艺术审美特征范文

导语：如何才能写好一篇艺术审美特征，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

自20世纪中叶，欧美等国一些建筑师和艺术家提出“环境艺术”或“环境意识化”的概念以来，人和空间的关系就被提到了首要位置，在对待与环境相关的建筑、雕塑、壁画等艺术时，壁画家不再孤立地把壁画作品作为目标，而是从文化和审美的视角来关注人们的生存空间，将环境与艺术作为一个整体进行综合性的设计。作为公共艺术的壁画，从设计开始就与环境产生了密切的联系，它必须通过建筑才能实现自身的价值，也只有与建筑物及其环境在空间比例尺度上的和谐才能产生美感，这就提出了壁画设计在尺度把握上与建筑空间的关系的问题。首先，整体考察建筑空间及其空间界面关系是确定壁画尺度的基本前提。空间是由建筑结构体系形成的，建筑空间的长、宽、高正如空间的形成一样，都直接和建筑物结构体系的性质有关，形成内部空间和外部空间两个概念。内外空间由诸多复杂的面构成，如天顶、墙面、地面、柱和门窗以及楼梯等，它们均形成互相连接的空间，划分为垂直的、水平的和彼此交错的空间界面，在视觉上形成规则形墙面和不规则形墙面，直接或间接地影响着壁画的画面结构，制约着壁画面积的尺寸，这就要求壁画的设计必须因势利导地顺应各种具体结构形态，同建筑的结构逻辑之间保持着内在联系。

同时，也要巧妙地利用墙面上那些内在要素（门窗、洞孔）的规律性，使之既不影响内外空间结构又能弥补建筑的缺陷，整体思考壁画尺度与建筑空间比例的关系，取得和谐统一的尺度美感。其次，把握好壁画尺度与视距的关系。视距指人们欣赏艺术品的视觉距离，欣赏作品获得的视觉美感一方面靠画面的内容和形式，另一方面靠视距来调整，才能产生完整的视觉效果。建筑结构不同，空间关系也就不同，提供给壁画家设计的墙面也就千差万别。面对这些理想或不理想的建筑空间，就要求设计者在不破坏建筑结构的基础上因地制宜，在尺度确定方面既要考虑壁画与空间界面的关系，又要考虑观者视距的需要，对壁画进行整体而巧妙的设计，使作品在保持完整性的同时给人以赏心悦目的审美感受。因此，在壁画设计中对尺度的把握不能脱离实际情况而一味追求抽象的、绝对的、理想中的尺度比例，要与建筑的实际空间和观者的审美心理结合，进行深入研究，试验不同尺寸下的比例效果，遵循“尺度产生美感”这一美学原则。

二、材料与美感

自然造物给视觉艺术提供了丰富的材料资源，不同材料体现出不同的质地。从材料的原始状态来看，材料本身已具有了原始美感，加上艺术化的设计与工艺制作，材质美在壁画设计中就更为明显地具有了独立的审美价值。壁画具有实体性，构成实体的物质材料本身便成为壁画作品呈现的一个方面，材质对壁画来说不是外在的，其表现力既体现在内容的表现上又体现在形式的构筑中。作为物质实体，壁画材质自身所具有的审美价值十分重要，材质能够直接作用于触觉，通过触觉，材质的冷暖、硬软、光洁和粗糙能直接作用于人的视觉，产生审美感受。在壁画所使用的材料中，无论是金属、石材、木质、陶瓷，还是纤维等材料，都有不同的特性，显现出各自特有的材质美。然而，在关注材质自然属性的同时，也应该看到现代壁画是工艺与材料相结合的艺术，尽管可选择的材料很多，每一种材料都会显露出自身所具有的美，但首先要了解的是材质美在人们视觉心理中的审美作用，审美价值与材料价值绝不可等同。

物质属性转化为审美属性并非单纯是由材质纯自然的实际存在引起的，应该认识到开发材料的审美特征也是一种艺术创造，是设计者在充分显现材质本来属性的同时，经过艺术的纯化过程产生出来的，是艺术地选择和创造的结果。材料的多元化与多样性是现代壁画艺术的一个显著特性，现代壁画艺术向着多种材料与多种工艺手法发展，这种趋势伴随着建筑的发展愈来愈明显。材料的品种与工艺手法的扩展，进一步丰富了建筑与壁画的有机结合，从而也不断强化了人们认识现代壁画的艺术特性与审美方式。材料天然存在的魅力与壁画家艺术创造的结合，传递着艺术家的意志与观念，产生了视觉和心理功能的变化和美学上的效果，材料不仅是壁画艺术表现的媒介，而且材料工艺的美感也大大丰富了建筑的整体造型语言。因而，对材料自然形态美的认识，对材质审美价值的发掘以及与建筑空间环境的结合，共同构成了现代壁画的材料观念。

三、形式与美感

篇2

一.演奏艺术的审美特征实际上是被听觉赋予的审美

人们在欣赏演奏艺术的过程中通常都是“听”而得到的，主要是因为演奏艺术通过声响来传递主要的情感，乐音是演奏艺术的重要素材，在这个过程中需要配合多种音乐要素以及不同的表现手法进行表达。显然，在整个过程中，“听”实际上是整个演奏活动传递的重要步骤，也是首要因素，因此，如果想要从根本上了解演奏艺术的特性，我们必须要将听觉带给人们基本的外显以及表征尽心理解和把握，从而进一步由浅到深去了解高级的审美体验。

1.听觉对于演奏艺术的重要性。艺术与科学等不同于人们的其他实践活动，最重要的原因就是一个人如果想要真正去得到艺术的享受以及审美的愉悦就要亲自参与到活动之中，只有人类自身的实践才能够从艺术中体验到美感。在演奏艺术中，人们参与其中的重要手段就是“听”，人们通过“听”这一活动去感受音乐旋律以及音符的跌宕起伏，人们通过“听”在大脑中产生反应，通过音调、音色等不同的要素进行对艺术的判断和再次组合，给人们带来音乐的体验和感受。因此，对于演奏艺术的审美体验，听觉是必要的，听觉能够帮助人们对音乐旋律进行判断体验，得到审美体验。

