勰说“：登山则情满于山，现海则意溢于海”，这就是“移情”。在艺术活动中，运用“移情”手段进行创作，必须使欣赏者通过作品能够体会到作者的情和意，关键是如何有效地把情“移”入对象，把情感的色彩涂上了事物的形象，使观者看了不仅对作者的情感有所体会，而且还可能引发共鸣。郑板桥画兰、竹、石，寄托清风亮节，不为所屈的情怀。梅花斗雪迎春，兰花幽谷传香，荷花出污泥而不染，清秋独放，这些自然现象，通过艺术家的想象和思考从中揭示出某种社会意义，把自己的情感移入无情的事物之中，表现和加强了作者的情感态度。所以“，移情”在情感表现上是非常重要的。德国美学家、心理学家李普斯是“移情”论的主要代表，他在《空间美学》、《论移情作用》等著作中提出了“移情论”，认为移情分为实用的和审美的，两者是不同的。审美的“移情”，不是指身体感觉，而是把“我“”感”到审美对象里面去，“使自己就在对象里面”，达到我与对象的“完全同一”，也就是物我达到统一。黑格尔称之为人从外界事物中“寻回自我”。“移情”是艺术创造中普遍的心理现象，有其客观根据和内在动因。移情作用的客观基础是一个特定情绪，这种主要对象的审美特征有类似之处。所谓“兴者托事于物”、“心入于境”、“情与境会”，就在于客观“物”“、境”的形态、性质与主观的“心”、“情”具有相似点，所以才能“景以寄情”，“我具物情，物具我情”，发生移情作用，将我的特定情感寄寓到相对应的物中去，并以物抒发我的情感，人可以移情于具有审美特质的自然景物，景物是移情的对象和客观根据，人的“情”进入景物，人的情感就有所附丽，情感也就外化为可供人享受的审美情感了。“移情”的内在根源则是主体的审美感知和审美意识的能动作用。主体对客观事物认识为基础，体味到审美对象的审美特性，捕捉了对象与自己的相似性、同一性，才可能发生移情，抒发和表现自己的情感。此外，移情还要借助联想和想象，从对象中激起“我”的意识，才能使自己的情感对象化和外化，才能移入对象之中，使对象染上“我”的情感。景物本是无情物，而人有情，人情进入景物，才能成为审美情感。如上所述，“移情”有客观根据和主体的内在条件，不可能对任何事物，在任何条件下都会发生移情，移情是受客体的审美特性及其同主体的关系所制约，不是主观随意的。外在的客观事物和人的情感之间似乎有一座桥梁沟通主、客体之间的联系，这个桥梁就是人的认识。认识包括表象活动和思维活动，在艺术创作中，是情感活动推动了表象和思维活动，而表象和思维活动的成果又增强了情感体验，通过移情强化了情感表现。

三、借助理性思维加深情感表现

黑格尔说：“在这种理性内容和现实形象互相渗透融合的过程中，艺术家一方面要求助于常见的理解力，另一方面也要求助于深厚的心胸和灌注生气的情感。”清楚地说明了在艺术创作中，表象运动、理性思维、情感活动之间有着密不可分的关系，是辩证法的生动运用。理性认识不仅是对表象运动的指导，而且也是配合和渗透，在情感表现上更是起到了重要作用。但是思想和认识不能代替情感，一个艺术家不论有多么高深的思想、认识，如果缺乏情感，是决不可能有艺术创造的。中国古代思想道德标准中，只有当它在自然的情感需要作为一个整体，才会被认为是真诚的、高尚的和有价值的。表现在艺术创造上，就要求艺术作品应当把普遍的理性的东西化为个体的情感，认为只有这样艺术才能打动人心，产生艺术特殊的作用。否则，未融化在情感中单纯的理性的东西，不能产生真正成功的艺术作品。从艺术的创造与欣赏的实践经验来看，总是包含着这样两个不能脱离的方面，即一方面要化理为情，另一方面要融情入理。只有这样，才能产生真正成功的艺术作品。儒家极为重视伦理道德和艺术的关系，但它并不把艺术看作是进行道德说教的工具，十分强调艺术对人的情感的陶冶感化作用。这是一个符合艺术特征的重要看法。那种“言情近于议论”以理代情，以理为诗，毫无审美意趣，难于成为品赏对象。艺术所表现的决不是裸的理，而是已转化为情的理。“理”不在“情”之外，而在“情”之内，两者是不可分的。艺术家通过他们的生活和艺术实践，在心灵深处把“理”直接转化为“情”，并表现在作品里，从而加深情感的表现，充分发挥它的感染力，使观赏者动情，这是任何抽象的议论难以做到的。由于艺术家的个性、气质、思想、经历等的不同，由“理”转化来的“情”也是不同的，不会是一般化的、空泛的、重复的、可以到处套用的“情”。黑格尔还认为，艺术不应该只以它的普遍性出现“，这普遍性须经过明晰的个性化，化成个别的感性的东西”。中国古代学者强调“情”和“理”的统一，认为“情”和“理”是融合在一起的。在绘画作品中，从米勒的《拾麦穗》、《晚钟》，苏里柯夫的《近卫军临刑的早晨》，山人的《荷花水鸟图》和郑板桥的兰竹画，都是画家通过人物、景物来表达他们对人民的深切同情，对世态的愤懑和忧伤，这种理性认识融入情感得以有力的表现。“情”和“理”在艺术创作中的和谐统一，使“情”和“理”并不否定或贬低另一方，它们之间是对立统一的关系，既要看到统一的情况，也要注意矛盾冲突的情况，有了矛盾冲突才会有发展，才能突破原来和谐上升到新的更高的和谐，出现新的、更具感染力的作品。

