书籍的创意设计范文

导语：如何才能写好一篇书籍的创意设计，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

在视觉传达活动中，图形的加入唤醒了人们潜在的审美活动，使信息的内涵与容量增加，增强了文字的艺术感染力。这种新的表现，有助于适应国际语境下不同文化的交流需求，扩大了文字的传播途径。汉字图形化是以文字为对象进行图形创意表现，弱化了文字的识别性，强调了图形的视觉审美与意蕴表达，用独特的形象识别体系与符号，将文字的内在涵义与特质体现出来，构成了文字形图画所特有的个性美。汉字图形化设计，是汉字图画方式的再现，是用文字“造型”表达观念、思维的一种设计的样式，汉字与图形结合时，由于思维、情感意识的相互碰撞，客观物象与抽象概念的交织、演化，使彼此遥远的事物嫁接、重组后形成了文字的图画再现。汉字图形化设计是通过汉字体现设计内涵、文化思想、审美趣味的一种形式，是设计师探索本土文化与现代设计语言的一种手段，是传承民族文化的一种途径，是现代人接受信息的一种方式。汉字意象就是文字象形的又一再现。《天涯》杂志封面设计中言字的现代结构形式与甲骨文中所讲的张口伸舌讲话的象形图形有机结合，构成了现代版的说文解字，见图1，此种文图共赏的视觉形式既有视觉的美，又包含了意蕴之美。文字的图形表达，是由文字与图形共同构成的特殊的图形表现形式，具有文字与图形本身不可比拟的效果和作用，是汉字与图形结合的产物，对视觉传达起着一定的重要意义。

二、汉字的装饰化

装饰性汉字是体现汉字美的一种表达形式，是在汉字原有笔画、外形和结构间进行有意的、图案的、纹理的加工处理，是一种加法式的叠加式设计思路，强调文字的装饰美感及象征寓意，是一种独特的文字美化艺术。装饰文字同样属于文字图形化的范畴，只是在其构成方法、创作思路上更强调纹样元素与汉字的艺术结合，注重纹样与文字内在结构的契合关系。中国历来就有对文字的敬仰与崇拜，认为文字有着超越物质世界以外的神奇力量，人们珍惜、喜爱文字，用各种装饰为文字换上美丽的外衣，无论是花鸟鱼虫、飞禽走兽、历史典故，还是质感肌理的视觉再现，其目的都是以此丰富信息内容、加强审美表现，通过艺术化的装饰手法表达人们心中的意愿与美好。装饰性汉字设计是设计者巧妙构架文字造型与图形装饰之间关系的结果，是以艺术之美再现文字内涵与外在形式的结果，是形与意、形与形有机结合的结晶体。装饰性汉字能使文字意象产生图形联想，以文字之躯体现艺术之美、观念之美，构成美的装饰化、唯美化的视觉风格，形成装饰性文字图形。装饰之字是将美赋予文字的一种表现形式，其既合乎汉字间架结构组织，又注重汉字的审美表现，是文字形态与装饰美的结合。装饰化设计是对极少主义风格的补充，是繁复设计回归人们视野的开始，这种自然、亲和，抛掉功利的设计体现了设计对人情感的关怀与心灵的关照。文字在无尽的岁月中不断幻化出无限的身姿，《意匠文字》是吕胜中多年来收集编撰的一部中国民间创意字体大全，呈现了一个崇尚美好、崇尚自然的民族用世世代代的心意书写而酿造成的不同风格的字体。设计者王序，以醒目、粗狂的文字装饰诠释了中国民间字体所具有的单纯美，再现了文字美丽身影背后劳动人民的审美心理。

三、汉字的简约化

简约是一种设计风格，是与繁缛装饰设计相对的一种艺术形式。简约化设计是将设计元素简化到它要表现事物的本质，除去浮华的外表，是视觉语言的高度浓缩与精简，强调设计的内在魅力。简约不是内容的简单删减，而是将提炼的精华通过最简要的形式表达出来，达到以少胜多，以简胜繁的设计目标。汉字的简约化设计，是文字笔画与内部结构的简省与取舍，简省后的文字打破了其在人们心目中固有的形象，改变了人们一般性的思维习惯。简化后的汉字形象的缺与失，是设计者用文字造型语言形象传达设计理念，体现设计内涵的一种方法；是少即多思想的具体表现，这种少是建立在人们对事物熟悉的基础之上的，它给观者留下了想象的空间。当设计者在选择取舍部分时，突出的部分则愈显强烈，当知觉与感官形成层层交织、相互联系、不断变换的网状结构时，阅读便在似与不似、熟悉与陌生之间来回转换，获得从视觉到精神的满足。设计丛书《包装设计》、《广告设计》、《信笺设计》是以展现设计创意和文化概念为核心的专业书籍。设计者将简化后的汉字作为一种图形符号，运用在封面设计上，虚空的文字造型好似一个无限的宇宙，让人的想象能住进去。版面中文字的虚实、聚散、强弱、空白的设置，营造了一个视觉清新、设计简约，令人充满想象的空间。

四、汉字的融合

融合是指事物彼此间的接纳和包容，是在本体元素不变的基础上，融入其他要素的一种方法，其中可以是不同设计风格、语言的复合，古今融合、东西融合、新旧融合等。融合是社会文化生活、审美趋向、道德价值观、现代文化思潮、民族文化的反映，能够体现创作个性与艺术个性。汉字设计中的融合是指在汉字笔画中，融入其他语言文字、符号或元素的一种方法。嫁接不同元素与汉字的做法，往往是由于彼此间形的相似或意义上的关联而构成潜在的联系，显示了融合部分与汉字笔画之间存在的某种相似与巧合。这种保留了汉字整体识别性的构字法，打破了文字单一笔画、单一形式、单一语言的模式，使文字获得了本身视觉审美趣味的同时，令意趣得到了升华。融合之体，在保持各部分特征、个性的基础上，挖掘其潜在的共性与意义，使文字在形与形、形与意的形式表达上放射出独特的韵味。融合打破了文字创作模式中，追求统一笔法造型的创作思路，融合式思维反映出现代人对不同文化的接纳与包容，显示出文化与文化之间、文化与时尚之间的相互影响、相互渗透，打破了汉字流通的界线，让不同文化背景下的人在欣赏文字时都能产生亲切感、认同感，消除了人与文字之间的陌生感，使古老的汉字焕发出新的生命。设计师韩家英为《天涯》设计的封面，以汉字为视觉元素，探寻着古老汉字美丽背后隐含的现代之美，设计的中西文化合璧之体，既有表现风格的差异，又有不同文字语言的融合，散发出浓厚的人文气息与现代美。

五、结语

篇2

关键词：艺术设计；课程建设；创新

作者简介：陈艳（1976―），女，江西赣州市人，鲁迅美术学院大连校区副教授，管理学硕士，研究方向为教育经济学、高等教育管理学。

基金项目：本文系2010年辽宁省教育科学“十一五”规划课题“艺术院校人才培养机制创新研究―以鲁迅美术学院大连校区为例”（编号：JG10DB208）成果之一。

中图分类号：G712 文献标识码：B 文章编号：1001－7518（2012）05-0048-03

艺术设计专业是艺术教育中最具有职业技术性特点的专业，在艺术教育中占据重要地位。中国艺术设计教育起步相对较晚，存在许多亟待解决的问题，其中最重要的就是我国艺术设计专业课程的建设问题。[1]当前课程体系研究与改革的目的在于更好的实现培养满足社会需求的专业人才。在科教兴国、人才强国的战略背景下，我国社会普遍对“宽口径、厚基础、应用性、复合型、一专多能的具有创新精神的高素质人才”的需求急剧增加。