2.听觉引发的内心的感知。演奏艺术的审美特征对于人们而言，只有在进行审美活动的过程中才会接触到，实际上对于演奏艺术审美真正的开始是从感知演奏作品开始，当一个人的听觉开始为人们的大脑带来演奏的认知和感受之后，人们才能够从大脑的一系列想象开始进行审美的实践活动之中。而对于演奏的感知，是需要通过大脑进行记忆、分析的，在演奏艺术在人们的内心进行更为深刻的心理活动时，就变为一种对于演奏艺术更加积极主动的审美的心理活动。演奏艺术的审美体验是必须要通过人们进行“听”的活动，然后进行深度的心理感知的活动。

二.演奏节律带来的的审美知觉

在演奏艺术中给人们带来审美知觉的重要因素就是演奏作品中的音乐的构成要素，实际上就是音调、音色、响度，人们通过对音高、节奏、节拍、速度、力度、音程、音阶等对演奏进行美的体验，局部的特征是不能完全把握其中的审美的，只有在对个体了解的基础上对演奏作品的整体进行把握，才能够真正体验完整的音乐印象和总体的知觉。

1.音响。演奏艺术不是简单的声响的组合，而是通过特定的规律和创作的手法进行组合排列的，音乐音响的构成具有特殊的组织规律，对演奏中所包含的各种元素有机地组合和安排会直接影响到音乐的表现，同时也会直接作用于我们对演奏艺术的感受。

2.变化的节奏。显而易见，节奏对于塑造演奏的主题形象来讲是重中之重，不断变化的节奏会直接影响演奏中的不同效果，相同的一首曲，在不同的演奏节奏中就会产生不同的审美感受，演奏者可以通过对音乐进行适时地改变主题形象的性格，增长音乐情趣。例如，广东汉乐筝曲《昭君怨》，如果利用重复和缓慢的节奏就能够将昭君的怨以及哀伤的情绪同时表达出来，是人么能够从中体验到两种不同的感受，使得人们心情能够随着演奏的激动起伏，感受到作品中所流露出的思乡之情。也就是说，在演奏艺术中，节奏对于演奏的作用是其他要素不能够代替的，不同的节奏变化能够为人们带来不同的感受和体验。

三.情感带给演奏艺术的审美想象

演奏艺术具有较大的力量，能够激发人们的情感、，在演奏艺术的熏陶下，人们可以展开丰富的想象，不断去净化我们的心灵、陶冶我们的情操。但是这些活动只有在演奏艺术的情感传达中实现，通过情感的共鸣，人们才能够从中体会到独特的美，从而激发人们的情感，满足人们的精神需求。

1.演奏艺术的抒情性。音乐的演奏实际上可以被看作是一个抒情的过程，演奏艺术就是被人们用来表达和传递情感的。相对而言一个人利用文字、绘画等活动来表达自己的情感和思想都没有演奏音乐来表达的淋漓尽致，音乐在这个过程中变成了整个思想以及情感的载体，在思想和情感在和他人分享的过程中，听众对于音乐的体验和情感的体验都是通过音乐来传达的。换句话说，演奏艺术是一个情感表达的过程，在演奏中如果没有情感，是不能够成为高级艺术的。

2.旋律带来的联想。演奏艺术中的情感是需要受众去用心感知的，在对演奏艺术进行感受的过程中，人们实际上也在不断利用想象和联想进行感受演奏艺术的美。在演奏艺术中，促进人们进行联想和想象的过程中，演奏的旋律就是情感变化和表达的载体，通过旋律，我们才能够从音乐中体验到美的享受，才能够有一定的情感的载体。不同的旋律都有着演奏者不同的情感蕴含在中间，根据不同的心理体验，听众才能够有不一样的心理感受。

篇3

【关键词】舞蹈艺术；审美特征

中图分类号：J701 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）11-0142-01

舞蹈表演结合了肢体语言、音乐节奏的变化以及丰富的情感因素，因此使得舞蹈艺术的展现丰富多样，也使得舞蹈艺术得以广泛传播。舞蹈艺术的审美特征体现了舞蹈作品的艺术高低，而为了更好展现舞蹈艺术的审美特征，就要增强对艺术创作的创新力，无论是题材主题的选取，还是情感因素的融入，都需要标新立异，给予舞蹈艺术绝佳阐释。

一、舞蹈艺术的独创性

独创性是舞蹈艺术的一个重要审美特征，同时独创性也赋予整个舞蹈作品独立空间，要求舞蹈艺术的题材以及主题都必须能够展现出与众不同，能够体现出舞蹈艺术的新意。这就要求作者在舞蹈艺术创作构思环节必须要重视创新，改变原有死板硬套的方法，突破固定的舞蹈艺术创作模式，只有创新才是舞蹈艺术得以永存的条件，并让舞蹈艺术获得更多人的欣赏，使得欣赏者获得良好的审美感受。

另外，独创性还赋予舞蹈作品极强的延伸力。站在舞蹈艺术本质的角度对美感进行分析，主要体现在舞蹈艺术新作品必须要在意料之外和情理之中，这样才能够让广大观众对这一新作品产生良好的审美感受。在一个舞蹈作品当中，主题思想是十分关键的，而在舞蹈创作手法的切入之下也更加真实而感人。广大舞蹈工作者必须要秉承舞蹈艺术的创新精神，无论是在创作还是演绎方面都要体现出舞蹈艺术审美特征当中的独创性，让舞蹈的魅力真正绽放。

二、舞蹈艺术的抒情性

抒情性是舞蹈艺术审美特征的一个关键点，也是拓宽舞蹈艺术范围的有效手段，无论是舞蹈的创作还是表演都要融入抒情性特征，这样才能够使得舞蹈艺术形式更加生动和独特。舞蹈艺术的支撑是人体的动作，但同时也会对舞蹈情感的表现产生一定束缚，因为舞蹈和语言及表演是大不相同的。人体动作需要跟着音乐节奏的变化进行规律性的变化，在这一过程当中必须要融入真实动人的情感，运用肢体动作来表现内心感情，并将舞蹈艺术作品当中的情感用动作的形式传递给观众，这样观众才能够获得美的享受。肢体语言是舞蹈艺术表演特征的绝佳体现，而音乐节奏以及韵律又能让舞蹈艺术能够连贯表达，不断美化肢体动作才能够促使情感的融入。舞蹈艺术的表演形式主要是通过音乐节奏来营造，并通过设置的相应场景为舞蹈提供自由发挥的舞台，为了避免台词缺失对舞蹈情感的束缚，要求舞蹈工作者需要对舞蹈作品进行多层次的揣摩和反复演绎，用肢体语言为观众带来舞蹈艺术的审美魅力。

