舞蹈演出论文范文
时间:2023-03-27 18:22:32
导语:如何才能写好一篇舞蹈演出论文,这就需要搜集整理更多的资料和文献,欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文,供你借鉴。
篇1
日本广岛轮椅舞蹈团成立于1997年4月30日,属于社会福祉事业团体,团长是仲井女士,现有成员30名,其中残疾人15名。轮椅舞蹈团成立的宗旨是,通过轮椅舞蹈演出,创造一个爱心舒适的社会环境。轮椅舞蹈表演时,肢残人舞蹈演员坐在专门的轮椅上,随着不同的音乐,由健全人舞蹈演员带动残疾人舞蹈演员和轮椅进行表演,时而旋转,时而分离,演绎了残健结合、追求完美和独特舞蹈艺术,使舞者和观众同时得到美的享受。
轮椅舞蹈团自成立以来,每年演出十几场,除参加每年一度的广岛市残疾人福利中心“文化节”和自办的“舞蹈节”外,还多次参加社会演出,包括广岛“花节”、“国民文化节”、“社会福利协议会节”、“全国文艺大会”开幕、夏季“浴衣节”、“辫民文化节”、福山“玫瑰节”、社会福利“友谊节”、“护理日”,以及“在宅支援全国大会”演出等等。舞蹈团于2004年和2005年,两度被选为广岛和平文化中心国际交流补助金团体,赴美国萨克拉门托和旧金山两市进行友好访问和演出。
轮椅舞蹈团特别注重轮椅舞蹈艺术的研究,在广岛医师会和体育医学会发表多篇研究论文,其中,《论轮椅舞蹈对康复训练的效果》论文引起人们关注。
舞蹈团还举办了5次面向市民的轮椅舞蹈免费讲习会,宣传和普及轮椅舞蹈知识、意义和康复作用,让市民了解残疾人的舞蹈艺术,从而增进了残疾人与普通市民的联系。
轮椅舞蹈团非常重视拓展生存空间,重视不断扩大国际间的交流与合作。他们与多个国家文艺团体和残疾人组织进行了文化交流,2005年8月,舞蹈团被选为广岛市的补助金团体,作为广岛的友好使者,到我国的大连市进行访问演出,并向大连市市长赠送了广岛市市长的亲笔信。
特别值得一提的是,轮椅舞蹈团的主要健全人演员大都是50岁以上的妇女,团长仲井女士已64岁了,她也穿上艳丽的长裙翩翩起舞。当她带动残疾人舞者的轮椅旋转时,我们都忘记了她的年纪。
仅就舞蹈水平而言,轮椅舞蹈团演员的表演很难与专业的舞蹈团体相提并论,但是,为什么轮椅舞蹈团在日本社会和国际交流中如此活跃和受到欢迎呢?团长仲井女士给了我这样的回答:“作为残疾人参加的社会活动之一,经常在轮椅转动中用心灵去创造新的舞蹈动作,容纳各种各样的舞蹈形式,努力使跳舞的人和观众在一起得到美的享受,在针对不同残疾状态创造和表演与其相适应的舞蹈时,为创造爱心舒适社会的目标而努力。”
篇2
一、接待工作细致,活动安排紧凑
飞机上午*点到达**机场,我和张老师出了检票口,就有人举着“*艺术学校”的横幅接待,因为焦作艺校孙校长乘坐的班机此文章原创网站为文秘写作网本资料权属文秘写作网,放上鼠标按照提示查看文秘写作网更多资料比我们晚一小时左右到,接待方就安排我们在机场里面的茶座休息等待,并叫了茶。孙校长到后,我们就一同乘车到达下榻酒店,就看到酒店里悬挂的“热烈祝贺*艺术学校25周年校庆”的横幅,酒店入口处立有一块“校庆活动日程安排的告示牌”,有专人负责签到、安排房间,并安排了午餐,午餐后回房休息。
第二天参加校庆典礼,学校设有两个签到处:贵宾签到处和校友签到处,签到时我们拿到了日程安排表、校庆画册、礼品和晚上演出票;来宾被安排到休息室用茶和水果,休息室设有两个:来宾休息室和校友休息室,感觉主办方考虑得比较细致。操场上左右两排分别立有学校宣传展板共*张,将学校教学管理成果、艺术实践活动向来宾展示。
上午*点左右,学生先入场,操场从左至右划分了5个方阵,分别为:学生、校友、来宾(邀请领导在来宾方阵前排)、教职工、学生;校庆典礼活动整个议程为:1、介绍来宾,宣读贺电;2、校长吴樟化介绍学校情况(时间大约2分钟);3学生代表发言;4、教职工代表发言;5、省文化厅艺术处处长致词;6、*市政府副市长讲话;7、举行顾问聘任仪式,聘请上海著名昆曲家梁谷音、上海昆剧团原团长王济生等二人为学校特约顾问。整个典礼历时约30分钟。
典礼结束,学校随即安排上车回酒店就餐。因有考察任务,我与张乐华老师找到学校一位年轻老师,并在其陪同下,参观了他们的美术展、文化课教室、舞蹈排练厅、戏曲排练厅等,并拍摄了一些资料照片。
中午聚餐是人数最多的一次,大约有近20桌,是自助餐,晚上人数稍少,也为自助餐。
晚上的演出在*投资3亿元新落成的大剧院举行,节目时间在1小时20分钟左右。
第二天上午,学校安排来宾游览了*市内几个景区:沈园、兰亭、鲁迅故居。中午在酒店就餐,餐后不少来宾纷纷离绍。由*艺术学校代订飞机、火车票的客人,主办方会派人电话告知你怎么到客运中心,然后坐车到机场或火车站,只有少数几个学校由校方安排了接送。
不足之处:
1、日程安排表应提早发放。日程安排应在来宾在酒店签到时发放,立在酒店门口的告示牌几乎没人注意,而且告示牌上活动日期标示不清晰,让人不易领会。
2、接待感觉有始无终。学校似乎只有一辆小车,活动期间租了两辆大客车。最后一天接待也许是顾不过来,没逐一安排接送。虽然各学校代表均能够理解,但总让人感觉有始无终。
二、几点感想:
这次*之行,我不仅拍摄了校庆典礼、晚会、教学场地、宣传展板等资料,还想方设法,收集到校庆典礼中校长、市长、学生代表等讲话稿共5篇,作为今后写作的备案参考。通过参加这次校庆活动,我总结了*艺校的几点成功经验,也归纳了一些感想:
1、领导班子年轻化。
*艺校领导班子成员现有校长1名,副校长1名,校长助理2名,办公室主任1名,5名成员中3名是女性,除了副校长徐洁年龄超过40外,其余几名领导均只有30出头,班子非常年轻,因为年轻,敢想敢干,有闯劲,精力旺盛,富有活力。
2、校庆晚会教师展现多,学生节目扬长避短。
*艺校的校庆晚会算是成功的,其中教师参与的节目占了整台演出的三分之二。校长吴樟华表演了笛子独奏,年轻的校长助理曾获戏曲小百花奖,这次也在越剧片断中出演西施;其他教师纷纷登台,表演小合唱、舞蹈等,师资力量得以尽情展现,也提升了整台晚会的艺术质量。
*艺校以戏曲专业为长项,戏曲讲究“唱”、“念”、“做”、“打”,也许是因为学生进校年限短,基本功还不够全面,戏曲节目中以展示“做”为主,比如花旦的水袖、武生的跟斗等,“唱”、“念”、“打”在学生表演中似乎没有,注重了扬长避短。
3、政府大力支持,新校园环境一流
*艺校诞生于1980年,经历了25年的风雨坎坷。学校基本是在“三无”的情况下白手起家的,没有校舍、没有教师、也没有教材此文章原创网站为文秘写作网本资料权属文秘写作网,放上鼠标按照提示查看文秘写作网更多资料。在有关部门的关心之下,由绍剧团划出了一块土地让给“艺校”,又从剧团和有关单位陆续调来了10多位干部和教师,于1980年12月招收了第一期学员。*艺校得到*市政府的大力支持,投资5000万建成新校区,占地130亩。学校从单一绍剧表演专业发展为如今的戏曲、器乐、声乐、舞蹈、影视表演、美术、幼儿师范等7个专业,在校生达758人,教职工已达110人。目前二期工程正在建设中。校园环境、设施在全国中等艺术院校中尚属一流,这一点得到与会来宾的一致公认。
三、对学校明年20年校庆的一些设想
1、晚会在精不在多。
个人觉得学校筹备校庆晚会,一台综合性节目足矣,在精不在多。如果准备节目过多,既分散精力,又容易滥竽充数。从学校目前现状来看,尚不具备举办多台晚会的实力。专业教研室应充分调动老师参与的积极性,努力打造几个精品节目,其中全露舞蹈和铜管班合奏应作为一个演出亮点,使整台晚会精彩纷呈,迭起,起到以一当十的作用。
2、接待工作考虑充分、细致,留有余地
吸取*艺校和今年乌克兰格里艾尔交响乐团来校访问接待工作的经验与教训,我校校庆活动的接待工作应提早筹划,精打细算,具体分工,每一环节落实到人头。经费预算上要留有余地,因为临时可能出现少额不可预见的开支。在细节考虑上,应周到,细致,因为小中见大,接待工作的好坏关系到学校的整体水平和声誉,应尽量让客人高兴而来,满意而归。
3、应该考虑学校标志性象征
一个学校应该有校徽、校训、校歌等标志性的象征,能很好地反映出学校整体精神面貌。*艺术学校有自己的校徽和“学高、志远、德厚、艺精”的八字校训。而遗憾的是,这些我校目前尚无一项。个人认为,我校应该借20周年校庆之机,将学校校徽、校歌、校训确定下来。校徽和校歌的征集可以集思广益,在报上打征集启事,悬赏1000-3000元,用小额的投入,为20周年校庆宣传造势,达到一举两得、事半功倍的目的。
4、论文集出版一事还望商榷
篇3
关键词:《舞赋》;汉代;民族舞蹈