艺术设计，实际上是设计者自身综合素质（如表现能力、感知能力、想象能力）的体现。艺术设计专业中各个细分的专业虽然对设计知识的着重面不尽相同，但对于“大设计”概念的关于美、节律、均衡、韵律等的要求是一样的，都强调实践运用性和职业技术性。[2]近年来我国艺术设计专业在各高校一拥而起办学的情况下，又历经多次学生“扩招”，艺术设计教育发展过快过猛，出现了许多艺术设计专业学生基础薄弱、应用性不强、复合型不够、专业不专、技能缺失等现象。一个专业的课程体系最能直接反映其人才的培养目标，如何在课程体系的设置上更好地解决这些问题，便是本项目研究的目的，同时对我国职业技术教育的发展也有指导意义。

一、鲁迅美术学院大连校区艺术设计专业课程建设的现状

（一）实践教学的课程设置

鲁迅美术学院大连校区专业分为平面、动画、陶艺、装饰四大方向，以工作室教学为主导，实验室辅助教学，并以动画专业为试点，开展层层递进的教学改革。

一年级的学生进入基础教学部，学习色彩、素描等造型基础课程。二年级的专业课程为四大方向：平面（书籍、广告、家具、展示、插图、包装、摄影等11个工作室）、装饰（丝网印刷、玻璃、金属、髹漆等7个工作室）、动画（平面动画、多媒体、影视、虚拟立体动画等4个工作室）和计算机辅助设计，学生上、下学期分别从平面、装饰、动画中选择一项课程，计算机辅助设计为共同课程。经历了二年级的课程，学生对各工作室与实验室有了初步了解，为三年级进入工作室学习打下基础，并尽早地适应艺术设计实践教学，如书籍传媒设计工作室开设图形创意、广告、插图、摄影、展示设计等课程，并通过材料实验课程优化艺术设计教学。学生涉猎各专业方向的知识，在各实验课题中提高自己的专业水平。

此外，鲁迅美术学院大连校区还注重学生综合素质的培养，在开展专业课程的同时配合文化课和体育课，旨在培养德智体美劳全面发展的复合型人才。

鲁迅美术学院大连校区实践教学注重培养高质量、复合型的创新人才，坚持东西方艺术的融汇。以实践教学的课程设置为例，在西方视觉构成、摄影等现代艺术语言中穿插中国画、中国古典文学等课程。[3]其课程设置见表1。

鲁迅美术学院大连校区不仅在专业课程设置上下了一番功夫，而且还注重学术的交流与实践，例如：2011年秋举办“冒险与革命”国际素描交流研讨会，研讨会上国内外知名的艺术家与学者交流了艺术理念；在主教学楼举办摄影采风汇报展，展厅里的作品震撼人心，那些作品不仅是在传达一些特定环境下人们的生活状态，更是一种心灵的对话；选择了大连金石国家地质公园作为学校教学实践基地；鲁迅美术学院平面设计与多媒体学部参与设计修改了第十二届全国运动会的会徽；参与了第十二届全国运动会会徽的征集活动，其中广告与综合媒介工作室全运设计团队、平面设计与多媒体学部全运设计团队、大连校区全运设计团队设计的会徽入围。随着学校的不断发展，学校艺术设计专业的课程建设必将有新的突破。

（二）实践教学的价值

1.鲁迅美术学院大连校区专业课程的设置主要借鉴了国外设计教育的一些经验,引进了一些如设计概论、设计史等专业文化课程,又借鉴了专业基础课程、专业课程的设置,如平面构成、色彩构成、立体构成等。[4]鲁迅美术学院大连校区将这种教学课程的设置进行推广，有利于自身教学体系的完善。

2.鲁迅美术学院大连校区注重实践教学，课程设置的时代性比较强,适合现时的社会历史背景,按照社会需求、培养目标对知识结构的要求进行课程的开设。将这种实践教学进行推广，有利于复合型人才的培养，有利于课程结构的良好改善，从而更能促进当今社会的发展。

3.鲁迅美术学院大连校区企业进驻校园参与教学，实现了学院教学与企业产品研发的双赢，这种双赢有利于整个艺术教育的发展。

（三）课程设置存在的问题

鲁迅美术学院大连校区近几年来一直扩招，导致学生数量大大增加。面对如此庞大的学生数量，学校开设了类别很多的专业工作室课程，但硬件设备、师资力量普遍不足，尤其是学术带头人和学术骨干严重缺乏。此外，学院内的教学资源分配不平衡，导致工作室出现了“贫富分化”的现象。长此以往，这将会影响整个艺术设计教育的发展。

二、国内外艺术设计专业课程建设的先进经验

（一）中央美术学院实践教学

中央美术学院适应社会发展，开展了实践教学，并取得了一定的成效，特别是其摄影专业，走在了教学改革的前列。

在吸收国际摄影教学课程精华的基础上，中央美术学院摄影专业历经几年的实践－总结－调整，设置了摄影专业的3年专业课程。目前该工作室具有完备的设备体系与教学空间，教学手段先进多样，注重艺术、理论、科学三者的有机结合。教学模式上突出循序渐进式的理论-思维-实践的方式，并在基础教学阶段学生理论框架、技术素养和富于创造力的思维习惯的形成和培养上不遗余力。其一年级为基础课，二年级课程开设有摄影视觉与基本操作、黑白胶片与感光化学彩色影像基础理论、数字影像体系基本原理、试验影像--传统技法体验、摄影史话题、光线与感光测定、客观再现与主观表现、社会纪实摄影、图片编辑与影像批评，三年级课程开设有布光与影室拍摄、高级商业摄影、艺术摄影、主题摄影综合训练、影像品质控制、叙事性摄影与影像编辑，四年级课程开设有平面设计与印刷基础、综合实践―个人推广、毕业创作及论文完成。[5]

中央美术学院还注重学生全面素质的培养，这从其四年级上学期的课程设置可以看出。其注重学生的个人推广，将人才作为品牌增强校、企、学生的交流，既提升了学校人才培养的专业性，又减少了企业培训的成本，同时也提高了学生融入工作的速度。

从中央美术学院的实践教学中，我们可以得到这样的信息：教学环环相扣、循序渐进，特别注重对学生能力的培养。

（二）四川美术学院课程设置

四川美术学院艺术设计系在积极探索现代设计教育与市场实践相结合的新的教学模式上，不断深化教学改革，强调专业特色，按国际设计教育应具备的办学设施和条件，已建立起教学、科研与市场互动一体化的教学体系，形成了多个专业方向，具有国内一流水平的教学实验室与设计实习基地，旨在培养具有现代设计观念、技术实践能力和创新思维能力的高级专门设计人才。[6]