三、舞蹈艺术的技艺性

舞蹈艺术主要是通过肢体语言进行阐述的，而且目前舞蹈题材以及主题数量都大大增加，这就要求舞蹈艺术能够全面提高，从而更好地满足观众的审美需求，而舞蹈艺术的技艺性就是实现舞蹈艺术蜕变的关键因素。舞蹈作品的内容往往是日常生活以及神话传说，而舞蹈主题的突出和表现就需要高难度的舞蹈技艺对其进行升华。舞蹈的技艺性需要通过表演者完成，这就要求表演者掌握高超的舞蹈技巧，尤其是在表现高难度动作时更要体现其技艺性。同时，舞蹈动作的设计以及场景的布置也要体现出舞蹈艺术的技艺性，细致全面地展示舞蹈艺术结构，突出人物的主要特征，从而有效地塑造艺术形象，不断提高舞蹈艺术的美感。随着舞蹈作品技艺性的提高，给观众带来的震撼效果也会增加。

四、舞蹈艺术的综合性

舞蹈艺术不是一门独立的艺术形式，并不能脱离其他艺术而存在，舞蹈艺术的发展已经逐步演变成综合性的艺术门类。舞蹈艺术的审美特征突出和强调了综合性，主要原因在于舞蹈艺术源于生活，而它的美也体现于生活中各式各样的事物。在体现舞蹈艺术的综合性时，不单单要结合不同的艺术形式，更主要的是要将音乐元素、文学元素等变成舞蹈艺术不可或缺的内容，在舞蹈本身结构的基础之上，通过多种艺术形式的融合使得舞蹈艺术获得质的飞跃。舞蹈作品的内容、人物等都会影响到舞蹈艺术风格，而且形成的综合性也会有高有低，只有全面了解舞蹈作品艺术构成，才能真正展现出舞蹈艺术的综合审美特征。

舞蹈艺术之所以能够得到广泛传播，究其原因，在于舞蹈艺术具有极强的审美特征和极佳的艺术表现形式，舞蹈艺术能够充分满足人们的审美需求，同时也能给人的心灵带来震撼。舞蹈艺术的审美特征是决定其是否成功的主要因素，这就要求舞蹈创作者和表演者需要牢牢把握住作品的审美特征，让舞蹈艺术完美绽放。

参考文献：

篇4

关键词：    歌唱艺术    审美特征    

 

    探寻歌唱艺术的审美特征，展示歌唱艺术的独特魅力和美好感受，体现歌唱情感表现的自我创造与需求，塑造感人的歌唱艺术形象，构筑理想的艺术境界，追求震撼人心的艺术效果，对于歌唱艺术的发展具有十分重要的意义。

   一、对歌唱艺术审美的认识。

在音乐艺术中， 歌唱的审美是歌唱者对歌唱艺术美的一种感受和体验。任何人对现实生活中美的生活、美的事物以及对美的艺术的欣赏都是一种审美活动。相比较之下，歌唱艺术在展示其审美功能的方法和形式上是极其独特而富有魅力的。因为歌唱艺术美的构成法则，不仅在于歌唱审美的功能与价值上，而且还在于它充分体现了人类情感表现的自我创造与追求。从美学角度来看,无论西方美学强调音乐形式属性的“听觉艺术”、“情感艺术”，还是中国古典美学的“心声结合”与“心物结合”、“听觉——心觉”艺术，作为艺术审美对象，歌唱艺术其审美价值都存在于整个审美活动过程 —— 审美感受和审美体验中。也就是说，声乐艺术作品不是离开主体独立存在的，它的价值“正在于它以其感性存在的特有形式呼唤并在某种程度上引导了主体审美的自由创造”。“它在本质上是一个问题，一句向起反应的心弦所说的话，一种向情感所发出的呼吁” 。歌唱艺术正是这样一种人类心灵对世界感应的产物，是以歌唱声音为物质材料的人类精神唤醒、生命升腾的展开形式，是一种“有生命力的形式”。歌唱艺术以它独有的魅力，从审美创造到精神愉悦，在广阔无垠的音响空间里，回荡着激情昂扬、细腻深情、如泣如诉、扣人心弦等美妙动听的声音。没有哪一种艺术能像歌唱艺术一样，拥有如此众多的热爱者、参与者和审美从众者。这就要求在声乐作品的演唱中，必须渗透着歌唱者的审美感受和情感体验，歌唱者只有在歌唱时把自己所有的情感都倾注在作品之中，把自己对作品的理解、审美感受和爱憎情感，通过歌唱形式全部呈现给听众，才能使听众从中得到美感和享受。

歌唱艺术作为人声音响的美，它是以文学作品的语言美、音乐作品的旋律美、歌唱的声腔美、表演动作的形态美和乐器的伴奏美为基本构成要素。在一般的音乐审美活动中，欣赏者是审美的主体，音乐是审美的客体，而在歌唱审美中，歌唱者扮演着审美主体的特殊角色，他既是一个优秀的审美者，同时又是美的声音的创造者，歌唱者只有具备高超的审美能力和歌唱水平，才能创造出美的歌唱声音，为听众提供美的审美音响材料，使听众获得美的享受。可见，歌唱艺术的审美感受和体验是具有一定审美态度和超越意识的主体，在以某种感性存在的特有形式（客体）的呼唤下，经过生理愉悦到精神愉悦乃至精神升华的心理感应过程。它包括了生理和心理两个方面的因素，是美感经验的基础和出发点。在生活中，我们都有这样的感受，比如当你听到某一位歌唱家的歌声以后，在未听清楚歌词与旋律时，就已经被他那明亮清脆、悦耳动听的声音深深地感动了，当你听到某种不同的声音时，就会产生不同的感觉，有些声音会使人产生兴奋或轻松的感觉，有些声音会使人产生忧伤的感觉，有些声音仿佛使人感到微风拂面，十分美妙，并在很短时间内就可以激发我们对歌声美的感受。因此，研究和确立正确的歌唱审美观，形成正确的歌唱审美感受，对于一个歌唱者来说是十分重要的，应当引起广大声乐教师和歌唱学习者的高度重视。

