音乐创作论文范文

导语：如何才能写好一篇音乐创作论文，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

篇1

关键词：古希腊罗马文明古典风格启蒙运动慢乐章

奥地利音乐家沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（WolfgangAmadeusMozart,1756—1791）,三岁弹琴，四岁识谱，五岁开始作曲，小小年纪就名满京都，轰动全欧。这个百年难得一遇的天才，“满脑子是音乐”，被誉为“音乐的上帝”。上帝创造了万物，莫扎特则以纯正的心态，笼天地于形内，挫万物于笔端，在他短暂的生命中，以其旺盛的创作精力，向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品，这在人类文明史上是空前的。

音乐艺术绝不是原野上一朵独自开放、孤芳自赏的野玫瑰。为了更深地理解、把握莫扎特的音乐，我们有必要揭示莫扎特音乐创作的种种背景。

一、时代背景

莫扎特生活在18世纪的欧洲，正是非洲奴隶贸易最猖獗的时期。因为美洲的土著印第安人数量有限，且由于杀戮已濒于被灭绝的地步，所以那里的甘蔗、烟草、棉花、咖啡和香料等经济作物的种植迫切需要大量的、廉价的奴隶劳动，为的是向欧洲提供更多的原料。所以奴隶贸易的规模直接影响到欧洲国家的兴衰。欧洲几乎所有在海上从事贸易活动的国家（如葡萄牙、西班牙、荷兰、英国、法国、普鲁士、丹麦、瑞典）都在非洲大陆参加了奴隶的贩运这项“贩卖人类血肉”的罪恶勾当。其残忍性，不亚于20世纪的奥斯威辛集中营。

18世纪中叶欧洲国家之间的七年战争（1756—1763年）爆发那年，莫扎特刚好出生。开战的原因是普奥争雄与英法争霸。童年莫扎特巡回演出开始于1762年，正是欧洲战争此起彼伏的混乱时期。

18世纪的欧洲，古希腊、罗马文明的面纱再度被揭开，特别是在被埋没多年的庞贝及赫库兰姆两座古城的重新发现和挖掘，掀起一股埋没和遗失已久的古典思潮，形成了一股新古典主义浪潮，这股新浪潮深刻地影响着艺术创作的风格。莫扎特正好生逢“开明专制”的盛世，开明的君主约瑟夫二世（1741—1790），于1765年继任“德意志民族神圣罗马帝国”的皇帝，皇帝推崇伏尔泰等启蒙学者的学说，推行改革，在奥地利历史上开始了资本主义工商业的商品生产。生活在政治上一个比较宽松、比较自由的时期，莫扎特才得以创作了大量古典风格的音乐，激发了18世纪欧洲对古典风格的热烈崇拜。

莫扎特音乐艺术的根，正如近代欧洲文明的根一样，必须到古希腊、罗马去寻找。莫扎特音乐艺术的古典风格源自新古典主义浪潮的影响，犹如古希腊、罗马的建筑艺术风格一样，不仅崇高、庄严、静穆，且华贵、典雅。莫扎特在乐曲中营造出一种心旷神怡的优美氛围，靠直觉来表述自己内心对阳光、月光和星光下的世界人生的种种印象，具有对称美和稳定的和谐美。

二、思想文化背景

18世纪的欧洲，同时也是启蒙运动时期。启蒙运动，是一种将思想与信仰根植于对古希腊、罗马文明研究的运动；启蒙运动思想家伏尔泰及其支持者们相信理性及对知识的追求，将带领人性进入真正快乐的源头。在这种启蒙运动精神的推动下（在这个运动中，对任何问题都鼓励质疑和提出问题），欧洲开始尝试完成全球地图。

在莫扎特的年代，短暂且卓越的探险热潮，正是18世纪启蒙运动下的产物。詹姆斯·库克船长沿东澳大利亚征服南太平洋的探险航行，是哥伦布发现美洲大陆以来最大一次扩展了欧洲的地理知识体系，奠定了填补航海图上最后一大块土地的基础。而一个18世纪的浪子——贾科莫·卡萨诺瓦轻浮、放荡的一生恰恰是与18世纪启蒙运动的理性主义对立的最佳写照。他从18岁起（1743年），一直到1784年退休，都在欧洲骗吃骗喝，专门喜欢与国王、贵族、名人等高层次人士往来，还赢得世纪最伟大情圣之一的名声，这也是18世纪欧洲上流社会真实生活的生动写照。

莫扎特音乐的本质和灵魂也是启蒙。简单易懂的莫扎特音乐语言发展，亦与18世纪启蒙运动的思想密切联系。莫扎特应用简单易懂的音乐语言符号，采用奏鸣曲曲式，运用不同主调之间对立与平衡的全新表现技巧，在短短的29个春秋寒暑一共创作了626首曲子。这是上帝专门派来赐给人类的如珠似玉的旋律。

三、生理和心理背景

1.对疾病的沉思

莫扎特自六岁起，直到临终，他都是一个疾病缠身的人。也许，没有疾病的痛苦，就不会有深沉的音乐产生。莫扎特的音乐创作生涯都是在疾病缠身的煎熬和拼搏中度过的。若从医学角度看，他的不少乐曲在某种程度上实在是一位患者主诉病历的档案。当然，莫扎特很少公开抱怨自己的恶劣健康状况，他总是一个人默默地忍受着。疾病所造成的痛苦并没有把他推向颓废的泥潭，走向厌世和悲观主义，相反倒促使、刺激他跑到音乐艺术世界去寻找出路，用旋律、节奏以及和声的语言诉说其生存状态，描述其人生的根本处境，从而得到解脱。

在《D大调第五钢琴协奏曲》（作品第175号）中，活跃、开朗，有朝气的第一乐章是他对生命的一首赞歌，而在慢乐章的展开部出现了沉思的段落，这是他祈求上帝使他正确对待疾病的一段内心独白。该曲创作于1773年，莫扎特17岁，正好抱着有病的身子走向自己的青年时代。如此孱弱的躯体，却有如此旺盛的艺术创造力！真是不可思议。

2．对死亡的默念

对死亡的默念，有一种乡愁伴随，这是莫扎特的许多慢乐章的主题。他把死亡看成是生命的最后归宿，正是死亡刺激了他去紧迫地、频繁地思考生的意义。

在人对生的渴望和死亡之间，存在着永恒的冲突。莫扎特用作曲，用钢琴和小提琴做武器，同死的绝望感进行抗挣。他的最后三首弦乐四重奏便是莫扎特晚期同死的绝望感进行抗挣的“战利品”：《D大调弦乐四重奏》（作品第575号），创作年代是1789年夏天；《降B大调弦乐四重奏》（作品第589号），创作年代是1790年冬；《F大调弦乐四重奏》（作品第590号），创作年代是1790年冬。

联想起贝多芬的《a小调弦乐四重奏》，它的主题思想正是贝多芬对“恒久的孤独生存”的有力对抗和报复。这两位世界上最伟大的作曲家在行将就木的日子都用了弦乐四重奏来抗击心中的死的绝望感，真是意味深长。