艺术设计专业分为装潢艺术设计、数码媒体艺术设计、环境艺术设计、服装艺术设计、装饰艺术设计五个专业方向。其中，创意服装设计是重庆市精品课程。

创意服装设计课程开设有时装与日常服装的区别、联系，大师与历史服装鉴赏，创意服装设计的方法，西方服饰文化对非西方服饰文化的冲突、渗透，联想设计的构思形式，服装的风格形象，时装设计与材料――对材料的再创造，后现代服装设计与后现代服装设计师。创意服装设计是探索新的设计理念，新的设计元素，新的材料和新的工艺制作的过程。教学注重设计的原创性，开发学生的设计思维，提高设计能力，指导时尚与流行，是通向设计师道路的必经之路，培养具有原创设计能力、实际动手能力、学习能力、适应社会能力的高品位、高素质的设计人才。

四川美术学院的教学倾向于对国内外的文化的研究，探索新的设计理念、新的设计元素、新材料和新工艺。

（三）广州美术学院课程设置

在课程设置上，广州美术学院重视学生专业基础的训练，重视学生专业理论知识的学习，注重对学生创意思维与表现能力的培养，注意最新专业知识的传授，强调学生掌握好一门外国语和现代设计工具。

以“广告创意”课程为例。“广告创意”课程通过三个阶段的操作：《阶段一》授课、思维导图运用、小组头脑风暴进入；《阶段二》头脑风暴演绎、创意出笼、备图；《阶段三》形式美、执行力、完稿与提案；帮助学生在作业过程消化授课的七项内容：观念、概念、判断、方法、执行、检测、态度，指导创意小组从制定大创意概念入手，通过闪光元素寻找，通过创意思维的开发，通过学习制造差异、训练审美执行力、尝试将概念做鲜活，最后完成公益广告或品牌广告系列创意的完整作业和提案演讲，感受一个广告作业的创意流程。[7]

广州美术学院侧重于学生学与测的结合，学生在学新知识的同时能及时反馈信息给老师，教学相长，大大提高了教学的效率。另外，广州美术学院注重学生的头脑风暴，开发了学生的大脑，提高了特色课程的质量。

（四）德国卡塞尔艺术学院课程设置

卡塞尔艺术学院是一所历史悠久的艺术学院，学校设置的专业、教授的课程随着时代思潮的发展而几经变化。

卡塞尔艺术学院的教学深受卡塞尔模式的影响，它是一种十分强调实践的教学理念。卡塞尔艺术学院设置的科系有自由艺术（Bildende Kunst）、艺术教育（Kunstpaedagogik）、艺术学（Kunstwissenschaft）、工业设计（Produkt Design）和视觉传达（Visuelle Kommu nikation）。自由艺术系专业划分为三个工作室：自由绘画、新媒体与老媒体、综合性工作室。艺术教育和艺术学专业：学生可以在其它几个系里自由挑选专业实践。工业设计分工业造型、纺织、服装等。视觉传达分平面设计、动画、插图、多媒体、版画、纸艺、电影、照相等。学院同样重视基础课程，基础课的学制为一年、学时为全日制，分为冬季学期和夏季学期。冬季学期的教学内容为抽象的黄颜色、抽象的红颜色、抽象的蓝颜色和自由创作；夏季学期的教学内容为主观创作和RUNDGANG学院年展准备。基础课学期中间为参观博物馆、画廊和艺术家工作室，每周二晚上人体课（选修）。除了五个系，卡塞尔艺术学院还有十四个工作室，如陶瓷、木工、金属、印刷、丝网工作室等。

学院把艺术精神与科学态度有机地结合起来，使学生能够多视角地学习艺术与文化，这是几十年来学院一直遵循的教学指导思想。学生可以在这里完全自由的学习各学科的知识和使用各个工作室。[8]

三、对于艺术设计专业课程建设的若干构想

（一）寻找创新的设计方式

艺术设计专业教育应该聚焦于提升实践者“行动中反映”的能力。[9]也就是说，做设计以及发展持续学习和问题解决的能力应该贯穿于专业人才的整个学习生涯。

设计得以表现依赖科学和合理的设计程序，即为设计前的调研(发现问题)―初步方案和陈述讨论(寻求方法)―确定方案、深化方案(解决问题)―模型阶段―展示陈述。“讨论和陈述”是发现问题和解决问题的有效方法，可以使问题明朗化，方法明确化，一切都在合理、科学、有效的环境下进行讨论，才能使问题得到有效的解决。[10]

（二）学习与实践的交叉进行

学生在学习专业基础课之后，可以用3―6个月时间去企业实习或参与一些具体的课题设计，在实践中发现知识和能力方面的缺陷和不足，然后带着问题再来学习，这样能有效提高他们在校期间的学习兴趣和动力，同时也有利于学生对自己未来将从事的职业有更进一步的感性认识和对自己的职业生涯做出有针对性的规划。

我们的艺术设计教育必须紧抓设计实践的环节，建立用市场意识指导产品设计的理念。课程设置特别是专题设计课程必须与企业或具体的项目挂钩，避免纸上谈兵。早期的设计专题可采用虚拟项目，高年级应采用具体的、实际的项目。同时，学校可为学生提供实习的场地和专业设备，以此锻炼学生的动手能力及具体问题的应变能力，真正做到学以致用，以便更快、更好地服务于社会。[11]

（三）注重中外文化的交流

中国现代设计教育体系的创立和发展，应建立在对外来文化引进的基础之上，借鉴别国的宝贵经验，汲取中国传统工艺文化的精华，在模仿、学习的基础上建立一种有中国特色的创意设计的思想和设计教育体系。

各艺术院校可以吸收德国卡塞尔艺术学院的先进经验，建立与国外艺术院校的联系，可以增设一些对外交换生的课程，多与国外艺术院校交流合作，争取同国外艺术院校联合办学。

（四）教学与市场的紧密结合

当前社会信息化发展迅速，市场也随信息化的发展而更加繁荣，大学与市场的壁垒将逐步打破并走向融合。一门学科如果不能和它的实践领域紧密结合，只是关在校园里面壁攻读，将不能适应行业发展需要。[12]艺术设计专业课程的设置,应置于视野的总体性开拓,使教学和研究专业知识、教育创新相互连结起来。

各艺术院校可以学习四川美术学院艺术设计专业的教学方式，同国内市场接轨乃至与国际市场接轨并同步发展。

（五）理论研究的全面跟进

各艺术院校应该紧跟时展，注重对学生综合素质的培养，开设艺术设计理论课，让学生对艺术设计发展史有一个全面的认识，“以史通今”。同时，开设艺术设计理论研究课，在艺术设计现有发展程度的基础上，研究艺术设计未来发展的趋势，步步跟进，提高艺术设计与社会发展形势相适应的吻合程度，从而把艺术设计发展推向一个新的高度。

（六）学生引导工作的积极开展

鉴于教学资源的分配不平衡、工作室教学“贫富分化”的状况，学校应在学生对专业及教师没有足够认知时，加强对学生的积极引导，避免资源较少的工作室面临因生源不足而被迫关闭的尴尬局面。同时，引导学生做好自己的艺术设计学习的长远规划，让多元化的“中国设计”誉满四海。

四、结束语

艺术设计教育在不断发展，各艺术设计院校也在不断探索新形式的课程设置。相信中国艺术设计教育将会取得一个又一个新的突破，从而为民族事业发展做出巨大贡献。

参考文献：

[1]赵嘉林.高校艺术设计专业教学改革探讨[J].中国教育技术装备，2011（18）.

[2]邓常宁.论艺术设计教育与创新能力培养[J].美术大观，2009（9）.

[3]陈艳，郑淇元.建立科学的艺术设计实验室管理机制[J].实验技术与管理，2011,28（7）：282-283.

