综合音乐欣赏论文范文

导语：如何才能写好一篇综合音乐欣赏论文，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。

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论文摘要基于音乐在人的教育领域里的多种功效，使得音乐美育越来越引起了人类的高度关注，而对于学生这一主要受教群体而言，由于其理解能力强，但音乐素养普遍偏低，又急需艺术教育的营养，所以如何能有效地对普通的学生施以音乐鉴赏方面的教育，已成为广大教育工作者关注的课题，因为“对于一个不辨音律的耳朵，再美的音乐也毫无意义”。随着素质教育的不断深入，音乐美育也将随之而不断地进一步地深化，并将起到更为广泛而有效的作用。

长期以来，音乐鉴赏作为普及艺术教育的主要内容和途径，深受广大美育工作者及在校生的普遍青睐，多年来在学生的美育方面一直起着积极而有效的推动作用。那么如何针对普通学生特点，更有效地渗透音乐鉴赏教育理念，使学生的音乐文化素养和能够更有效地提高呢?根据大学生的音乐欣赏层次和阶段性的主要特征，应从以下三个方面着手。

一、教会学生结合自身的生活经历和思想感受、体会来进行音乐欣赏

就德国著名音乐家贝多芬所创作的钢琴独奏曲《献给爱丽斯》而言，其创作源泉来自于贝多芬自身的一段恋情，音乐家贝多芬将他与自己的学生——美丽少女马尔法之间纯洁、美好的爱情。以及其间所发生的矛盾、冲突和最终和好的爱情历程，写在了五线谱上，并通过音乐这种特有的形式表现了出来，但恰恰是这种生活当中最真实、最普遍、最美好的感情，却被音乐家变成了不朽的乐章：这就足以证明艺术来源于生活，一切艺术创作的源头都是都来自于生活。每一部音乐作品的诞生往往是生活和情感的一种体现、高度升华和凝结。

对于普通的学生，他们当中绝大多数人处于青年时期，这一时期决定了他们具有思想敏锐、情感丰富等显著特点，如果在教授音乐鉴赏课的过程中，能教会学生结合自身的生活经历和思想感受、情感体会来欣赏音乐作品，将会使学生更容易领略和掌握音乐鉴赏的方法，并且达到预期的教学效果。

二、教会学生运用“通感”的方法进行音乐欣赏

“通感”是指性质和形式完全不同的两种事物所给人的相同的感受。在著名散文家朱自清的散文《荷塘月色》中曾有过这样的一段话：“塘中的月色并不均匀，但光与影有着和谐的影子，如梵婀玲上奏着的名曲”。这里的“月光”与“影”同“梵婀玲”上奏着“名曲”看似毫无相似之处，可细细体味它们之间那种美妙、宁静、轻灵、飘渺、谐和的感觉是相同的。在音乐欣赏的过程中，我们可以教会学生运用这种“通感”。结合音乐主题，再结合自身的一种感受，进行音乐鉴赏将更有益于音乐欣赏课的授课效果。这就是音乐鉴赏当中的“通感”。即视觉与听觉之间的一种通感，如果将这种“通感”运用到音乐鉴赏的讲解过程当中，会使学生很容易从作品当中体会一种来自于身边的切身的感受，对于音乐欣赏课的讲解是非常有帮助的。

对于普通学生而言，他们的理解能力强、知觉丰富，如果在音乐鉴赏课当中适当地将“通感”的方法运用到其中，将会提高音乐赏析课的授课效果。

另外，我们还应当告诉学生音乐语言不同于我们日常生活当中所接触的说话的语言，音乐语言所表达的喜怒哀乐，完全是利用音乐所特有的音的特征来表达的，当音乐所带给人的感受和人类内心对某件事物的切身的感受产生共鸣时，我们认为我们所说的“通感”产生了，有了这样的通感，我们就很容易与作曲家跨越时空产生共鸣，更好地理解到作曲家的创作意图，音乐鉴赏课也自然会达到一定好的效果。

三、在音乐欣赏讲授过程中应当运用的三个“过渡”

