家具与陈列设计范文

导语：如何才能写好一篇家具与陈列设计，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

本文通过介绍室内陈设的定义，并通过提出创造温馨和谐的室内境、突出室内空间风格等方面分析室内陈设的作用；通过对实用性陈设、装饰性陈品、陈列品形式的选择等方面介绍室内陈设的布置与选择；经过介绍对客厅、起居室、卧室、儿童房等介绍室内陈设品的应用以及室内陈设品的作用来分析阐述室内陈设艺术在现代家居空间中的重要作用。

关键词：室内 陈设艺术 现代家居

现代家居的空间是否完善，当室内陈设布置之后可能真实地表现出来，在未布置前，原来室内空间有过大、过小等都可能成为某种缺撼的表现。可是通过室内陈设布置之后，可能会改变原来的缺陷而恰到一定的审美好处。因此，家居室内布置的陈设不但丰富了空间内涵，而且常常是以创造温馨和谐的室内环境、突出室内空间格调、整体调节室内环境对心理情感的色调、对体现室内环境的地域特色、隐射个体的审美取向的一个重要因素，应根据家居空间体量的大小，结合空间给予合理的、相适应的位置，对空间进行再创造，使空间在视觉上达到良好的效果，并且可以把要表达的空间意境呈现在整个空间里，也能够让整个空间满足人们对物质性的追求和精神性的追求。

一、家居室内陈设的分类

对陈设品的性质分类，大致可以分为两类：首先是实用性的陈设：实用性陈设用品指如家具、纺物、家电、灯具、器皿等，它们的特点以实际运用功能为主，功能性质上的意义要大于装饰性。同时在外观设计上也追求符合美学功能的装饰效果。其次是装饰性陈设品特点：是指物件本身不具备有实用价值的功能，单纯的把它作为观赏的艺术陈设品。例如：装饰性的书法字画、摄影、雕塑、手工艺品、动植物及花卉等。

二、家居室内陈设的选择

2.1 色彩的选择

陈设品的色彩选择应首先对室内环境色彩进行总体控制与把握，即是室内空间六个面的色彩谋求统一、协调意境，却不能过分的统一，过分的统一又会使空间显得呆板、单调。

在整体协调空间构成和色彩构成上的适度统一，然后在统一的基础上适当点缀，真正做到锦上添花的作用。

2.2 陈列品造型、图案的选择

陈设品之间在造型上可以采用适度的相互对比。它的形态各式各样，不同的需求可以设计出不同的造型，一定程度上给室内空间以丰富的视觉效果不同的体验。如果在直线构成的空间中陈设以流线型的姿态摆设，或不同图案的流线型陈设在一个空间内，会因不同形态的对比心理上产生生动的气氛，也使设计的空间显得柔和舒适。

2.3 陈列品的质感选择

对于陈设品质感的选择，也应从室内整体环境出发，不可杂乱无序。在原则上，同一空间宜选用质地相同或类似的陈设以取得统一的效果，尤其是大面积陈设。但在陈设上面采用部分陈设与背景质地形成对比的效果，使其能在统一之中显出材料的本色。需重点突出的陈设可利用其质感的变化来达到丰富的效果。

三、陈列品的布置原则

在室内环境中的陈列品布置也应该应遵循一定空间构成上的原则，大致可概括为以下四点：风格的统一；平面构成均衡；结构上的合理；陈设布置的空间关系分明。原则上有主有次，使空间视觉上的层次丰富。才能达到使用性合理和观赏效果俱佳。

3.1墙面的陈列

墙面的陈列指陈设品在立面上的张贴、钉挂等墙上的展示方式。墙面的陈列应注意以下两个方面：第一是陈设品在墙面上的位置与整体墙面及空间的构图关系。第二是成组陈列的陈设，自成一体，其本身的构图关系及与整体环境的构图关系协调一致。此外，墙面陈列的陈设，还可与其相邻的家具形成一个整体。

开阔的空间︰如果空间较开阔，为显得协调，可以装饰双数的一组画，挂紧凑一些，像带有拱顶的较高的墙面就可以这样布置。

狭窄的空间︰如果空间较狭窄，也可以装饰双数的一组画，挂紧凑一些，像厨房或楼梯平台，可以起到窗户的效果，为了加强这一效果，可以选择浅颜色和细框条。

以上两种情况，挂画的诀窍都是将一组画挂紧凑些，这样就有整体感，而不会显得互不关联。

3.2台面的陈列

台面陈列主要是指将陈列品在水平台面上布置。水平布置上要遵循和注意的几点：要遵循美学构成，不能死板，有一定的灵活性和可塑性。摆件的陈设是为了点缀和谐空间环境，所以在色彩上去丰富整体气氛，亦要融入其中，搭配得当。

3.3橱架陈列方式

橱架陈列是一种兼具贮藏作用的展示方式，可以将各种陈设品统一集中陈列，使空间显得整齐有序，尤其是对于陈设品较多的空间来说，是最为实用有效的陈列方式。橱架可以是封闭式的还可以开敞式以及空透式的，造型各异，大小可以有不同陈设的物件来定。

对橱架排列方式应考虑的两个因素：首先整体空间风格与橱架的造型、风格与陈设品之间的协调关系，然后橱架的造型、色彩应与所陈列的陈设品相互呼应，而且应有效突出需要点缀的陈品美感。其次是橱架与其他家具以及室内整体环境的协调关系。考虑在大的风格体系中橱架的造型、风格的时候，应将环境方面因素考虑进去，力求整体上与环境统一，局部则与陈设品协调。

设计是连接物质文明与精神文化的桥梁，人类希望于通过对生存空间的设计来改善自身所处的环境，创造具备文化价值和精神意义的生活环境。不同的室内家具陈设的选择、布置，可以体现不同居室主人的性格与德性，也可以更好的营造空间舒适度和环境。陈设艺术的是一门深奥并且多元的学问，里面涵盖了丰富的知识内容，形式也别具风格和多彩。陈设品是调节室内整体环境气氛和丰富空间的重要组成部分，在室内设计中有着具有化腐朽为神奇的能力。认识到陈设品的作用并在空间陈设设计中发挥它的作用，就能创造出层次丰富多彩、更人性化的空间。

参考文献:

[1]张绮曼等主编.室内设计资料集[M].北京：中国建筑工业出版社 2008.

[2]胡景初等主编.家具设计概论[M].北京：中国林业出版社 2005.

[3]陈震平编著.艺术陈设[M].浙江：浙江美术出版社 2002.

[4]王超鹰.21世纪超级灯光设计[M].上海人民出版社 2006.

篇2

笔者从事州县级博物馆陈列设计工作20余年，感触颇深的是：在州县级的博物馆的陈列设计中存在一些概念不清的问题，即把博物馆的陈列工作同室内设计混为一谈，认为只要把墙面和版面装饰的花里胡哨的就是博物馆的陈列设计。

室内环境设计的定义

室内设计是根据建筑物的使用性质、所处环境和相应标准，基于一定设计理念和物质技术手段，对建筑物室内环境的空间及界面、家具、灯光、陈设和绿化等要素进行的组织与设计，从而创造合理、舒适、优美的、并具备鲜明特色和独特艺术吸引力的室内环境。这一空间环境既具有使用价值，满足相应的功能要求，同时也反映了历史文脉、建筑风格、环境气氛等精神因素。

博物馆陈列设计的定义

《中国大百科全书・文物・博物馆卷》对博物馆陈列的定义是：“以文物、标本和辅助陈列品的科学组合，展示社会、自然历史与科学技术的发展过程还规律或某一学科的知识，供群众观赏的科学、艺术和技术的综合体”。

另一说法是：“博物馆陈列是在一定空间内、以文物标本为基础，配合适当的辅助展品，按照一定的主题、序列和艺术形式组合成的，进行直观教育和传播信息的展品群体” 。

博物馆陈列设计和室内环境设计的相互关系

1.空间的定位

从定义得知，室内环境设计是以一定的建筑空间为依托的，《文物教材中国博物馆学基础》的定义同样提到了一定空间内，而《中国大百科全书・文物・博物馆卷》的定义是没有提到空间一词。我的看法，不是《中国大百科全书・文物・博物馆卷》对博物馆陈列的定义不全面，而是一种发展。《中国大百科全书・文物・博物馆卷》是90年代出版的，《文物教材中国博物馆学基础》是80年代出版的。可以这样理解，80年代以前中国博物馆的陈列还停留在室内空间的范畴内，到了90年代已经跨越了这个范畴，延伸到了室内空间以外的范围，是一种理念的进步。而室内环境设计是不能脱离空间及界面的，这就是博物馆陈列和室内环境设计在空间定位上的区别，当然大多数博物馆还是要以建筑室内空间为依托的。只是空间的划定要求不同。

随着科技的高速发展，在博物馆出现了虚拟现实技术的空间运用。虚拟现实是近年来出现的高新技术。是利用电脑模拟产生一个三维空间的虚拟世界，提供使用者关于视觉、听觉、触觉等感官的模拟，让使用者如同身历其境一般，可以及时、没有限制地观察三度空间内的事物。这就为博物馆陈列设计开拓了更为广阔的运用空间。

2.材质取向的不同

博物馆陈列用材品种繁多，几乎包括人们认识的各种材料。我国目前还没有专为博物馆陈列、展览制作用材的厂家，基本上使用的材料为室内外装饰、装修材料，大体分为：竹、木材、玻璃、陶瓷、金属、石材、人造石材、塑料、纺织品、有机涂料（油漆）、胶粘剂、常用小五金等。虽然二者使用的材料相同，但取向有很大的区别。室内外装饰、装修材料在博物馆的陈列中只能是辅助材料，当然它是必不可少的。“文物、标本和辅助陈列品”才是博物馆陈列的“主人”，所有的材料应用都必须服从“文物、标本和辅助陈列品”的需要，而室内外装饰、装修材料本身就是室内外装饰、装修的“主人”。它们的区别就在于“主体”与“辅体”、“主人”与“仆人”的关系。

它们二者都是空间艺术，都是为人的活动提供空间、都具有实用功能的空间设计，它们具有共通之处。陈列展览设计应该从建筑、室内设计中吸收、提炼并加以运用。

3.造型取向的不同

博物馆陈列的所有造型均为陈列主题服务。主要造型是陈列设备的设计，它除了实用功能外，同样具备审美功能，它的类型是：陈列柜、假墙、展板、标牌、台座、屏风等。在展示空间里人是知觉空间的基础，一切的展示都是人与物之间的相互关系，情感传递就是建立人与展示环境与商品（文物、展品、辅助展品）之间的一种互动。要到的这个目的，设计者就必须在设计时，从各种形态好形式中去寻找表达语言，用艺术手法来满足人的精神和物质的双重需求。室内设计的造型主要是室内界面、家具陈设的设计。