[4]吕村.艺术设计教育学科课程设置的回顾与现状[J].中州大学学报，2009（2）.

[5]中央美术学院官方网站.实践教学[EB/OL]..

[8]卡塞尔艺术学院网站.课程设置[EB/OL].省略/group/topic/4850140/.

[9]舍恩著，等译.培养反映的实践者－专业领域中关于教与学的一项全新设计[M].北京：教育科学出版社，2008.

[10]谢海涛.从中德艺术设计教育的差异看模块化课程体系建设[J].装饰，2009（1）.

篇3

色彩是一个平面设计的关键，配色如何，在很大程度上对人们的视觉效果有很大影响。冷暖色调、色彩调和、大小面积等色彩的属性都是设计的基础，设计者在进行设计的时候，需要通过色彩来表达设计的理念。例如用明快的颜色来表示喜悦、用暗沉的颜色来表示哀伤等。不同的色彩搭配往往能出现不同的视觉效果，从而反应人的内心情感。例如为了追求视觉效果，还会使用对比的形式，如黑底白字、黑白搭配等，以获取明显的视觉效果。当前，有很多平面设计都利用一件产品的颜色作为底色，这种做法是为了强化人们对品牌的印象，突出品牌的形象，因此，我们在设计过程中使用色彩时，也要根据各种颜色的视觉效果进行。例如，以暗冷色调作为背景时，其上层的重要信息则可以用比较暖的、亮的等类似的颜色作为点缀，以突出内容。平面设计中，使用颜色时尽量要少一些，而不要用得过于杂乱，以免导致人们对设计的误解。色彩在运用的过程中要合理，否则很容易出现与预计相反的效果。例如，一个完整的平面设计，首先要确定颜色以确定作品的风格基调，将整个画面的氛围凸显出来，以便为反映设计的内容作铺垫。

2文字的运用

文字作为对人们思维的一种引导，在设计中也是比较常用的。文字是一个平面设计的文案部门，即设计的标题、正文内容等，一个平面设计的版面往往是有限的，因此，在设计中，标题就显得十分重要。平面广告中的广告标题和广告语就是一种概括的精华，能给人植入对一件产品的第一印象。因此，文案是否够精辟，是否耐人寻味，有特殊的意义，是一个设计成功与否的重要判定因素。设计的文字方面，可以采用双关语、对比、比喻等多种形式完成。例如，将咖啡与和平的宣传相结合的广告，利用空的弹壳将咖啡装起来，而在文字上的精辟则使得这则广告设计更加引人入胜。“PEACE（和平），味道好极了！”这句简短的文字就是使用了双关语的语法特征，使得含义更加深刻。而一个好的广告语，则更加耐人寻味。平面设计中，文字已经不仅仅是文字了，更多是从文字上体现出来的内容和一种信息，更多的是要利用文字追求一种风格和个性，使得作品能达到既定的目标。文字的大小、形状、位置等，每一个属性的不同，都能传递出不一样的信息，也能将一个平面设计的效果展现得淋漓尽致。而文字则更多的与色彩和图像相结合，使得效果更佳。在平面设计中运用创意时，应该要注意内容与形式应达到统一，不要太过于追求新鲜，而应该以文化作为一种基调，将设计的理念展现出来。

3结语

篇4

著者：（澳）马克·盖勒

译者：陈晓寒

出版：世界图书出版公司北京公司

定价：68.00元

在数码相机极其普及、甚至智能手机都可以拍摄不错照片的今天，摄影变得简单而廉价。也正因为如此，针对摄影爱好者的指导类书籍也层出不穷，其中确实有不少值得一读的好书。澳大利亚摄影师马克·盖勒著的《创意摄影》就是其中非常优秀的一部。

本书在最开始前沿部分就介绍了学习摄影的方法，包括有条理、课程安排、摄影教育等，明确体现了本书的教材特征。但是，在作者的“致读者”中，首先提出的问题却是：什么是设计？这就区别了本书与其他摄影类教材的不同——设计和创意才是本书要关注的重点。确实，在注重技术、同质化越来越严重的摄影教材里，创意被忽略了太久。

和一般摄影教材不同的是，本书在基础知识的一开始并没有介绍摄影器材和各种晦涩深奥的摄影专业知识，而是从构图、主题、平衡、线条等美术基础来普及照片的美学常识，这不但和本书的“创意”主题相吻合，更符合不求专业、只求拍出好照片的普通摄影爱好者的心理。

第二章仍然和艺术、创意有关，是有关光线的知识。这一章的内容就更具艺术气息，从用光制造气氛到光的质感、方向、对比度、精神等方面，全面介绍了光对创意摄影的作用。我们可以看到，现在很多极富艺术气息的、小清新的摄影就是在用光上的不同，所以，用对了光可以让创意摄影事半功倍。下一章的曝光时间仍然是和用光有关，毕竟摄影本身就是光影的艺术。

本书的第二部分高级项目介绍了为图片增加创意的一些常用方法，比如扭曲失真、合成照片等，还介绍了风光、肖像、景物等具体摄影门类的技巧，可以说非常具有实用性。第三部分才是一般摄影教材在喜欢在最开始介绍的技术部分。当然，本书在技术部分也没有过多介绍相机的专业知识，而是把重点放在了电脑修图方面，这显然是为了充分迎合当下数字影像的潮流。

篇5

设计是在改变原有事物的基础上使其发生变化的创造性活动,是设计师有目的有计划的进行的艺术活动。在现代都市中，设计反映了一个城市的发展水平，代表着一个城市的整体形象，不论是形式各样的建筑空间，还是随手可触的各种小件物品，都离不开设计。创新是在现有的基础上创造一种新的东西，创新是发现和创造，是设计的生命。创新不是凭空想象，也不是无源之水，它是创作者在长期的艺术积累过程中形成的一种创作活动。艺术创新的意义不仅要在原有的基础上打破常规还要把已有的知识和经验重新组合，以新的方式创造出新的作品,突显出其独特的个性。设计本身就是一门创新的艺术，创新是设计的灵魂，设计离不开创新，只有设计没有创新就满足不了人们的审美需要，一味的创新而没有了本民族的特性，作品就没有了艺术价值。当今设计的发展给艺术创新带来了新的挑战，同样艺术的创新更需要与当今设计不断的交融，开拓出一片新的发展空间。

二、艺术创新在设计中的作用

一件设计作品最终是要为人服务的，数字时代的到来带来了多样化的艺术形式，人们对美的追求有了更高层次的要求，那么如何才能满足大众的审美要求，这就需要设计者在艺术创造的过程中融入个性的创造，有所创新。对设计者来说设计本身就是通过对生活的观察和分析，结合自己的主观感受，创作出新的作品，来不断满足人们的生产生活需要。而创新是他们进行艺术创作的动力，设计者没有创新，其创作就失去了意义，而创新最重要的是设计思维的创新，在日常设计中好多作品的形式意味太重，其中一方面原因在于设计者的创新思维欠缺。艺术离不开想象，同样创新思维的产生是在想象的前提下进行的，我们仰望天空，看着漂浮的白云，不同的形状给予我们设计的灵感，把云朵想象成另一种形象，再加上对设计的感悟，就能创造出新颖有趣的作品。在艺术设计中，很多设计者为设计一个优秀的作品，苦思冥想，尝试各种设计方案却得不到满意的结果，却能因一个偶然的发现，一次大胆的尝试，让设计者豁然开朗，获得灵感，一个新颖的设计形式使作品广受欢迎。[3]此类的例子有很多，创新是人们无意识的创造活动，要不断地求新求异，在设计过程中由于人们偶然的创新可能会成就一件优秀的设计作品，由此可见寻求与众不同的思维方式，运用新的表现方式和方法，有助于提升设计人员的设计水平，推动设计行业的发展进步。