二、歌唱声音的审美特征。

根据多年的教学实践，笔者认为，学习歌唱的人，首先要充分认识歌唱声音审美的重要性，应当从一开始就要注意形成正确的声音审美感受。歌唱者对声音的审美感受，实际上是根据自己以往形成的听觉经验，依靠长期积累的声音形象，在内心构想出实际的艺术形象，并产生一种愉快的心理体验。实践证明，“如果单纯追求生理方面的感觉，歌唱的声音就会缺乏美感，似乎只是一些纯技巧性的肌肉声，是一种没有任何表现力的声音”。这样的声音是毫无价值的，是不会打动人的心灵的，更不会使听众得到美的感受和享受。因此，歌唱者必须建立良好的声音美感。歌唱者只有把声乐作品深刻的思想内涵和美好情感融入到自己的歌声之中，他的歌唱才能具有美感，才能产生更强的艺术感染力，才能引起听众的共鸣，打动听众的心弦。

篇5

关键词：古典；艺术；审美；特征

贯穿整个古代史的美学思潮是和谐思想，所谓和谐，就是主体与客体、人与自然、个体与社会、内容与形式在实践的基础上和谐自由的关系。古典主义艺术就是以这种关系为基础的和谐美的艺术。在和谐美的艺术中，主观与客观、再现于表现、现实与理想、情感与理智、典型与意境、内容与形式、以及形式构成的诸要素，既相互区别对立，又相互联系，相互渗透，相辅相成，组成一个均衡、稳定、有序的统一整体。它平稳、舒缓、宁静，给人的感觉是轻松愉快、毫不费力的，像黑格尔所说，就像坐在自己的家里那样自由自在。作为一种艺术的类型和美学的表现形态，古典主义艺术的审美特征表现在这样几个方面：

一．主体与客体、再现与表现的素朴的和谐统一，要求在表现艺术中有丰富的再现、模拟、写实的因素，在再现艺术中有浓厚的表现、抒情、写意的成分，再现与表现水乳般的融合在一起。古希腊诗人摩西尼德斯把绘画称为“无声的诗”，把诗称为“有声的画”。直到文艺复兴的达·芬奇还说：“画是嘴巴哑的诗，诗是眼睛瞎的画”，本来诗与画是两种不同的艺术形式，诗在语言艺术中是属于表现、抒情的，画则是典型的再现，但是在这里诗和画这两个概念又超出它狭隘的题材范围，扩大和上升为深刻的美学范畴。诗相当于表现，画相当于再现，“诗中有画，画中有诗”也就是表现中有再现，再现中有表现。抒情的诗和模拟的画在古典和谐美的时代，有一个共同的审美本质，这就是坡说的“诗画本一律”，也就是再现与表现在古典美的时代所特有的一种素朴的辩证的和谐结合。

二．理想与现实的单一的、素朴的统一。它一方面满足于现实的理想，不追求现实之外的东西，另一方面又认为具体存在的现实美是不充分的，需要把现实中分散的美挑选出来，集中概括起来，来创造一个兼具众美的范本式的形象。这样创造的古典和谐美，既是现实的，又是理想的，它是现实的，因为它的组成元素都是现实中可以找到的，不迷恋于现实之外的幻想；它是理想的，因为没有任何一个具体的现实事物的美可以符合它，可以达到它。对个体的现实美来说，它是一个理想的范本。

三．情感和理智、想象和思维的和谐统一。客体的再现与理智、思维直接相关，主体表现更多的诉诸情感想象。古典和谐美艺术，再现与表现，主体与客体的和谐，也制约着情感与理智、想象与思维的和谐统一。苏格拉底即要求“塑造优美的形象”又要求“描绘人的心境”，“表现心理活动和精神方面的特质”，亚里士多德也是既强调模仿和认识，又重视悲剧的情感净化作用。艺术的再现与表现，与时间和空间紧密相联。一般的说偏于再现的艺术，侧重在空间展开，时间凝练在空间上，时间空间化了；偏于表现的艺术侧重于在时间中运动，空间随时间流转，空间时间化了，偏于再现的艺术重客观的物理时空，偏于表现的艺术重主观的心里时空。古典主义美学由于要求再现与表现的的和谐统一，既重视时间的空间化，又重视空间的时间化，既重视客观的物理时空，又重视主观的心理时空，总之，强调时间与空间的均衡和谐。西方古典艺术偏于再现与空间，它以再现、感性、空间为基础结合表现、理想、时间的因素，它的趣味是把时间空间化，它的时间因素在空间的动势中暗示出来，它把对象按自然的、感性的、认识的原则来组合结构。

四．内容和形式的统一。亚里士多德早就强调内容和形式诸因素有机统一的整一美，直至布瓦罗的《诗的艺术》，还在说：“不管写什么主题，或庄严，或谐谑，都要求情理和音韵永远相互配合”。西方艺术本来是偏于再现 、内容和理智的，从《诗学》的模仿说，到文艺复兴的镜子说，都在不断的论说这一点，但美在形式和谐的观念却是从毕达格拉斯学派，经亚里士多德，直到康德的《判断力批判》的一个传统的理想，被人称为形式派的美学。这种本来偏于内容，却强调形式的现象，正是为了强调内容美和形式美的和谐统一。

古希腊、古罗马和中世纪的艺术都鲜明的体现出这种和谐的思想。

古希腊神话包含着丰富的和谐思想。这种思想最鲜明的表现就是宇宙大和谐的思想。人跟自然的和谐是原始人的目的，人跟神的和谐是实现目的的手段。原始人把想象中的神话世界当作真实的世界，认为自然跟人的和谐与不和谐，都是控制自然的神使然的。人跟神是同源的，存在和谐的基础，人只有通过对神的信仰和与神的沟通，才可以使神驱使自然为人类服务，形成人、神、物统一的宇宙大和谐。所以，古希腊神话凝聚了人跟自然的理想关系，凝聚了人以和神通神为中介达到跟自然协调统一，形成宇宙和谐格局的理想。这是古希腊神话最为根本的美学意味。