艺术就是有这样一种神奇的魅力：即使是痛苦、悲哀和绝望，一旦经过艺术处理，也会升华为审美对象。

3．做一个自由作曲家的“烦”

身为一名音乐神童，莫扎特曾与欧洲贵族交往密切，他认为自己与任何贵族是平等的（正如他在歌剧中所体现的）。但莫扎特仍隶属于萨尔兹堡的统治者——施拉腾巴哈大主教及他的继承人——科洛里多伯爵。他在这样的从属地位上，常感到局促不安；他容忍不了主仆关系中雇主科洛里多的专横和压制，在经过几次意见纷争以后，终于在1781年（25岁）挣脱了依附关系而走上自由作曲家的道路。他为了摆脱经济上的困境，总在为找寻宫廷里的一个职位而劳碌奔波。不幸的是，当时的观念是贵族赞助者均视作曲家为仆役，莫扎特历经坎坷，仍负债累累；英年早逝，劳生一梦。

莫扎特性格中有内向的一面，他善于把同世界的矛盾、冲突掩盖在自己的内心深处，将做一个自由人的种种“烦”转化为旋律。他的四首圆号协奏曲是他对“烦”的狠狠报复，因为他觉得用圆号来“笑”劳生一梦是很过瘾、很解恨的一件事，他企图通过圆号那响彻云霄的号声来缓解其内心的“烦”，宣泄出同世界抗争的愤懑。

莫扎特的音乐越往后，越到他的晚期，他反抗世界、自我挣扎的成分越多，乐曲境界就越高，震撼人心灵的力量也越大。到了临死前的三四年，莫扎特的乐曲中透出的人同世界相抗争的“力”就越大。

人类的精神和文明只有发展到了欧洲的18世纪，才能孕育出莫扎特音乐语言符号系统。音乐作为一门艺术，一种语言符号系统，使18世纪的欧洲为之发狂，则是莫扎特的伟大功绩。

参考文献：

[1]侯康为．从古典的角度思虑自然——莫扎特自然主义与人文思想的来源．齐鲁艺苑．1999（1）P45-49

[2]金予湘．关于莫扎特的音乐风格及其作品演奏技巧．郑州航空工业管理学院学报（社会科学版）2002（3）P74-76

[3]戴起源．对悲剧性艺术风格作品的演绎探寻——兼谈莫扎特《C小调幻想曲》的创作与美学意蕴．艺术教育．2006（5）P89-91

[4]于润洋主编．西方音乐通史．上海：上海音乐出版社，2001年版．

[5]莫扎特．莫扎特书信集．钱仁康编译．上海：上海音乐学院出版社，2003年版．

篇2

计算机在中学教育中的运用为“电脑音乐创作教学”的开展奠定了良好的基础，音乐作曲软件的开发利用则成为“电脑音乐创作教学”得以开展的保证，同时为学生今后在音乐方面的发展开拓了一个广阔的空间。

电脑音乐创作课的教学，培养和发展了学生的音乐创作能力、提升了同学们对音乐的兴趣，同时巩固和发展了学生基本的音乐素养。因此，电脑音乐创作教学是一种先进的新型教学模式，它的推广和普及必将对我们的中学乃至所有阶段的音乐教学起到良好的促进作用。

在全面实施素质教育的过程中，为了应对知识经济时代的挑战，必须着重研究和解决如何培养学生的创新意识、创新思维和创新能力的问题。笔者在高中音乐课的教学实践中，对利用电脑音乐创作系统进行创作教学这一课题进行了探索。

关键词：高中电脑音乐创作教学创新素质

这是高中学生的一节音乐课：同学们以小组为单位，通过讨论逐步完成一首小乐曲的“创作”：输入主旋律、根据自己对作品的理解从教师设定的若干伴奏音型和“鼓底”（节奏型）中选择相应的，调整各轨的音色、音量并不断回放、修改。教师则利用电子课堂系统进行监控，随时对出现的问题进行有针对性的指导。由于可以利用音乐软件将自己的音乐主张转变为乐曲，体会创作成功后的成就感，同学们学习得愉快而主动，课堂氛围轻松和谐。

我们不仅要问：是什么使这些高中生对音乐课产生了如此浓厚的兴趣？这样的教学内容和教学方式可以发展成为一种教学模式并被推广吗？它是否预示了今后音乐课发展的一个方向呢？笔者结合自己的教学实践，对这些问题做了一系列的探索。

一．进行“音乐创作教学"的可行性

1.倡导创新教育，是实施应试教育向素质教育转变的必然结果

所谓创新教育，是指在基础阶段以培养人的创新精神和创新能力为基本价值取向的教育实践。应试教育侧重于考察学生对知识的掌握程度，而素质教育则侧重激发学生个性特长和对知识的组合创新，将书本知识运用实践验证或进行延伸创造，立足于开发特长、释放学生的潜能。教学不再将知识的学习作为教学的目的，而是把知识的学习作为认识事物本质，训练思维能力、掌握科学方法的手段；学生在“发现”知识的过程中不是简单地获得结果，而是强调创造性的方法和形成探究的精神。音乐创作为音乐课教学提供了一个绝好的创造性教学的空间。在创造性的学习过程中，学生在教师精心设计的作曲、编曲练习中意识问题、发现和解决问题，并且在教师的帮助下达到独立认识和创造性学习的目的。这种教学的效果是以往任何一堂传统音乐课都无法达成的。

2.“音乐创作教学"着眼于未来，符合“三个面向”的要求。

启发并丰富学生的想象力，鼓励并发挥学生主动学习、积极创造的精神，培养与发展学生的创造力、想象力，是发展学生智力的重要内容。音乐的创作、表演、欣赏过程都离不开想象力、创造力。有关研究表明，人在二十岁以前，智力的提高几乎是直线式的。如果人的大脑在新型的教育活动的刺激下，完全有可能把创造性的才能发展到更高的程度。音乐创作教学在教师指导下，有目的、有计划地发展学生想象力、创造力，使学生的智力得以开发和发展。在创作活动中，通过学生创作音乐，增加学生创作的欲望和勇气，打破创作神秘的思想。

3.“音乐创作教学"可以扩充学生对生活的观察力与思考力。

通过有意识的对客观现实的观察了解，运用所学过的各种音乐语言和表现手段进行创作，表达自己的思想感情，使学生在创作过程中获得了了更丰富的生活经验。从而加强了学生对生活与音乐创作之间联系的思考。通过学生自己观察、创作、表演他们最熟悉、最感兴趣的事物和情感，使学生自己教育自己，感染自己，鼓励自己。

4.“音乐创作教学"可以促进其它教学内容的学习，提高学生解决实际问题的能力。

在传统的音乐课中，乐理知识的教学非常重要，但其内容较难掌握，而且缺乏检验教学效果的有效手段。其它如视唱练耳、听音记谱等训练学生音乐能力的练习，在原来的音乐课中也有安排，但由于客观条件的限制，教学效果甚微。除了一些音乐天赋较好的同学以外，其他大多数同学的音乐能力还是不能很到很大提高。在创作课中，上述所有的内容都成为了操作软件的必要条件。学生只有具备了这些“基本功”之后，才有操作电脑进行编曲的可能。在编辑乐谱的过程中获得、锻炼和巩固有关的音乐知识，同时通过作品的完成来检验学习的效果，形成了一个学习——创作——再学习——再创作的良性循环。