东汉傅毅所著《舞赋》,是我国传世最早的舞蹈表演艺术专论,也是我国舞蹈艺术史上最为重要的艺术论著,其序言与赋文,被完整收入昭明太子所编《昭明文选》内。 序言以楚襄王使宋玉写《高唐赋》之事引起话头。借此而言彼,是战国政论文和汉大赋习用的手法。作者借宋玉之口,阐明了舞蹈艺术的重要功能以及崇雅黜郑的艺术主张。“臣闻歌以咏言,舞以尽意。是以论其诗不如听其声,听其声不如察其形”,舞蹈是最能够传达不尽情意的艺术形式,谈论诗章不如听音乐,听音乐不如看舞蹈。也就是说,舞蹈是比诗歌、音乐更能表达情感的艺术形式。“夫《咸池》、《六英》,所以陈清庙、协神人也。郑、卫之乐,所以娱密坐、接欢欣也。余日怡荡,非以风民也,其何害哉!”清庙中的雅乐可以协调神、人,使天、人臻于大和;而郑、卫之乐不能教化民众,只能达到娱人的目的。
崇雅黜郑,只不过是作者冠冕堂皇的话头而已,雅乐舞一统天下的周王朝已成旧事,汉代乐府深入民间采风,俗乐舞与雅乐舞齐头并进。《舞赋》与时俱进,仅第二段对《关雎》、《蟋蟀》、《激徵》、《清角》等的议论稍涉雅、俗,全篇铺陈描写的,恰恰是汉代民间流行的表演性乐舞而非清庙雅乐。《舞赋》的意义正在于此。
赋文第一段,用铺陈华美的语句,描写了民间表演性舞蹈的演出环境、观众情绪和舞蹈演员的演前准备。“夫何皎皎之闲夜兮,明月烂以舒光。朱火晔其延起兮,耀华屋而焙洞房。黼帐祛而结组兮,铺首炳以焜煌。陈茵席而设坐兮,溢金晷而列玉觞”。月光皎洁的夜晚,绵延的烛光照耀着装饰华美的居室。用丝绳结起绣帐,门上的铺首闪闪发光。地面铺设了供客人坐的褥子,金罍玉觞内,美酒快要满溢了出来。“腾觚、爵之斟酌兮,漫既醉其乐康。严颜和而怡怿兮,幽情形而外扬。文人不能怀其藻兮,武毅不能隐其刚。简惰跳踏,般纷挈兮,渊塞沈荡,改恒常兮。”主宾在觥筹交错中喝得其乐陶陶,已有醉意,严肃的容颜和悦了起来,心中深藏的情感也表露了出来,文人必欲将腹中辞藻吐为诗章,刚毅果敢的人必欲一宣刚武之情,本来不想起舞的人也因自适跃然跳起,快乐地舒展着手臂:宾客们一个个一改常态,平日填塞在胸中的郁结之情释放了出来。“于是郑女出进,二八徐侍。姣服极丽,(女句)蝓致态。貌嫁妙以妖冶兮,红颜晔其扬华。眉连娟以增绕兮,目流睇而横波。珠翠(白樂)的而熠耀兮,华桂飞髾而杂纤罗。顾形影,自整装。顺微风,挥若芳。动朱唇,纡清阳。抗音高歌,为乐之方。”表演民间乐舞的女子出出进进,两列舞者穿着美丽的衣裳,和悦而尽态地站立等候。她们模样极为姣好,脸上发出光彩,眉毛细长而弯曲,目光流转而顾盼,首饰历历可数,细绮织成的上衣与发髻光色辉映,环顾自己整肃服装,朱唇将启,眉目传情,杜若香草的芳香顺着微风散发出来,高亢的歌唱即将开始。这样的演出环境、这样的观众情绪、这样的舞蹈演员,才会有得法的舞蹈演出。
如果说赋文第一段对舞蹈演员演前状态的描写尚限于“形”的方面,赋文第二段,则进入对舞蹈演员演前精神状态的细致刻画。“摅予意以弘观兮,绎精灵之所束。弛紧急之弦张兮,慢末事之委曲。”舞蹈之前,舞者把神思意想扩散到宏大的景象上,然后梳理整束自己的心绪,绷紧了的弦舒张了开来,即将进入轻慢委曲的抒情和叙述。“舒恢炱之广度兮,阔细体之苛缛……启泰真之否隔兮,超遗物而度俗……形态和,神意协。从容得,志不劫。”舞者要舒展开广大的胸怀,疏略身体细部的苛文缛节,接通太极真气,遗弃形骸而度越凡俗,从容自得,心志安定,形、态、神、意各个方面都调停得和顺协调,不为外在环境所胁迫了,才能够进入表演状态。作者对舞者演前精神状态的描写,详备而又透彻。
篇4
群众文化是具有特殊性的,所以,在编排群文作品时,需要注意的问题也就比较多。首先,是要在继承传统的基础上进行创新,再去谈舞蹈的结构和作品的意义。
【论文关键字】舞蹈艺术鉴赏论文 艺术 舞蹈
我们来了解一下编舞的步骤。
首先是选材。怎样的题材才是比较适合的,这很关键。前面我们已经说过了,群众文化是具有一定特殊性的,包括演员的水平不能按专业演员来要求,所以有很多作品不适合他们表演,同样,很多题材也就不适合。比如,首先古典舞对于他们就有很多局限了。我们三明地处山区,有大量的劳动题材作品可供参考。而且我们还有深厚的文化基础,作品可挖掘的深度还有很多。
选好题材,接下来就是“构思”了。“构思”是所有编舞工作的基础。“构思”有时很具体,有时仅是一种感觉。它就像一个安装在发动机上的启动开头一样在我们这些愿意创作的人身上起作用。对于“构思”我是这样界定的:它不是类似剧情的故事梗概,不仅仅受戏剧主题的支配。它更属于情感、感觉和思想世界。对世界人、事、物产生疑问或感受、印象,“构思”必然地会显现出来,最终迫使自己像马达那样投入创作。
构思,在我的感觉中,它来自这一或那一瞬间感受到的激动:听一段音乐,看一幅画,领略一片风光、日常生活的情景。我常以劳动为例来阐明怎样观察能够促进我们进入创作:“……看吧,人们怎样劳动……男人、女人…力量…创造……
这样就有了节奏、方向、活力、各种表现力……
这个例子向我们挑明了我们的创造力取决于我们对世界的敏感性。世间万物千象中蕴含着无数的暗示和信息。懂得如何去听、去看、去感觉、去触摸,用你的身体和心去倾听围绕在我们周围的一切:领悟了!于是就可顺着许多条路自由自在的地进入创造!
其次就是舞蹈的即兴。
“构思”有了,怎样把这个“构思”发展成舞蹈呢?光有灵感是不够的,第二阶段就在于面对“构思”的各个方面进行思考和通过身体的研究找到相对应的素材。
素材包括元素动作和组合。
这时的元素动作在选材时就应该已经同时想清楚了,它可能包括部分选材前采风得来的动作,这些动作可能来源于劳动时动作的艺术化,也可能来自于想象中,或者来自于已经存在的动作组合。
对于这一阶段来说,即兴舞蹈的运用是最重要的,它能使“构思”呈现出来,并赋予其活力。通过即兴舞蹈,人们能看到“构思”找到它身体动作的载体和估计出这一构思的潜力。这时的舞蹈直接把动作连接起来,成为一个一个段落或直接成为一个舞蹈作品的雏形。
对我来说,我把即兴舞蹈视为最主要的、必须的创作手段。因为它给舞蹈者完全的自由。他们能无节制、无限止地舞蹈,他们的动作经常超出他们的意识之外,就如人们所说:“身体会不由自主地发出一些动作。”
根据即兴舞蹈的特性,即兴舞蹈通过游戏激发自发性。它包括运动性的和情景性的瞬间不品,在没有任何方式方法准备的情况下进行。根据编舞者的建议,舞蹈者遵循各种引导启发地他探索的指令,用身体去寻求。最初的“构思”作为主题,所有的建议都服务于这个主题。我们就这样从技术性和情感性的各个不同的方面涉足将来的舞蹈。每个建议都为阐明主题服务,帮助接近我们最初所选择的主题。即兴舞蹈练习是为舞蹈作品找到有用的素材,而不打算就此把它作为已经编成的舞蹈。
用身体探索,即兴舞蹈能由编舞者自己练,或由编舞者引导一批舞蹈演员进行。在大量的练习和齐心协力的研究中,编舞者和舞蹈演员之间会形成一种默契。
想象展开了,动作就会自发地产生。但不是所有的动作都有同样的价值,同样的用途。有些将很快被忘掉。相反,有些则明显地表现出来。编舞的材料有了,但舞蹈还不存在。为了使它取得形式,应该在各种素材中确认出能够用于作品的成分, 发及将它们有机地纵使起来。
需要提示的是,这一过程中一定要注意我们编排的作品是要面对怎样水平的演员,并根据这些演员的水平和条件来合理设计动作。
在舞蹈编排工作中,还有道具和布景的运用,道具和布景能帮助涉及“构思”。这是一种能吸引观众注意力的,给他们充当参照物的有功效的物质性装置。它将编导的意图最直接地体现出来,它使“构思”具体化。
道具和布景可能是各种属性的:木质、皮质、金属、织物等等。它们或是实用的或是不实用的,或是大型的,或是小型的:椅子、石块、一种塑料模型……。运用道具或布景的舞蹈作品的特征,体现在编舞者所设计的舞者与这些物品的接触形式上。比如秧歌中大量使用到扇子或手绢花,古典舞中大量使用到的长绸或剑等,这样的作品包括《东北秧歌》、《红绸舞》、《弈》等。
根据物体的性质、形式、大小挑选出来的道具已不再是原来意义上的物品了。舞蹈创作在于将改变它的用途,达到超越这一物体的生活原型的目的。艺术的语言赋予所展现的艺术行为以普遍的价值。比如,不再感兴趣于舞蹈者(作品中的人物)仅仅坐在椅子上,而致力于表现他的疲劳和产生这种疲劳的原因。
以上我们陈述了有关编舞的主要因素。显然,创作不仅是各种不同因素拼凑在一起的“烹饪”。创造性的一个方面取决于完全无法检验的品质。然而,编舞的最系统的知识能获得行为的自由,能帮助克服在确定特征和创造中必然碰到的困难。
最后才是组织编排。
以上工作都完成后,开始进行作品和音乐的完整合成。最后这一阶段在于选择。在挑选中有所取舍。在即兴舞蹈中出现的这些素材是否都将被运用、加工和进一步开发呢?