古希腊神话大多综合的反映了人认识与支配自然与社会的现实与理想。从有关自然与神产生的神话中可以看出，宇宙随着神的产生而产生，不仅各自有产生的有序性，总体的整一性，相互间还有着严密的对应性，反映出原始人对宇宙系统、神普系统及其统一的和谐意识。有关人产生的神话认为，人是普罗米修斯用隐藏着天神种子的泥土捏塑而成，表现了人神同源的思想，表明了希腊人的和谐意识由物的和谐、物神的和谐到神人和谐的逻辑发展。有关神统的神话对应着宇宙物统、社会人统的层次与秩序，表明古希腊人在人神和谐的基础上，形成了神统、物统、人统完整的宇宙大和谐意识。

篇6

表现性是与再现性相区别的一个基本审美特征，它是中国的书法艺术所独有的。所谓再现性，是指艺术家通过对客观事物的描摹而幻化为自身情感，当然这种情感侧重于艺术家对客观事物直观、形象和具象的描绘，着重反映对象的客观性和具象性特征。表现性则是指运用艺术手段，表达艺术家主体的情感体验和审美理想，它基本不受客观事物、客观创作条件和技法的约束，强调艺术创作的自由心境和自在状态。概括地说，再现性侧重于客观描摹，表现性侧重于主观情感的表达。

更为重要的是，书法艺术的表现性更强调通过作品笔墨线条的夸张、变异与抽象表达来达到其高度的精神需求，它所反映的是艺术线条的高度情感化和符号化。这在魏晋以降的文人书法中体现得尤为明显，大草和狂草艺术尤其如此。诸如王羲之、颜真卿、张旭、怀素、黄庭坚、徐渭等人，都是书法表现主义的重镇。兹以晚明徐渭为例。徐渭的狂草，是非理性主义的产物，而这种非理性主义主要是基于对现实强烈不满的情感本体而产生的，徐渭既是非理性主义的代表，也是表现主义的代表，他将书法的表现性审美特征发挥到了极致。

书法的表现性是通过时空一体化的线条结构形式而体现的。书法之“线”，在这里主要指用毛笔和墨在纸上所划出来的汉字字形，它是具体的，同时，它又是抽象的，它所展现的是对生命意识、对人的艺术理想意味的非具象描述。而这种“意味”，是隐藏在事物表象背后，并赋予不同事物以不同意味的东西，它既是具象的，又是抽象的。西汉学者杨雄云“书者，心画也”，这个“心”，可谓抓住了书法形象特征的本质、本源。书法的“线”是书之“心”所寓之物，或者说，这“线”即是“心”的抽象与概括，书法的线条显然不是具体事物的具象描述、再现，而是个体事物在“心”的运作之后的抽象，①从这个意义上说，可谓与“心”同构。换句话说，书法的“表现性”，强调的是主观感情，不循规蹈矩，不机械模仿，不求绝对真实效果，而应当把扎实的基本功隐藏在背后，并能充分地运用书法艺术的各种符号形式去表达自己的思想和意趣。所以，我们说书法线条的抽象是书法艺术形式语言的基础，其根源则来自于中国人“天人合一”的审美思维和“物我一体”“纵横通会”的直觉体验传统。也可以说，书法的表现性，精妙地体现和诠释着中华民族“天人合一”的审美思维。

书法艺术的抽象性，不仅具有民族性，而且具有一种普世性。所谓普世性，是指其作为一种纯艺术的基本特性。如著名美学家李泽厚所说，中国书法的线条结构“其秘密正在于它把象形的图画模拟，逐渐变为纯粹化了（即净化）的抽象的线条和结构。这种净化了的线条——书法美，就不是一般的图案花纹的形式美、装饰美，而是真正意义上的有意味的形式”②。可以看出，李泽厚之所谓“真正意义”不是从民族艺术的狭隘立场上，而是从人类文化的大美术立场上而言的。这就表明，书法艺术的抽象表现性，是超越历史、超越民族界限的，这种纯艺术的本性，并不因历史由传统向现代转型而失去价值。所以，抽象表现性是中国书法保持其本体精神的元素。

书法艺术的表现性，又主要是通过书法艺术的抽象美来体现。抽象美是书法区别于绘画的具象美的重要审美特征。

这里所说的抽象，指的是书法不像绘画那样，着意于表现大自然事物的具体形象，而是对汉字的表现，而汉字又是对自然事物的抽象。汉字产生的基础是象形，但象形文字却是以抽象的线条来表示事物。在汉字的发展历程中，随着象形文字和形声文字的不断增多，汉字字体的抽象性就更为突出，致使书法以汉字点画和结体为基础的整幅作品具象性质的不确定性加重。这样，书法家凭借文字点画线条和结体本身的形象，所创造的就是一种特殊的形式。这种形式由于不表现具体事物的形象而具有显著的抽象性，但它却不同于文字那种只有符号意义的抽象性形式，而是一种“有意味的形式”，即艺术的形式。正如英国文艺美学家克莱夫·贝尔在《艺术》一书中所说，“线条、色彩在特殊方式下组成某种形式或形式关系，唤起我们的审美感情。这种组合所产生的美感形式，我们叫它做有意味的形式”“艺术则是有意味的形式的创造”。“有意味的形式”表明，书法艺术除了具有不着意表现生活中具体事物的形象这种抽象外，还具有另一种抽象，即书家精神因素的抽象。在书法创作中，书家将自己的生活感受和个性化情感凝聚于笔端，于是其笔下线条所构成的每个字的点画、结体和字与字的联系形成的章法，以及整幅作品的“势”等，也就跃动着书家的精神生命与情感，这正是书法创造的形式所具有的意味之所在。而这，恰恰是书法的表现性审美特征的体现。

篇7

恩格斯说：“每个人都是典型，但同时又是一定的单个人。”这句话提出了艺术典型是共性与个性的辩证统一。就像各类艺术一样，不能孤立的把它们分开来看。在中国， 李泽厚先生也认为艺术是不可定义的，而民俗博物馆与艺术博物馆的展品经常混同， 也说明艺术品与非艺术品的界线是异常模糊的。艺术之所以难以界定， 还由于现代派艺术作品的千奇百怪，不可捉摸……一位音乐家4分3秒的完全沉默， 毫不弹奏， 也称艺术品……所有这些， 都使艺术和非艺术的划分非常困难。①