二．高中电脑音乐创作课的实践

1.明确“音乐创作教学"的深广度

①“音乐创作教学"深广度的界定

创作教学的广度，指广义音乐创作教学活动，凡有利于发展学生创造性思维的音乐教学活动，都包括在内——象即兴编唱一首歌，敲击一个节奏，选择适当的伴奏乐器都在此列。另外，有意识地引导学生修改、补充、更正他们不熟悉的歌曲节奏、旋律、歌词、表情处理等，也都属于音乐创作教学的范围。

音乐创作教学的深度，主要指使学生初步掌握音乐表现手段和曲式结构等作曲常识。如旋律的进行，节奏的变化和主题的发展手法，以及曲式起、承、转、合的结构等等。

应当指出，从目前的音乐教学实际水平出发，不可能要求每个学生都会作曲，都具有记谱的能力。随着音乐教育的发展，我们应逐步培养学生创作与记谱的能力。

②创作教学的教学计划

为了更好地了解创作课教学在音乐教育中的价值和前景，笔者向学校申请，将校内的一个30人的小班作为实验班，进行音乐创作教学的实践。在通过摸底掌握了班里每位同学的音乐素质之后，针对学生的实际情况指定了教学计划（实践时间为一学期），将一首歌曲的制作简化到旋律、节奏、和声、歌词及音色音量的设定几个部分，争取通过将近15个课时的教学，使学生初步掌握电脑音乐制作系统的操作，完成简单的歌曲创作和编配。具体计划如下：

周次教学内容

第1周乐理知识查漏补缺，为后面的学习打好基础

第2、3周学习音乐软件操作

第4周通过选择的方式完成一首乐曲的编配

第5—7周独立完成一首乐曲的编配

第8、9周进行创作歌曲演唱比赛

第10周机动

③教学内容范围的选择

考虑到学生的个别差异，在教学过程中，笔者为不同程度的学生设定了不同的要求。

a.乐曲的输入

根据自己的水平，同学们可以自己创作一段乐曲或选择输入一段自己喜欢的旋律。考虑到有的旋律在节奏、曲风上存在着众多的难点，教师建议学生选择节奏规整、稍舒缓的旋律。在音乐软件上有三种乐谱输入方式：会演奏键盘乐器的同学可以利用电脑键盘的“键盘”功能录入乐谱；一般的同学可以使用单步录音，选择好音符的时值，用电脑键盘将音符一个个弹奏录入；也可以选择使用鼠标点击输入的方式，这种方式速度较慢，但是操作最为简便和直观。

b.节奏的选择和编配

教师为学生提供了多种风格的节奏，学生可以根据乐曲的特点选择不同风格的节奏型作为“鼓底”。这是一种简便的操作方式，只要根据作品

的需要加以修改，即可轻松地完成节奏的编配。也可以自己制作“鼓底”。如制作一个基本的disco节奏，用三个轨道分别输入大鼓（××）、小军鼓（×）和落地踩叉（××××）的节奏型，合在一起演奏即可。

c.和声的编配

学生可以从教师为作品编配的和声中选择，也可以自己进行和声的编配。如果进行独立制作，学生必须掌握的有关和声的基础知识，一、四、五级的编配以及伴奏织体的设计。在此基础上，每位同学根据自己的和声编配能力和听觉检验，设法为作品进行和声编配。

d.歌词填写

填写歌词看似简单，实际上牵涉到连音线、圆滑线、倒字等等一系列问题。从学生的实际水平出发，在这个环节中没有过多的要求，只是要求每位同学创作的歌词能够符合一般的审美观点。

2.指导学生做好“音乐创作"的准备工作

准备工作包括让学生掌握一定的乐理知识，具有独立的视唱能力和记谱能力，以及感受、理解音乐、表现音乐的能力等。这是他们进行音乐创作的基础。在两个课时的短暂教学时间里，乐理知识教学的内容主要是五线谱的记谱与和声的编配。五线谱知识的复习、巩固可以结合音乐软件的操作学习进行。现在笔者在教学中所使用的是市场上最为流行的Cakewalk编曲软件和Encore专业打谱软件。为了使学生具有正确规范的概念，乐谱的输入、修改均在Encore软件上进行。专业打谱软件所具有的规范化功能可以引导学生进行正确的操作。比如现在要求输入一小节4/4拍的旋律：如果输入时值总和超过4拍，电脑就会发出“叮”的一声提示输入错误，并拒绝输入超出时值的音符；如果输入的时值不足4拍，在乐谱上就会出现音符排列错误或演奏出错（如演奏突然停止）等情况。和声编配的学习只要求了解基本的一、四、五级及其排列规则。在实际操作中，对学生的要求可以适当放宽，只要大致的和声结构正确便予以认可。我们必须认识到：培养能力不能靠一蹴而就，而是要在较长的时间内，通过平时的教学工作，一点一滴地去积累，靠长期艰苦、细致的工作才能奏效。

3.对教师的要求

作为一名合格的音乐教师，必须具有全面、专业的音乐知识，这是毋庸置疑的。但要能够较好地完成电脑音乐创作课的教学，教师必须在原有的基础上进一步地了解更多的知识。

①广泛涉猎各种不同体裁、不同风格的音乐

从音乐院校音乐专业或师范院校音乐教育专业毕业的音乐教师，一般都在古典音乐方面有一定程度的涉猎，对于现代通俗音乐却是知之甚少。而这部分的音乐正好是学生最感兴趣的内容，他们的创作中必然会有深刻的通俗音乐的痕迹体现。假如教师在教学中心中无数，必然无法指导学生的学习。只有广泛地涉猎各种不同风格的音乐——尤其是学生最为熟悉的通俗音乐部分，才能真正地体现教师在电脑音乐创作课中的主导作用。

②学会熟练地操作、使用电脑音乐软件

现在市场上的电脑音乐制作软件主要包括三类：编曲类的如Cakewalk、Soundforge，它们的功能是编辑、创作MIDI乐曲；打谱类的如Encore、Finaly98，它们是目前市场上最为专业的打谱软件，其乐谱编辑功能完全可以和乐谱排版系统相媲美，且对于专业人士而言，操作十分简便；自动配器类的如Bandinabox，只要输入旋律、和声，选择作品风格，软件就会自动生成伴奏乐曲，对于非专业人士而言不失为很好的一种快速编曲工具。教师如果全面地掌握了不同软件的不同功能，就能更好地为教学设计创造情境，促使学生质疑问难，探索求解的创造性学习动机，让学生产生认识（操作过程中）的困难或困惑，从而激发他们去进行创造性的探索。这也是创造性教学取得成功的基本条件之一。

三．在教学中需要注意的问题

1．硬件问题

由于电脑音乐创作教学对设备的要求较高（一套设备的最低配置也要将近一万人民币），一般的学校无法完成这样的硬件配置。如要让电脑音乐创作教学成为现实，音乐教育必须得到上级主管部门的更多重视。