三、艺术创新意识的培养

篇6

【关键词】 艺术设计专业;数字化教学;技术性;艺术创造性

高校艺术设计专业的发展在随数字化时代的变迁而发展，同时随现代科技的进步而进步。现代的高科技技术已逐渐取代传统手工艺时代，艺术设计也进入了高科技的数字化时代，与此同时艺术设计专业进入了一个崭新的时代，进入了技术性与创造性相结合的综合时代。如今在数字信息化快速发展的同时更推动了设计理性分析能力的提高，从而激发了设计者的想象力潜能，能够用创造性的思维进行艺术设计工作。所以，在数字信息化的时代，以高校艺术设计专业课教学中进行技术性与艺术创造性的研究尤其必要，并具有重要意义。

一、技术性与艺术创造性的哲学思想理论

在有着五千年传统文化底蕴的中国，在传统的绘画中曾讲到过“知、情、意”的内容。知，讲的就是技术性的理性方面内容;情，即包含着感性的认识，在艺术创造性中离不开感性认识;意，即具有意味、含义。在中国古代时期，人们就人的认知能力方面分为了理性（即技术性）与感性（即艺术创造性）两部分。

德国古典哲学创始人、思想家康德，他将世界划分为“现象界”与“自在之物”世界;将人的认识分为三个阶段：即感性、知性、理性。康德认为人的认知来源于感性、理性及人的判断力。这也就是在艺术设计思维中所指的技术性和艺术创造性的综合。

在哲学中，也将人的认识分为感性与理性两种认识，即人的灵感与幻想，也强调了这种灵感与幻想在艺术设计创造中的作用及重要意义。

综上所述，不论是中国的传统哲学思想，还是国外的哲学思想，虽然它们之间存在着一些思想分歧，但是都叙述并强调了人在认识的思维活动中所具备的理性（技术性）、感性（艺术创造性），或者说某种感观倾向的创造性思维，这些都是艺术设计创造性活动中理性与感性之反映，同时也是人类在认识方面的高级认知能力。在数字化的当今时代，人的这些认知能力在艺术设计创造性思维活动的过程中发挥着其重要的作用。

二、数字化时代艺术设计的技术性

在当今的数字化社会，高校的艺术设计教学发展与进步已经离不开科学技术的发展，在计算机技术方面应用方面的尤其明显。故此，在当今数字化信息时代，艺术设计创造性的前提条件就要求从事艺术设计者必须具有数字化的技术性。

在哲学里面所讲的理性思维，在这里讲的就是数字化技术，就是艺术设计中的技术性表现。在数字化的当今时代中，人们享受和感受到了以往时代不具有的丰富的艺术设计的优秀作品，如今人们不仅可以去欣赏这些艺术设计作品，更在生活中真实的感受到了这些艺术设计作品的魅力与实用价值。在技术性的艺术创造中，人们不但可以通过在计算机上得到平面的、立体的视觉感观享受，更能享受到触觉上的深刻感受。那么这一系列的感受都是通过数字化的技术来实现，并达到很好的艺术效果。

数字化的运用需要技术。那么在数字化的运用中更是离不开相关的载体，比如计算机，计算机又被分硬件与软件这两个重要的组成部分。那么在这两个重要的部分当中，首先就是要解决设计者的技术方面能力，要认识到计算机的重要作用，关键的是它如何使用。要运用数字化技术，就必须要懂得如何操作，如果不懂它的操作，也就谈不上艺术的技术性。

三、数字化时代艺术设计的创造性

感觉、知觉、灵感、顿悟，幻想、欲望等表现，这些都是以非逻辑形式出现的非技术性感性因素，但也是人的认识能力方面的重要组成部分，在当今数字化艺术设计活动中具有非常重要的作用和地位。

1、感觉、知觉定义

感觉是人脑对于直接作用于感觉器官的客观事物属性的直接反映。知觉是在产生于头脑的反映之前，是以感觉信息为前提、并与感觉同时进行。在知觉活动当中除了包含感觉以外，又包含记忆、思维和言语等活动。在艺术设计活动中，要重视感觉和知觉对创造性的重要作用。

2、灵感、顿悟定义

是人们对艺术观察的体验，经过长期的探索与积累之后，在突然之间获得的瞬间的解决问题的一种思维状态、结果。灵感思维具有高度的创造性力量。灵感、顿悟是艺术设计中具有一种“特异功能”式的创造能力。

3、幻想和欲望定义

提到幻想和欲望，通常会与人的动机所联系在一起。幻想作为一种超越现实的状态，通常是难以获取结果的一种心理活动;欲望则表现为一种强烈的占有欲的心理活动。往往在现实生活中会受到束缚，但在设计艺术创作中又是一种良好的创造动机。

如果说幻想和欲望在设计艺术的活动中有着动力根源的作用，那么灵感和顿悟则是设计艺术的创造力表现。直觉（狭义）就是构建这种设计艺术的“赋形”，也是在情感和心理上完整化的意象表现。从思想家康德的批判哲学体系上来讲，直觉更合乎目的性的艺术判断力。

在此套用一句美国政治家斯蒂文森的名言：“魔鬼不在原子中，而在人的心灵中。” 在艺术设计活动中那就是：“艺术不在技术中，而在人的直觉中。”在数字化设计艺术中，直觉的表现更为丰富、直接和快捷。因为数字化技术的重要基础的表现，使我们可以接触更多的设计艺术作品，从而产生更加奇妙的幻想和更强烈的艺术创作欲望，能在艺术上焕发出更有创造性价值的灵感和顿悟，因而更能丰富、直接、快捷地映像出我们具有的直觉思维，从则在设计艺术创作中更能够如鱼得水。

四、数字化时代艺术设计的技术性与艺术创造性的关系

在高校的艺术设计教学中，如果将技术性比做理性，用感性比做创造性，那在数字化时代的今天，技术性与创造性，哪个更加重要？关系如何？如果不具备技术且没有理性，艺术设计活动就会失去应有的规范性，同时也不能准确无误的来表达和描述客观事物;如果不具备感性且没有创造性，那艺术设计活动便会缺乏灵气，从而失去艺术的意味和魅力。所以，在当今数字化艺术设计的时代中，技术性与创造性的综合地位是非常重要的。只有将技术性与创造性相结合，高校的艺术设计专业的发展才会越来越快，设计作品才会越来越丰富，设计作品的意味和魅力才会越来越高。

在当今数字化如此广泛普及的今天，大多的艺术设计师是从计算机专业人士发展而来的。这是因为在艺术设计人员中，具备计算机技术能力的人才在计算机应用方面遇到了硬件与软件学习上的困难，因为许多数字化艺术设计作品是由计算机专业人员创造而来，而在这些人员的作品特点上来看，大部分用品缺乏艺术感召力。这也就凸显出了技术性和与创造性同时具备的重要性。同时有越来越多的从事计算机的专业人员，努力的通过自身在艺术设计知识方面的学习，以及艺术品位能力与艺术修养方面的提高，从而逐渐进入艺术专业的设计师队伍。同时也有大量的艺术设计师也逐渐投入到数字化设计的技术中，从而完美的实现了艺术设计的技术性与创造性的相融合，使艺术设计形成了既具有技术性同时又具有艺术性的数字化艺术设计学科和行业。艺术与技术的结合是当今艺术设计发展的重要趋势。

因此，数字化时代艺术设计的软硬件的技术性与艺术设计活动的创造性关系愈来愈紧密。在数字化艺术设计活动的过程中，技术性是艺术设计的躯体，要加强技术性的学习训练。而艺术设计活动的创造性是是设计师的灵魂，要做到数字化艺术设计的技术性与创造性的结合，就是躯体与灵魂的结合，二者的关系紧密相连、缺一不可、相辅相成。

【参考文献】

[1] 方兴，杨雪松，蔡新元，桂宇晖.数字化设计艺术.武汉理工大学出版社，2004.