4.灯光取向的不同

光是室内设计和博物馆陈列设计的基本要素之一，它直接关系到人们对其他要素的感知。对光的处理的好坏，直接关系到最终的效果。但室内设计和博物馆陈列设计在光的应用和处理上也存在差异，这是由它们要表现的对象不同造成的。从照明方式来看，两者大体相似分为：1.整体照明；2.局部照明；3.重点照明。室内设计的重点为整体照明、和局部照明。整体照明主要是靠漫反射光源漫射整个环境，比如客厅、大厅等；博物馆陈列的基本照明即在陈列空间的顶部上有规律地安排灯光，均匀的明度照亮地面和壁面，使人能看清陈列品与陈列说明文字。重点照明是固定发光装置将产生的光线聚焦在空间的某一个点上，这种方式的照明博物馆陈列的重要部分，因为博物馆的陈列是以表现突出实物为主，采用这种方式强调、刺激、重点突出实物的效果。可以表现展品的仪态造型、刻划展品的色泽感，或使展品与背景之间产生出空间感，以特殊的色光烘托出一种气氛的展示效果来吸引观众的注意力。室内设计重点照明主要用在艺术品的陈设上，以博物馆的陈列相比，比重小的多。但值得一体的是，博物馆的灯光的使用一定要考虑灯光温度和射线对文物的伤害。

结语

篇3

[关键词]国家大剧院 舞台美术 陈列艺术设计

引 言

作为表演艺术中心，演出是国家大剧院运营的核心。演出不仅离不开角色，也离不开布景、服装、化妆、灯光、道具等舞台美术元素。随着戏剧等舞台艺术的发展，舞台美术成为演出的又一重要符号，日益为人们所了解与认可。国家大剧院因其自身的职能与定位，其展览工作始终紧密围绕表演艺术，在策划方面更是探寻演剧、美术等不同艺术之间的切合点，结合剧院特色、发挥剧院优势，相继举办了不同主题的艺术展览。在众多极具特色的主题展览中，舞台美术作为演出的重要元素，更是得到了国家大剧院展览工作团队的重视。一方面，服装、模型、道具等舞美作品被应用于各项展览中，成为展览的重要展品或辅助展品；另一方面，剧院也通过举办舞台美术类专题展览，全方位、多角度地向观众呈现这一领域的重要成果，使观众了解演出、走近舞台，揭开演剧工作的神秘面纱，拉近了舞台艺术与观众的距离。

舞台美术具有其独特属性，无论是服装、道具，还是布景、灯光，都极具艺术魅力，同时又极具应用价值。舞台美术是一门应用学科，通过艺术设计感染观众，传递信息。展览陈列同样追求以视觉、听觉、触觉等方式带给观众启迪，引发观众共鸣。通过对舞台美术的探索，将舞台元素引入陈列艺术设计之中，可以丰富展陈形式，创新展览设计，而设计制作舞台美术题材展览更需要融入舞台元素，传递舞美理念，如此方可展现出舞台的魅力，真实再现舞台美术的艺术之美。

一、舞台美术与展览展示

舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个重要组成部分，包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等。它们的综合设计称为舞台设计。其任务是根据剧本的内容和演出要求，在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台气氛。舞台美术经历了多个发展阶段，随着时光的推移，它不仅成为舞台艺术的重要一环，更融入当代人文生活之中，成为了一门学科、一个行业。舞台美术从传统的戏曲布景到现代的舞美创意，借助于现代科技的发展，不断融入新观念、新元素，影响着演剧事业发展，传递着文化讯息。舞台美术不在局限于舞台之上。它不仅受到艺术爱好者、演出团体的关注，更为学术团体、乃至整个文化领域关注。二十世纪中期（1967年），各国舞美设计组织成立了“国际舞台美术组织”，同时在捷克首都布拉格举办“布拉格国际舞台美术展”。这是舞台美术与展览陈列的首次“融合”，虽然此次展览仅是作为舞台美术设计们展示自己作品、交流创作心得的平台，并未将舞台美术元素与展览陈列设计从技术应用的角度加以融合，但仍给予人们以启迪，成为全球最大的艺术表演设计展览、世界舞台美术领域的奥林匹克盛会。自此之后，此项展览成为舞台美术领域的盛会，每四年举办一次，是国际唯一的、最具有权威性的舞台美术展，在世界艺术领域具有广泛的影响力与极高声誉。2005年在加拿大多伦多首次举办了“世界舞台设计展”，每四年一次，在世界不同国家举行，是布拉格国际舞台美术展之外世界上最重要的舞美展事。除此以外，世界各国也各自举办本国的国家级舞台美术展览，如美国每年举行一次舞台美术年会，形式趋向于行业博览会，院团、院校、工厂、个人均可参与；而英国则是于每次国际性舞台美术展览前一年，举办学术性舞台美术展览，并评选优秀作品参加国际大展。中国的舞台美术与展览陈列的首次结合是在二十世纪八十年代。1982年在北京首次举办全国性舞台美术展览，即“第一届全国舞台美术展览”。1986年中国代表参加了第六届开始参加布拉格国际舞台美术展，首次登上世界舞台；1987年中国舞台美术学会加入国际舞美组织，为“国际舞美组织中国中心”，加强了与世界舞台美术领域的文化交流。此外，地方院团、院校及舞美学会分支机构则不定期举办相关展览。这些展览虽以展示设计作品、交流创作心得为目的，但为更好的展示设计作品、还原艺术氛围，舞台美术设计师们也日趋注重设计作品与展示环境的融合，从而推动了舞台美术元素与陈列艺术设计交叉、应用。

作为国家表演艺术中心，国家大剧院成立后即将工作重点放在了原创剧目的生产制作之上，并对舞台美术行业发展投入极大关注。自开幕运营至今，国家大剧院制作歌剧、京剧、话剧、舞剧等共36部，其中58%的舞台美术为中国舞美设计制作，42%的舞台美术为国外知名舞美大师进行设计，由中国舞美工厂、服装厂进行加工。一方面加大投入，为国内舞台美术的创作提供平台，推动了国内舞台美术的发展，另一方面也通过与国际知名设计的合作，促进国内外舞美领域的学习与交流。此外，为使舞台美术“走出幕后”，使更多观众、艺术爱好者了解舞台美术、喜爱舞台美术，剧院自2009年始，举办“回眸经典――国家大剧院原创与制作剧目展”和“精彩在这里绽放――国家大剧院艺术成果展”两项展览，并将其作为常设陈列向观众开放，展览包含了剧目制作背后的故事、舞台美术设计等诸多内容，其中舞台美术模型、演出服装、舞台美术效果图、服装设计图、舞台场景复原等为展览亮点，展览每年更新一次，对文字、图片、展品等进行增补调整，截止至今两展览共吸引观众超过300万人次，极大地拉近了观众和舞台美术的距离，促进了舞台美术知识的大众化、普及化，使舞台美术不在藏身于幕后。除普及性展览外，国家大剧院也举办学术性展览，以期促进舞美领域学术交流，推动舞台美术行业发展。2011年，国家大剧院策划、主办了“2011・北京舞台美术设计邀请展”，该展览由中央戏剧学院、上海戏剧学、中国传媒大学共同协办，中国舞台美术学会、国际舞美组织中国中心进行学术支持，周本义、薛殿杰、刘杏林、高广健等国内老中青三代舞美设计齐聚于此，以作品展示、研讨座谈等方式进行学术交流。2012年，举办“古典也时尚-国家大剧院舞台服装展”，以舞台服装为主题，以服装、配饰、设计手稿、制作图样为展品，并于展期内举办专题讲座，旨在通过多个角度展示舞台服装的魅力，将舞台服装的理论与实践相结合，使观众舞台美术产生深层次了解。同年，国际舞台美术专业学生作品交流中心主办、国家大剧院协办“2012国际舞台美术教育展”，此展览以舞美专业学生作品为主，旨在鼓励青年学生进行艺术创作，加强国际学术交流，促进青年――代舞美设计们学习、成长。

通过剧目制作、举办展览、学术研讨、作品收藏等方式，国家大剧院积极融入舞台美术领域，发挥自身优势打造舞台美术发展平台，推动、促进舞台美术行业发展。同时，在展览展示方面，剧院策展人们向舞美设计们“偷师”，将舞台美术设计元素融入展览之中，改变博物馆、美术馆等传统、常规的展陈形式，以舞台美术之观念呈现表演艺术、舞台美术题材展览，使展览更加灵活，更具舞台效果，从而创新展览理念，丰富展陈形式，增强观展体验，引发观众共鸣。

二、舞台美术与陈列艺术设计

舞台美术是一种视觉艺术，也是一种应用技术。通过色彩、明暗、光线、听觉、视觉、触觉等多角度、多方式向观众传达信息。展览陈列同样依靠视觉、听觉等方式来呈现。舞台元素的引入可丰富展陈形式，创新展览设计，而设计制作舞台美术题材展览更需要融入舞台元素，方可展现出舞台的魅力，真实再现舞台美术的艺术之美。

（一）、环境设计

舞台美术是不仅是视觉艺术，也是环境艺术，通过营造立体的感官环境，渲染舞台氛围。因而，制作舞台美术题材展览即需要加强对环境设计的研究。国家大剧院舞台美术题材展览在陈列设计注重对色彩、明暗、光线、视觉高度等因素的运用，追求舞台效果的营造。

在整体光环境的营造上，此类展览多以暗调为主，原因之一是演剧大幕拉开前即给人昏暗、神秘之感，暗调的展厅环境可引起观众共鸣，营造“舞台”之感；原因之二则是考虑到服装、舞台美术模型、头妆设计、道具等展品均需各自独立的小型光环境，整体暗调的环境便于各区域的光线处理，从而达到展品所需的光要求。光是舞台美术不可或缺的重要元素。无论是舞台服装，还是舞台布景，都离不开舞台灯光设计，舞台美术题材展览也是如此。以舞台美术模型的展示为例，在布展时需根据舞台美术效果图，对每一件舞台美术单独打光，处理好灯光的照度、明暗、主次、远近关系，更有一些舞台美术模型需带有特殊色泽或纹理的光线（如水纹灯等）。

视觉高度方面，舞台美术模型、服装、头妆、道具等展品的展示也有特殊要求。以舞美模型为例，此类展品对视觉高度的要求较高，100-120cm高为适宜的展示高度。高出此数值，则超过大部分人的视线高度，观赏会造成疲劳感；低于此数值，则会因舞美模型的台口设计等因素，导致遮挡视线。头妆、小型道具的展示同样对视觉高度有所要求，展具高度应为90-110cm，此高度便于观众从各角度近距离观赏展品。无论是舞美模型，还是服装、道具，均以人体视觉高度舒适为宜，特殊的模型、服装、道具等展品还需依据演出内容，通过悬挂、倾斜摆放、平铺地面等方式陈列，已达到最佳展示效果。