2．软件问题

软件问题牵涉到教师和学生两个方面。完成电脑音乐创作课对音乐教师提出了相当高的要求。教师对音乐软件的操作能力的高低直接决定了创作课的教学质量。同时教师在教学中的主导作用决定了学生创作的风格与审美观。就一般的普通中学而言，学生的音乐基础与目前期望的要求也还是有一定距离的。解决这个矛盾的方法有两个：一是针对学生目前的实际情况查漏补缺；一是在最初教学的过程中适当放宽对学生的要求，今后再根据学生的进步逐渐提高。

四．结语

通过一个学期的实践证明，学生是完全有兴趣、有能力参与和进行电脑音乐创作的。而且出乎意料的是，由于部分音乐天赋较好、计算机运用能力较强的同学在学习过程中起到了积极的带头作用，使得本来预计要10周左右时间完成的教学计划在短短的6周时间就得以完成，而且许多同学都自行购买了软件，决定要在课后继续进行电脑音乐创作的尝试。

篇3

一、在原腔山歌的基础上，运用作曲的技法加工发展客家山歌。

传统的原腔山歌中有很多是非常优美动听的，我们在保留吸收原腔山歌的风貌、韵味的基础上，合理运用作曲技法，往往能创作出具有时代气息、易为群众所接受和欣赏的音乐来。例如，被誉为“客家山歌王”的张振坤，他在客家音乐创作中就是按照这样的思路。他创作的《世代铭记恩情》这首曲，采用蕉岭长潭山歌的原腔，通过以词变腔、节奏压缩、扩展等手法去创作，写出了让人耳目一新、容易传唱的客家山歌歌曲。

二、利用客家山歌的素材，创作客家方言通俗歌曲。

传统山歌中，许多是反映旧社会劳动人民精神生活的。所以，在中、老年人中容易传唱和产生共鸣。而当代年青人，对传统的客家山歌却不甚了解和不易接受。随着新时代期社会形态、社会风情、思想观念的更新，艺术的表现形式多样而新颖，所以我们也可以运用客家音乐的素材，创作出流行歌曲。台湾的作曲家运用客家山歌素材，采用通俗歌曲的手法进行创作，题材广泛，手法多样。所以，台湾客家话歌曲在大陆很受欢迎。我认为，我们客家山歌音乐创作一定要向人家学习、借鉴，多创作出一些具有客家特色的通俗歌曲，逐步在客家地区流行，让青年人了解客家文化，从而喜欢客家歌曲，才不会忘祖，才能后断有人。

三、利用客家山歌的素材，创作艺术歌曲。

客家山歌曲调抒情优美，这是不容否认的。为什么客家歌曲不能形成“大气候”，不能在全国打响？这是多方面原因造成的。我想，创作一定要顺应时代的精神需求，创作手法要多样，不但要用新的作曲技法，而且可以采用普通话的演唱方式，让全国听众了解、熟悉客家音乐。另外客家普通话歌曲还要通过名家演唱去推出，通过MTV的播出去影响全国听众，让全国听众熟悉和喜欢。

四、利用客家山歌曲调的素材，创作合唱曲、器乐曲。

客家山歌的创作要多样化，发展客家话、普通话合唱曲方面也很直得探索。流传全国的合唱曲，有许多是根据中国民歌素材编曲或创作的，如“阿拉木汗”、“半个月亮爬上来”、“牧歌”等。这些合唱都是采用原腔民歌，曲式结构简练，很容易让人接受，易唱又有新的意境。客家山歌发展成合唱曲，应保留原腔的优美特点，通过合唱曲的演唱，传播客家文化。

篇4

西方音乐的内在精神 精 品 源自历 史科

对于西方音乐文化的写作,无论运用怎样不同的角度和手法,都不可能避开对西方音乐史上古典主义和浪漫主义时期的重点介绍,因为西方音乐在这两个时期已经高度发展与繁荣,不仅乐谱资料和乐器种类极为丰富,各种音乐形式亦发展到一个高峰,目前我们所深入研究的作曲家和作品绝大多数来自于这两个时期,因此,对于这些书籍关于这两个时期的论述进行对比,也变得十分必要。

首先来看叶松荣的《论稿》,作者对于每一时期的音乐文化所启用的标题都呈现出承上启下的逻辑性。而章节下面的小标题体现了该书主观性的特点,如描述古典主义时期的“莫扎特的美学思想与音乐创作”、“贝多芬音乐创作的独特性及评价”,浪漫主义时期的“舒伯特音乐创作的独创性”、“肖邦音乐创作中的思想性与艺术性的高度融合”等。在论述方法上,作者叙述的方式却突破了传统的史书,较为自由地阐述了自己的观点,且评述性很强。对于作曲家、流派的评价分析也十分注意与其他学科的联系,比如在谈到贝多芬《第九交响曲》情感内容独特性时,作者将该曲与席勒的《欢乐颂》一诗各自产生的时代背景结合起来进行审视,使这一段的论述渗透着厚重的历史感和深刻文化内涵。

蔡良玉的《西方音乐文化》关于古典主义时期和浪漫主义时期的篇幅占据了此书的绝大部分,但是作者并没有把贝多芬归到任何一个时代,而是将其单独作为一个章节来谈,这是对于贝多芬作为这两个时期承上启下者这样一个特殊身份的重视。在所呈现的史料上,尤其在论述作曲家生平方面,由于提供了许多在普及书目中少见的新材料,使读者有耳目一新的感觉。在论述方面,作者尽管仍是以客观叙述为主,但仍不乏其主观评述性。作者在后记中提到“年轻的音乐家都不应该是‘文化盲’,”因此他在写作时更加注重文化历史背景和音乐观念的发展变化的论述。

篇5

中国作曲家经历了1978年自90年代初从为政治服务的“他律”到研究音乐自身规律的“自律”、90年代到当前的理性与感性的交融（“他律”与“自律”的有机交融）

中央音乐学院作曲系姚恒璐教授应韩国现代音乐三同盟（TACM，Triple Alliance for Contemporary Music）的邀请，出席了十月底在韩国大邱市举行的“2008东方之声”现代作品音乐会及论坛等系列学术交流活动。

10月29日晚，在岭南大学（Yougnam University）音乐厅举行的“2008东方之声”音乐会上（SOUND OF THE EAST），姚恒璐教授的新作：四重奏《高丽之风》――为长笛、钢琴、小提琴和大提琴而作》获得成功。该作品根据东北吉林的朝鲜族民歌《嗯嘿呀》的旋律素材创作而成，其主题带有舞蹈的特征，情绪从沉寂到奔放。四重奏按照朝鲜民族音乐惯用“慢板－稍快－更快－急速”的结构方式，分为7个部分：A，慢板－引子，一种广阔寂静的场景；B，行板，陈述出作品的主要主题；C，小广板－叙事性的柔板，似乎在讲述一个故事；D，如歌的中板，伴随歌唱情绪的主题的变奏；E，小快板，一种快速追逐的效果；F，充满活力的快板，主题第二次变奏，强调出一种特殊舞曲的特点；G，尾声－更快地，作品最终在欢腾般的气氛中结束。整首作品兼具现代风格、但可听性强，精致、独特而引人入胜。在当晚的音乐会上，还上演了日本作曲家、伊丽莎白大学教授伴谷晃二的《光、风和海――为竖笛独奏而作》、中华台北文化大学副教授吕文慈的《太阳、月亮》、中国香港作曲家陈永华教授的《爱之火――为大提琴独奏而作》以及韩国作曲家、岭南大学教授李震宇的《镶嵌――为长笛、小提琴、大提琴和打击乐而作》等。