对于普通的学生，由于音乐基础相对薄弱，但理解能力强所以在对他们讲解音乐鉴赏课时，应力求做到深入浅出，由浅到深、逐步过渡，根据这一原则，笔者总结归纳出了三个过渡。在音乐欣赏过程中，最易于欣赏和接受的莫过于声乐作品了。因为声乐作品结构简单，有歌词，并且歌词的内容，与旋律所要表达的情绪，基本上是相一致的，所以在教授音乐欣赏课时，应当首先由讲解声乐作品入手。不仅是因为声乐作品易于欣赏，更主要的是要让学生通过对有歌词的音乐的欣赏，了解音乐的表现、发展、和欣赏的规律，更准确地理解音乐所要表达的含义，从而逐步过渡到器乐作品的欣赏。在讲解声乐作品时，首先应让学生了解作品词、曲作者的生平，了解作品的创作背景，歌词的含义。通过举例和讲解。让学生了解和掌握音乐旋律发展的特征，并锻炼学生在脱离掉歌词的基础上，依然能够欣赏歌曲的旋律，通过旋律进一步理解音乐。这样的过渡会使学生在进入到器乐作品欣赏部分时不致感到不知所云或无所适从。

2、由民间音乐欣赏过渡到西方音乐欣赏

每一个民族都有本民族自己的语言。虽然人们常说音乐是人类共同的语言。但每一个民族都有本民族的审美习性，音乐作为一种民族特有文化。有时会像血液一样融入到人的身体里，它甚至是根深蒂固，与生俱来的。比如说每每播放二胡独奏曲《二泉映月》，民族器乐合奏曲《春江花月夜》，小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》等，对于很多学生而言，都是耳熟能详的民族乐曲，如果在音乐欣赏的过程中，我们能首先将这些作品按照一定的顺序依次介绍给学生，会使学生感觉亲切、更容易理解和接受音乐作品欣赏，尤其是在讲解作品结构时。学生较之就更容易理解，在此基础上再逐步过渡到西方音乐，比如说《命运交响曲》、《蓝色多瑙河》、《仲夏月之梦》等等，这样会使学生对于音乐语言有一个逐步适应的过程，从而能够进一步吸引学生的鉴赏兴趣。

3、由器乐独奏曲逐步过渡到交响音乐

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Abstract: Take the technical discipline as the leading Comprehensive university, usually is equipped with the certain student extra-curricular art group society, but regarding the majority ordinary students, usually contacts the humanities art the opportunity relatively to be still few compared with other schools. Therefore, lets the student feel art subsequently to enter art, close music, experience music, thus deeply loves music, appears very essential, music history and music appreciation lesson are serve this purpose the important way.

关键词：音乐史欣赏音乐审美非音乐专业

Key words:Music history appreciate music esthetic non-music specialized

《中国音乐简史与欣赏》是综合大学非音乐专业的一门选修课。通过该课程的学习，不仅使学生了解我国古代与近代音乐文化的基本知识，正确认识我国的传统音乐文化和音乐的发展规律。同时，还要激发学生的学习兴趣，树立热爱中华民族优秀音乐文化传统在以后的学习和工作中，自觉地成为中华民族优秀音乐文化的热爱者、和继承者。一个在艺术上落后的国家，一个在音乐上蒙昧的民族，很可能造成在科学技术发展上停滞不前，从而导致整个民族的萎靡衰弱。可以说，音乐教育无论对人类进步还是对个人发展都有着十分重要的积极意义。“德者，性之端也；乐者，德之华也”，道出了音乐对塑造国民性的重要作用。笔者从教学内容、教学方法与教学手段三个方面对该课程做出了相应的改革与思考。

一、教学内容

1.音乐历史文化与音乐作品欣赏并举互重

音乐历史绵延数千年，音乐作品浩如烟海，其间所涉音乐理论何其深也！但综合大学学生大多缺乏基本的音乐背景，若直接讲解音乐理论，或单纯讲解音乐知识，不仅内容显得枯燥，而且也会对学生的学习兴趣产生不同程度的抑制。以历史、文化的结合来给学生讲解音乐，不仅会使学生了解旋律、节奏等音乐的形态要素，也会使学生通过文化去感受音乐，去理解艺术，使学生真正理解音乐艺术的构成方式。况且，随着听感能力的提高，学生的审美诉求也会相应增长，他们并不想仅仅停留在感性的音乐欣赏的层面上。结合音乐讲授音乐史和音乐理论知识，或者说更多地讲授一些学术化的内容，会使很多同学都对音乐更感兴趣，也会使他们在较高和较深的层次上欣赏音乐。