作者:赵培源 单位:四川建筑职业技术学院

参考文献：

[1]黑格尔：《美学》第一卷、第三卷，商务印书馆1996年版。

[2]黄宗贤：《视觉研究与思想史叙事（上.下卷）》，广西师范大学出版社2013年版。

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关键词:舞蹈题材绘画 动态特征 审美特征

舞蹈题材绘画起源于史前时期，是早期的艺术形式之一。新石器时代出土的舞蹈纹盆就已经开始彰显出舞蹈题材绘画的魅力。中外的很多画家成功地创作出以舞蹈为题材的大量绘画作品，如中国汉代的画像石、画像砖和墓室壁画等。在西方，舞蹈的盛行使古希腊雕塑取得重大成就，卡尔波的雕塑《舞蹈》就是这一题材的作品，勃鲁盖尔的油画《农民的舞蹈》、劳特累克的《红磨坊的舞蹈》、雷诺阿的《红磨坊街的露天舞会》、德加的《舞蹈课》著名的系列作品、毕加索的《三个舞蹈者》，其中有描绘单人独舞、双人舞的作品，也有描绘宏大的群舞场景的作品，这些作品不仅表现出了舞蹈本身的动态美、韵律美，而且呈现给我们不同时期舞蹈以及绘画艺术的特点。

一、舞蹈题材绘画的特征

1.叙事性和愉悦性特征

舞蹈和其他艺术一样，都是反映人类社会生活的一种社会意识形态。当用诗、歌、音乐都不足以表达情感的时候，便“手之舞之，足之蹈之”，人们通过这种手舞足蹈来抒发愉悦的情感，艺术家通过艺术作品记录和表达这种愉悦感之时，舞蹈题材绘画便具有了叙事性和愉悦性的特征。黑格尔说：“只有从心灵生发的，仍继续在心灵土壤中长着的，受过心灵洗礼的东西，只有符合心灵的创造品，才是艺术作品。”诚然，舞蹈题材绘画正是如此。

意大利画家波提切利的《春》描绘了神话故事中优美的舞蹈场景：早春的清晨，幽静的果林里，端庄妩媚的维纳斯右边，优雅的三位女神身着薄如蝉翼的纱裙，正携手翩翩起舞。作品通过流畅轻灵的线条，以及人物富有音乐美感的舞蹈动态，表达了对人性的赞美，画面富有优雅、充满生命活力的美感。

2.宣泄性特征

情感宣泄特征在20世纪现代主义画家中体现得尤为明显。如马蒂斯、蒙克、毕加索等。舞者欲向观众倾诉自己，画家意欲将自己和所描绘对象的情感表达在画面中，让观者去解读和感知自己的情绪。画家既是舞蹈的欣赏者，同时也是再现舞蹈、传达舞蹈情感的主导者。蒙克的《生命之舞》描绘的是海边人们群舞的情景，画面中人物的动态各不相同，描绘了人物内心世界的变化，强烈地传达着画家的情感，人物的形体比例、衣着上的细节被简化，通过夸张的艺术手法和象征性的色彩，将舞者对爱情的希望、欲望、失望表现得淋漓尽致。

3.装饰性特征

舞蹈本身的优美、壮美以及稚拙美在画面上起到装饰、美化的作用，在当代的装饰绘画和壁画中体现得尤为明显，敦煌壁画中的飞天，衣带飞舞，使舒展的人体也变得轻盈、潇洒、飘逸。人物外形的美以及内在气质的美，都在飞舞的那一刻凝聚。当代女壁画家权正环的《华夏之舞》，用墙壁绘画的形式将一个个飞舞、伸展的体态用优美、流畅的曲线描绘了下来，不仅装饰美化了环境，而且对民族舞蹈、民族文化的传播起到了宣传作用。