这是困难的阶段。在这一阶段中,对于很多人来说,靠能力发挥作用。一个明智的方法,就是在选择中编制舞蹈:选择动作,选择舞者之间、舞伴之间的联系,把这一切置于空间,然后整体平衡,规定舞段的长度……。杰出的、决定性的做法就是应避免“我不知道做什么”的盲目性,使舞蹈作品不只是表现一个简单运动系列。
群众文化的舞蹈作品通常都大量地使用群舞形式,也就是常说的“人海战术”,这一方法虽然存在不少缺点,但同时也可以避免了水平差异带来的一些作品缺陷。所以,在合成作品时,多考虑队形变化及音乐的协调配合非常重要。
同时,可以考虑编排意境强的舞蹈,这样的作品适合演员多的作品。舞蹈作品的意境,从字面上解释,意是指作品所表现感情和思想,境是作品中所描绘的生活图景和客观环境。舞蹈作品的意境,就是舞蹈作品所描绘的生活图景和表现的思想感情融合一致而形成的一种艺术境界。
舞蹈意境的创造主要是通过形象的情景交融艺术特写与描绘,把观众引入到艺术想象的空间,进而获得更丰富的审美感受,从视觉冲击到灵魂感受。在舞蹈意境创造过程中,情景交融有一个不断深化的过程,其结构层次表现为:景-情形-象-境(意境)。
篇5
[论文关键词]全球化 中国民族民间音乐教学 开放性 多元化 艺术实践
随着广播、电视、互联网和各种现代交通工具的飞速发展,国际交往日益频繁便利。全球化在为世界发展带来极大好处的同时,也不可避免地带来了一些负面影响,个人主义、拜金主义、享乐主义、实用主义等流行,很多大学生只关注自己的前途、生活等,而忽视自身存在的价值和意义,出现理想信念淡薄等情况。在世界时尚、精英文化的强势冲击下,各民族民间音乐的多样性、独特性面临较大挑战,大学生学习本国民族民间音乐的兴趣也同样面临考验。
只有民族的才是世界的,“数典忘祖,缺乏民族音乐根基的人是永远也无法以独立的人格屹立于世界民族文化之林的”。在此情况下,“中国民族民间音乐”课程的教学模式需要做出相应的更新与调整,以适应当今科学文化知识日益更新发展的需要,以更加灵活多样而有效的教学方式使学生更好地感受民族音乐的魅力与精华,提高大学生的民族音乐修养。
一、确立“开放性”的中国民族民间音乐教学思路
兴起于20世纪80~90年代,由美国课程论专家多尔提出的“后现代课程理念”是当今世界范围内有着重要影响的课程理念。多尔的后现代知识观,把知识看作是对动态、变化、开放的自我调节系统的解释。课程作为教育内容的载体不是一成不变的,而是不断发展变化的。课程内容的动态性、开放性主要从时间与空间的特性中体现出来。时间性指课程内容应具有鲜明的时代特征和时代气息,空间性指课程内容要考虑地域、民族、文化和心理素质的差异。此外,开放性还强调教学手段的灵活多样。
(一)中国民族民间音乐教学内容的开放性
自20世纪60年代首部民族音乐教材《民族音乐概论》问世以来,经过五十多年的发展,民族音乐在人才培养和学术研究方面都取得了巨大成就,民族民间音乐方面的研究成果大量涌现。民歌方面,出现了大量不同民族及地区歌种的相关研究成果。如内蒙古长调、呼麦,侗族大歌、西北花儿、藏族的箭歌、酒歌,苗族、土家族、蒙古族、哈尼族、侗族等的婚礼歌,以及少数民族多声部民歌等诸多成果。民间器乐乐种方面如云南洞经音乐、西安鼓乐、河北屈家营音乐会音乐、福建南音、智化寺京音乐、五台山佛乐等研究成果纷纷出现。此外,在民族民间各类仪式音乐方面的研究成果也数量较多,主要包括宗教仪式和民间仪式音乐两大方面的研究成果。前者包括道教和佛教仪式音乐研究成果,后者主要包括民间各类婚丧嫁娶及节日、信仰祭祀仪式音乐研究成果。一方面,这些研究成果不断丰富和更新着民族民间音乐的教学内容;另一方面,也可以使学生认识到许多“民族民间音乐”种类是实实在在存活于民间的,是活的文本,而不仅仅是课本中毫无生机的枯燥文字。因此,民族民间音乐的教学内容不应是一成不变、封闭的知识体系,而始终应保持开放性,不断将一些新的有价值的、得到音乐学术界专家普遍认同的研究成果引入教学中,使民族音乐的教学内容始终保持时代性和新鲜的活力。
(二)“中国民族民间音乐”教学手段的开放性
传统的教学模式,以教师讲授、学生接受为主,这种方法适合教授基本事实、知识、技能等,但并不适合音乐课这一可听、可感、可唱,实践性较强的课程。过度依赖这一教学方式,势必引起音乐教学的枯燥乏味,影响教学效果。民族民间音乐具有鲜活的生命力,与民间劳动人民的生产、生活有着方方面面的联系,仅靠满堂灌的单边式教学模式已不能满足民族民间音乐教学的需要。因此,应改变民族音乐教学从教师到学生、从课本到课堂的传统守旧模式,采用多样化、开放性的教学模式。课堂可以设在校内,也可以设在校外,如组织或鼓励学生田野采风、观摩演出等。教学可以在教室系统讲授,也可以搬上舞台由广大师生共同表演。教师一部分来自学校内部,一部分可外聘当地的民间艺人或剧(社)团演员及民间音乐研究者。开放性的教学模式更能适应当今社会文化知识、信息迅速更新发展的需要,更能提高学生的学习热情和积极性。
二、采用“多元化”的“中国民族民间音乐”教学方式
(一)民间艺人或民间音乐社团进校园
1.民间艺人或音乐社团进校园演出或讲座。在信息、交通、文化交流如此发达的今天,各音乐艺术院校应尽量争取各种机会将技艺精湛的民间艺人或民间音乐艺术团体请进校园举行专场演出,使学生现场聆听民族民间音乐的演唱及演奏,感受纯正的民间音乐的魅力。演出过程中,学生可以与民间艺人或演出团体进行对歌、合奏、舞蹈表演等各方面的互动;演出结束后,单独留出学生与民间艺人交流对话的时间,学生可就民间音乐演唱、演奏的问题向民间专家请教,加深学生对民族民间唱奏方法及音乐风格特点的认识和理解。民间艺人或专家的讲座是他们长期演唱(奏)、教学、研究民族民间音乐积累的经验的浓缩,聆听这些讲座有利于学生对相关民族民间音乐知识的深入理解和领悟,能够起到事半功倍的效果。学生也可以就自己学习中遇到的问题向民间艺人或专家请教,通过民间艺人的现场答疑加深学生的认识,使学生对民族音乐知识的掌握更加深刻明晰。
2.民间艺人、演员深入课堂教学。除了请民间艺人及专家进校园演出或讲座外,音乐院校还应尽量争取以外聘的方式将当地有名望的民间艺人或专家请进课堂,就某种民间音乐形式对学生进行较系统的培养和训练。民间艺人的课堂教学主要以口传心授的方式进行,即使有乐谱,往往只作为“纲要”用于教学参照。这一传授方式能使学生充分感知民间音乐的传承特点,也能更好地把握民间音乐独特的声韵与润腔装饰特点。如果条件允许最好聘请多名专家,结合学生的专业特点分别教授。例如,声乐专业的学生主要学习地方民歌的风格演唱或戏曲、曲艺的唱腔;器乐的学生主要学习戏曲、曲艺音乐的伴奏或器乐乐种的合奏;舞蹈专业的学生专门学习某些民族民间舞蹈及戏曲曲艺的身段做工等。民间艺人深入课堂教学,能够使学生真正接触到地道的民间音乐,切实提高学生的民族音乐素养。
(二)注重学生的艺术实践参与
美国教育家苏娜丹戴克说过:“告诉我,我会忘记;做给我看,我会记住;让我参加,我就会完全理解。”这充分说明实践对于学习的重要意义。音乐课本身就是一门实践性很强的学科,在教学中更应该加强实践环节,避免枯燥的音乐理论知识的讲解。
1.课堂教学中注重发挥各不同专业学生的特长。高校“中国民族民间音乐”教学的对象是音乐专业的大学生,他们具备音乐基本理论素养,在声乐、民族或西洋乐器、舞蹈等技能方面也各有专攻。民族民间音乐各个版块的教学内容都与歌唱、器乐演奏、舞蹈表演等实践活动分不开,在教学过程中可以充分调动学生的积极性,发挥他们的特长,使他们尽可能地参与到课堂学习中。例如,在民歌教学中,可鼓励不同地区或民族的学生以方言演唱本地区或本民族的民歌,以更好地体现地方民歌的风格韵味;在曲艺、戏曲教学中,可以让学生就自己所在地区的代表性曲种、剧种课下搜集资料做好准备,上课时讲述其所在地区代表性剧种、曲种的概况以及发展传承现状,并选择经典唱段进行示范演唱;舞蹈专业的学生,可以在民间歌舞部分的教学中更好地发挥特长,表演展示各不同地区或民族的民间舞蹈,并讲述其所表演的舞蹈的艺术特点;器乐专业的学生则可以在“民间器乐”部分充分展示特长,在民族民间各类乐器的讲解中,可以让不同民族器乐专业的学生进行演奏示范,包括现场讲解乐器的形制、定弦、音色特点,演示乐器的常用演奏技法,演奏经典代表曲目等。