（二）、多媒体设计

随着高新技术的出现和运用，展览策划、展陈设计的理念在逐步更新，新技术、新观念不断地被应用于展览之中。科技改变生活，无论是展览设计还是舞台美术，都因为科技的变革而日益发展，并逐步产生同一、交融之趋势，多媒体技术即为其中代表。

步入新世纪，多媒体技术已成为舞台美术的必备元素之一。要完美呈现舞台效果，多媒体技术可谓是不可或缺的重要一环。如果说一部演剧中失去了声、光、电等多媒体技术，演出将大为失色。同样，展览陈列也因运用多媒体技术而使其更具真实性与带入感，使展陈更为灵动、更具活力。所以，作为舞台美术与展览设计交融的舞台美术题材展览是离不开多媒体技术的。如何灵活、适当的运用多媒体技术，还原舞台效果，突出展览主题，营造艺术氛围，成为展览设计的重要一环。

在烘托氛围方面，视频、音频等手段是最为直接、最易见效。通过结合展览主题，预先编制音频文件，在展厅入口、特定区域等空间进行播放，使观众在进入展厅之后即通过“声音”这一元素所感染、暗示，从而带动情绪，融入展览之中。视频手段便于补充实物展品的不足，以“2011・北京舞台美术设计邀请展”为例，舞台美术设计方案信息量极大，仅通过1000多平方米的展陈空间无法全面传递给观众，因而工作人员通过多媒体手段，将数千幅舞美设计方案编辑为视频文件，分区域、分主题进行展示，既解决了环境的局限性问题，将舞美设计方案予以充分展示，也将分散的、原属于不同类别的信息融于一体，帮助观众梳理、掌握信息。此外，视频技术也是展览的展品之一。演出是持续性的艺术，而舞台美术设计图只能展示瞬间场景，不能完整体现演出、舞美的变化之美。这就要求在展览中将演出视频、舞美场景切换变化的视频作为展品，以便展示实物展品无法展示的内容。

投影、动画可以强化展览的美感，还原舞台氛围，使观众易于理解、乐于观赏。以“舞・影――国家大剧院现代舞摄影艺术展”为例，展览工作人员运用电脑技术制作出一个动态的“舞者”，通过投影使其在展厅入口翩翩起舞。这种动态化的展示增强了展览的吸引力、感染力和引导力，不仅在展览开篇即点明展览主题，更直观、具象的再现了舞者在台上起舞的场景，从新的角度实现了舞台美术与多媒体的联姻。除作为展陈手段外，投影、动画也是舞台美术类别展品的一部分。在舞美设计方案中，常以投影等方式呈现时空变化，如河水流淌、春秋更替等。因而在舞台美术模型的制作中，部分设计师会将微型投影作为模型的一部分，用以呈现舞台效果。

（三）、展具设计

小中见大，展具、辅助展品等专项设计是展览的专业性和艺术性的集中体现，也是衡量展览设计专业水平的标尺之一。好的专项设计可以强化展览主题，烘托艺术氛围。因而，要完美阐述舞台美术题材展览，展具等专项设计同样不可忽视。

在环境设计中，曾谈到视觉高度问题。为达到便以观看的视觉高度，展具的高度与文物类、绘画类展览有所区别。模型类展品的配套展具高度以100-120cm为宜；头妆、小型道具类展品的配套展具高度则以90-110cm为宜。不同类型、不同体量的展品需要搭配不同展具，虽然舞台美术题材展览的展品与文物相比，对安全的要求有所降低，部分展品更需要观众的参与、接触，但对展具的设计同样需要严格把控，单独设计。以演出服装为例，不同类型的服装展示方式也有所不同。欧式风格的演出服装，适宜使用立裁模特进行展示，在服装穿戴完毕后再通过针线等小工具进行固定，突出身形、曲线等立体效果。京、昆戏服等则适合平铺展示，将戏服中华美的纹饰呈现于观众眼前。造型类服装则需要人形模特穿戴展示或是垂挂展示，以便将特殊的设计造型展现给观众。所以，针对不同类型的服装，展具的设计也需有所不同。如立裁模特展具需要便于塑形、固定的材料，如使用苯板、衬布、钢丝等综合材质制作；戏曲服饰需要根据戏服预先测量、画样、定做衣架，并避免尖锐物剐蹭丝织品。

在展具色彩方面，舞台美术题材展览较多选择黑色、灰色等单一、暗调展具，目的是突出展品、淡化展具对观众视觉造成的影响。在演出场景变更时，舞台往往为一片漆黑，舞台布景工人则身着黑色制服进行换景。国家大剧院展览团队在进行舞台美术题材展览的展具设计时，同样融入了这一理念。通过选取暗调、单一色彩的展具，突出展品的繁复、艳丽，以展品自身之美来抓住观众视线。展具结构方面，同样依据上述原则，以极简的框架式展具为主，以满足功能为前提，杜绝展具上出现繁复的装饰，较少使用通柜、玻璃柜等大型、厚重、易反光的陈列柜，较多使用鱼线等进行垂吊、固定，从而降低展具对观众视觉的干扰。

此外，为切合舞台美术题材，国家大剧院展览团队在展具设计中运用苯板、亚克力等舞美常用材料，营造舞台美术氛围。苯板是舞台美术中最常用的材料之一，因其价格低廉、轻便易于搬运、易于塑形上色等特点，常被用于舞台布景、道具的制作，以致成为了舞台美术的“符号”之一。国家大剧院舞台美术题材展览在展具设计之时，采用了舞台美术布景、道具制作的概念，将造价低廉、便于塑形及搬运的苯板制作成展览各层级部题版、头妆设计辅助展具等。一方面，突出了“舞台美术”这一主题，引发业内人士的共鸣，并使一般观众了解舞台美术的幕后生产环节，增强展览趣味性；另一方面，有效地节约了展览成本，缩短展览制作工期，大量节省了人力、物力。

（四）、版面设计

陈列艺术设计不仅存在于立体的空间中，版面设计也是陈列设计中的一项重要环节。展览是图、文、物所共同构建而成的，是二维与三维交织的产物。通过对版面内的文字、字体 、图像、图形、线条、表格、色块等要素的编排，通过视觉方式，使观众直观的感受到策展方所要传递的信息，从而阐述展览主题，普及相关知识，引发观众思考。舞台美术题材展览的环境设计较为特殊，因而在进行平面设计时便需着重注意如何在“暗”环境下处理展览版面，使之既做到与整体环境融为一体，又便于观众观看，不造成视觉疲劳，不淹没于环境之中。首先，从环境氛围来看，版面设计的整体色彩需着重把控。不同于文物展、美术展，舞美展中绚丽多变的灯光是必不可少的。在多变的光环境中，版面设计如使用过多的色块，会导致观众产生目眩、烦躁、焦虑之感，影响展出效果。其次，版面设计的过于花哨、复杂同样不适合舞台美术类展览。以文字为例，选择过多字体、增加多种字效，都会使观众有眼花缭乱之感；而图片方面，过度的进行处理，大量、繁杂的使用阴影、缩放、旋转、曝光等手法，装饰大量纹饰，同样会影响展示效果。其次，从内容方面看，舞台美术题材展览较多涉及的内容为剧照、效果图、设计图、手稿、创作思路、创作技法等图文资料。因而在进行版面设计时，需要注重对图片原汁原味的呈现，反对将图片加以过多装饰，反对版式背景方面的“重口味”设计，以免造成对原设计的“歪曲”，影响对剧目、舞台效果的阐述与展示。以“2011・北京舞台美术设计邀请展”为例，其版式设计以黄、黑两种色彩为主，辅以白色、灰色。版面从排版到字体，均以简洁为基调。从展览部题到文字说明，字体使用三种，分别为宋体、黑体、英文字体；字号使用五种，分别为展览主形象、展览一级部题、展板文字（使用二种字号）、说明文字。图片处理方面，为避免版式设计抢夺剧照、效果图等，均采用黄色背景，灰白渐变过度。展板尺寸在设计之时放弃了高、宽、大的版面，选取了简洁、轻便的小版面，规格控制在为1.5米高、1米宽之内，且放弃了对层叠、突起等字效的使用，避免过多的装饰与变化给观众造成视觉压迫。

（五）、安全控制

“安全”从来都是展览陈列设计中的重要原则，需要常抓不懈。它包括展品安全和观众人身安全。对展品来说，在展陈设计中，应尽量排除人为因素破坏和自然因素损害。策展方应从陈列环境、陈列设备、陈列方式等多方面进行科学处理。首先是在陈列设计应注重对展品的保护。舞美模型、舞台道具等材质特殊，多为纸浆、苯板、航模条等材料，在高热、潮湿、光照等条件下，易变形、褪色、损坏。此外，由于舞美模型、舞台道具、服装等受到舞台灯光、多媒体设备等因素影响，适宜裸展，不适宜放入展柜，变极易受到人为破坏。由此，在展陈设计之时，必须考虑如何在不影响展示效果的同时，保障展品安全。钓鱼线固定为一种较为实用的方法，通过纤细透明的鱼线将展品巧妙固定于展台之上，一方面可以避免展品丢失，另一方面也不会形成阴影或反光，影响模型、道具等展示效果。在确保展品安全的同时，观众的安全也不可忽视。展厅既是展品的展示场所，又是观众的集散场所。舞台美术题材展览因对环境的特殊要求，展厅往往光线较暗，展具也多为暗调支架，较易被观众忽视，从而易发生观众磕碰、绊倒等情况。为确保观众安全和展品安全，展陈设计时需要注重对安全通道、安全标志、安全提示等的设计，如采用荧光材料、加设警戒杆等。此外，展陈设备、装修材料等也需严格把控。以舞台美术中常用的苯板为例，它极易产生静电且易燃，存在安全隐患，因而在电路设计时就要做好预防措施，将此因素考虑在内；舞美展中大量使用灯具，用电量大，线路架设复杂，也存在安全隐患，同样在展陈设计之时需多加考量，科学处理。

正如前文所述，舞台美术与展览陈列同为视觉艺术、应用技术。在陈列艺术设计中融入融入舞台美术元素，可以更好的把控展览设计整体风格与艺术质量。在环境设计、多媒体设计、展具设计、版面设计、安全控制等专项设计中勤加思考、科学处理，在确保舞台美术的安全性、实用性的同时，提升展览的艺术性与感染力。国家大剧院展览工作者通过不断摸索，较好的诠释了“舞台美术”这一主题，并利用多样化的手段为观众呈现出不同于文物展、绘画展的又一展览类别，将舞台美术设计、展览陈列设计这对看似无关的领域融合为体。