二、舞蹈题材绘画的审美特征

1.升华的艺术美

舞蹈者的身段、轮廓和线条具有不可复制的美感，这种自然美的表达无需借助其他道具。舞蹈题材绘画的艺术美创造并不是对生活中舞蹈场景的照相式的简单复制，而是要将舞蹈的美感、情感以及节奏感、运动感，通过夸张手法和精湛的技巧在艺术作品中实现高度的统一。

有“舞蹈女演员画家”之称的德加，创作了大量表现芭蕾舞场景的作品。《舞台上的》是德加最为著名的一幅作品，这幅画采用了倒侧三角构图，表现了舞蹈的新奇、惊险之感。画家把这种动感的美，通过灿烂的色彩和富有表现力的构图定格在静态的画面上，实现了画面内容与形式的统一，给人以强烈的美感享受。

2.造型的视觉美

无论是绘画作品还是雕塑、摄影作品，欣赏者都要凭借感官来欣赏造型语言所带来的视觉美感。法国雕塑家罗丹说过：“没有一件艺术作品，单靠线条或色调的匀称，仅仅为了视觉满足的作品，能够打动人的。”舞蹈性绘画更是如此。舞蹈是舞者对事物之美的体会和认知，更是他们生命力的释放和外化。只有艺术家把视觉形象用绘画的形式语言在作品中描绘出来，并带给观者以视觉愉悦和情感共鸣时，它才是成功的艺术作品。

黄胄的《新疆舞图》系列作品以独舞和群舞为主要内容，其作品构图宏大，色彩热烈，线条粗犷奔放，生活气息极其浓郁。黄胄画画速度极快，画面上洋溢着一种奔放和自由。他用流畅舞动的线条将舞蹈形象以可视的画面完美地展现出来，具有强烈的视觉冲击力和艺术感染力。

3.瞬间的永恒性

绘画选取最典型、最有表现力的瞬间形象，形成静止的画面。这种画面是有生命力的，它可以引起观者的想象和联想，甚至共鸣。将舞蹈的瞬间性定格在永恒的画面中，这在一定程度上打破了时间和空间的局限，它可以在有限的画面中，表现出更多画外的内容和情感。

法国雕塑家卡尔波的雕塑作品《舞蹈》，描绘的是翩翩起舞的群舞场景，卡尔波捕捉到舞蹈中的精彩瞬间，同时又融入自己对舞蹈的热爱和理解，通过自己的笔触和色彩，把转瞬即逝的视觉形象呈现在画面中，实现了瞬间性动态与画面永恒感的统一。

4.动态的表现性

舞蹈题材的绘画一方面用透视、色彩、形体、光影等手段，营造出视觉上的立体感和逼真效果，再现出画家对舞蹈场景的基本感受；另一方面艺术家又通过绘画作品来表现他们的思想情感与审美需求。不仅要表现舞蹈者的气质美、动态美，还要把对表现对象的感受以夸张甚至变形的方式表达出来。亚里士多德曾说过，“画家所画的人物应比原来的人更美”，通过人物的肢体动作，人物的表情、衣饰的夸张表现，艺术家可将舞蹈的艺术美感充分表现出来；通过对背景的处理，加上画家独特个人艺术风格的融入，最终实现再现性与表现性的统一。

马蒂斯的油画作品《舞蹈》以民间舞蹈为题材，描绘的是群舞的舞蹈形式，人物形态各异。画面中忽略了具体的细节描绘，通过富有表现力的色彩和形体表现出和谐的美感。马蒂斯自己说：“我极为喜欢舞蹈，舞蹈是一种惊人的事物：生命与节奏。对我来说，生活中的舞蹈是令人适意的。”也正是舞蹈成就了他画面上不息的生命力和感染力，具有强烈的表现力。

舞蹈题材绘画用舞蹈的动态形象，引起欣赏者的情感触动，达到以情感人的艺术效果。刘海粟先生说过：“美的要素有二，一是形式，二是表现。”舞蹈中的人体本身具有形式的美感，而内心情感的表达又赋予舞蹈绘画以精神意蕴之美。舞蹈绘画本身内容和形式丰富，只有实现了绘画形式和表现的统一，才能使艺术作品具有鲜明的艺术特征和恒久的生命力。

参考文献：

[1]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2007.11.

[2]林钰源.构图学[M].北京：高等教育出版社，2006.5.