一、各类艺术的审美特征

审美性是艺术的一个特征，作为一种特殊的精神产物，任何艺术作品都必须是人所创造的，反映着人类劳动和智慧的结晶。然而只有能够给人以精神上的愉悦和，具有审美价值或审美性的人类创造物，才能称作艺术品。

（一）表现的艺术

1.建筑：建筑也是静态的表现艺术，和工艺品一样具有实用性和审美性。它通过对空间、比例、形体结构布局，以及装饰、色彩、图案等制造出一种情调，侧重于情感和意境的表现。如巴洛克建筑强调实体与空间的运动感和豪华感，通过富丽的装饰，营造出一种舞台般的梦幻效果。虽然建筑是静止不动的，但是具有音乐一般节奏和韵律，建筑的美类似于音乐美。正如德国美学家谢林称“建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑。”②

2.音乐：音乐是一种动态的表现艺术，也叫表情艺术，音乐的审美特征不仅通过音响、节奏、旋律以及和声等表现手段，还通过音乐家的表演来使欣赏者产生美感。这种音乐所传递出来的美感既有作曲家的创造，又有演奏家的再创造，这种极具概括性的艺术，是最能振奋人心的精神艺术。正如叔本华所说：一切艺术都希望达到音乐的状态。

通过对这些表现艺术的了解，我们知道了表现艺术也来源于生活，欣赏这类艺术作品使人直接感受的是艺术家的情感、心灵和精神境界。

（二）再现的艺术

再现艺术指的是再现生活，但不等同于对生活机械地的模仿，它是艺术家通过对生活的加工、改造、提炼中表达艺术家的审美理想和思想感情。

1.雕塑：雕塑是静态的再现艺术。它通过形态造型来反映和再现生活。雕塑的审美特征在于把丰富的内容凝缩在一个形象鲜明的塑像，借助有限的动作、姿态、脸型、面部的描写等，使欣赏者联想、想象到更多的内容，它所表达的思想感情具有概括性，凝练性和普通性。如罗丹的雕塑《思想者》，它是《地狱之门》中央上部的一个坐像，表现了一个强有力的巨人对地狱里悲剧所引起的思索。作品中的动作、神态有力地表达了他矛盾的心情和内心的痛苦。作者用这个想象来象征《神曲》的作者但丁。③

2.绘画：绘画作为一门悠久的历史艺术，它和雕塑一样也是静态再现艺术。它的审美特征通过线条、色彩、构图等运用，来塑造形象、再现现实、反映生活，也体现出了画家审美感情和审美理想。

（三）语言艺术

语言艺术主要指文学艺术，它的突出审美特征是借助语言塑造典型的艺术形象和意境，深刻反映生活和丰富情感。文学艺术一般分为两类：一类是诗歌、散文等，一类是小说。语言艺术通过“形象―语言―形象”的过成，给欣赏着提供了想象和再创造的广阔天地，使欣赏着能够根据自己的生活经验和对语言的理解产生意境美，从而获得强烈的审美感受。同时文字、绘画与诗歌在美术传统中长期存在密切的融合。但是语言艺术也有缺点：它不像绘画可以直接展现出人物形象，必须经过欣赏者的再创造之后才能获得审美感受，有一定的局限性。

二、小结

艺术的多样化，艺术分类也多样化，所有的艺术分类方式都是相对的。通过这些艺术的分类，我们能容易找出它们之间的审美特征，不仅提高和发展各门艺术，同时也提高和丰富各门艺术欣赏的能力。每一种艺术一方面努力追求自己特有的现实方式，另一方面有都接受其他门类的影响，各种类艺术之间相互区别，同时又相互联系和相互渗透，它们都是认识与情感、再现与表现的统一。它们的特征也是相对的，我们绝不可以将其绝对化，本文通过对各类艺术之间的审美特征的学习为自己在以后的艺术创作中做一些铺垫，以期能激发出创作的火花呢。

注释：

篇8

长久以来摄影艺术都要以科学技术为依托，传统摄影技术的基础在于光学和化学。摄影本身是对客观世界的一种真实记录，而传统摄影过于依赖科学技术也削弱了摄影记录的真实性。然而数字摄影可以直接通过数字相机来摄取摄影图片，无需进行繁琐的影像后期制作。通过互联网技术和电子计算机技术，可以在第一时间内对摄影作品进行传输。因此，可以说数字摄影是对传统摄影技术的一种颠覆和改革，使图像的传播方式发生了极大的改变。与此同时，数字摄影的出现也对传统图片的存储方式进行了改变。数字摄影无需再用胶卷来保存图片，只需将大量的底片存储在光盘之中就可以进行保存。不仅如此，人们对照片的观看方式也由于数字摄影技术的出现而发生了改变。在传统摄影中，人们主要是观看照片，在观看之前必须等待照片的冲印，而冲印的质量也会对照片的质量造成影响。数字摄影中通过数据线将照相机或光盘与电脑连接，就可以直接通过电脑来观看数字影像。当前的图片处理软件也越来越完善和多样，人们可以利用这些软件对图片进行修改。数字摄影技术还具有环保优势，由于省略了后期制作环节，无需使用照片冲印的化学药品，不会产生任何污染。数字摄影的出现是对传统摄影的一次颠覆和革命，与传统摄影相比，数字摄影具有无可比拟的优势。

二、数字摄影解构了传统摄影的艺术观念

数字摄影从一定程度上改变了传统摄影的审美接受方式和作品的产生方式。可以说数字摄影技术是现代科技进步的一个重要方面，能够推动文化艺术的发展，满足人们生活中对于摄影的需要。数字摄影对传统的艺术观念进行了解构。数字摄影技术方面的要求远低于传统摄影技术，也就是说更多的普通人群可以通过数字摄影来进行摄影创作。特别是高度程序化和智能化的数字相机的出现，更是极大地降低了摄影的技术门槛，使广大人民群众可以在日常生活中进行摄影艺术的创新。这样一来，审美和非审美之间、摄影艺术和非摄影艺术之间、艺术与非艺术之间的距离被极大地缩短了，业余摄影和专业摄影之间不再界限分明。这也使摄影艺术的创造性劳动成为人民大众的一种大众化劳动。传统摄影艺术的主要内容就是对客观世界进行记录。而在数字时代，人们对于文化的需求趋向于多元化，传统摄影的理念已经不能适应时代的发展。在数字摄影艺术中，打破了对客观世界进行真实反映的摄影内容，出现了一大批非现实主义的数字照片。运用“0”与“1”的理性运算，能够重新排列和组合任何图像，既可以复制真实，更可以营造出现实中不存在的场景。这样一来摄影艺术将不再受制于决定性的瞬间，而是可以更多的关注人的情感。