2、教学内容的安排做到理性和感性相结合

音乐史属理论课程，相对比较枯燥，因此，在教学中既要注意语言的条理性，还要注意语言的生动活泼性，并穿插一些历史名家的成才佳话和趣闻，使同学们在学习中受到激励，让枯燥乏味的理论课变得生动活泼。正所谓，严肃中不乏乐趣，活泼中渗透思考。还需注意的是，要经常将当前最新学术信息尽快传达给学生并提出问题让学生多进行独立思考。

3、汉族音乐与少数民族音乐并重

目前在各高校进行的音乐史课上多注重传统音乐的讲述所用教材也多围绕汉族传统音乐展开，这对学生全面了解中华民族音乐是极不利的。众所周知，我国是一个多民族的国家，在我们辽阔富饶的国土上，居住着56个民族。各族人民以辛勤的劳动，开拓疆土，发展经济，创造了祖国的历史和文化，共同缔造了我们伟大的祖国。我国光辉灿烂的音乐文化，是各民族共同创造的，是各民族音乐文化互相交融、互相吸收、互相促进的结果。如果在教学时忽略了少数民族音乐，对于我们灿烂的文化将是一个多么大的损失同时也不利学生在中华大家庭中的认同感。因此要各种音乐文化并重才是真正意义上的中国音乐史。

二、教学方法

1、充分运用情景教学互内互外相结合

有条件的可以去一些名胜古迹进行实地考察，既能巩固所学知识，又可以使学生养成正确的学习习惯，使学生深刻理解“以实物为主，典籍次之，推理再次之”的研究方法为今后进一步发展打下良好的基础。当然，这种方式有很多局限性，具体实施还需要进一步探索。

2、加强与大学生艺术团的横向联合

中音史与声乐和器乐的结合。只要学校有大学生艺术团或音乐专业的都可以开展。我主要是通过开演唱会和演奏会来实施的。由于中国古代音乐史音响资料比较缺乏，同时，由于欣赏作品时间有限，学生对有些作品印象不深，理解不够。针对这种状况，我就选择一些有代表胜的古代音乐作品(包括声乐和器乐)布置给艺术团学生演奏或演唱，并取得各专业老师的支持与配合，由他们帮助作技术上的指导，先举办一些小型的音乐会。这样，既补充了音响不足的困难;又使学生近距离的参与，提高了学习积极性，加强了对作品的理解和风格的把握;而且，这种方法对普及中国传统音乐也有着积极的意义。同时还可以让音乐专业的学生担任音乐会的伴奏任务，通过自己亲自配器、排练和演出，提高自己的实践能力。这无论是对非音乐专业的大学生还是音乐专业的学生都是一个很好的锻炼的机会。对于教学的效果是双赢的。

3、老师应该是位优秀的“导游”启迪学生自己去发现欣赏对象的美之所在

课程的讲授应该是双向和多向性的，加强师生间以及欣赏者之间的沟通。实际上，学生们在听了众多感人的音乐后，是非常渴望和别人及老师交流的。因为对于同一部作品来说，每个人的感受都是不同的，相互间的交流有助于让欣赏者更全面地理解音乐作品。“一千个读者就会有一千个哈姆雷特”，艺术的魅力就在于它的多义性和欣赏者的再创造。对此，可以留一些开放型的思考题,让学生根据自己的兴趣去思考。

音乐是感性而抽象的艺术，人在不同的时间、场合以及不同的心境时，对音乐的感受是有差异的，不能用一种评价来下定论。对作品的讲解，最好在学生听后进行，否则可能会缩减学生们的想象空间和对作品的新鲜感。可将几个不同音乐家的风格、作品做一比较，使学生们明白各自的特点所在，既增强了印象，也有利于记忆。如果条件允许，可尽量挑选由作曲家本土的乐团和指挥演奏的作品，以保证作曲家本土文化的原汁原味，有助于学生更加

深刻地了解作品的内涵。

为增强师生的课堂互动，听乐后，可在课堂上或网络课堂上展开一些讨论，鼓励同学参与，激发对音乐的热情。在课堂上，可增加一些情景式的想象时间，比如说，在放乐曲时让学生们按照所听的音乐的感觉想象一些场景，然后大家讨论听过乐曲后的感觉并描绘一下想象的内容。