总之,在民族音乐理论教学中应使声乐、器乐、舞蹈等不同专业的学生尽显其能,广泛参与到课堂学习中,将学生所学的专业技能运用到理论课的学习中,同时通过理论课上的技能展示反过来促进学生以更高的积极性和热情学习专业技能,使二者相得益彰。
2.定期举办民族民间音乐小型音乐会并将之纳入课程考核方案。为了更好地将民族民间音乐的理论学习与实践结合起来,教师可采用定期举办民族民间音乐小型音乐会的形式,提高学生的学习积极性。时间上可以是月末音乐会或版块音乐会的形式,可以是民歌、民族舞蹈或器乐的专场,也可以是民族音乐各类形式的综合音乐会。节目编排形式可由学生自行选择,如民歌独唱、对唱、小合唱、歌伴舞,民族器乐独奏、齐奏、合奏,独舞、双人舞、集体舞等。规模上可以以班级为单位,也可以几个班级学生共同合作,目的主要是给学生提供更多的艺术实践的机会。
民族民间音乐的教学目的不应只是让学生了解掌握民族音乐的理论知识,更重要的是要回归到“音乐本体”,让学生会听、会唱、会跳、会演奏,体现音乐学科的特点。因此,在课程考核环节也应进行相应的调整,将艺术实践展演纳入考核方案,将民族民间音乐考核分为基础理论和艺术实践两大部分,按一定的分数比例对学生进行综合考评,突破传统的纯理论考核的方式,使考核方式与教学方式相适应,对学生的考评更综合全面。
篇6
【关键词】大型剧目教学;实践;规范管理
《和平颂》是学院在世界反法西斯战争暨中国人民胜利70周年之际,推出的一部以和平为主题的原创剧目,直接参演师生达700人,间接参演人员多达2000余人,几乎涉及到学院所有专业:音乐、舞蹈、动画、播音、编导、服装、艺术设计等,既体现了一所艺术大学对战争胜利的纪念情怀和社会责任担当,同时这也代表了我院建校以来大型舞台剧目的综合教学水平。董事长王贤俊指出:“大连艺术学院的人才培养目标是培养应用型艺术人才,这不是单纯在课堂上教出来的,而是练出来的、演出来的,其根本途径是艺术实践教学。我们通过原创《和平颂》等大型演出模式将艺术实践课做到极致。”但《和平颂》这类大型剧目实践教学涉及的专业多、人员多、排演时间长,需要适度调整日常课堂教学,也引发其系列规范管理研究的思考。本文通过实际参与和调查研究,提出尝试性解决矛盾冲突的路径和方法。
一、建立多主体联动的全员管理机制
完成《和平颂》这样一部原创大型作品,涉及创作团队、演出人员、后勤保障、服装设计、舞台监督、道具筹备、场地环境、课程调整等方方面面,需要建立专门的管理机构,明确各部门的职责分工,形成多主体联动的管理体系。
第一,建立专门的管理机构,加强自身建设。学院专门成立演出办、实践教学管理中心等机构,负责全院的实践教学管理与大型演出活动。为保证像《和平颂》这样大型剧目的顺利排演,管理机构需要加强自身建设。不断提升实践教学的层次,在学科理论指导下进行艺术实践;创新实践教学形式,丰富实践内容;采取新措施,建立新机制;打造实践成果品牌,提高成果等级;加强过程管理,边策划、边实践、边总结。
第二,建立有效的责任机制,加强职责意识。为确保《和平颂》演出圆满成功,所有管理机构与管理人员必须科学划分管理权限。音乐学院是主要完成单位,演出办和实践教学管理中心是主要管理单位,教务处、科研处、学生处是协助管理单位,各部门均需充分发挥管理的主体作用,明确管理范围和职责,并建立实践教学与演出相关的规章制度,才能形成从领导层、管理层到执行层的多主体联动机制,从而增强管理的执行力,有效地激发创作人员和参演人员的团队协作意识和强烈的质量意识,取得良好的效果。
第三,建立多主体联动的管理体系,加强衔接与融合。多主体联动是一个开放的系统,各主体之间是互相制约、相互协作的,上述部门管理功能互相取长补短,从而发挥最大化效能。首先,加强信息化建设。通过各管理部门间建立整合统一的信息交流系统和汇报系统,实现各方信息共享,使得跨部门之间的沟通更顺畅,内容更真实,信息共享能力更强,管理协作水平也必将提高。其次,形成工作制度衔接。应当建立常规的工作联系制度,形成协同管理的长效机制,各部门除了明确自己的角色定位外,还要进行充分沟通。可将工作制度的衔接纳入绩效管理和考评之中,最终形成一条环环相扣、功能强大的工作制度链。
二、建立多层面统筹的全过程管理机制
《和平颂》从创、训、学、演全过程看人才培养,恰恰是课堂教学与实践教学的学训合一和学演一体的表现,促进了我院构建创新实践教学体系,是一场生动全面的剧目实践教学公开课,引领着创新人才培养模式的全面改革。授课内容由零散曲目的选择转变为主题鲜明,趣味性强的剧目;授课方式由“一对一”转变为多人多种组合,使学生感受和声音乐的魅力;授课环境由单一的课堂转变为声光电科技与音乐、舞蹈结合的大舞台;授课教师由一位教师到多位教师指导,还能经常聆听到大师和名家的现场指导。
以往,人们总认为实践教学与日常课堂教学存在矛盾冲突,但实质看,实践教学是艺术类课堂教学的延伸,是艺术类教学成果检验的平台。从宏观层面看,将排练场、大剧院作为课堂,听国家级、世界级的大师课,感受团队合作,在一场场演出中历练精品,不断打磨积累的经验都是在教室的课堂中学不到的。从微观层面看,我们通过大面积的采访,可以看出每名参演学生都洋溢出的学习热情和排演过程中的专业飞速进步,也是在教室课堂上看不到的。没有参加演出的学生在继续上好专业课的基础上,可通过多渠道弥补,如有专家指导时与参演的同学一起排练,在排练时观摩,在演出时观看,演出后与参演同学一起总结,等等。
但解决这一问题的关键,还必须做好实践演出与课堂教学的衔接与协调,使课堂教学与实践教学融为一体,让学生在课堂上学经典剧目,在实践中演经典剧目,在毕业论文中研究经典剧目,建立全过程管理机制。具体做法:按任务、分专业编写《和平颂》实践教学方案;按方案制定《和平颂》教学大纲,包括教学内容、考试要求等;制定《和平颂》纳入课堂教学的计划;制定课程表;要有规范的《和平颂》授课教案;有《和平颂》实践教学考核的资料、成绩单;有各级领导听课、查课的记录、照片、视频;有《和平颂》实践教学成果汇报的相关资料及照片、视频;有实践教学成果的资料、证书和照片、视频;搞好《和平颂》实践教学工作总结。认为“实践出真知”,应用型艺术人才不单是课堂上教出来的,更是从艺术实践中练出来、演出来的。我们将这些授课的优势转变为常态化的教学,形成多层面统筹的全过程管理,不断创新应用型艺术人才培养的新体系、新模式和新方法。
三、建立多元化考核与评价管理机制
剧目教学的每一个环节,从计划到实施再到考核都应有完整的程序和严格的管理。其考核的对象不仅针对学生,还应对教师和辅助人员进行考核。
首先,建立多层面考核学生实践能力的标准。把基本能力考核、专项技能考核和综合素质考核均纳入学生实践考核中。基本能力的考核应在某一特定情境下进行,实践中专业能力的掌握与基本技能水平直接相关,如考核学生的乐队合作能力、组织管理能力等。专业技能的考核则需要根据专业的不同分清考核的重点,通过具体考核标准与要求进行系列考察。综合素质考核主要侧重实践问题解决能力、创新能力和职业素养的考核。将上述相互融合的三者均纳入学生实践考核,才是符合质量管理要求的。对参加演出和实践教学教师的考核也要确立标准,但对教师的考核管理与学生要有区别,应以提高和激励为主,督促教师将与之相关的理论知识转化为现场实践指导,将课堂管理转变为舞台掌控,从教授者角色转变为指导者角色,保护教师与学生主动积极参与实践的积极性,但要形成相应的教师考核管理制度,便于提高管理质量。
第二,注重排练和演出的过程性考核。主要从做排练过程记录入手,因为过程记录可以详尽的了解学生在排练过程中专业学习的情况、乐队合作情况、技术问题解决等各方面表现,更能满足剧目教学培养学生综合能力的需求。但这要求教师长期坚持和具有足够的耐心,将学生平时的表现记录在本上,最后作为对学生考核的依据,也作为教学反思的依据。演出过程体现在舞台上,通过观看学生舞台上的现场表演和录像视频记录,对学生的学习情况进行专业考核。