篇4

[关键词]博物馆；陈列；表现手法

一、象征与比拟手法

如果想要将实物展品作形象的组合，一定要通过道具和陈列设备来表达，也就是用一种现象来揭示陈列的内在涵义，我们用比较典型的例子来说明，比如陈列在中国革命博物馆的“蒋家王朝覆灭”一组藏品。中国革命博物馆收藏在伪总统府中缴获的一批原使用过的办公用品，将用过的钢笔、毛笔、卷宗、台历及铜质名章等实物作展品，采用象征比拟的表现手法：其陈列柜的造型设计，玻璃罩部分做成四坡水覆斗形，有点像外国棺材盖的形状，尺度也和外国棺材盖相仿，台座设计得很低，文物陈列其中含有鲜明的埋葬贬义。参观者看到这样的陈列，不用阅读文字说明，在“蒋家王朝的覆灭”七字标题提示下，立刻既能领悟陈列意义和内容。这是一组当年曾经轰动过博物馆界的成功的文物组合实例。大家从中得到不小的启发和教益。

二、烘托与渲染的手法

采用超大幅照片或者灯箱片作实物展品的背景，借以烘托和渲染展示气氛，同时达到揭示展品内涵的作用。成功的实例可举前苏联托尔斯泰故居博物馆“作家逝世”一组的陈列。这组60年代的设计作品用了一件文物，即托尔斯泰刚一逝世，直接从一体上翻拓下来的面、胸部模型，洁白的模型衬以墨绿的丝绒，托尔斯泰安详地躺在特制的玻璃罩展柜中，双目微闭，右手搁在胸部，似在小憩，背景是一巨幅近10m2的林荫小道照片，这就是作家生前喜欢在这林荫小道上散步、休息、构思创作的去处。整个陈列显得庄重圣洁，富有诗意画境，为观众缅怀这位伟大的俄罗斯文学家创造了优美的纪念空间。

三、模拟的表现手法

展出时模拟局的生态环境，其目的在于创造意境，和自然主义复原环境是截然不同的，是一种相当于图解作用的陈列表现手法。例如美国自然历史博物馆海洋生物展厅展出一条重2.5吨的蓝鲸，标本高悬于大厅房顶，似呈现在海水中自然翻腾的姿态。全厅满布蔚蓝色灯光照明，用光模拟波涛汹涌、海水翻腾的效果。观众置身展厅，宛若置身海底世界，仰望鲸体，顿感大海的浩瀚。

四、大中见小与小中见大的表现手法

采用显微技术、制作模型方法及摄影技术，来展示肉眼不能直接观看的微观世界的一种陈列表现手法，例如芝加哥科学与工业博物馆医学馆展出一具16英尺高的人体心脏模型，观众可以直接进入“心脏”，观察心血管工作的情况，聆听心脏波动的声音，如同我们在听诊器中听到的那样。借助摄像机和显微镜展示微生物病菌活动情况，就能够观察到微生物活生生的图像。小中见大即是常用的沙盘模型、景观等展示方法，使得一座城池、古代庞大的建筑，甚至是大千世界的山川河流、日月星辰都可以在博物馆陈列室的有限空间内展示。

五、科学复原的手法

科学复原的表现手法兼用于宏观设计中，但更多的方面根据陈列内容表达的需要，用于微观设计。复原陈列是一种老的传统的表现手法，但在新工艺、新材料、新技术的装备下，场景的复原，自然物品以及人工构筑物等布景道具制作，更加逼真，难辨真伪。科学复原的表现手法最早应用于实用装饰艺术陈列，例如复原一堂明代黄花梨家具陈设，或复原一间法国路易十四时期的沙龙，后来发展应用于自然史陈列，人类学陈列以及历史、民俗学陈列，尤其在民俗学陈列中复原表现手法的运用占有相当大的比重。

六、以虚托实的表现手法

这一表现手法常用于文物少而小，但意义巨大、内涵丰富的陈列组合，通常需运用陈列道具设备或适当的背景衬托。成功的例子是中国革命博物馆举办的“同志纪念战略”中“病逝”的一组陈列。逝世这一重大事件需要选用什么文物、采用什么表现手法来表现呢？又想达到怎样的预期效果呢？这些都是陈列设计必须考虑的问题。实际展出时，贯彻了少面精的原则，文物只有三件：一个来自病房的台历，日期翻到1976年1月8日；一块总理戴用到病逝时取下的遗物――老式上海牌手表，时针停止在上午9时57分；一枚总理常戴胸前的遗物――“为人民服务”像章。台历说明了逝世的时日；手表停走象征一颗伟大的心脏永远停止了跳动，旧表一枚，还是上海表厂早已不再生产的淘汰型号，可是却体现出总理一生清廉俭朴的品格；一枚为人民服务的像章正概括了鞠躬尽瘁完全彻底为人民服务、献身中国革命事业伟大的一生。用一块洁白的丝绸衬托着三件细小的文物，显得圣洁庄重，陈放于精致的有机玻璃罩中。陈列柜的整幅背板装饰成一面国际歌词谱，墨绿色的金丝绒绣以银白色的五线谱与歌词，作为烘托文物的背景，更显庄严肃穆的气氛。用国际歌悼念无产阶级领袖逝世，是国际通例，用作这一主题陈列的背景，是十分切题的选择。整组陈列文物内涵深刻、主题鲜明及气氛意境感人至深。歌谱作倾斜的排列，不断重复：“英特纳雄耐尔就一定要实现。”这段旋律，它与观众体念和缅怀的心声共震，观众伫立陈列柜前，久久不愿离去。

七、解剖式的展示

用实物、图解及立体模型，作解剖一个关键部位或全部呈现在参观者面前。把不容易理解的问题作具体形象的剖析。这种表现手法大部分应用在自然科学和社会科学中。尤其是广泛用于科技性展示，例如一座建筑模型，解剖其中一部分，显露其内部结构；展出一辆汽车，剖开汽缸及传动结构，揭示其工作原理。目睹实物.便一目了然。

八、“光”的运用

展品陈列与陈列环境氛围运用“光”来描述，运用“光”来描述，一方面是宏观设计的表现手法，另一方面也是微观设计中重要的表现手段。利用光的不同投射角度，以散、聚、弱、强的交叉使用，使展品陈列产生特殊的艺术效果。更有利用光来导引观众鉴赏的做法，如上海博物馆雕刻陈列中有一答唐化观音石造饶，原作的佛头在民国初年被古董汗卤移去盗卖，现在展出的全像是后配的头部，风格与唐代的身躯相异。展出中头面部故意不打光，灯光集中表现在身躯，以光照明暗的强烈反差达到引导观众鉴赏唐代雕塑的目的。

参考文献：

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［摘要］

高素质服装视觉营销人员的培养是市场对服装设计教育的要求，服装视觉营销课程的缺乏客观上削弱了我国本土服装企业的品牌竞争力。具有前瞻性的服装视觉营销课程教学模式的确立，应当发挥“服装与服饰视觉营销实验室”和校外陈列实践基地的作用，突出实践性，才能提升本土品牌的形象及国际竞争力，从而使中国的服装设计从生产大国走向设计强国。

［关键词］

中国服装企业；视觉营销；实践教学；现状；对策

陈列设计（也有称为展示设计）属于视觉营销范畴，高等院校大多开设的为此门课程。陈列在词典中被定义为将物品摆放出来，服装陈列设计包含从艺术的角度与营销的角度设计整个服装卖场终端店铺，保证商品的有效展示。服装陈列设计是一门包含了视觉艺术、营销学、人体工程学等在内的综合叉学科。视觉营销是通过传媒推广和终端陈列等一系列手段，最大限度地促进品牌（产品及服务）与消费者产生紧密联系。对服装企业来说视觉营销具有不容忽视的促进销售的作用，同时又帮助企业传播品牌文化，提高品牌竞争力。著名商店创意总监约翰•格哈特有过这样的描述，“视觉营销标准对我们极其重要。在确保常规运营的同时我们对员工进行培训，包括每一季陈列造型研讨会和巡视店铺，以确保全国的店铺形象一致。为了保证统一的销售标准，我们为公司所有的视觉营销工作者提供人手一册‘圣经’，其中包含公司视觉陈列的标准以及各个区域和部门的指导方针。形象地说，每个月我们都会制定非常细致的陈列指南并派发到各个店铺。每个季末，我们要对全国范围内每家店铺的陈列执行效果进行检查，并作出点评。”［1］22这段话足以让我国本土服装企业对于品牌竞争力的提高投入更多的关注。服装卖场终端店铺陈列设计从空间划分上来说主要包括两方面，即橱窗陈列设计和店铺内标准化陈列。服装行业作为时尚产业，无论是橱窗还是卖场，均要求其陈列设计具有时尚性，同时还要有真实性和艺术性的特点，它是将商品本身通过陈列设计达到视觉营销促进销售的目的。

欧洲发达国家视觉营销意识和概念的形成比较早。伴随经济发展，20世纪90年代中国市场由坐商转型为经商，意味着坐等顾客上门的时代一去不复返了，市场竞争愈演愈烈，服装服饰商品繁多，加上消费者各方面诉求的提升，单一的色彩、款式、造型已经无法满足今天的消费者，在“一人多色”的大环境下，使得商家必须开始费尽心思经营自己的商品，一方面在服装商品本身各项价值差异甚微的情况下，商家想要立足就要绞尽脑汁实现商品的差异化经营，使品牌深入人心；另一方面服装企业保证盈利，必须提升商品附加值，满足消费者在物质、精神和心理多方面的体验。记得阿兰娜•韦斯顿的那句话，“顾客是编剧，提供剧本的内容，而我们做幕后管理和营造舞台效果，并将这部剧生动地呈现于生后中的人。”［1］20由此国内服装行业开始意识到提高销售业绩并使自己的品牌深入人心，积极实施有效的视觉营销手段是必不可少的。虽然本土服装品牌还没有完全建立视觉营销体系，但视觉营销中的重要一环———陈列设计逐渐被服装行业重视，只是由于缺乏视觉营销人才，很多服装企业不知从何处着手。近年来国内市场服装视觉营销专业人员一直处于急需和紧俏的状态。目前国内从事服装视觉营销的人员主要来源于两部分：一部分是临时从服装销售岗位或其他业内工作转型的人员；另一部分是各大高等院校培养的服装专业毕业生。两者均在服装陈列设计上存在一些盲区：前者没有系统的学习和培养视觉艺术及美学修养，对陈列设计只是一知半解，对于品牌和终端卖场来说只能解决露出海面的那一小部分冰山，完成临时单次单店铺陈列救急工作，无法实施横向纵向及创意视觉营销，终端陈列模仿抄袭多于创作，不能系统深入地实施就不能达成视觉营销的效应。更重要的是缺乏创意设计理念。“水晶森林的设计理念强调了施华洛世奇的水晶切割技术独到制作工艺、创造力和创新力。”［2］122可见设计理念往往在很大程度上增加产品的附加值。而院校服装专业毕业生由于无实际市场前线经验，缺少对于服装行业和消费者的了解，缺少对货品、销售面对面的认知，易形成学院派概念化和主观偏好性的陈列设计，不能很好地完成视觉营销计划。