三、数字摄影艺术的审美要素

与传统摄影相比，数字摄影具有两大类的优势和特点。首先，数字摄影能够对摄影画面进行完善。通过相应的软件可以对原始画面进行各种修整，从而极大地改变原始画面的质量。这也需要摄影者具有比较扎实的艺术功底，能够运用电脑进行精到而恰当的辅助创作，使图片更加完美。其次，在数字摄影中要运用更多的想象和创意来对画面进行设计。在技术已经达到一定阶段的前提下，更加需要创作者的设计灵感。然而值得注意的是，并非使用了数字技术就一定能够创作出良好的摄影艺术作品。创作者必须正确地运用数字摄影技术，避免突发奇想而造成的浮夸和粗制滥造的现象，把握好想象的尺度和意义。这就需要反复的品味社会心理和视觉心理，做到正确有度的修图。为使数字摄影的创作能够健康有序的发展，必须对数字摄影作品的审美特征进行分析，从而掌握数字摄影作品的审美要素。第一，数字摄影作品必须是通过相机拍摄的作品，而不是数字美术作品。这就要求数字摄影作品必须具有摄影语言特征。第二，数字摄影作品的色彩必须与主体相协调，不能出现过于夸张和艳丽的色彩，或者出现色彩聚集和色彩分离，更不能过分使用电脑修图，造成用色的恶俗。第三，数字摄影作品要具有丰富的想象力，要合理地选择素材，并对素材进行科学的组合，把握好想象的尺度，既要大胆想象，创作出奇特而瑰丽的画面，又不能哗众取宠。第四，数字摄影作品要对设计语言手法进行充分的利用，把握好作品中的主次关系和三维阅读的逻辑层次。第五，正是由于数字摄影软件的功能越来越完善，对于数字摄影艺术的要求也越来越高，创作制作的难度反而增大了。第六，必须精细的处理数字摄影作品，在影调、透视、组合和用光衔接等方面都要做到精益求精。第七，在数字摄影作品的创作中要准确的把握成角透视关系和散点透视。数字摄影的创作者必须能够自如地使用各种软件来进行图片制作。

篇9

承启中国艺术传统以儒家学说为主导，兼及道家、佛家之说形成的结构主体。道家突显在哲学方面，其反对制约，讲究无为而治、道法自然，注重自然与心灵的结合。“道”是万事万物的本源与总规律，可谓是虚静无畏，无处不在，无处不有。

中国传统文化以道儒两家为基底，徐复观指出：“中国文化中的艺术精神，穷究到底，只是由孔子和庄子所显出的两个典型。”①但两者修养基础上的超越对象和属性不尽相同，儒家所谓“天道远，人道迩”注重人道和现实的理性精神，道家则“复归于朴”、“道法自然”以天道超越人道，庄子是纯粹的自然精神，即在虚、静、明的心。这是艺术价值之根源，也更能代表中国艺术精神。前者是“仁”“德”的转化，后者则是无为自由的艺术人生。艺术的创作是成立于人与自然之间的接触线上，而伟大的艺术品常表现为人物两忘、主客合一的境界。文化根源的心，不脱离现实。由心而来的理想，必融合于现实现世生活之中。

徐复观论“庄”与“老庄”时常并称，认为庄子思想是老子思想的再发展，“中国艺术精神”换言之则可谓“老庄艺术精神”。庄子的艺术观照要求真境现前，前后际断，物化后孤立的知觉，把自己与想象都从时间空间中割断，美地观照是忘物，忘己，忘知，以虚静之心照物的。“我国的艺术精神，则主要由庄子的人性论所启发出来的。”②庄子的人性论更好的把握在“心性”结构，即“体道”的心理体验活动。中国传统文化中的东西，就像是作者心境的写意，把心融入物，提取出神，放在画布上，人与自然的统一，是画家一种微妙的独有的表达。道家思想对中国艺术影响超越了儒家和佛家思想，乃至诸子百家。画家顾恺之、吴道子、张彦远等均不同程度受道家思想的影响，道是万物生成的本原，道无形无象，体现在艺术作品中就是鲜活的生命。绘画艺术的创作，离不开意象创造活动，而意象的创造是心物关系上发生的人的精神活动，最终目标在于表现，绘画艺术毕竟是要创作艺术品的。我国的绘画是要把自然物的形相得以成立的神、灵、玄，通过某种形相而将其画了出来。所以，最高的画境不是模写对象，而是以自己的精神创造对象。这种最高的精神追求突出表现在我国山水画当中，“澄怀观道”、“静雅虚怀”、“含道映物”、“造乎自然”发乎本原的灵性，天人融一，复归本真，虚静心怀，气韵与意境相贯穿，亦是中国山水画的灵魂和主旨。宗炳《画山水序》云：“圣人含道映物，贤者澄怀味像。至于山水，质有而趣灵。”王微的《叙画》中：“辱颜光禄书，以图画非止艺行，成（诚）当与《易》象同体。”《文心雕龙·明诗》曾云：“宋初文咏，体有因革，庄老告退，而山水方滋。”

北宋是我国历朝历代道教盛行之际，宋徽宗尊信道教，自称教主道君皇帝。“圣祖降临”、“天书下降”等事件无不揭示着道教的盛行，徽宗将道教列为科举考试的内容，改僧为道，设道官，建道学。将道释绘画尊为十门之首，以“淡而无为”作为当时美的标准。徽宗酷爱艺术，在位时将画家的地位提到在中国历史上最高的位置，成立翰林书画院