第三,加强剧目教学终结性考核。从成果方面入手,演出结束后,根据学生剧目学习过程中的综合表现进行评价。重视多层面、多方向的总结,召开教师与学生座谈会和总结汇报会,研讨过程中存在的突出问题、提炼总结成功经验、研究科学管理机制等。还可在毕业考核中的加大剧目考核的份量,从只考毕业论文的质量和答辩,变为既考毕业论文的质量和答辩,又考“剧目毕业演出”,把“毕业演出”、综合实践能力同毕业论文并列成为学生能否毕业的三把尺子,最终实现剧目教学管理的制度化、规范化和科学化。
四、建立多形式并用的激励管理机制
在大型剧目演出和实践活动中运用激励是一种行之有效的管理方法。如何使教师持续努力工作、如何更好地关心教师和学生的生活、如何改善现有教学环境与人文环境等问题,建立教师演员与学生演员岗位聘任制度、业务考核制度、薪酬奖励制度、教学培训等制度。
高校教师和大学生均属高级知识分子,对于他们的激励既不是单纯一个方面能够促进的,也不是一个层次一刀切就能够解决问题的,必须要物质与精神激励相结合,学校发展与个人发展激励相结合,才能取得良好的激励效果。大型演出教学实践,排练周期长、环节多,人的精神长期处于高度紧张状态,采用精神激励、物质激励和发展激励等多种形式,可以收到事半功倍的效果。
精神激励要体现在人文关怀方面,管理者必须多角度、多途径地了解他们的需要、及时掌握他们的所做所想,并采取面对面的沟通交流,才能制定出有针对性的激励制度。他们的突出特点是愿意承担有挑战性、创造性的工作,关注学校为他们提供的发展空间和良好平台,注重内心的成功满足体验,注重领导对其情感上的关爱。基于这些特点,要让中青年教师和学生演员认为在学校的发展与学习生活是前途光明的,树立为学校长期服务的信心和归属感。
物质激励要体现在生活细节方面,管理者要凡事想在前、凡事做在前,做得细致周到、温暖人心。需事前制定奖励机制,事后及时实施奖励,体现多劳多得、公平公开的原则,注重制定个人奖励与集体奖励相结合的制度,组建以老带新的团队,凝聚团队力量,才能有利于激励他们多出成果、出好成果。
发展激励要体现在提供深造机会方面,为演出付出辛苦并取得成绩的教师与学生提供外出培训交流的机会。通过与同类院校间的交流学习,达到拓宽视野、树立声誉和对外宣传的多重作用。同时要求参加培训的教师回校做学结报告,将培训的情况、学习内容、发现的问题向领导和同事们反馈与交流,尽快培养出一批稳定的、高素质的演出团队。
总之,探索大型剧目教学对艺术类应用型人才培养具有极其重要的作用,研究大型剧目实践教学制度化、规范化、科学化的管理机制,为学院长期有序的可持续发展奠定基础,为推动艺术学科专业发展和服务社会探索新路。
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关键词:舞蹈学 本科 培养目标 人才规格
随着中国经济、文化飞速发展,舞蹈艺术出现了欣欣向荣的发展景象。从北京舞蹈学院、中央民族大学到各省市艺术院校、综合院校都开设不同规模的舞蹈学本科。而且办学方式逐渐走向市场化运作,招生人数有增无减。在此过程中,明确人才培养目标、人才规格凸显出重要意义,关系到教学怎样达标、人才能否合格的问题。
一、高师舞蹈学本科人才培养目标与人才规格的总体内涵
1、热爱社会主义祖国、坚持四项基本原则,具有为国家富强、民族昌盛而奋斗的志向和责任感,立志做社会主义教育事业的建设者和接班人。树立正确的人生观、世界观、价值观,艰苦奋斗、团结协作、遵纪守法、敬业乐道、勇于开拓创新。
2、具备人文精神、科学精神、现代教育观和艺术观,掌握完整的舞蹈基础理论、基本知识和基本技能,对学科前沿和发展动态有所了解,有较宽的知识面,在知识结构和能力结构上达到“一专多能”。
3、基本掌握一门外国语和计算机应用技能,达规定的等级要求。
4、接受必要的国防教育和军事训练,掌握健体强身的科学方法,具有一定的体育和军事基本知识。
二、课程设置和评价机制是人才培养目标与人才规格的重要内容
1、课程设置
对于本科教学而言,学士学位课程是第一位的,它在人才培养目标与人才规格方面起到瓶颈的作用。通过系统的学位课程学习,学生应掌握舞蹈学的基本原理、舞蹈教育理论,获得从事学校舞蹈教育所必备的演示能力以及初步的舞蹈研究能力。以下粗列几门学士学位课程。
芭蕾基本功训练课主要进行地面练习、扶把练习、中间练习、跳跃练习、旋转练习、技术技巧练习,主要为学生学好民间、身韵、排练等专业课服务,适合全程开设。学生将从中获得扎实的舞蹈基本功,具备从事舞蹈教学和舞蹈演出的基本能力。
中国民族民间舞课以藏族舞、傣族舞、蒙族、彝族舞、朝鲜族舞、维族舞、秧歌、花鼓灯、云南花灯等代表性的民族民间舞为主要授课内容。旨在掌握各类民族民间舞的表演风格和特点,毫不混淆地表演出各类民间舞的律动,获得较强的辨析能力、示范能力和舞蹈表现力。这门课程也应该全程开设。
中国古典舞身韵课以元素训练(提、沉、冲、靠、拧、倾、曲、圆)、步伐训练、技巧训练、短句训练、表演性组合训练为主。目的是掌握中国古典舞特有的手、眼、身、法、步、形、神、动、静、刚、柔、气息协调一致的运动审美规律,了解中国古典舞蹈的神韵所在,增强身体进一步的开放和表现能力。二年级开设这门课程,既可以服务于其它专业课程,也为学生以后从事教学工作培养下完整的示范和表演能力。
剧目排练课选取单、双、三人舞、群舞等优秀舞蹈剧目为教学内容,于二、三年级全年开设。要求学生在实践中掌握具有一定难度和不同角色的舞蹈艺术形象,增强舞蹈表现意识,提高艺术修养和舞蹈语汇的表达能力。
舞蹈编导课主要是理论与实践交叉,于三年级全年开设。要求学生系统掌握编导理论知识,能大胆的进行创新,使其具有一定的编创能力,能胜任中、小学等舞蹈教学演出和一些群众辅导和编排工作。
中外舞蹈史纲以中外古代舞蹈史、近现代舞蹈史为基本内容。在二年级全年开设,加强对中外各少数民族舞和文化的介绍,简介外国舞蹈的文化历史脉络,使学生了解中外舞蹈史,深刻理解舞蹈艺术的真谛,树立起正确的舞蹈历史观,并能学以致用。
艺术概论是一门概要地、系统地阐述艺术理论的基本原理和基础知识的课程。学习这门课要求学生具有一定的艺术实践和理论积累,适宜在三年级开设。其宗旨是全面掌握舞蹈的基础理论,能够从一个较高的层次上,学会从文化的角度去认识舞蹈和感受舞蹈、研究舞蹈;了解舞蹈艺术的基本特征,各种不同风格的舞种、流派及舞蹈的基本创作原理;学以致用,分析和解决 舞蹈艺术实践中出现的一些现象和问题,使学生艺术欣赏能力、表演创作能力进人更高的层次。
基础乐理与视唱练耳课是一门系统发展音乐听觉的课程。 懂得基础乐理,才便于深入学习音乐。视唱训练学生的读谱能力,培养学生的节奏感、音准和音乐感。练耳发展音乐听觉及记忆力,使学生能辨别音的高低、长短、音色、节拍、节奏和调式、调性。学完本课程后,学生应达到一个中等学校音乐教师所必备的视谱、听音能力。
除此之外,还应该开设中国民族舞蹈文化、舞蹈解剖学、舞台化妆艺术、自娱性舞蹈、地方特色代表性舞蹈组合等课程。各校专业课程设置过程中既要体现办学特色,又要与教育部颁发的有关文件精神保持一致。至于师范性问题,在当代有着更深刻的内涵,可以不断探讨。但是,至少要在第六个学期安排两周左右的教育见习,第七学期安排六周左右的教育实习,并且与艺术实践(采风或者舞台表演)相互交叉进行。
2、专业素质评价机制
从微观上,每一门必修、选修、限修等课程,无论期中、学期末考核,都必须制定完善科学的评价标准。比如
科目 评分标准(总分:100分) 备注
芭蕾基本功训练
一、基本完成动作元素,30分 。
二、准确把握节奏、规范地完成动作元素,30分。 三、在标准一、二的基础上,肢体具有较强的表现力,40分。 技能
编导常识与舞蹈赏析 一、能够自己自编结构完整的教学训练组合或者简单剧目,30分。 二、能够基本把握教师的意图以及舞蹈音乐的情绪以及结构,动作元素发展具有一定主题性并有较合理的舞台调度,30分。 三、在标准一、二的基础上,所编导剧目较有创意以及较高的思想性以及表现力,40分 理论与技能