[2] 李秀林，王于，李淮春主编.辩证唯物主义和历史唯物主义原理.中国人民大学出版社，2004.

[3] 杨恩寰，梅宝树.艺术学.人民出版社，2001.

[4] 苏春.数字化设计与制造.机械工业出版社，2009.

[5] 王利敏，吴学夫.数字化与现代艺术.中国广播影视出版社，2006.

[6] 徐颂华，刘智满，潘云鹤.中国绘画与书法艺术的数字化实践.浙江大学出版社，2008.

[7] [英]杰夫・泰勒（Geoff Taylor）.幻想艺术创作技法系列：科幻风格绘画教程.中国青年出版社，2014.

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广告创意的过程及思考方式

（一）广告创意过程一般情况下，一个广告作品的创意过程按步骤大体可分为以下几个阶段：

1.准备阶段这一阶段主要的工作是根据广告主题，搜集相关资料，以便准确地捕捉解决问题的思路，同时还应注意挖掘已有的知识经验，多渠道去启发新的创意。

2.思考分析阶段准备好相应的资料后，需要尝试从多种角度———正、反、利、弊等各个方面对主题和资料进行剖析，这个阶段的主要任务是努力消除一些固有观念的障碍，让思维在理性和感性之间自由、舒展地活动，促进想法的丰富性和多样性，最终达到孕育灵感和激发顿悟的目的。

3.形成初稿经过准备和分析阶段，着重点就应置于创造性思路的挖掘，要尝试在“山重水复”的过程中寻找“柳暗花明”的结果，这也是创造过程中“质”的突破必有的循序渐进的过程。突发的奇想、偶得的创意、灵感的闪现等等都是创意的方式方法，把这些方式方法通过反复酝酿，形成各种形式的初稿，才能为完善的作品奠定较好的基础。

4.完成作品这个过程既是对作品的不断完善，也是对作品的反复论证，需要将之前所有的创意进行鉴定和论证———如是否可行、是否需要修正、是否能够达到表现目的、是否能够为受众接受等等，这一阶段，理性思维就需要发挥主导作用，要将之前的发散思维予以集中处理，避免好的创意不能达到好的结果，最后将其以具象的表现形式———文字、图形或图文加以表现，形成一个完整的作品。

（二）广告创意的思考方式灵感是创意的源泉，但创意不能只依靠灵感，还需要科学理性的思考。从根本上来说，创意并不神秘，它只是看我们能否将已有的要素进行重新的组合。一般来说，广告创意可按照一定的思考路线进行，在同类广告类型中向上或向下纵向思考，同时，又要向着多方位发展作横向思考，借鉴其他类型广告的优点与特长，弥补自己的不足。

广告创意设计法则

（一）创作者与受众互动广告创意是策划人（创作者）的主观创作，它表达了创作者思想、情感和意图，但这一过程又必须深入地从消费者的角度考虑其需求，才能达到广告的最终目的———消费者的满意与接受。只有消费者接受了广告作品，才会对所宣传的商品加以选择。

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【关键词】动漫设计；数字媒体艺术；创新；应用

数字媒体艺术在不断革新，动漫设计行业在不断发展进步，倘若能将二者紧密联系起来，那么可能将会产生一加一大于二的效果。因此，动漫设计行业应该勇于打破现状，探索数字媒体艺术在动漫设计中的应用途径，丰富动漫设计产业，创新动漫设计形式，使动漫设计行业焕发无限生机。

一、动漫设计中数字媒体艺术应用的重要性

（一）增加动漫作品立体感在以往的动漫设计中，动漫作品的立体感是动漫设计人员孜孜不倦追求但又无法彻底实现的目标。过去，计算机还没有叩响动漫设计的大门，很多场景都必须靠人力物力，甚至是一些特殊的动漫设计流程才能呈现出来，但是其呈现的立体感效果依然不及现在的十分之一二。在这种情况下，动漫设计人员逐渐在数字媒体艺术中探索出了问题的解决途径。通过使用数字媒体艺术，动漫设计人员脑海中那或奇异、或瑰丽、或梦幻、或热血的场面都能如实地呈现在观众面前。应用数字媒体艺术，设计人员完全有可能达到自己的预期效果，动漫效果往往更能让观众满意。以比较经典的、具有历史意义的作品《阿凡达》为例，在创作这部作品时，导演以及动漫设计人员就大胆使用了数字媒体艺术，构建了庞大的动漫场景，突出了动漫角色形象，让动漫角色的每一个表情都如此生动逼真，立体感效果绝佳，所以这部影片才能取得里程碑式的胜利。

（二）提高动漫设计效率在传统形式的动漫设计中，每一帧动漫可能都需要动漫设计人员来手工作画，这种模式下不仅动漫作品创作效率低下，而且最终的动漫产品效果可能也与预期存在偏差。在现阶段的动漫设计中，计算机技术代替了人力，动漫设计人员的工作由台前转到了幕后，只需行使好自己的监督、审查职能，就可以等待一部新鲜作品的出炉。通过运用数字媒体艺术，动漫设计人员的动漫创作时间大幅度减，他们可以把时间和精力更多地投入到作品的完善中，或者投入到新作品的创作中，为人们带来更优秀的动漫体验。

二、数字媒体艺术在动漫设计中的应用创新

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艺术设计专业教育是面向职业岗位的特长教育，课程教学应该尊重学生的个性差异和特长发展，因材施教，提升教师的创新意识：摆脱老师的“说教”意识，培养学生的“问题”意识，激活学生的“主体”意识。

一、课堂上老师摆脱 “说教”意识

艺术设计专业课程教学的核心是培养学生的创造力，将先进的设计观念和设计手段传达给学生，引导学生探索设计艺术的规律和方法，因此，现代设计专业的教学课堂应该是“开放型”的课堂、“互动型”的课堂。在教学中需要老师转变角色，变教导为引导，走下讲台与学生“零距离”交流、互动，善于发现学生的独特见解、闪现的思维设想，并加以引导、鼓励。同时，借助现代教学设备（多媒体等）缓冲或替代老师的单独表演，增强教学的互动性、连贯性。特别是设计创意课程的教学，须根据学生设计创意过程中不同思维的具体问题进行个别辅导，以启发学生的设计思维为目的，这样才真正有利于学生设计思维的开拓，真正有利于艺术设计课程教学质量的提升。