在10月29日上午举行的主题为《亚洲从西方音乐所借鉴的作曲技法的改变》学术研讨会上，姚恒璐教授作了《作曲的演变和实践在中国――中国从西方音乐借鉴的过程》的专题演讲。论文从创作观念、创作技法和创作方式三个方面论述了中国自1978年以来当代音乐的创作风貌。在创作观念上，经历了1978年自90年代初从为政治服务的“他律”到研究音乐自身规律的“自律”、90年代到当前的理性与感性的交融（“他律”与“自律”的有机交融）；还从技法、风格、文化与结构四个方面阐述了西方的调性回归对中国音乐创作的启示以及广泛的题材选择与多元的技法实施等方面论述了西方音乐对中国作曲家创作观念的改变。在创作技法的运用上，从传统（西方的技术理论）、民族（音乐风格）和现代（时代感）方面、西方“先锋”作曲技法的引入和重视技法与音乐表现、音乐结构的关系上来逐一剖析。让亚洲其他各国了解到中国当代音乐的创作状况。

10月30日晚，在光州市举办的亚洲青年文化节开幕式上，“2008东方之声”音乐会原曲目并再次得到成功上演。本次亚洲青年文化节的主题是：“亚洲、文化和环境”。此外，姚恒璐教授还应邀出席了31日举行的《亚洲文化论坛》。

篇6

书评征文启事

为活跃音乐理论生活，提高大学生的理论及文化素养，增强青年学生发现问题、分析问题进而解决问题的能力，同时在音乐界营造勤于读书、关注当前理论创作的良好学习氛围，特举办此次征文。

本次活动由中国音乐评论学会和《音乐研究》编辑部主办，人民音乐出版社大力协助。

一、参加对象及书评范围

全国各类高等院校的在校研究生(包括博士、硕士生)、大学生(包括本科、专科生)均可参加。

书评范围包括，2007－2010年国内外各出版机构公开出版发行的音乐理论著作；做出较大修订、增订的音乐理论著作；新创作的音乐作品集；音乐理论翻译图书(均以版权页记录为准)。

重印、汇编、摘编类图书，明确标定为教材的图书和2007年之前出版的图书不在此次征文评论之列。

二、参加办法及要求

1　根据个人专业及兴趣，对所选图书在阅读学习的基础上，客观、公正地撰写书评。本届活动特别欢迎站在学科发展角度和学术立场上的批评性稿件。

2　来稿均请在稿件右上角注明“书评征文”字样，同时将电子版以附件方式传送；可以只使用电子邮件投稿，应以收到编辑部确认的回复函为准。

3　每人参评文章最多为两篇，且必须均为没有正式发表过的新作。参评文章须符合基本的标注规范。同时为方便匿名评审，作者姓名、单位及一切联络方式均统一放置文尾，文中不得夹带个人信息。

4　大学生组的来稿以3000字左右为宜，最长不超过5000字；研究生组以5000字左右为宜。最长不超过8000字。

5　欢迎指导教师书写每篇不超过500字的评语，随征文同时寄(传)来。

三、评审办法及获奖名额

分初评、复评和公示三个阶段。初评由《音乐研究》编辑部承担；复评由中国音乐评论学会组成评委会，采用匿名的办法评出获奖文章；公示阶段将所有入选文章上传中国音乐评论网接受社会监督，如发现剽窃、抄袭等不端行为，将取消获奖资格，并通报参评者就学单位。

评审将按大学生组和研究生组分别进行，共评选出“优秀书评奖”(最高奖)15篇；根据参赛者比例，另外评出“书评荣誉奖”若干篇。

四、征文时间及奖励办法

自2009年9月至2010年4月1日截稿(以文章寄出邮戳或邮件收到时间为准)。

“优秀书评奖”获得者将颁发获奖证书；书评稿件在《音乐研究》选登；向获奖者提供人民音乐出版社图书目录，由获奖者挑选定价500元左右的图书作为物质奖励。“书评荣誉奖”获得者颁发荣誉证书。所有获奖文章的电子版都将在中国音乐评论网全文使用。对评价客观的指导教师评语将在刊用文章时一并使用。

获奖者、获奖者指导教师及就学单位名单统一在《音乐研究》杂志和中国音乐评论网、人民音乐出版社网公布。

征文邮寄地址：100010北京市东城区朝内大街甲55号《音乐研究》编辑部

咨询电话：(010)58110575／58110583(编辑部)

电子信箱：yyyj@rymusic，com，cn

中国音乐评论学会《音乐研究》编辑部

2009年9月9日

第三届中国音乐评论“学会奖”评选活动征文通知

为了繁荣音乐生活、促进音乐艺术事业健康发展，中国音乐评论学会将于2010年4月召开中国音乐评论学会第四届年会期间举办第三届中国音乐评论“学会奖”评选活动。

征稿范围：2008年以来在各类媒体发表(或撰写)的有关音乐创作、表演、研究、教育、社会音乐生活等领域的各类评论均可参加本次评奖活动(凡高校在读学生的书评作品请参与“人音社杯”高校学生音乐书评征文)。每位参评人提交文稿的数量不多于2篇。

参评范围：中国大陆、香港、澳门、台湾地区以及海外华人中的专业或业余音乐评论从业者(除音乐评论学会聘请的评委会专家之外)均可以参加本次评选活动。

参评办法：2010年4月1日前将论文的word文稿发至中国音乐评论网(www，ecmcn，net)收稿信箱：ecmcnnet@yahoo，com，cn。参评人需在文稿前注明“参评论文”字样，在文稿后注明自己的姓名、地址、电话、电子信箱、工作单位或在读学校等个人信息。

评奖办法：组委会聘请海内外专家组成评审委员会。根据参评论文的数量和质量评出一、二、三等奖及优秀奖若干。在中国音乐评论网公示一个月后，在《人民音乐》、《音乐研究》刊登获奖名单。

中国音乐评论学会

2009年12月中国音乐评论学会第四届年会暨纪念施光南诞辰70周年逝世20周年学术研讨会

中国音乐评论学会将于2010年4月下旬在浙江艺术职业学院召开中国音乐评论学会第四届年会暨纪念人民音乐家施光南诞辰70周年、逝世20周年学术研讨会。

会议主题：音乐评论与音乐生活的关系；施光南的音乐创作与历史贡献。

请学会会员及关注音乐评论事业的相关人士围绕会议主题撰写与会论文，并于2010年4月1日前将论文电子稿发至中国音乐评论网(www，ecmcn，net)收稿信箱：ecmcnnet@yahoo，com，cn(文稿上方注“与会论文”)。