服装服饰属于时尚范畴，“‘时尚’的‘时’字意味着时间的因素，时间的因素是各种客观因素能够发生连锁反应的必要条件。”［3］204国内服装企业视觉营销人才匮乏，即使出现个别技能和素养都比较强的视觉营销人才也不可能面面俱到，一个服装企业靠一个人一双手，怎么可能开展视觉营销活动。对陈列师本人来说就是变成空中飞人，每天疲于奔命游走于各地区各个单店之间，对于全国服装行业品牌竞争力的提高来说也只是杯水车薪，陈列师团队建立不起来，无疑是降低效率提高成本，且终端卖场陈列成果却不能显著和长久。由此可见，市场需要的是大量高素质的服装视觉营销人员，而专业教育是推动我国本土服装企业品牌竞争力的根本，教育有效地行动起来，视觉营销和国内服装品牌将随之鲜活。目前国内服装院校服装专业大多开设的是陈列设计课程，对服装陈列设计人才培养方式、教育理念方面相对国外还有所欠缺。国内大多数服装院校可以说着眼于时尚前沿不过不一定是时尚教育的前沿，因此不能系统地开设服装视觉营销方面的专业课程，如果不能符合国内服装市场发展的需求，不仅降低了学生的就业机会，也在一定程度上减弱了我国本土服装企业的品牌竞争力，导致非良性循环。基本上设置服装陈列设计课程的院校都能做到完成理论讲授部分，缺少实际操作训练时间，没有实践过程，学生只能纸上谈兵，面对服装卖场和众多货品欠缺动手实操能力，无法掌控整个卖场终端的立体视觉效果、平面视觉效果、陈列变化、造型优化，形象推广等系列完整的视觉营销，导致高校毕业生不能受到服装企业和业内专家认可。“服装产品最终是在卖场中销售的，一个成熟的服装设计师就必须要了解卖场终端的状态。”［4］95因此，发挥“服装与服饰视觉营销实验室”和校外陈列实践基地的作用显得尤为重要。

在亚洲，日本、韩国的时尚市场发展迅猛，很大程度上得益于高等教育中对于时尚教育的重视和强化。纺织、服装属于我国出口支柱产业，主要创汇产业。分析国内高校对于时尚领域人才培养目标、培养模式、课程体系建设并合理对其进行改革和加强能够在一定程度上加快我国时尚产业发展，活跃和规范时尚市场，同时培养出更多适应社会需求的应用型人才。高等院校服装专业培养视觉营销人员的教学模式应该是理论与实践紧密结合，使专业课程能够适应市场需要，解决服装企业在陈列设计方面的问题，注重学生陈列实战技能的提升，同时训练学生的一线销售能力。因此，在校园内多媒体课堂讲授理论知识后直接到陈列实验室或者品牌店铺终端实际操作，其中涵盖的市场考察、货品调研、品牌策划、空间布局、色彩搭配等内容完全采用实践教学形式是十分重要的。视觉营销实践教学就是为了保证讲授内容的专业性、时效性，保证新鲜创意、规范实施并取得实际效果。例如高校与服装品牌、服装企业开展合作项目，由学生到品牌店铺进行陈列实训，或者将服装企业需要完成的展示道具、陈列手册以课题形式带到课堂上来由学生完成，一方面解决服装店铺终端陈列不规范，难于统一管理，人力资源不足等问题；同时又为学生提供了硬件设备和实验机会。“购买动机可表示为如下模式：需要———购买动机———购买行为———获得满足———新的需要。”［5］153学生只有了解顾客的购买动机和规律，才知道如何导演这场戏，方能达到服装企业与学校教学得以相互促进。在逐步与时尚产业发达的国家和地区接轨后，国内市场对视觉营销的人员需求进一步加强，将来国内视觉营销从业方向必然划分得更加专业、细致，通过对日本、韩国服装视觉营销发展及演变的分析，进一步意识到高等教育中只开设单独一门服装陈列设计课程或者展示课程远远不能满足我国日益发展的服装市场和众多服装企业、服装品牌对视觉营销人员的要求，可以预测仅仅作为陈列设计师的职业生涯就可能向四个方向发展：方向一是注重创意、实现差异化营销的橱窗设计师；方向二是珠宝、箱包、手表、化妆品、床品、内衣、鞋品等单品项陈列设计师；方向三是注重标准化复制的卖场（除橱窗之外的品牌店铺终端）陈列师；方向四是负责品牌整体运营的陈列管理人员，主要负责陈列团队考核、晋升、培训、进修。以市场变化为导向，着眼我国本土服装企业未来发展，视觉营销团队除了包括上述陈列设计师的种种专门技能，还需要借助视觉艺术做好传媒推广，使品牌深入人心，最终提升销售业绩。

国外高校及专业学校的视觉营销并不仅仅是一门课程，有的是大学院一个专业，并且具有硕士和博士课程，在其专业下开设多门理论与实践并行的课程做深入研究。我们需要了解其未来的发展局势，及早为培养和建立视觉营销团队做好充分准备，这样人才的培养和国内服装企业的发展才能形成良性循环，为我国本土服装企业在国际市场的竞争能力提供保障。国内高等教育及专业院校需根据专业可能的职业指向及专业特色和优势，深化“视觉营销”为学生未来所从事职业的生涯规划系列课程，那么可以扩展为橱窗陈列设计、单品项陈列实务、终端卖场陈列实操和陈列管理、媒体推广等多个类别展开研究，例如组建相应“服装与服饰视觉营销实验室”对应专业研究的各个不同方向为其提供实操基地，进行项目教学，加强视觉营销课程建设有利于高校专业的长远发展。具有前瞻性的服装视觉营销课程教学模式应该发挥“服装与服饰视觉营销实验室”和校外陈列实践基地的作用，培养视觉营销人员实战能力。通过实践教学使学生清晰认识视觉营销工作原则与目标，掌握包括橱窗设计、服装色彩搭配、服装面料认知、卖场陈列促销技巧、造型创意设计、季节销售与预算、空间规划、陈列培训、平面视觉效果、品牌形象推广等在内的全方位视觉营销理论和实用技巧。视觉营销的规律和技巧虽然在课堂上会详细重点地讲解，但只有在实践教学、项目实施过程中通过学生自身的探索体验才能得到强化理解和切实掌握。理论知识与实践能力两者相互增长。通过实验教学模式将服装视觉营销课程的概念知识和科研实践结合，运用现代社会的新型教育模式培养视觉营销人员。学生只有进入到校内实验室和校外实践基地中，才能培养成具备应用能力的服装视觉营销实用人才，满足广大服装企业开展终端卖场视觉营销的迫切需求。整体看来，对企业形象推广、空间设计、陈列设计工作都能胜任的视觉营销人员寥寥无几。因此，有必要详尽论述立足于时尚前沿的同时，为培养高素质的视觉营销团队，如何深化视觉营销在营销学、心理学、视觉艺术、人体工程学等多门学科综合下的实践教学模式和具体教学过程。

首先，橱窗设计侧重培养陈列人员创意能力、橱窗空间、场景氛围设计及营造能力。世界首屈一指的塞尔福里奇百货被业内人士这样形容，“如果把塞尔福里奇百货商场比作是一本杂志，那么橱窗就是杂志的封面。”［1］44每一个华美的橱窗都深刻地反映着陈列设计师的实战能力，使顾客眼前一亮美轮美奂的橱窗并不是陈列设计师的任性创作，而是经过了系统完整的策划，才能最终实现打动消费者的目的，实现销售的突破性增长。“我们可以将一件衣服折叠得规规矩矩，也可以随意地摆放在橱窗里，两种造型给人们的视觉感受是不同的。”［6］30橱窗是展示品牌形象的窗口，谁能让顾客的眼睛在店面橱窗多停留2秒钟，谁就获得了比竞争品牌更多的成交机会。这也就是为什么品牌特聘的神秘顾客常常会统计店铺的客流量与进店量：假如在单位时间内，有100位顾客从店铺的主门前面经过，只有10位顾客进店，那么这位橱窗设计师显然是失败的。好的橱窗设计是服装品牌投放的无声广告，也是传递新货上市以及推广主题的重要渠道。顾客如果被橱窗吸引驻足观看、进店，这都证明橱窗主题、服饰搭配等等对顾客起效了。高校的专业教学可以通过命题橱窗设计形式、任务体验和实践，本着促进销售和传播品牌文化的目标，完成对学生自我能力的深度启发。训练学生面对时尚前沿和市场审美趋势展开橱窗设计，提升季节性陈列反应速度和工作效率，了解橱窗陈列设计与终端销售管理体系的关系和互动作用。其次，使学生有机会学习和掌握不同品类的商品陈列，为不同类别服装服饰品企业所需的陈列工作人员量身打造类似的课程训练，不仅扩宽了学生的就业道路，同时为国内服装品牌的视觉营销提升和发展奠定基础。这里最适合加上这句法国谚语，“即使是水果蔬菜，也要像一幅静物写生画那样艺术地陈列。因为商品的美感能撩起顾客的购买欲望”。课程在教学中针对不同商品的品类角色，每一个工作阶段会遇到的盲点和难题，提出贴近实际的解决方案，比如第一陈列点、便捷性原则等的实际训练，都需要通过实践教学传达更专业化、更细化的陈列手法。可以将常见单品类店铺纳入实践范畴，例如鞋品陈列、箱包陈列、珠宝陈列、内衣陈列、手表陈列等，通过实际操作梳理思路、达成目标；帮助陈列人员解决如何根据不同品类的商品采用不同的视觉营销策略，考虑如何在卖场中通过陈列传递自身品牌风格，如何让卖场中重点区域引起顾客关注，增加销售机会等一系列具体问题。