徽宗的花鸟画可称之为“仙境绘画”，李裴在《宋徽宗的美学思想评析》中评价赵佶花鸟画特点时写到：“他最为世人称道的花鸟画体现着一个有着宗教思想背景的艺术家对‘自然’的崇尚。在对自然物的描画中赞美，表达着对摆脱物欲，逍遥于自然的向往。而对‘自然’的崇尚正是道教的美学原则，也是北宋艺术的总体风格。”③徽宗的《芙蓉锦鸡图》、《池塘秋晚图》等精品均体现了他注重自然意境，崇尚道家美学的思想。他称赞花鸟画有着“粉饰大化，文明天下，亦所以观众目，协和气焉”的功能。道教把龟鹤作为特殊的审美符号，《瑞鹤图卷》则是宋徽宗以鹤为主题强化自然物象的审美特征所创作的作品，一种对生命灵性的抒发与追求，在他看来祥瑞之物的工笔花鸟画是道教神仙思想的体现，是为国家百姓祈福的一种形式。

庄子为求得精神上之自由解放，自然而然地达到了近代之所谓艺术精神的境域。但他并非为了创造或观赏艺术品而作此反省，而系为了他针对当时大变动的时代所发出的安顿自己、成就自己的要求。因之，此精神之落实，当然是他自身人格的彻底艺术化。中国传承文化博大精深，文明智慧源远流长，我们在继承与发展中要以开放的心灵摒弃门户之见，彰显现代与传统的大仁大智。正如牟宗三弟子蔡仁厚所言：“风会之来，豪杰呼应。天下有道，必归于儒。归于儒，不是归于作为一家一派的儒，而是归于道，归于大中至正的时中大道。”

注释：

①②徐复观.中国人性论史[M].上海：东华师范大学出版社，2005.

③李裴.宋徽宗的美学思想评析[J].宗教学研究，2004（03）.

参考文献：

[1]宗白华.美学散步[M].上海：上海人民出版社，1981.

[2]叶朗.中国美学史大纲[M].上海：上海人民出版社，1985.

篇10

【关键词】钢琴艺术;审美;演奏思维

中图分类号：J624.1 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）02-0064-01

中国钢琴艺术民族化特征的显现，主要表现在演奏风格、钢琴曲目和文化推广三个方面，与欧美钢琴艺术相比，表现出了较为显著的差别，并逐步向中国式钢琴艺术过渡和演变。

一、舞台演奏的心理准备

钢琴演奏者在舞台演绎前的心理准备非常重要。积极心理的准备包括给自己明确的心理肯定、保持稳定和良好的心情，克服不自信、自我怀疑的消极心理，激发自身内在的演出欲望和创造热情。积极心理不局限于愉悦的范畴，如演奏者对自身已有的分析能力、理解能力和弹奏能力的自信，保持清醒的头脑、放松的状态和坦然的心，同样属于积极心理。要在舞台上呈现情感浓烈的作品，演奏者则应预备稳定的心情，加强对特定演奏作品的情绪经验的再认知和想象，预备舞台演绎充分的情绪感应和情感投入。此外，舞台演奏前的担忧情绪，是每位演奏者必须处理的问题。这种舞台演奏临近时的担忧心理表现为对演奏能否顺利与完整的担心、对背谱是否流利和完成的担心、对音乐表现是否准确和完美的担心等。因此，要克服各种舞台演绎前担忧的消极心理，演绎者的积极心理建设是十分必要的。演奏者应当保持乐观自信，并保持平常和稳定的心理状态，训练钢琴演绎的专注能力和投入能力，将羞涩紧张的压力和对舞台演奏未知状况的担忧，逐渐转化为高度的知觉活跃和强烈的表现欲望，期盼淋漓尽致地展现作品的音乐内容和精神特质，展示演奏者自身的思维视角和演绎。

二、多民族文化融合的特征

文化的融合就是民族渊源的融合，钢琴艺术传到中国之后，中华民族多姿多彩的少数民族风情，为拓宽钢琴艺术题材内容提供了无穷无尽的创作之源，充分显现了钢琴艺术与中国民族渊源的融合。另外，由于我国各民族之间的历史渊源、文化传统、生活环境、的不同，也为钢琴家在创作中提供了无穷无尽的灵感。例如，钢琴曲《苗族民歌钢琴小曲三十二首》中的《酒歌》四首，以舒展悠扬、亲切温柔为主，以深沉厚重、自由吟咏为辅，在悠扬美妙的演奏中表现苗族人民饮酒的场面;再如《祝酒》，也是通过激昂顿挫的钢琴曲去描述藏族人民的豪饮之情，彰显藏族人民的豪爽好客之情。除此之外，还有宫威的《出围》，这首钢琴曲的表现特征主要是用有力的和弦、跳荡的节奏来绘声绘色地塑造出鄂伦春人纵马驰骋、出围狩猎时彪悍勇猛的劲头。

三、钢琴艺术在我国的发展

当钢琴艺术刚刚被引进我国时，国人大多推崇国外的一些钢琴名家和钢琴名曲，并将之作为钢琴艺术学习的典范来推广。尤其是贝多芬、莫扎特、巴赫、海顿、李斯特、柴科夫斯基、肖邦等世界著名音乐家的钢琴名曲，简直被奉为钢琴界的代表。大凡学习钢琴的学生都必须学习他们的曲目，并以能够熟练演奏这些曲目为骄傲。后来，随着国内钢琴艺术、钢琴曲创作、钢琴曲目的逐渐成熟，中国钢琴曲目也就融入了钢琴学习中，并成为必备学习曲目。尤其是由古典曲目改编而来的钢琴曲更是比较突出。随之，以中国古代曲目改编的钢琴曲成为钢琴文化推广的领头羊，并为该领域的文化推广开启了先河。

中国的钢琴艺术，同所有由外国引进来的西洋艺术一样，均具有独立的审美品格与独特的审美特征。而探讨总结中国钢琴艺术的审美特征，无疑对于中国钢琴艺术的创新与发展，既具有理论启示价值，又具有实践指导作用。不管是音乐演出，还是日常的各种文化活动，优美的钢琴音乐总是以它清脆而富有魅力的音响带给我们以无限的愉悦和精神力量。

参考文献：

[1]张怡.浅述中国钢琴改编曲的演奏特点[J].齐鲁艺苑，2005（03）.