其他专业课程均有如上所示类似的评分标准。
从宏观上,毕业生要获得学士学位必须有具体的要求。比如1、本专业学制为四年,最低毕业学分145学分。2、学生凡按照教学计划要求,完成本专业教学计划规定的必修课和选修课,总学分150学分(包含公共必修课学分51学分、专业必修课学分80学分、专业限选课学分10学分、专业任选课学分最低4学分),并完成生产劳动、军事训练、专业教育实习、专业综合实习、毕业论文等教学环节,且外语、德、智、体合格,准予毕业。经学校学位委员会审核确认符合《中华人民共和国学位条例》规定者,授予文学学士学位。
三、实现人才培养目标的具体措施
1、完善课程建设。进一步夯实专业基础课和专业主干课,突出专业基础课的能力特点。增设专业选修课,按照舞蹈学教学计划的要求开出必修课程和专业选修课程。
2、改革教学内容。教学内容不求知识体系的完整性,而要从学习者的角度按照学习规律进行调整,重点是能力的形成,明确每一门课程应该达到的具体能力,各课程群应该形成的能力单元,注重学习能力、学习策略、自我发展能力的形成。
3、改革教学方法。大力推进以学生为主体、教师为主导的课堂教学,改变过去以教师为中心的教学模式,注重培养学生的自主学习能力和研究能力。开展以任务为中心的教学活动,在加强基础训练的同时,采用启发式、讨论式、发现式和研究式的教学方法。
4、努力创建学习型的教师队伍。促使全体教师把教书与学习相结合,树立全员学习、全程学习、团队学习和终身学习的理念,创造多渠道交流探讨的机会,建立学习制度及学习共享系统。
5、教书与科研相结合,大力推进校本教师行动研究。鼓励教师在实际教学工作中反思教学,提高教学质量和学生能力,解决教学工作中的真实问题。多搞科研,尽量把教学问题列为科研课题。
6、建立导师制度。给学生配备导师,对学生的学习、品德和生活等方面进行个别指导和培养,努力满足学生个性化发展的需要。
7、加强形成性评价,实施对学生学习过程的监控。教师对学生的课堂表现、课外活动参与、作业完成情况、平时测验成绩记录在案。
8、完善终结性评价,实现考核手段多样化。考试采用表演式技能考试、笔试、读书报告、课程论文等多种形式,把能力培养与素质教育落到实处。
9、开展特色活动,发展学生能力。 营造良好的学习环境,创造艺术实践的机会,锻炼学生的工作能力、人际沟通能力、合作能力、组织能力。
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论文摘要:文章在深入分析应用型高校舞蹈艺术教育现状的基础上,指出了当前大学生舞蹈艺术教育存在的问题和原因,并有针对性地提出了相关对策与思考。
高校教育是一种全面的、系统的和科学的教育事业,艺术教育尤其是舞蹈艺术教育是高校教育的重要组成部分。舞蹈艺术教育课程的设置和开展有利于丰富大学生对生命、社会和世界的审美体验和感知能力,有利于激发大学生的创造性思维,提升大学生的综合素质,对于促进校园文化建设,构建和谐人际关系发挥着不可替代的基础性作用。然而,由于历史因素和现实诸多条件的共同制约,当前我国高校舞蹈艺术教育的发展仍然远远落后于大学生对舞蹈艺术和自身发展的强烈需求。本文结合徐州某应用型高校大学生艺术团的发展状况,对此展开具体分析。
一、舞蹈艺术教育的基本内涵与特性
舞蹈艺术是以提炼“加工”的人体动作为基本表现手段,综合运用舞蹈语言、节奏、表情和构图等多种要素,塑造出具有直观性和动态感的舞蹈形象,借以表达人们思想感情的一种艺术表现形式。舞蹈艺术教育是艺术教育构成中的特殊形式,有利于培养受教育者对舞蹈艺术的兴趣,以此引发对其他艺术的广泛兴趣和爱好,促进受教育者形成健康的个性心理;有利于强化受教育者的观察力、记忆力、感知力、想象力、创造力等,对于受教育者的智力开发、心灵培育和审美取向等都有较强的教化和塑造功能。舞蹈艺术教育具有以下两个方面的特性:
第一,在教育形式上,舞蹈艺术具有生动的形象性、互动的愉悦性和强烈的感染力。因此,在进行思想道德教育和人格培养的问题上,以舞蹈为媒介的教育形式要明显优越于空洞抽象的理论说教,更能提高受教育者对事物的直接观感,使之更好地接受这种寓教于乐的教育形式。舞蹈艺术教育还具有“说理移植”功能,可以将思想道德教育的具体内涵进行生动而形象的移植与转化,促进道德内容的抽象灌输转化为人性美的形象化展示,从而利于有效唤醒受教育者的同步感受与生命认知,促进他们的心理意向明朗化,实现道德知行的有机统一。
第二,在教育效果上,从艺术实践上来看,舞蹈艺术教育是追求身心和谐、团队协作的教育形式。在这种强化密切协作的教育模式下,通过激发参与者的表现诉求,有利于塑造和培养受教育者的动作协调能力与生命感知能力,有利于增强个体的责任感、认同感和集体荣誉感与团队协作精神。通过对舞蹈作品的体悟和感知,能够有效缓解压力、愉悦身心,并在潜移默化中获得真、善、美的艺术熏陶与感染,全面提升与发展自我。
二、舞蹈艺术教育的现状与原因探析
应用型高校是在我国高等教育进入大众化阶段后,为扩大高等教育内涵,适应市场和社会对人才培养的多方面要求而产生的,主要是培养本科层次的应用型人才,促进知识、技能和职业的结合,直接为地方经济建设服务的高校。本文以徐州某应用型高校为例,分析并总结目前我国应用型高校大学生舞蹈艺术教育存在的问题。
1.缺乏专业的舞蹈课程和训练场所,舞蹈教育覆盖面不大。目前,舞蹈艺术教育仅限于丰富校园文化生活,更多的是通过参加各类演出和比赛来学习舞蹈作品,多为短期集训形式,没有固定成系统的舞蹈训练,校园普及的软硬件基础都不具备。突出表现在学校舞蹈艺术社团规模较小,只能覆盖到有一定舞蹈基础的学生,对于大多数普通学生,虽然他们内心向往,但缺乏足够的组织容量,特别是理工科专业学生,能接触并被纳入到舞蹈艺术社团的更少。据调查,徐州某高校在校学生中,有9%的学生喜欢不同种类的舞蹈艺术形式,其中,有5%的学生对舞蹈艺术非常感兴趣,希望接触并学习舞蹈。然而,该校大学生(不包括艺术学院音教系的艺术生)中,在入校前接触过舞蹈艺术或者曾有过舞蹈学习经历的学生仅占0.1%。虽然该高校已于2001年成立了校大学生舞蹈团,但是至今都没有专业的舞蹈课程设置和专门的舞蹈训练场所。学校只是以选修课程的形式在体育学院和艺术学院面向全体学生开设了体育舞蹈形体课、健美操和舞蹈形体等5门相关课程,远不能满足学生对于舞蹈艺术的追求。
2.舞蹈艺术的内容定位不够准确,形式单一,与其他学科的融合贯通度不高。目前,我国非艺术类高校的舞蹈艺术教育,在教育内容上多以舞蹈形体课、健美操课程为主,鲜有开设舞蹈欣赏课程,更少有开设中国舞、中国民族民间舞蹈课程。在教育形式上多以选修课为主,这种课程选修体制又以任选课和限选课为基本方式,因而缺乏必要的制度保障。据调查,徐州某高校从未开设过舞蹈欣赏课程,其所开设的舞蹈课程都是体育舞蹈类和其他舞种(国标、瑜伽、肚皮舞等),更没有开设中国舞、中国民族民间舞蹈课程,缺乏对传统舞蹈艺术的正确认知和准确定位。舞蹈艺术不仅是肢体动作的形象展示,在更大程度上也是一种情感表达的基本方式,是一种情感构造、抒发和情感体认的过程,是一种教育主体双方有效互动的艺术欣赏过程。因此,舞蹈艺术的教育应该与美学、社会学、心理学、教育学、建筑学等融合贯通,综合转化为独特的艺术感受力,进而促使大学生将自己的独特感受拓展和延伸到学习和社会实践活动中,达到丰富和完善艺术素质教育的目的。在这方面,我们的工作还有差距,突出表现在舞蹈艺术教育与其他人文社会学科脱节的现象比较明显,活动组织过于独立,活动实施过于分散,活动效果不高。
造成上述问题的原因是多方面的,主要有以下几点:
第一,从思想上看,对舞蹈艺术教育重视程度不够。受传统“知识教育”观念的限制,高校在教育内容的选择方面,更注重文化知识的学习,一定程度上轻视了舞蹈艺术教育在素质教育中的作用,至今很多应用型高校还没有正式成立大学生艺术教育中心,这必将影响和制约大学生综合素质尤其是艺术修养的提升。