再次，品牌终端色彩统筹、照明设计、道具设计、POP设计的训练在实验室和卖场陈列实践是最贴近服装企业和服装品牌视觉营销实际运营状态的，在学生走出学校之前就能切实动手演练上装和下装的各种折叠方法，严格熟练执行陈列标准，细化卖场陈列手法，提升服装陈列深度是极其有意义的。进入陈列实战阶段之前，由指导教师在课堂利用多媒体设备详细讲授专业知识，包括整个实践的流程步骤，使视觉营销人员明确实战目标，到达实验室或者实践基地要把实践过程中涉及的重要的相关知识点重复讲解，并设计好每一场实战训练形式，操作的各个流程、角色分配、区域划分、货品分配、备齐所需陈列道具，指导教师的充分准备是实践教学取得更好效果的保证。最后需要再次强调一点，视觉营销是团队作战，自然需要规范化的管理，培养视觉营销专业的管理人员也是高校专业教育内容的一部分。但负责视觉营销管理工作的人员并不是高高在上的，这一职能部门与橱窗设计师、陈列师、培训师等工作岗位平行，主要负责使品牌服装企业明确每一年度、每一季度、每个月份该企业视觉营销的具体工作方向和内容，将产品理念准确贯彻到全国各个省市地区、各级店铺的陈列工作之中去，确保每一个单店以及传媒体现统一的品牌形象，做有销售效果的视觉营销。有时候，视觉营销人员需要在两种角色之间转化，由陈列师到顾客，再由顾客回到陈列师，调研有代表性品牌的店铺陈列，亲身感受体验顾客的体会，才知道如何调动顾客的所有感官给顾客最佳的身心体验，从而培养顾客对于品牌的忠诚度。细化每月陈列工作的重点和难点；并在工作程序中给予科学有效的指导解决。这些也只有通过实践，独立完成陈列标准化手册制作，才能发现视觉营销工作过程中可能存在的各种问题，切实地去思考问题，解决问题，避免将来走上工作岗位理论与实际结合障碍或者缺少实践经验而造成的不良效应。培养真正高素质服装视觉营销人才需要通过具有时尚性和实用性的实验教学方法才能实现。专业院校实施职业体验式的教学方法使学生如真实工作一般学习，在学习中体验工作，在工作实验中深化学习。“市场调查对于任何设计活动都是必要的。”［7］21

通过服装陈列实验教学创新及应用，激发学生学习热情，使每一名学生都能适应视觉营销团队中的任意角色。视觉营销不是主观盲目的，需要视觉营销人员熟悉数据化品牌管理模式，通过分析陈列数据，例如驻足点、触摸点、试穿点、成交点、进店率、成交率、连带销售比等的统计，确立有效陈列方案，选择吸引消费的陈列方法，提升陈列效果，对服装企业和品牌来说达到促进销售的最终目的，对高校教学来讲提高教学质量和效果。在校学生对品牌视觉营销的理解由时尚杂志层面上升到数据分析层面。陈列手法及标准的严格落实，实际面对大量货品可以锻炼和考查学生对商品结构组合的能力，包括陈列结构和原则、色彩主题紧密结合商品、商品与商品之间的关联性、商品颜色、体积、质感的规律性陈列等等，所有这些细节只有在真正的卖场终端才能得到锻炼和实现；因此，服装陈列实验教学创新及广泛应用对培养视觉营销人员的意义重大且十分必要。

篇6

博物馆不仅是征集、典藏、陈列和研究代表自然和人类文化遗产的实物的场所，也是为公众提供知识、教育和欣赏的文化教育的机构、建筑物、地点或者社会公共机构。而博物馆进行陈列展览对传播优秀文化更是有着极大帮助。但是，在实际的陈列展览中却存在着一些问题，需要我们及时进行分析并采取有效措施做好应对。基于此，本文就博物馆陈列展览存在的问题及解决进行了探讨，相信对有关方面能有一定的帮助。

一、博物馆陈列展览工作的现实意义之所在

（一）肩负着对外宣传和自我展示的重要职能

去过博物馆的朋友应该都深有体会，每当我们去博物馆的时候总是会有很大的收获，总会拍很多照片带回来，或用于和亲人朋友一起分享，或用于研究和学习，这无疑是一种很好的传播方式。为什么我们每一次都能够满载而归而且留下很多照片等极具纪念意义的东西呢？其中一个很重要的原因就在于博物馆陈列的东西都是我们平时很难见到更别说亲自接触到的东西，直白的说，博物馆陈列展览的展览品都是一些精髓中的精髓，看了总会让人耳目一新，大饱眼福。一般而言，博物馆用于陈列展览的展览品都是博物馆内最具特色、极具代表性、具有高度参观价值的物品。

1.博物馆可以通过这种方式将这些珍贵的文物展示给社会各界观众，起到了很好的传播文化的作用。

2.博物馆对外展示自我工作一个很好的平台，这些展览品都凝聚了博物馆人员诸多的心血和努力才能够被展示在大家面前供我们参观。

（二）完美诠释了艺术性与展览品之间的融合和统一

博物馆的陈列展览并不是简单的将博物馆内的物品罗列在展览区内供公众参观和欣赏，相反的，博物馆陈列展览工作是一个相当复杂且综合的工作，在正式陈列展览之前，博物馆管理人员需要进行全面、具体、精心的策划和设计，对展品的选择、摆放以及展览环境的布局等因素都要进行一一斟酌，即充分考虑到陈列展览的艺术性和丰富性，当然管理人员还要充分考虑整个展览过程中的经费花费、安全保障以及展览品的保护等一系列的问题。陈列展览工作的核心在于将原本就极具参观价值的展览品以一种更具艺术的方式展示出来，带给观众更多的视觉冲击和心理享受，真正意义上带给公众一场盛大的视觉盛宴。

二、博物馆陈列展览工作中存在的问题和不足

近年来，随着我国经济社会的不断进步和发展，我国的博物馆陈列展览工作也取得了很大的进步，较之前的展览水平，我们的展览工作已经取得了很大的突破，但是在某些方面还有待做出进一步的提升和改善。具体而言，我国的博物馆陈列展览缺乏足够的创新意识，在对展览品的布局和设计上还是拘泥于一些过时的陈列方式，很难吸引观众的眼球；除此之外，当前博物馆陈列展览严重的与展览品的文化内涵脱节的问题，这完全与博物馆的理念和其核心价值相背离，只会起到适得其反的作用。

三、艺术性在博物馆陈列展览中的运用

（一）要坚持以人为本的原则，追求设计思路上的创新

伴随国内社会经济的发展，中国当代艺术与中国博物馆发展往往有紧密的关系，在近十年里，喷涌出现的声光电多媒体技术的融入，让博物馆的陈列展示水平得到飞跃的进步和提升，博物馆不再单一地物品展柜内摆放。在声光电等多媒体辅助下，传达出更多资讯和强烈的视觉冲击，但往往过多地依赖多媒体设备，亦陆续出现较为被动的问题――设备维护。这一现实问题无疑给博物馆造成一定压力以及影响正常运作。在当代艺术如火如荼的发展中，博物馆策划人员和艺术家都注意到一点，与人为本的原则，如何与人互动，如何将展区、展品主观灌输、呈现给人，成为一个新的话题和博物馆展示的新方向。

博物馆的陈列展示其实上是对于博物馆人文观念的一种延续，通过制造一种“体验”空间以传达观念内涵、历史信息、文物信息。这种展示与现在国际上越来越多的展览和艺术活动相似，以博物馆为平台，传递人文精神的一种机构，它实际上是一种空间的再次组合。博物馆的展示主要是通过空间的组合而进行的。博物馆的陈列展示是通过空间进行的。顺序是博物馆陈列展示中一个很重要的因素。在摆放物品的顺序时，可以介入设计师的观念。结合着人的体验，以人为本，对于博物馆中物品的顺序进行再次排列，人们走在其中，从前往后就会有一种新的体验，在这个过程中，人们也会很清晰地感受到设计师的思路。随着科技的发展，用于陈列展示中的科技因素也越来越多。人们对于展示的需求也越来越高。在展示的过程中，将各方面因素能够很好地统一和融合起来，是十分有必要的。这对于设计师提出了很高的要求。设计师、艺术家和策划者不仅要坚持以人为本的原则，在设计思路上还要不断地创新。

（二）充分考虑展览品布局方式的艺术性

博物馆陈列的展览品本身就带有很高的艺术价值，因此，我们在这些展览品的设计和布局上要充分考虑到注入更多的艺术气息，不断推进博物馆陈列展览艺术设计的理念创新，为博物馆的发展注入更多的活力和生命力。在其布局的设计上我们应该做到充分考虑展品与展厅在形式和空间上的有机统一，同时兼顾展品的色彩和周围环境光线的明暗对比，尽可能创造出一种安谧、温馨的氛围。

（三）凭借一些新型的技术和设备使展览更具艺术性

经济社会的快速发展使得人们的观赏品位和对于生活的需求也有了很大的转变，越来越多的人开始追求一种时尚、大器、华丽的生活方式。因此，在博物馆陈列展览的设计和管理方面我们也可以从人们的这一心理变化入手，尽可能通过凭借一些科技含量较高的设备的引入为展览增添一份时尚、奢华的感觉，如：可以将一个静止的文物通过某些手段让其处于有规律的运动过程当中，即可以消除观众的视觉疲劳，又具有较高的艺术性。

（四）运用工艺美学和自然科学等各方面的设计

博物馆的陈列设计已经不再是简单的艺术学科，而是一种包括了很多先进科学技术在内的综合学科，是一种将科学技术和艺术结合在一起的学科。设计师要在整个的设计中贯穿自己的设计思路，就需要对于各种学科进行各方面综合的应用。

首先，设计师要想在博物馆的陈列展示中营造出一定主观的空间效果，必须依靠比较科学的设计。只要科学的设计，才能在博物馆的各个细节处，把设计师的思路贯穿其中，才能很好地表达设计师想要的效果。离开了理性科学的设计，任何比较优美的形式也难以表达设计师的思路和意图。

其次，在博物馆的陈列展示中还要结合其他的学科。要想在博物馆的陈列展示将设计师的观念很好地表达出来，必须对于人物的心理以及设计美学等各方面知识都有广泛的涉猎和了解。只有这样才能够把设计师的意图很好地表达出来。最后，只有把科学的设计和各种艺术设计有效地结合起来，才能够达到对于博物馆陈列展示的创新。只有科学的设计，博物馆的陈列展示就会缺少很多美感，也就很难吸引到观众。而只讲求美感，博物馆的陈列展示又缺乏比较理性的指导，也很难达到预期的目的。只有将科学的设计和各种艺术设计有效地结合起来，才能够很好地展现博物馆，从而也能够展现设计师的主观意图。

（五）陈列设计要体现时代设计内涵

时代是不断发展的，生活的各方面也处于不断地发展过程中。对于博物馆的陈列展示最好也能够体现出时代的内涵。要想使得博物馆的陈列展示走在设计的前列就需要不断地把握时代的内涵，并在陈列设计的过程中能够体现时代设计内涵。把握时代设计内涵也是设计师必须具备的一项本领。在陈列展示的过程中注入自身的观念，其中对于时代设计内涵的把握是不可缺少的。社会在发展，人们的思想也在发展，相应地，对于生活方方面面的要求也不断提高。如果博物馆的陈列展示和时代脱轨，就很难吸引到观众。因此，设计师在进行陈列展示的过程中必须把握时代设计内涵，并将具有时代感融入到自己的观念之中。