篇7

本文以黄河历史文化引申到黄河精神的思忖，同时以中国近现代音乐史上几部具有时代特征的黄河题材的创作为陈述线索，论述“黄河精神”的人文所在。意在对当下音乐创作本体“黄河精神” 的1个唤醒，期待真正具有时代精神气质的作品的呈现，同时也是呼唤具有民族风貌的“黄河情结”的音乐作品的回归。

关键词：近现代音乐；体现；黄河精神；黄河情结；

ABSTRACT

篇8

关键词：流行歌曲演唱 审美意识 大众文化 学术综述

2010-2013年度，中文核心期刊所刊载的关于流行歌曲演唱研究的论文共16篇。总体上表现出研究思维和研究角度多元性的特点。通过对以上论文资料的整合、梳理，它们主要是从当代流行歌曲发展的审美意识、流行歌曲的演唱技巧、流行歌曲演唱在我国高校教育中的发展等角度来进行研究。提出的新观点丰富了我国流行音乐研究的成果，对我国流行音乐理论研究方面有较大的推动作用，本文将选取其中最具代表性的几篇进行论述。

一、当代通俗歌曲发展的审美意识

自1927年中国流行音乐诞生以来，中国流行音乐的发展受到各种因素的影响，其发展道路颇为曲折。改革开放以后，中国大陆流行音乐得到全面复兴并迅速崛起。目前，流行音乐已从我国音乐文化发展的边缘地带走上了中心舞台。而流行歌曲更是占据了最主导的地位，引领着中国流行音乐的发展潮流，随之而来的，是越来越多的专家、学者对中国流行音乐发展更理性地思考，更加注重它在社会环境中的引导作用。

星海音乐学院副教授、暨南大学2012级博士生曹桦发表在《音乐创作》2013年第7期的《当代流行歌曲演唱发展的审美期待》一文中，从音乐美学的角度对流行歌曲演唱在流行歌曲乃至流行音乐的发展中所具有的重要意义进行研究。在他的论文中，第一部分写流行歌曲演唱审美嬗变，第二部分写流行歌曲演唱的审美缺失，第三部分写流行歌曲演唱的审美期待。曹桦认为“目前流行歌曲演唱的最大悲剧是‘把当美感，这种美感实际上是一种错位’――现在有不少流行歌曲，在歌词的内容上俗不可耐”而对于流行歌手来说，美学的修养和美感的培养是非常重要的。这种“错位”便体现出中国当前流行歌曲演唱中审美的缺失。

“审美期待”于目前面临“审美流失”现状的中国流行音乐而言，尤为重要。曹桦把流行歌曲演唱的审美期待分为以下四个层次：

（一）歌唱形态给人以最为直接的感官冲击，歌者不仅要声音能要受众感到和谐，歌手的动作姿态、着装要能养眼。

（二）歌唱内容和情感表达要悦情。情的表达要有技巧，要有方法。

（三）气质表现要悦心。

（四）歌唱神态要悦神，“悦神是审美形态的最高要求”。中国传统美学特别强调艺术的神韵和意境对人的精神的影响。

基于曹桦博士在这方面的思考和探究，认为流行歌曲演唱的审美缺失还有一个很重要的客观原因，就是目前以商业利润最大化为主要目的，对流行歌手的包装更多体现在以夺取观众的眼球为主，对于歌手的包装往往重外形而非声音品质及音乐素养，如此这般，流行音乐难免被误解为茶余饭后休闲调侃之佐料，相较于严谨且更具艺术内涵的艺术歌曲而言，流行歌曲更一度被等同与肤浅粗陋的“口水歌”。这些都是对流行歌曲的盲目认知。

二、流行歌曲演唱的技巧

在中国当代流行歌坛中，对于如何唱好流行歌曲的认识存在一些误区：专业人士大多数认为“要唱好通俗歌曲，必须先学美声”，非专业人士大多数则认为“唱的音够高，唱得就好”。从笔者个人的流行歌曲演唱的学习和实践经验来看，流行歌曲的演唱应是演唱者对作品内涵的把握以及个人情感的抒发。通俗歌曲演唱的三个基本要素是气息、音乐感觉、对歌曲的整体把握。

太原师范学院音乐系讲师郜锋和山西大学商务学院音乐系教师白洁发表在《音乐创作》2013年第6期的《通俗唱法的思考》一文中，主要就如何学好流行唱法，怎样唱好流行歌曲，如何规避演唱流行歌曲时常见的几个误区等进行论述。笔者十分赞同他对中国当代流行歌曲演唱认识误区的两点解读：

（一）专业人士大多数认为要唱好通俗歌曲，必须先学美声

现实中有的人由于缺乏对流行唱法知识的了解与把握，认为无需系统学习流行唱法，学了美声唱法就自然会流行唱法。这种观点是把美声唱法的发声方法与流行唱法的发声方法等同，忽视了美声唱法声音的掩盖特征和流行唱法声音的自然特征，其结果只能是声音非驴非马。

（二）非专业人士大多数认为“唱的音够高，唱得就好”

郜锋认为歌唱是一种美的艺术表达形式，应该以美为最主要的宗旨，而非以唱的音有多高或者有多低作为一个人唱功评判的标准。笔者很赞同郜锋的这个观点，当下湖南卫视一档很火的节目《我是歌手》，就很好地应证了郜锋的批评。《我是歌手》就是由非专业的观众来评定每位歌手的演唱，节目采用淘汰赛制，在节目中顺利晋级者往往都是一些擅长高音、嘶吼的歌手。如擅长中音低音区演唱的黄品冠，在第一轮就被淘汰了。他并未选择采用高音区演唱甚至是嘶吼的方式来演唱。在比赛现场，他的表演中规中矩，主要是抒情为主。他的声线平稳、歌曲演绎完整，单一乐器的伴奏也让这种声线特质发挥到了最佳水平，他演唱的每一个音符都处理得很精致细腻，在我看来，他是真正的实力派歌手，是很好的流行歌手，他的淘汰着实让我感到可惜。事实上，高质量的高音演唱确实能给歌曲增添渲染力，但饱满的中低音同样也是很有感染力的。这也是我们现在对流行歌曲演唱的审美认知中缺失的一部分。

李曼发表在中文核心期刊《四川戏剧》2011年第3期上的《理性认识流行唱法》就如何理性认识流行唱法进行了阐述，文中主要围绕气息、共鸣、真假声运用、喉位、语言咬字吐字、演唱风格等，探讨流行唱法与美声唱法、民族唱法之间的联系与区别，并在几大唱法的艺术共性中窥见流行唱法的个性特征，以期提升演唱者对流行唱法声音的掌控能力。李曼认为歌唱艺术不仅是听觉艺术，也是表演艺术。一首优秀的歌曲在优美的旋律基础上，必须经过演唱者的二度创作才能准确、完整地表达作品的内容，同时还须经过歌唱者的演唱，才能让听众了解它、接受它、欣赏它，这是表演艺术的本质。文章强调我们一定要以理性的认知来参与声乐唱法特别是流行唱法的研究，并以此从根本上来推动中国流行歌曲的发展。