第二,从条件上看,缺乏有力的资源支持和制度保障。当前,各应用型高校的现有资源很难满足舞蹈艺术教育的发展需要,其现有的文艺团体普遍缺乏专业的舞蹈师资队伍和舞蹈设施。以徐州某应用型高校为例,该校仅有舞蹈教师1人,没有专门的舞蹈训练场所和舞蹈训练器材。此外,由于课程设置等制度性因素的存在,直接导致了舞蹈艺术理论研究和学术交流氛围的匮乏。
三、高校发展舞蹈艺术教育的措施选择
1.统一思想认识,加大舞蹈艺术教育宣传普及力度
要端正舞蹈艺术教育的指导思想,加强教育宣传力度,统一家庭、社会和学校的思想认知,促进师生同心协力、校社共建,树立正确的艺术审美教育观,共同营造舞蹈艺术教育的良好氛围。具体到高校自身,要在校园内通过各种方式营造舞蹈艺术的学习氛围,做到讲座与交流融合、活动与演出并举、比赛与学习同步,加强并支持新闻宣传报道,最大程度地激发理工科学生对舞蹈艺术的热情和参与度。
2.构建“三位一体”的舞蹈艺术教育驱动机制
21世纪的艺术教育尤其是舞蹈艺术会被提升到与语文、数学、历史等核心课程同等的地位,不仅如此,舞蹈艺术课程将从单一的舞蹈教学演变成综合的艺术欣赏课程。为此,需要构建一种以学校管理为前提、以培育师资队伍为核心、以培养艺术骨干为关键的“三位一体”的长效机制。一是学校领导思想重视。领导重视并给予制度保障是舞蹈艺术教育发展的前提。二是充实舞蹈师资力量。挖掘高校内对舞蹈艺术感兴趣,并有较丰富的舞蹈活动经验的教师,鼓励他们承担起舞蹈艺术教育的重任,发展舞蹈艺术教师队伍。三是注重骨干培养。在普及舞蹈艺术教育的同时,选拔并培养有一定舞蹈艺术特长的学生,对其进行素质拓展与能力开发,培育强劲的学生舞蹈力量。
3.在舞蹈艺术教育的实施上坚持“三步走”战略
根据徐州某应用型高校舞蹈艺术教育现状,“三位一体”的长效驱动机制需要分阶段进行,不可一蹴而就,可以分三步实施:
第一,“请进来”战略。引进国家、省、市级高水平的各类舞蹈艺术团体来校演出,有组织、有目的、有针对性地对学生进行舞蹈审美教育。邀请专家学者讲解艺术与人生的关系,普及舞蹈艺术欣赏,将舞蹈艺术请进校园,培养学生的兴趣与爱好。
第二,“深扎根”战略。一方面,鼓励专业的舞蹈教师与其他教师通力合作,采用各种方式和渠道,在校园内普及舞蹈艺术教育;另一方面,调整课程结构,把舞蹈艺术课程纳入学校总体教学计划。在文科学院的全体学生当中,开设舞蹈形体基础必修课程,逐步推广为理科学院乃至全校的舞蹈形体必修课程;在全校范围内开设舞蹈欣赏选修课,尤其是中国舞和民族民间舞的选修课。
第三,“走出去”战略。鼓励师生多与社会进行文化交流,形成以进校园为主、学校和社会互动的“舞蹈艺术审美教育”新格局。要加强舞蹈艺术教师的队伍建设,将具有一定舞蹈基础的教师外送学习和深造。此外,要将爱好舞蹈的学生与有基础的学生糅和在一起,加强日常训练,提高舞蹈队整体水平。积极创造登台表演的机会,在更高的平台上展示艺术特长,拓展综合素质。
参考文献:
[1]陶国富,王祥兴.大学生审美心理[M].立信会计出版社,2004.
[2]黄明珠,中国舞蹈艺术鉴赏指南[M].上海音乐出版社,2001.
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论文摘要:音乐学专业应改变过去培养单一中小学音乐教师的观念,要根据人才市场的需要,培养具备舞蹈教学能力的中小学音乐教师,音乐学专业的课程设置中应加入:形体训练、民族民间舞蹈、舞蹈编创与排练等舞蹈课的教学内容。通过以上舞蹈课程的融入,提高学生舞蹈表演、舞蹈创作能力,达到基层中小学对音乐学专业舞蹈能力的要求,实现“一专多能”的培养规格。
一、音乐和舞蹈的关系
在舞蹈中,音乐与舞蹈是孪生姐妹,它们是互相依存的,舞蹈是珠子,音乐是链子,链子把漂亮的珠子穿起来才能形成美丽的项链。一个是通过视觉形象表现的,一个是通过听觉形象表现的,在舞蹈中就是通过这种听觉形象的平台把视觉形象展现给观众。如歌唱和舞蹈都是艺术,但它们的表现形式不同,一个是声音语言艺术,一个是肢体语言艺术,如果在歌唱表演中融入舞蹈,就能达到声情并茂、形神兼备,增加歌曲的感染力,把一部作品的思想感情能完整地展现出来。法国有位舞蹈革新家曾说过:“当音乐与舞蹈得到紧密结合的时候,这一综合艺术所产生的印象是伟大的,它的奇妙魅力会同时吸住你的心灵和理智”。音乐能够捕捉舞蹈形象,表达情绪,烘托气氛,展现一个舞蹈的民族风格和特点。如张继钢创作、中国残疾人艺术团表演的“千手观音”,音乐节奏感强,富于变化,把我们带入气势恢宏,雍容大度,美轮美奂的舞蹈当中。尤其作品中间的一段小快板,把整个舞蹈推向,是观音手臂之舞,达到出神入化的地步;蒙古族舞蹈“盛装舞”音乐给我们留下很深的印象,表达了蒙古族人民喜悦、欢快、炽热、激昂的情绪,加强了舞蹈表演气氛。音乐是舞蹈表演的桥梁,只有把视觉形象和听觉形象结合起来才能把舞蹈完美地展现给观众。
二、音乐学专业舞蹈课的设置
舞蹈教育以其独特的美育功能成为素质教育中极为重要的组成部分,几乎所要的中小学都面临着舞蹈师资匮乏或水平底下的困难。音乐学专业应改变过去培养单一中小学音乐教师的观念,而应培养具备舞蹈教学能力的中小学音乐教师,满足人才市场对音乐学专业学生能力的需求,达到“能教、擅演、会编”[1]的人才培养模式,在音乐学专业的课程设置中应加入,形体训练、民族民间舞蹈、舞蹈编创与排练等舞蹈课的教学内容,通过以上舞蹈课程的融入,提高学生舞蹈表演、舞蹈创作能力,达到基层中小学对音乐学专业舞蹈能力的要求,实现一专多能的培养规格。
1.加强基本功训练,提高学生肢体表现能力
基本功是指从事舞蹈艺术必须掌握的基本能力。它包括身体的力量、软开能力、控制能力、平衡能力、协调配合能力以及身体快速做出反应的敏捷能力。学生要想跳好舞蹈必须要进行严格系统的基本功训练。就像一个连字都不会写的人,他绝对写不出好的书法,更谈不上创作出好的文学作品。如:我们在观看舞蹈表演时,同样是一个舞蹈作品,前者是专业舞蹈演员表演的群舞《天山姑娘》,后者是普通大学生学演的群舞《天山姑娘》。前者舞者有较好的基本功,良好的表演能力,表演的动作整齐划一,把维吾尔族那种开朗、奔放、幽默的特征表现的淋漓尽致。它的舞姿挺拔优美,再加上摇身晃头移颈和流畅的旋转,好像把观众带到了“天山”,令人心旷神怡,回味无穷。 后者舞者因没有进行过舞蹈基本功训练,也没有掌握维吾尔族舞蹈的风格特点及舞姿,再加上表演能力差,导致表现出的动作僵硬、松懈、呆板和不协调,表演动作差距太大,没能把《天山姑娘》舞蹈创作中的那种意境和美展现给观众。所以要想学好舞蹈,应把舞蹈的基本功训练作为重点来抓,要让学生知道基本功训练是舞蹈成功的基石,是舞蹈必备的条件。要让学生克服身体自然体态中的各种毛病,针对身体进行系统的力量、软开能力、控制能力、平衡能力、协调配合能力及敏捷能力的训练,尽量使学生具备舞蹈表演所需要的身体素质能力,熟练自如的应用手、眼、身、步、及各种动作的分格韵律,才能达到展示舞蹈的肢体美,抒发舞蹈的情感,去创造、传播和享受舞蹈带给我们的美。
2.学演结合,促进民族民间舞蹈知识的吸收和提高
舞蹈根据不同的风格、特点分为古典舞、芭蕾舞、民族民间舞、现代舞等。为了提高音乐学专业学生对舞蹈知识的需求,应设置民族民间舞蹈课,内容的选择因以地方特色舞蹈为主,主要开设汉族民间舞蹈、藏族民间舞蹈、蒙古族民间舞蹈、维吾尔族民间舞蹈等,时间上应设置一学年,68个学时,一学期学习两个民族舞。针对课时有限与教学内容无限的矛盾,教学内容的选择上要做到精而实用。首先要了解掌握各民族民间舞蹈的风格特点、基本体态、常用舞步及基本的舞蹈语汇,才能把握各种民族民间舞蹈的精髓。探索舞蹈教学方法,把学习和表演结合起来,就能提高学习效率和学习兴趣。如:学习藏族舞蹈后,结合排练课学演舞蹈《珠穆朗玛》。舞蹈主要以桌和弦子为动作素材,学生在表演中充分发挥所学藏舞水袖撩摆的动作,应用了藏舞膝关节连绵柔韧的屈伸和连绵不断、小而快有弹性颤动的动律,进一步把所学藏舞语汇得到应用和提高,表现出了藏族舞蹈由于膝关节松弛和手臂柔美摆动表现出的美,还把藏族人民对圣洁的珠穆崇拜的那种美,通过表演表现出来了,提高了对藏族舞蹈的表达能力。还有通过学习东北秧歌再结合排练汉族舞蹈《大姑娘美》,使学生对那种泼辣、开朗、大方的东北妮形象有了了解。进一步对东北秧歌的舞蹈语汇进行应用和学习,通过学练结合,把东北秧歌的那种美劲、俏劲和泼辣劲展现给了观众,使同学对汉族舞蹈语汇有了进一步了解。通过学演结合更能扎实的掌握各种舞蹈的风格特征,激发学生学习和展示舞蹈美的欲望,变被动学习为主动学习,全身心的投入到舞蹈的学习中去,在不断的学习中,来提高舞蹈知识的掌握和应用能力。