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商品展示与陈列是流通领域内商品与消费者之沟通交流的桥梁，成功交流需要有良好的交流环境。人们依据对社会和生活的知识来联想商品环境和理解商品的含义。家居通过环境这种精神载体给目标人群以传情达意、让环境氛围会对家具起到有效阐释、引起目标消费人群的强烈共鸣和提升商品感染力。良好氛围能够让顾客能够感到自己所看到的家居产品就是自己追求的和自己期望的生活方式，从而提起购买的欲望。

家居卖场环境氛围的塑造首先是店面装饰氛围的塑造。装饰风格的定位应根据产品特色和目标消费人群的特征来确立自己的卖场风格；然后是展示陈设的氛围塑造。展示陈设的风格作为对家具风格的诠释和补充,就一定要做到与家具的外在气质保持一致。结合产品特征、装修风格，以及消费层次等来模拟特定的生活环境和情景来塑造真实逼真、源于生活但又高于生活的居家生活气息。

2.家居卖场展示与陈列的基本原则。产品展示与陈列不是产品储存。家居卖场在进行商品陈列时要充分了解顾客目标人群在卖场中的行为和心理特征、充分把握顾客目标人群对商品信息的认知过程来、并设计出行之有效的展示陈列方式来打动目标人群。家居卖场展示与陈列的过程中一般要遵循以下原则：(1)引导信息原则。进行合理的商品布局以引导顾客接受信息，节省顾客购买过程中用于搜寻商品所花费的时间和精力。商品布局时还要考虑商场的目标消费群体的年龄结构、性别比例、购买习惯等一系列相关因素进行合理的商品布局。(2)体现商品特色原则。展示空间的设计为体现商品特色服务，通过各种艺术处理手段来体现商品特色。还可以利用一些装饰物和道具模拟情景陈列来加强家居商品特征，使顾客形象生动地体会到商品的实际使用效果。(3)促进商品销售原则。展示与陈列要尽量满足顾客的方便和愉悦顾客，但这不是商品展示的最终目的。商品展示陈列要与商店的促销活动密切配合，依据目标顾客人群的购物心理、重视展示的艺术性与感染力、通过艺术性的展示手段引导顾客购买的作用，最终实现促进商品销售目的。(4)提倡居家文化原则。家居用品是人类艺术文化的物质载体，家居商品不仅体现为一种用品，还体现为一种生活方式和艺术文化形态，这就是家居产品的精神内涵。所以一个商家不仅是居家用品的销售者，更是一种生活方式和艺术文化形式的提倡者。商家只有找准适应现代生活的产品文化核心，塑造特色商业文化空间来赢得顾客青睐。(5)品牌形象性原则。不同的品牌个性决定了不同的品牌形象定位。家居商品的陈列必须要符合品牌的形象气质和特点、必须使陈列与品牌的整体形象吻合。(6)美观性原则。商品的陈列要美观大方，富有艺术感。美观而富有艺术性的陈列会增加顾客的视觉美,提升商品的层次、增加购物乐趣、激发消费者的购买欲望。(7)安全性原则。家居产品在展示陈列时既要考虑吸引力，也要保证商品展示陈列时的安全性。大型家具要陈列在稳定牢固的地方，小件商品不易散落，吊挂物的悬吊紧固件要科学合理，商品陈列不能阻碍人流疏散通道和安全逃生门等。(8)人性化原则。家居陈列尽量提倡一种生活化的经营，体现在产品陈列上会比较人性化、温情化、轻松自在。对于沙发、软体床等触感性很强家具陈列时尽可能方便顾客体验。

商品应陈列应在顾客视觉方便观赏的位置。一般情况下，由人的眼睛向下20度是最易观看的。人类的平均视觉是由110度到120度，在店铺内步行购物时的视角为60度，可视范围为1米。转商品应陈列于顾客便于体会的位置。陈列的易取性、易放回性是方便顾客在购买商品的时候，容易从多角度进行商品确认。

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关键词：航海；定位；理念；陈列手段

上海中国航海博物馆是2010年7月正式向民众开放。正值开馆两年之际，为充分发挥全民爱国主义教育和紧扣航海主题，也是纪念中国古代航海家郑和下西洋607周年，上海中国航海博物馆推出了《海上两万里，馆方航海文物展》。该展共分航洋气象观测、计划航线、航行、信号、船舶舱室复原、画中的船等六大板块。展出了大量国内外罕见的航海仪器、油画等，使观众对西方航海文化有了更深刻的认识，

一、 关于展览定位与设计理念

对于展览的首要任务是需要定位参观人群，内容策划就会在此基础来挖掘深度，形式设计师就会做相应设计定位。此次展览的观众定位为具有航海专业背景知识的参观者。基于上述认识，笔者将此展览定位在以表现航海历史文化展览上。首先，此次展览表现的是19世纪末的西方航海时期，所以设计师运用西方复古为此展览的主基调，以此来烘托出金属展品的特有特征。其次，根据展品体量与内容板块，设计师把空间共分成六大板块来展出。空间与空间之间又有穿透，这样能使观众在有限的空间中与展品有足够的交流。

二、关于内容大纲与展品

《海上两万里，馆方航海文物展》共涉及展品150余件，主要以航海仪器居多，材质以金属类、纸质类为主，展品有成系列的车钟、天文钟、怀表、望远镜、信号枪、六分仪等。此次展览对于航海爱好者来说是个很好的学习机会。关于内容大纲：展览共分五个部分，第一部分是关于海洋气象观测部分，共展出了16件展品，包括温度计、气压计、潜水设备等。第二部分是计划航线部分，共展出了20件，包括海图及作业工具、航海日志。第三部分是航行部分，共展出了79件，包括罗经、舵、车钟、测距仪、望远镜、船钟、怀表等展品。第四部分是信号部分，共展出了11件展品，包括船号、航标灯、信号灯、信号枪。第五部分是海员舱室场景。第六部分是油画部分，关于帆船、机帆船、机动船共展出了15件精美油画。对于500平米的小型展览来说，将近150件的展品已经颇显丰富。此次展览的展品类型多样，并以大型、重量级展品居多，因此设计师在色彩运用、陈列方式上做了更多功夫。

三、关于此展览的陈列手段

（一）色彩在陈列中运用

色彩在陈列设计中是最具有倾向性、最活跃、最有特色的元素。色彩的运用表现在展柜与展品、道具与展品、灯光色温与展品、环境与展品上。由此表明，一切元素都是围绕物而展开，一切物的设计又是以人的感受而展开的。比如我们此次展览展出的是此次展览表现的是19世纪末的西方航海时期，所以设计师运用表现历史的复古黄、表现航海元素的深蓝为展览的主基调，以此来烘托出金属展品的特有特征。在灯光上运用暖色调，来表现展品的历史感。

（二）展品的陈列方式

此次临展共展出了150余件展品与大量图文版。设计师运用了壁龛、裸展、场景、独立柜的展示手法来安排展品，并运用图文、图表、说明牌来说明展品的年代、名称、用途等信息。设计师在考虑到临展的时效性，选材上使用便于布展而又不影响效果的新材料，新工艺。

基于展品的体量与数量，内容设计师与形式设计师挑选出重要展品布置在特制的精品柜中，展品在独立柜中展示更突出，使观众看起来更直观、更有说服力。

第一， 其次，出于对展品的保护与空间的分隔考虑，本次展览运用了七个通体大壁龛，展品在壁龛中或悬于空中，或放于体块上，或挂于展墙上，一前一后，一上一下，一左一右，并运用了定制的不同尺寸的体块营造出富有节奏感的展示效果（见图二）。

第二， 考虑到展品的体量与观众的互动性，设计师也运用了裸展的方式展出系列大体量展品，这样增大了展品的冲击力，使展品与观众的对话也更直接了。虽说是裸展，但设计师也考虑到展品的设计感，运用各种尺寸的体块衬托出展品的精致，运用特别设计的隔断增加了展览的装饰性,见右图。

第三， 场景复原在展览中广泛应用，也是当代博物馆常用的展示手法。根据现有文物及相关史料，在有限的空间布局中，把原有场面按比例地在空间中表现。比如此次展览复原了海员舱室的情景，场景中布置了19世纪初，真实船上使用的床、床头柜、写字台、衣柜、洗漱台等，使观众有身临其境的感觉，亲自体验海员在船上的生活。

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[关键词] PUMA 标准化 店铺

在服装零售连锁店铺经营中，终端卖场是体现品牌形象、实现服装产品价值的重要载体。依托良好的市场发展背景，国际运动休闲品牌PUMA品牌以每年开设300家专卖店的速度拓展市场，一套快速有效的标准化规则保证了其旗下单个店铺与品牌形象的整体统一。本文从店铺选址、店铺装修、店铺陈列三个层次对PUMA品牌店铺的标准化过程和标准进行分析。

一、店铺选址标准化

1.城市

就中国市场而言,PUMA按照城市级别分别采取不同的开店原则,如表所示。一线、二线城市是PUMA的主要目标城市,在主要城市商业街开设大型旗舰店、多开店的方法是进行品牌宣传、产品销售的最好方式。PUMA仅在上海南京路和五角场这两块商业区的专卖店都各有6家之多。而在小城市，受消费群体小的限制，品牌专卖店具有排他性。因此PUMA在选址时尽可能做到抢占城市第一。

2.店铺位置

PUMA店铺主要分为店中店与街面店两种。店中店选择在商场的运动休闲楼层，与竞争品牌毗邻而居，如Adidas,Nike, Levis, Esprit等。而街面店除了要求良好的地段以外还注重店铺面积，一般需要100平方米以上。

3.店铺面积

通过广泛的市场调查发现，PUMA店铺的平均面积为80平方米。本文分析了其在华东地区2005年～2006年开店292家品牌店铺面积分布情况，如图1所示。

开设的292家店铺中，因为所在城市、商业环境的不同因而店铺面积分布比较广。有面积仅为28平方米的小店铺，依托良好的商业环境达到小面积内的大经营；同时也有面积达300平方米的大店铺，通过充分展示起到品牌形象示范店的作用。

分析所开店铺面积分布情况发现，主要开设60平方米～80平方米的中型店铺，在这一面积范围内的店铺数量达163家，占总数的57.88％。这类型的店铺既能达到品牌展示的效果，又能节约商业资源，保持品牌形象与商业利润的平衡。