二、创作中培养学生的“问题”意识

艺术设计教学中存在一个普遍的问题，即设定一个主题让学生进行设计创作时，学生总会说“我什么也想不出来”、“思维怎么也打不开”、“老师，还是提供一个范本吧”等等。出现这种状况的原因是：老师没有针对性地去培养学生的“问题”意识，使得学生缺乏设计思维的想象力，离开书本、离开老师就不懂设计、不会思考。因此，老师应针对性地去培养学生的“问题”意识，“逼迫”学生在创作过程中找出“问题”、提出“问题”，在“问题”中找出主题的新关系，寻求新的设计思维、设计手段。

培养学生的“问题”意识，就是引导学生去提炼主题内容的关键概念，寻求本质的“问题”。如“它（主题）是什么”、“它（主题）像什么”、“它（主题）要说什么”等等。要求学生尽可能多地去问“问题”、找“问题”，抓住主题的核心概念。比如进行“生命”主题的图形设计时，可引导学生去提“生命是什么”、“生命像什么”、“生命要怎样表现才恰当”等问题，让学生运用类比、意象、联想的思维方式进行想象，并根据自己的体会、感悟画出各种不同的表现生命内涵的创作草图。无论多与少，此时学生想象的闸门已打开，毫无顾忌地创作着他所见、所想、所感。此后，学生就敢于思考，敢于用“问题解决法”来表达自己独特的思维想象。

创作主题的把握是从对“问题”的思考来切入的， “问题”意识是创作的基本思路。培养学生的“问题”意识，使他能主动进入对设计主题的思考，从而逐步实现课程教学从量变到质变的提升。

三、实训时激活学生的“主体”意识

课程教学的实训项目虽不多，但利用实训项目来全方位地组织课程的实践教学，却大有文章可做。实训教学注重的不是最终的学习结果，而是学生在实训过程中的“主体”意识。

实训项目教学需要指导老师营造学生积极参与的创造性实训氛围，让学生主动进行知识的建构，在实践中整合理论知识，提高专业能力、素质。因此，教师要根据具体的教学目标（掌握新知识、新技能还是培养其它能力或是复习以往知识）来进行引导，充分发挥每个学生在项目中的“主体”意识，让学生在独立完成实训项目的过程中发现问题、解决问题、提高技能。所以，容易错、容易混淆的知识应该是学生自己在实践中“自主”发现的，而不是教师给予提示的。实践经验也应该是学生自己摸索总结出来的，而不是教师灌输的。教师在实训时，应只对教学的重点内容进行讲解，其过程应该精练。学生在此间遇到困难，教师应及时给予指导。针对不同层次的学生，教师一定要把握好指导的尺度，除了适当地提醒学生先做什么、后做什么外，最好不要“全权”。这样，才能激活学生的“主体”意识，为学生今后独立完成项目打下良好的基础。

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［关键词］图形创意；广告艺术设计；作用；应用要求

广告作为商业社会的信息传播载体，它已经不单单是一种营销形式，而是集合了营销、艺术等多种形式的文化产业模式。创意作为广告艺术设计中必不可少的要素，能促使广告行业更快更好地可持续发展。因此，创意需要更具技巧性和灵感性，它要把设计者的构思清晰地展示出来，让受众易于理解和接受。图形创意除了需要在视觉上让受众感受到美感之外，还要满足他们的精神审美，图形经过艺术设计后，既要富有美感，还要极具感染力，给人以强烈的视觉冲击。图形创意是将设计者的思维和灵感展示出来，能够迎合大众的心理，同时还要具有艺术观赏性，从而让广告更具活力。

一、图形创意的特点

（一）直观性

图形创意的突出特点之一是直观性。图形设计能够大大加深人们对事物的视觉印象，通过对图形信息的巧妙设计组织与直观展示，让人们深入理解图形世界中蕴藏的内容，从而达到展示的作用。图形广告不同于普通文字，它更易于得到规范表达和组织管理，同时更具有视觉美感，因此，图形广告创意被人们广泛地应用到各类广告策划设计中。正是因为图形创意的直观性，它才更容易被处于不同地域文化背景的受众人群所接受［1］。人们日常容易见到的图形创意和设计风格一般出现在品牌标识广告中，它还需要充分体现出该商品自身的文化独特性，让人们能够更快速地识别其产品，从而有助于该产品形象的传播推广。

（二）感染力

图形创意的设计主要是为了更快吸引人们的视觉注意力。我们要充分发挥图形创意本身的艺术优势，激发人们的阅读兴趣。图形直观形象的展示，能够有效加深人们的直观印象，让人们更容易进行记忆。图形创意往往不是一个设计人员单独完成的，它需要时刻关注观众的阅读心理，让其设计理念和观众心理得到完美结合，从而与广大观众建立艺术共鸣。

（三）象征性

象征性也是图形创意的特点之一，它真正体现出了图形创意和设计的理念，通过一种视觉语言直接向观众传达主题思想，让观众能够清晰了解广告设计的内在含义。图形创意的设计既是艺术家对绘画内容理念的简单抽象性传达，同时能将抽象转化为某一种具体形式的艺术图形，让观众更容易理解。图形标志设计研究的重点之一是图形创意和设计，设计者要充分利用自己大胆的空间想象力让广告图形标志发挥最大创意效率。创意是一种创新思维活动，需要天马行空的空间想象力，它会以各种形式将创造性设计思维活动体现出来，这种创意拓展性思维活动在现代广告艺术与设计活动中非常重要。设计者通过图形创意性设计，可以轻松将各种设计思想理念简单直观有效地表达出来，从而让受众切实感受到创意图形的视觉魅力。广告图案设计创意人员必须具备灵活多样的图形创造能力，从而保证作品构思的高效性和新颖性。

二、图形创意和广告艺术设计

随着商业的蓬勃发展，各式各样的商品不断涌现，行业竞争越发激烈，商家为了更好地推销商品，利用广告宣传成为一种重要方式。广告设计是对设计元素的一种罗列和组合。其中，文字是固定的设计元素，每个人对文字都有着自己的理解，但是图形的直观性会增强人们对内容的理解，从而领会设计师的意图。图形创意在视觉上吸引了消费者的注意力，再通过设计师运用设计技巧，让消费者精准理解广告的内涵，同时增强广告设计的艺术感。

三、广告艺术设计中图形创意的重要性

随着商业竞争越来越激烈，广告作为商业宣传最重要的形式之一，其发展速度也越来越快，对广告设计的要求也越来越高，它不再是单一的艺术形式，而是集多种表现形式于一体。随着全球经济一体化发展，各个国家之间交流频繁，广告设计也成为一种文化的交流渠道。

四、图形创意在广告艺术设计中的表现要求

（一）大胆灵活的思维创造性

优秀作品的视觉图形传达设计能够运用最直观简单、清晰的传达方式将其蕴含的丰富内涵充分表现出来。当今时代，具有较强视觉冲击力的商品，往往更容易吸引观众，获得更多的关注。在进行产品图形创意化设计开发时，设计者既要能清晰明了地表达设计创作的思路，还需要将产品设计者本身的独特设计开发理念和产品信息充分体现出来。广告艺术设计工作的首要目的是通过突出文字、图片形式和广告产品本身的有机关联，在推广品牌的同时产生最大的传播效应。