3.开设编导排练课提高学生舞台实践能力
不管是职业舞蹈教育还是非职业舞蹈教育,舞蹈的舞台教学都是非常重要的,学以致用永远是教育的直接目的,未来的社会需要高学历的复合型舞蹈人才。为了完成音乐学专业“能教、善编、会演”的培养规格对舞蹈能力的要求,应把舞蹈基本技能的掌握扩展到舞蹈创作、舞蹈表演等方面,加强舞蹈的舞台教学使学以致用,以此来满足基层学校对舞蹈人才的需求。如我校2000年开始招收第一届音乐学专业学生,针对基层学校对音乐老师需兼顾学校舞蹈节目指导任务的要求,我们在培养方案中加大了舞蹈课程的设置。为了能培养能教、善编、会演的综合性音乐舞蹈人才,在加大舞台教学的同时把舞蹈队等实践课程纳入培养方案,提高了学生的实践应用能力,学生素质提高很快。2000级第一届音乐系学生刚入校时,大多数同学都没有舞蹈基础,经过形体训练、民族民间舞蹈的学习,又赶上学院的升本、校庆、为同一首歌的演出伴舞等舞蹈舞台教学,很快就成为我院的舞蹈骨干,他们自编自演的舞蹈节目多次获奖。毕业时,舞蹈表演、编创能力上了一个台阶。通过舞台教学和舞台演出的实践,提高了学生舞蹈的内在感觉、表现能力、技术技巧的应用能力,也增强了对舞蹈知识的积累,掌握了舞蹈创作、作品的排练、演出及舞美设计、演出服装道具的应用等舞台表演的相关知识,学生毕业后,大多数都成为基层学校及单位的音乐、舞蹈骨干,缓解了基层学校和单位缺少舞蹈指导教师的情况。使教学水平得以提升,学生综合能力得以提高。
通过舞蹈课的教学,培养了具有舞蹈教学能力的中小学音乐教师,达到了社会对综合音乐素质的培养要求,但如何让舞蹈课的设置更加合理、教学方法更加科学化,是我们研究和思考的课题。
篇10
关键词: 中学音乐教学 发展性评价 评价方式
学生评价是对学生学习进展与行为变化的评价。它包括对学生在知识与技能、过程与方法和情感、态度与价值观等方面发展状况的评价。国家教育部在《基础教育课程改革纲要》(试行)中明确提出:“要建立促进学生全面发展的评价体系”,要“建立促进学生素质全面发展的评价体系”。新的《音乐课程标准》要求:“应在体现素质教育目标的前提下,以音乐课程价值和基本目标实现为评价的出发点,建立综合评价机制。”
传统的学生评价方式刻板单一,通常是在学期末采用笔试或口试检查学生对音乐知识、技能掌握的情况。这种“一卷定高低”、“一曲定乾坤”的评价方式仅仅评价了学生认知学习的一部分终结性的结果,忽视了学生在情感态度与价值观、创新意识和实践能力等方面的进步和变化,无法真实地反映学生的整体音乐素质。
由此可见,树立与新课程标准相适应的评价观,构建侧重评价过程、强调评价对象主体参与、重视评价方法多样、以促进评价对象的发展为根本目的的发展性评价体系,重视和加强教学评价的诊断、导向、激励、教学等功能,把课堂教学的重心从教师完成教学任务转移到正视学生的基础和促进学生发展上来刻不容缓。基于以上考虑,我以学生音乐素质和能力的发展性评价为目标,谈谈如下发展性学生评价方式。
一、研究性发展评价方式
研究性学习的音乐考试,旨在培养学生的学习自主性,让学生自发式地探究学习寻找问题的答案。这种考试适合有一定的音乐基础,具有一定的理解能力的学生来做,比较适合初二年级以上的学生。通常情况下,在开学之初,教师就将要研究的课题内容布置给学生,让他们分组利用这一个学期的时间进行准备,并进行阶段性的汇报,直至最后期末考试时结题,由学生分组展示汇报自己的研究成果。比如,教师根据教材内容给学生布置了一个研究性学习的音乐课题“研究外国舞曲探戈和波尔卡”,同学们对这一课题很感兴趣,马上自发分组,运用课余时间上网查找相关资料,探寻探戈和波尔卡舞曲的由来,发展的历史,甚至还用自己的观点对他们的发展前景进行了预测,等等,然后用论文、课件、音像资料、文字图画等多种形式展示出来,在成果展示的时候,有的小组同学甚至还表演了探戈和波尔卡的基本舞步,同学们都有很大收获。教师可以通过这种方式培养学生的音乐审美能力、音乐感知和探索能力,拓宽学生的知识面。
二、创编表演发展评价方式
音乐学习的本身就是一项具有创造性的活动。创编表演的考试方式,旨在培养学生的创新能力。它是一种由学生自编自演的音乐形式,这种形式是让学生自编成组,自己运用在音乐课上学的知识或者是平日通过其他媒介搜集的音乐信息进行创编活动。这种创编可以是歌曲的自创,舞蹈的创编,或者是综合朗诵、舞台表演、演唱、演奏、舞蹈等表演形式进行编排设计的舞台剧、音乐剧等,学生通过想象和创新,最终完成了一件件令人意想不到的作品,教师平日应该对这种评价方式进行不断的改革和延伸,把它作为提高学生音乐表现能力的途径。应用这种创编表演的评价方式,能够激发学生的创新思维,培养学生的创新意识,提高学生的创新能力。
三、“教学反馈型”发展评价方式
这种评价一般是采取随堂进行的方式,即设定每节课有3分钟时间学生进行才艺展示,每次才艺展示学生数为2至3人,每人展示一项自己比较拿手的节目,形式不限。参与展示的同学可在课前向班级文委报名,课上由文委主持,然后由学生进行语言评述,由大家民主评议,教师综合评价,可用百分制也可用评语。用这种方式取代传统的平日考试打分制度,给每个同学都制定一个“音乐成长记录表”,将学生平日在音乐课上的音乐表现记录下来,以供日后评价做参考及学生留做纪念。音乐教学评价的多样性有利于学生体验成功、建立自信,增强爱好音乐的情趣,培养音乐审美能力。打破狭隘的封闭的评价形式,拓宽学习音乐的渠道,以学生需要为本,学生发展为本,对学生作全面合理的评价,这样才能有效增强音乐教学效果。
四、成果展示性发展评价方式
在学期末,学生以汇报演出的形式进行展示,演出的内容可以是音乐课本上的内容,也可以是课程之外的内容,演出的形式不限,可以是演唱、舞蹈等,可以是齐唱或者合唱,可以独立完成,也可以和同伴合作完成,评价的方式采取教师、学生代表和家长三方共同评价完成。可以评出:“最佳演唱奖”“乐器演奏大师”等奖项,对于一些表现平平的学生,可以颁发“最佳参与奖”“最佳上镜奖”等,让每一位学生都得到鼓励。
五、等级性发展评价方式
教师在音乐教学中,根据学生的表现,将学生的成绩分为优秀、良好、一般三个等级,主要从平时成绩、纪律情况、期末成绩、学习的态度、兴趣小组参与情况这五个方面来考核,需要说明的是,《艺术课程标准》中指出:“质性评价是艺术课程评价的一个重要方式,它注重学生的探索过程,而不是学习的结果;注重与教学活动的有机联系,而不是脱离或中断教学进程;它适应艺术教学的即兴、变化、生成和跳跃等特点,适合不同学校、不同班级、不同学生的具体情况;它可以通过客观描述的方式,对学生艺术能力和人文素养等方面的进步作出评定。”因此,教师在评价的时候,要综合考虑学生的各方面因素,不仅要有学生之间横向的比较,而且要与学生自身进行纵向的比较。
总之,我们要以发展的眼光评价学生的音乐学习情况,采用不同形式的发展性评价促进学生音乐审美能力的进一步提高,促进音乐感受、表现和创造能力的进一步发展。发展性评价方式多种多样,而且如何发挥评价的检查了解、反馈调整、展示激励、反思总结、纪录成长等功能,怎样找到简单可行又有较好促进作用的发展性评价方法,有待于我们在鲜活的教学实践中进一步深入研究。随着教育改革的不断深入,学生学习评价的内容将不断充实,方式将不断完善,成为激发学生前进的动力。
参考文献:
[1]徐冬艳.中学音乐教学评价内容和方法探析.教学与管理,2008,(1).
[2]孟丽君.初中音乐新课程教学评价方法的研究.山东师范大学硕士论文,2007,10.