二、店铺装修标准化

PUMA品牌以每年增加300家店铺的速度迅速发展。为了保持开店速度和统一标准，必须通过一系列职能流程来保证每家店铺的标准化，如图2所示。

首先，客户在PUMA标准化选址的要求下选择商铺，向销售部门提出开店申请，并收集相关资料（店铺尺寸图、周边环境图等）；销售部门将符合标准化开店条件的资料提交市场部总经理。审批通过后，视觉策划部陈列员根据道具标准化要求出图，包括平面图、立面图、门楣图、天花图、地板图、以及效果图。全套图纸完成后，交由市场部全国区域经理批复其尺寸、销售与非销售区域布局的合理度等，然后发送至客户处确认。待客户确认并汇款后，就可以发货（道具、物料、POP等，均由PUMA公司统一设计和生产）。在货物发放的同时，店铺会由客户安排做一些基本装修，如粉刷等。完成了发货过程之后，PUMA公司会给客户具体的操作要求明细，由客户自行铺设地胶，安装灯具，安装道具、物料等。

此外，在店铺的日常维护过程中，品牌陈列部会定期派出人员去店中巡查，检查店铺中有无不符合装修以及陈列要求的部分，如有与品牌标准不统一的地方当即在陈列员的指导下整改。

通过一系列规范化的流程，保证了PUMA品牌在全国的专卖店以统一的管理、标准化的形象出现在消费者面前。

三、店铺陈列标准化

对于店铺来说，完成了店铺的标准化装修还只完成了标准化的基础部分。长期维持店铺内货品陈列的统一，才是进行品牌标准化管理的重中之重。每季的产品都在变化，只有运用统一的陈列指导标准有助于店铺陈列的标准化。

1.鞋的陈列

PUMA品牌长期经营鞋产品,鞋的陈列有统一的规范:无论陈列的位置如何,每款式均只陈列右脚鞋,并且鞋带要绑紧,不可以外露。

鞋的陈列主要分为三种方式：陈列墙、配件中岛和模特陈列。陈列墙上一般选择离地1500mm处陈列当季主打鞋款，这个高度正好与人体的视线相平，被视为是最佳陈列区域。其他非最佳陈列区域，则陈列非主打产品、过季的鞋款。配件中岛区则利用鞋、包、服装等产品的相互配合，促进系列产品的购买率。模特陈列则通过更加直观的方式，通过产品组合突出当季主题，吸引消费者的关注。

2.服装陈列

服装陈列也同样分为三种方式：陈列墙、中岛区和模特陈列。陈列墙上的服装陈列分为正挂和侧挂两种。正挂方法有助于充分展示服装款式，但陈列量较小；侧挂方法，陈列量较大但视觉效果不直接，可让同种款式不同颜色的衣服按色彩有序地陈列于一根侧挂杆上，方便消费者选择同款式不同颜色的服装。中岛区的服装陈列，则将服装整齐地叠放在中岛货架上，同款同色的服装3～6件叠放在一起，可以节约空间并体现色彩感。模特的服装展示，利用模特进行整体服装搭配展示，配合其他配件共同将主题鲜明的展示在消费者面前。

四、结论

PUMA品牌通过对店铺选址、店铺装修、店铺陈列三个层次的标准化控制，能有效地保证品牌专卖店与品牌形象统一:（1）店铺选址以一、二级城市为主要目标，遵循大城市开旗舰店、多开店，小城市开大店、抢占第一的原则进行店铺布局的战略规划；店铺位置与竞争品牌毗邻；店铺面积以60平方米～80平方米为主。(2)店铺装修在总部的严格考核与控制下进行，总部制作装修方案、提供标准化的道具、物料、POP等，以相对较低的成本保证每个店铺的标准统一。(3)店铺陈列中的鞋和服装展示都遵循陈列墙、中岛区和模特陈列三个区域的规则。

参考文献:

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[2]陆嫣华:基于现代市场营销思想的服装卖场系统研究[D].上海东华大学,2005.3

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[5]胡绪一:基于数字化的服装卖场实用设计[D].东华大学,2006.1

[6]Chu waiching. Alice and Lam Meichl. Store Environment:Its Importance and Consumers’Expectations on Casual-wear Chain Stores in Hong Kong.1999

[7]冯荟.服装商品陈列设计探究[J].武汉科技学院学报,2004（6）

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关键词：博物馆；陈列设计；素质

中图分类号：G72 文献标识码：B 文章编号：1672-1578（2017）06-0009-02

博物馆是社会发展的产物，其社会功能和陈列设计方式必然随着时代的发展而不断变化。人类历史进入二十一世纪，科学技术迅猛发展，各种高新技术不断涌现，文化需求不断提高，这为博物馆陈列艺术设计人员的发展开拓了更广阔的空间，同时对艺术设计人员的综合素质也提出了更高的要求。

1.具有爱国情怀和社会责任感

做一名称职的博物馆陈列设计人员首先要具有热爱祖国、热爱人民的思想情怀。博物馆陈列是展示一个国家历史文化的窗口，反映该地区的收藏水平和教育水平，陈列的学术涵养和艺术气质直接反映一个国家民族的精神面貌。博物馆是一处爱国主义教育基地，他在收藏、保护、研究文物藏品的同时，向广大人民群众展现古代人类的智慧和文明，既是观众掌握历史文化知识的阵地又是陶冶爱国情操的乐园。随着社会的发展，博物馆在加快经济发展，促进文化交流的进程中起到了积极的推动作用。陈列设计人员只有热爱祖国，才会珍爱国家的历史，才会真正理解博物馆陈列设计工作的光荣和艰巨，才能满怀激情的投身于博物馆陈列设计工作中去。

陈列设计人员是社会工作者，他们的设计首先不是考虑经济效益，艺术效果或其他因素，而是社会的需要。如何满足广大人民群众精神文化生活的需要，如何通过自己的工作为广大观众带来精神上的愉悦和享受，陈列艺术设计是社会文化的一部分，和其他文化一样对人们的思想观念，行为方式产生着一定的影响。弘扬历史，传播知识，服务于观众，服务于社会，是博物馆陈列设计人员应具备的社会责任。

2.艺术方面修养

博物馆的陈列设计人员要有政治思想水平和一定的文化修养。在艺术上应具有"杂家"的素质，懂得各门类艺术和艺术创作规律，无论是涉及传统的、现代的、工艺的、人文的、装饰的、写实的、宫廷派的还是民间艺术等，都应有起码的了解或更深刻地认识。绘画艺术，书法艺术也是具备的基本素质。

陈列的编排依据内容而定，但其形式风格则是多变的。必须按照内容的要求，与内容的特点，把握好对物质材料和空间的利用。通过形式与内容的有机结合表达主题思想，以达到感染观众的目的。

形式设计人员素质的另一方面，那就是在展览设计与制作的过程中对装饰材料的选用。对绘画，雕塑等艺术品的分析，多风格字体的选择、图片的取舍，分析展品与室内外环境的关系等，都必须初步估计观众的视觉感和心理状况。因为虽然展出效果的好坏是以后的事但作为设计者，要在最初的设计中，以及不同时期的施工期间，对各种物质材料的启用，局部设计的审查和技术人员的分工都要持有一定的鉴赏经验和准确地决策水平。能否顺利，成功地进行各项施工，以致达到预想的效果，率领一班人完成大小设计，工艺制作等综合工程，最终达到"大坝合拢"的目的，这又是设计人员素质高低的又一印证。

3.工艺制作技能

作为一个设计人员不仅要懂艺术创作规律，同时还要懂工艺制作例如：展柜、展橱，台座积木和图版模型等不同工艺的制作以及装裱装潢。要有能驾驭和任意使用各种工艺的能力。在利用传统工艺材料和启用先进质材上要敢于突破，要不断地学习与研究，在这方面要有所发现，吸收并运用各工艺门类之间的优点和发挥材料上的优势。当然，无论使用何种物质材料，决定性的因素还是取决于形式设计方案的好坏。

工艺制作的前提是制图，它在不同程度上带有建筑制图、机械制图、木工制图与电工制图和其它专业制图等特点。利用这些制图的原理进行陈展设计中的工艺制图是陈列艺术不可缺少的步骤。因为设计人员完成形式构思的手段是绘制3D效果图和部分设计的平立面图。这个阶段它必须要强调工艺制作上的科学性，严肃性和规范化，利用制图方法体现设计者的思想，实现它的实用价值和有条不紊地进行制作。同时有利于各类制作同步施工，保证陈列的实施。

这些都是艺术性和工艺性的结合，是陈列形式设计人员职责，也是设计人员必备的条件之一。

4.调查研究能力

当你拿到陈列总体设计时。首先，是陈列内容的学习和研究，因为不同内容的陈列在艺术处理手法上是不尽相同的。比如遗址复原陈列，历史文物展览，自然生态展览，艺术品展览，民俗文物展览个人生平展等。这些不同的陈列、展览在内容上都是不同的，在形式设计上总得有不同的艺术形式体现这些主题思想。利用陈列语言通俗地，科学地形象的反映陈列内容，做到内容和形式的统一。

了解了陈列、展览的性质之后，那就需要对展览的场地进行一番调查，如场地面积（包括环境、室内等）不仅要对展览的展室（厅）主要部位进行调查外，同时将所有观众活动的地方都得把它的面积、空间和周围的环境作详细地测量并记录下来，再按各部位的使用要求分e绘制出展区，展室等部位的平面图、版式图、3D效果图。

在此同时还必须把展览的展品（实物）进行分类登记，记录它们的体积，质地、重量、特征和文稿、照片、史料等，立卡建档。

经过这三项调查分析工作之后，便取得了一定的数据性资料，将这些资料备置案头，在搞设计中，用时就能随手拈来。

此外，还要对展览所用的物质材料也要进行一番调查，认真研究，对新旧装饰材料是否环保和防火性能等进行详细了解。只有充分地预测它们的实用性和装饰效果才能够较恰当地用于设计方案，为编写采购计划提供方便。

当然，在对物质材料的运用上决不能唯材料论，陈列展览的成功与否主要看设计的艺术手法。但同样的设计方案使用不同的材料效果会有很大的差异，这里是说材料和工艺水平，对陈列效果也有一定的影响。

5.施工管理水平

设计人员在完成陈列设计方案之后，就要依靠各类专业技术人员进行制作施工，在这时主要应体现集体的智慧和力量，到了这个阶段，设计者就如同一个舞台上的导演和战场的指挥，对使用材料、人力分工，处理各部门的协助，起着技术和人力的核心作用，特别是在使用技术人才上，如何发挥他们的才能，扬长避短，做到人尽其才，物尽其用，所有这些都必须要由设计者统筹安排。展览筹备进入制作过程时应着重抓好各部门的岗位技术指导和成品验收。为全面完成展览设计和制作任务，发挥设计者的所有才能。在施工中修正错误，调整设计，使设计方案不断地充实、提高。