三、中国高校流行演唱专业的发展

中国流行歌曲演唱专业教学一直是中国声乐演唱教学中的薄弱环节，在专业院校才设置有流行音乐专业。然而，流行歌曲演唱对系统、科学、专业教学的需求却是相当迫切的。这也引发了社会各界对如何发展中国流行演唱专业教学进行了更广泛、更深入地思索与探究。

沈阳音乐学院流行音乐系声乐教授白丽萍发表在《人民音乐》2012年第12期的《流行演唱专业课程体系整体优化的研究》一文中，通过对我国各艺术院校流行演唱专业的课程设置的考察，全面了解了专业培养目标、课程体系结构、课程学时、硬件设置、师资以及学生学习效果等方面的现状，并对各艺术院校流行演唱专业各个课程之间的关系，以及课程之间的结构层次和内容加以分析，构建了由演唱、表演、舞蹈以及心理学、艺术理论、艺术实践等课程组成的流行演唱专业课程框架。文中提出的高等艺术院校流行演唱专业课程设置方案，为本专业的课程设置提供了借鉴和帮助，为本专业的发展建设提供了有益的参考。

四、从文化视角对流行歌曲演唱的研究

在当今多元化的音乐世界里，流行唱法作为歌唱艺术的一种，集时代性、平民性、娱乐性为一体，形式灵活，风格多样，受众广泛，其发展势头不可估量。

星海音乐学院副教授、暨南大学2012级博士生曹桦发表在《音乐创作》2011年第4期上的《中国流行音乐及演唱风格探析》，文章主要分三个部分来写，首先是对“流行音乐”进行理论界定；然后从音乐的风格上，把中国的流行音乐的发展总结为三个阶段，历经了三次发展。他认为中国流行歌曲具有很强的时代性，它们也体现着中国特定时期的经济文化和社会思潮的特点。最后，曹桦提出了当下流行音乐的演唱风格的四种表现形式。曹桦认为中国流行歌曲的发展，与时代政治、文化、经济背景有着密切的关系，它折射出大众情感结构和社会心态，这种可理解的社会心态和大众情感又促进多种不同的流行音乐风格的形成和发展。我国流行音乐风格发展是从对西方流行音乐风格模仿到萌动到爆发再到复归平静的一个过程。回归音乐本位，才是音乐学者追求的目标，也是中国流行音乐风格发展的大势所趋。

而在社会经济文化高速发展的今天，随着跨地域交流的日益频繁与深入，交流、融合、创新与发展也成为了中国音乐发展的一大重要趋势。

天津音乐学院现代音乐系教师陈燕发表在《艺术评论》2013年第7期上的《论中外流行音乐文化交融的创新――以〈中国好声音〉为例》一文中，以大型音乐电视选秀节目《中国好声音》为例，从中外流行音乐风格的混搭、中外流行音乐发声方式的嫁接、美声唱法和通俗唱法的交织这三个方面很好地阐述了中外流行音乐文化交融的创新。陈燕认为现在很多的媒体节目极大地延展了中国流行音乐的传播平台，各种不同演唱风格的混搭、不同唱法的交织、各种演唱方式的嫁接，在这里得到充分的展现。这些媒体节目不仅推动了通俗歌曲演唱专业的发展，而且更体现出当今流行音乐中一种新的音乐文化现象：多种流行音乐元素相融合，多元化音乐风格相借鉴，古典与流行、传统与国际相碰撞的中外流行音乐文化大交融。

中国流行音乐发展至当代，已经具有鲜明的“兼容并蓄”的时代特征。在当下的发展势态中，中国传统民族音乐的特性不断被重写、强调并予以创新，外来的流行音乐的各种风格与元素也不断被大胆糅合，为中国流行音乐的发展不断开拓新的道路，让中国流行音乐的发展前景更为广阔。

单从数量上来说，2010-2013年国内关于流行歌曲演唱的相关学术研究成果并不丰硕，但是其中所涉及的新的角度和现象，对我国流行音乐研究都具有启发意义。

参考文献：

[1]曹桦.当代流行歌曲演唱发展的审美期待[J].音乐创作，2013，（07）.

[2]郜锋，白洁.通俗唱法的思考[J].音乐创作，2013，（06）.

[3]白丽萍.流行演唱专业课程体系整体优化的研究[J].人民音乐，2012，（12）.

[4]李曼.理性认识流行唱法[J].四川戏剧，2011，（03）.

篇9

关键词：《东山魁夷画意》;创作特征;演奏技巧

汪立三是我国当代作曲家，自幼热爱音乐，而且十分热爱中国传统文化，尤其是绘画。期间他曾被打为并发落到北大荒待了很长时间，长期受很多不公平待遇和艰辛的日子后，他没有落后与时代潮流并写出了很现代化的作品，最引人瞩目的作品就是这首钢琴组曲《东山魁夷画意》，这部作品成熟，大气，新颖，是他的一部力作。

《东山魁夷画意》钢琴组曲，创作与1979年，由人民音乐出版社于1982年正式发表。1978年日本画家东山魁夷在中国举办了个人画展，喜爱欣赏画作的汪先生观赏东山魁夷画展时，有感于画家那清澄、空灵的画，之后以其中四副画为标题谱就了这部不可多得的传世佳作，带给世人一部音乐与绘画完美结合的作品。东山先生在聆赏这部作品之后致函给曲作者称赞说：“你对我的作品理解之深，令人钦佩。”

组曲由四个乐曲构成，分别是《冬花》《森林秋装》《湖》和《涛声》，每首乐曲都对应着一幅画，作家还为每一乐曲题写了小诗，使作品更加生动，更富有艺术性。这样一部音画相契，饱含着文化内涵的作品，不仅在创作技法上有新突破，而且在演奏方面同样具有很高的使用价值。目前，国内对这套组曲的研究主要集中于最后一个乐曲《涛声》。笔者认为，该组曲的第一乐曲《冬花》同样具有研究价值，作曲家将音乐创作与中国传统文化相结合，同时为展现异国风光，运用了具有浓郁日本特色的都调式，此外，该曲在力度处理方面与西方印象派音乐也有共同之处。下面通过对此曲的创作特点，曲式结构进行简单分析，从而能更好的对其演奏技巧进行分析。

一、《冬花》

1.创作特点

《冬花》原画的画面是这样描绘的：一棵挂满冰凌雪花的树，冬树摇曳的身姿占据了整副画的大半画面，树的上空挂着一轮朦胧的明月。画面清净冰冷，大树在寒风中冰花摇曳和清冷的色调也不由让人感受到生命律动。

此曲的题诗： “沉寂、冷清…… / 一棵银白色的大树 /晶莹璀璨/ 它那搓栎繁密的枝柯 /在寒光中/唱着生命的歌。”这种题诗与我国国画的题款很相似，它是中国的绘画艺术、文学艺术与音乐创作相结合，使题诗与音乐相得益彰，表现出大自然的静谧祥和，阐释出生命的坚韧与顽强。