（二）打破常规的创意表达

广告设计需要紧跟时代潮流的发展，不断创新设计。传统创意设计已经无法顺应时代的发展，因此，要想提升广告艺术设计的影响力，就要改变创意的表达方式，拓展艺术设计内容。图形设计作为广告设计的首要元素，能够将设计者的思维进行整合，让抽象的概述直观地表达出来。图形语言会让观众体验视觉的美感，进而愿意欣赏和深入了解。广告艺术设计者会通过分析、观察、拓展、整合创造性思维元素，将零散的思维灵感进行串联，让图形创意设计从点到面进行组合，再通过图形展示出来，从而打破常规创意形式。

（三）巧用情感渲染和视觉惯性

任何艺术作品都需要注入情感，这样才能打动观众，使其内涵得以升华。广告设计的应用范围非常广泛，但只有被观众认可，才会被长久地保存和记住。因此，广告设计者要注重作品情感的渲染，合理利用视觉设计技巧，让广告作品能够深入人心。

五、提高图形创意的方法

广告设计需要具有严谨科学的精神，而艺术感染力是必不可少的要素。艺术感染力通常来自于设计者自身的构想，这种构想不是凭空想象、胡乱猜想，它的设计灵感更多来自于生活经验和知识积累。

（一）思维的拓展

思维是创意的基础，是将想法变为现实的过程，同时，也需要将想法进行整合和再加工。逻辑思维、形象思维和情感思维都是创意的灵感，将这些灵感通过现代科学技术手段加以实现，或者运用光学手段加以效果的渲染，能够使广告更具表现力。

（二）精细打磨图形创意设计作品

现代社会更迭快速，每一天都会涌现出很多广告作品，对此，大众已经习以为常，很少会细心观察广告内容。社会从不缺作品，而是缺少创意和亮点，因此，精品广告才是王道，才会被人们关注和研究。随着大众消费观念的改变，对广告的需求和想法也在随之改变，所以，广告被赋予的使命也不再是简单的宣传作用，而是更加注重广告内涵的展示和艺术形式的表现。因此，设计师要注重对广告精品的精细打磨，不断提高广告的创新性和艺术性，这样设计出的广告才会被大众所牢记，从而满足大众的需求。

（三）生活经验的积累

生活是最大最丰富的素材库，各式各样的设计素材都来自生活的点点滴滴。设计师除了具有设计技能外，还要有丰富的生活经验，并且能够热爱生活，积累生活中的美好。设计师要善于捕捉灵感，记录生活感悟，这样不仅能积累丰富的广告素材，还可以产生源源不断的设计灵感，二者完美结合，才能设计出富有创意的广告艺术作品。

（四）知识的积累

广告艺术设计主要是艺术形式的体现，对于一个设计师来说，除了有想法，还要掌握更多的理论知识和较强的艺术鉴赏能力，具备一双发现美的眼睛。除此之外，设计师还要掌握市场动向和消费趋势，了解大众消费心理，并将这些因素融入广告作品中，从而达到广告的预期效果。

六、图形创意在广告艺术设计中的作用分析

（一）独特的表现力和优越性

随着消费水平的提高，人们更加追求个性化与新鲜感，更喜欢关注与众不同、独特的事物。所以，广告设计要顺应观众的心理，以独特的视角、新颖的设计理念及表现手法，营造出视觉新鲜感。同时，图形的优势就是直观、生动，如果再加上设计者的加工处理，其优势就会更加突显，从而更能满足大众的心理。另外，图形可以打破语言的障碍，可以被不同语言文化的人所了解和关注，进而达到广泛传播的目的。

（二）准确传达信息

广告设计的最终目的就是让人们在有限的时间内对广告内容有精准的认识，从而达到宣传产品信息的效果。相比较而言，图形所传达的信息更加一目了然，能够让人们轻松接受。因此，图形创新广告更具优势，能够更好地达到传播的效果。图形信息作为一种语言，能够将抽象的概念通过图形传达出来，让人一目了然。图形广告在各种广告设计方案中占有较大优势，可有效吸引人们的注意，同时表达出想要表达的信息。

（三）具有较强的艺术性

广告艺术视觉设计并不仅依靠图形，还要善于结合广告文字，将二者有机结合才能提高视觉感染力，这也是以往单一的文字广告效果所远远达不到的。图形创意经过图形分析、组合、整理编排后得到的视觉图形，能够更简洁清晰地表达设计信息内容，让观众更好地欣赏与接受。新时代潮流下，人们对于形象新颖生动的、视觉冲击力强烈的图片也非常喜欢，把这些图形应用在广告视觉设计创作中，能够极大提升品牌关注度，帮助品牌设计师更加快速地建立广告设计思路，以展示产品自身的特征属性等为重点，结合图形化设计展示理念，让目标观众更能够快速地理解该产品信息。对展示产品的企业而言，可达到更好的产品推广效果。

七、图形创意在广告艺术设计中的新应用要求

（一）简单而突出的形式表现

图形创意的设计效果要迎合大众的视觉心理。成功的图形创意在视觉传达上要富有感染力。设计者对于视觉效果的追求不能仅仅局限在对广告中图形信息的联想效应上，还要使大众对图形创意中所体现出的艺术效果留下深刻的印象。当今社会是信息化时代，信息更迭迅速，如何让人们在众多信息中记住并接受有价值的信息，是广告设计者需要思考的课题。

（二）图形在广告作品中的表现

图形广告设计首先要做到简单且完整。图形数量的运用也是一个重要因素，对传播效果具有一定的影响。优秀的图形设计，首先要形象鲜明突出，主体清晰完整，具有吸引力。其次，图形在整体广告画面中的占比同样重要，影响着广告作品的质量和传播效果。另外，图形面积的大小也很重要，面积比较大的图形会更加吸引人。特别是户外广告，更需要生动的图片来吸引大众的注意力，从而达到宣传的效果。

（三）图形创意设计要注重质量

现代社会竞争日趋激烈，要想脱颖而出，就需要打造精品，尤其是在追求个性和创新的时代，图形创意设计的质量和新颖性对传播效果具有非常重要的作用。形象鲜明、主题突出的广告，对于广告的传播效果具有积极的作用。现代大众消费与以往不同，人们看待广告的思维和眼光也发生了明显变化。因此，创意成为广告设计中非常重要的内容，在创意设计的同时，还要注意质量的提升，从而不断满足人们的更多需求。

（四）图形创意设计要具备吸引力和冲击力

所谓创意，就是要个性鲜明，独树一帜。个性是人内心的外在反映，它体现在人们日常生活和工作等方面。个性影响着人的思维和行为，进而影响着设计者的创作思路。一名优秀的图形设计师能够将自己的个性和产品完美结合，从而增强设计效果，给予大众强烈的视觉冲击力。

八、结语

图形创意本身具有强烈的视觉表现力，它能够刺激大众的感官，从而吸引大众的目光，再通过创新的艺术设计，让大众愿意深入了解和研究广告内容，从而达到产品推广的效果。目前，广告设计中图形创意占有非常重要的位置，不仅能通过自身的优势吸引消费者，而且已经逐渐成为社会发展的特征之一。广告已经不仅仅是广告，它更是一种艺术，同时体现社会的发展。

参考文献：

［1］赵娅雯.图形创意在广告艺术设计中的作用分析［J］.产业与科技论坛，2019，18（12）：229-230.

［2］陈苏.图形创意在平面广告营销设计中的表现及应用［J］.现代营销（经营版），2019（2）：68.