2.曲式结构

段落划分：散板――慢板――快板――急板――慢板――散板

小节数分段：（1―8）（9―25）（26―40）（41―74）（75―96）（97―100）

《冬花》调式调性是F都节调式，是运用了中国典型的传统音乐曲式结构，并结合日本“都节调式”写成。

“都节调式”是17、18世纪，日本音乐家在在音乐实践中创造出来的。它借鉴了中国传统的民族调式和欧洲西洋调式。是含有半音的五声音阶调式，音阶构成包有以下三种形态：Mi、Fa、La、Si、Do/ Si、Do、Mi、Fa、La/La、Si、Do、Mi、Fa。 在它的音阶排列中，构成的两个小二度， 同中国的五声调式相比产生了不尽相同的音乐色彩。在《冬花》这首曲子中，就是由si、do和fa构成的两个小二度，巧妙的使音乐表现出银白色的冬树在冰冷的冬夜寒风中孤傲顽强生存的精神气质。汪立三运用日本都节调式让异国风光在音乐中完美呈现。

3.演奏分析

《冬花》包含了飘渺、冷峻、闪烁等各种音色效果。所展现的音乐意境和印象派音乐遥远朦胧的意境有相似之处。

第一乐段（1―8 小节）：散板。第 1―2 小节是分解和弦琶音是整套组曲的核心音调。弹奏这两小节时速度要均匀的由慢到快，手指要贴键，不可压键太深，轻抚琴键演奏出清晰流水般晶莹剔透的声音。延留音还原la和升sol利用延留音踏板使时值延留，也可以同时加入弱音踏板增加弱的效果。第 3 小节左手的低音要交代清楚，双手交叉时要保持一定距离，第5小节高八度的三十二分音符轻轻把音送远一些。

第二乐段（9―25 小节）：慢板，复调性段落。复调性部分要使右手主旋律突出，左手做陪衬。第 10 小节，移高八度的 re、dol两个音是重复主题的最后两个音，这两个音在之后也会出现，演奏时要使这两个音藏在主旋律之中，不能太大音量的突出 re、dol 两个音。

第三乐段（24―40 小节）：快板。从23到25小节开始渐快，为之后的主题出现做铺垫。第 26 小节开始正式以四分音符每分钟 100 的速度演奏。右手作为主题旋律，加有装饰音。左手多采用三连音的节奏型。在演奏时，手指触键清晰流畅、浅而不虚。第 34 小节左手的纯五度音程和右手的叠加纯四度和弦给人少许警示的感觉，第 35 小节左右手共同演奏的五连音的。要求左右手要很默契的配合，就像一只手在琴弦上拨动滑动般流动着。第 39、40 小节右手变为六连音，左手三连音的节奏型，这两小节节奏型的变化也为下一乐段的出现做准备。在 40 小节结束有个“，”， 在这里要做个深深的呼吸以便准备好演奏下一乐段。本段仍有全音符做时值延留，可用延留音踏板做出效果。整段乐曲像是冬树在寒风凛冽中摇摆不定，并不断散落树枝上的冰雪的感觉。随着力度的加强速度的加快，让人感到即将来临的冬夜的寒风。

第四乐段（41―74 小节）：急板。本乐段表现在冬夜冷风刮起之后，冬树时而均匀摇摆，时而剧烈摆动，随带着树上的冰花哗哗的洒落下来的唯美的景象。

弹奏时要保持愉悦、美好的状态，做到“急”而不“躁”，“乱”中有“序”，表现出一种“轻”、“灵”的意境。演奏时手臂自然舒展，大臂发力，肘部转动起来，手腕放松。1，5指法所弹奏音要做足时值保持和支撑，使旋律线条突出并连贯起来，2，3指法弹奏的音贴近键盘轻抚出来，切记力量盖过主旋律。呼吸随着旋律线条运行，旋律的强弱起伏由呼吸去控制，这样可使音色轻灵而不虚幻。第 72 小节左手一个三拍的长音，第 73 到74 小节，右手是前两小节向下小二度模进，左手是向上小二度移高八度的模进，并出现了降 sol 和降 si，最后停留在高音降 sol 上。这几个降号的出现为下一乐段主题的出现做好了过渡。

第五段：（75―96小节）慢板。75小节标有Parlando（朗诵，语言式的），整体乐思为Tranguillo（平静），用诉说，陈述的语气演奏，仿若寒风突然渐停，引发人深思或对生命的感慨。在第 83 小节主题再次出现，直到第 87 小节调性回归到第一乐段的调性上演奏。

第六乐段（97―最后）：散板。第 97、98 小节再现了全曲的核心音调;第 99、100 小节用了纯五度音程，有中国五声音阶的特点;最后两小节又回到都节调式的旋律特征上，演奏时手指触键抚摸似地的，控制好音量，并做好渐慢、渐弱、最终声音渐渐地飘向远方，给人带去无穷的遐想。

二、结束语

《东山魁夷画意组曲》是诗歌、绘画、音乐的完美结合体，音乐以画为母体，由画而生，以诗点题，与画相通，又以曲升华画意。让人感受到了大自然生命的光辉，不由为之震撼和感动。

本文以《东山魁夷画意之冬花》为例做了简单分析，通过演奏技巧的分析望演奏者更好的演绎作品和理解作品的创作特征，也力求挖掘出汪先生在音乐创作方面的成就。这是20世纪中国逐渐向世界开放过程中涌现出的重要作品，是具有中国音乐特征的钢琴作品，我们应该更多的去演奏中国钢琴音乐，更好的曲弘扬中国民族音乐！（作者单位：河南大学艺术学院）

参考文献：

[1] 徐荣坤.关于日本都节、琉球调式成因及形成时期等问题的探讨.音乐研究，1998年第2期：35―43页。

[2] 李来璋《中日音乐文化交流的异化体――都节与琉球调式（音阶）》。《比较音乐研究》1994年第4期。

[3] 吴迪.汪立三钢琴组曲《东山魁夷画意》探析：[硕士论文].长春.东北师范大学.2010年。

[4] 殷珍妮.汪立三《东山魁夷画意》组曲的音乐浅析与教学演奏：[硕士论文].上海.上海师范大学.2011年

篇10

办刊特色：

本刊与中国音乐文学学会、中国音乐家协会的著名音乐家们为繁荣我国艺术文化事业，弘扬中华民族精神为宗旨而构建成的艺术文化传播平台而举办：中外名家艺术大讲堂。将平面媒体与娱教互动结合的方式，在于为爱好艺术的有志之士，提供一个与国内知名艺术专家全方位学习、交流、展示的空间，并将其打造成为继《艺术人生》、《百家讲坛》之后国内第三个与著名艺术专家、学者接触的精英品牌。“举艺术名家之力，兴艺术教育之火！”是我们全力办学之宗旨。理念是学习、交流、传播、发展！以学习为基础、以交流为中心、以传播为方式，以发展为目的，本着对艺术的传承发扬精神，为爱好艺术的学者们打开学习之门，培养创作新人，给有梦想有才能的未名者创造成功的机会，为能更多的发掘出潜在的优秀艺术人才及作品。

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