在音乐欣赏的审美过程中，老师应该是位优秀的“导游”，不是给学生灌输一些自古以来似乎已成规定的评价，而是启迪学生依靠他们自己去发现欣赏对象的美之所在。本课应该以音乐史为线索，结合文化发展与音乐发展规律相互间的联系，通过伟大作曲家们在特定的历史环境下所作的不朽名曲，来引导学生走进音乐的殿堂。然而，实现这一过程并非易事。讲解少了学生不能很好地理解作品，但讲解多了却又限制了学生的思路，在真正听音乐的时候容易被那些已经成型的评价所束缚，难以真正去体会、去寻找自己的感受。对非音乐专业的大学生而言，音乐教育的核心就是音乐欣赏，“音乐欣赏是一切音乐教育活动的中心动力和真正目的”。这种音乐教育的过程，就是为了使学生们建立起欣赏音乐的爱好，在欣赏音乐时充分享受艺术审美的愉悦和。对于音乐，没有必要赋予它太多沉重的内容，更不必以雅俗来定是非。

三、现代化教学手段的运用

近年来，随着教学改革的深入、现代化信息技术的广泛应用，一种新型的授课方式―多媒体课件教学孕育而生大量的教学实践证明多媒体课件教学能够实现文字、声音图像、动画等信息并立体同步地全面输导，在各类层次的课堂教学中产生良好的效果和作用。对于高校开设的音乐史理论课程，多媒体同样存在着最大限度发挥其优势的可能性。

多媒体教学不仅突破了传统教学在时间、空间上的限制，而且大大开阔了学生的音乐视野，通过生动形象的画面、悦耳动听的音乐，使学习内容变枯燥为形象，图文、音像、动画栩栩如生，犹如身临其境，能够大大激发学生对音乐学习的兴趣，丰富教学内容，拓宽教学视野，激发学生思维。因此，构建多媒体教学模式至关重要。

1、创作相关内容的动漫作品

根据古代音乐典故和传说创作相关内容的动漫作品。例如根据伯牙和钟子期典故创作的动漫作品《高山流水》。画面简洁，音效结合，情景交融，篇幅短小，适合课堂播放和使用。在课堂上真实演绎了“伯牙善鼓琴，钟子期善听，伯牙方鼓琴，志在泰山，子期曰：善哉乎鼓琴，巍巍乎如泰山；志在流水，子期曰：洋洋乎若流水，伯牙所念，子期必得之。钟子期死，伯牙终身不复鼓琴。”千百年来流传的“知音”故事。除此之外，还有大量的现代考古资料，都可以作为课程资源在课堂上充分利用。例如1978年对位于湖北随县城郊雷鼓墩曾侯乙墓发掘的影像资料。在课程教学讲授过程中，运用多媒体切换到该影像资料，让学生在课堂上欣赏灿烂夺目的众多乐器构成的一座巨大的地下乐宫，同时，也认识到它也是一次轰动世界的音乐考古大发现。

2、制作课件时要考虑到整体版面的视觉效果

中国音乐史课件设计应根据中国视觉艺术的风格特点，版面宜典雅古朴，强调色彩柔和度。在整体设计风格统一的前提下，根据文字、乐谱、声音等对象的特点和需要强调特定内容，设计各具特色的版式。例如课件中版而的背景色调要根据教学内容做出相应的调整。在展示乐器图片时背景色宜浅淡，而为了突出中国画作品的写意和古典建筑作品的静谧，背景色宜厚重。课件中介绍的每一位音乐家都应有各自的生平介绍，以加深学生的直观印象和记忆。乐谱在版面所占的比例宜适中充分考虑到学生在教室不同方位的视觉清晰度。总之，多媒体课件的制作不能因版面的复杂而分散学牛的注意力，也不能因一成不变而令学生产生视觉和审关的疲劳，把握好设计的尺度才能使课件发挥其最大的优势。

四、结语

教师应具有强烈的责任心和勇于奉献的精神。因为，在教学改革的实施过程中，教师的工作量会大大增加，尤其会占用许多业余时间，如平时作业和论文的批改、音乐会的指导与排练，课件制作以及和学生之间的各种形式的交流等，这需要在实践中不断地进行调整和摸索。对此，我们应做好充分准备。

参考文献：

[1]刘欣欣.文化与历史并举感性与理性并重中国音乐，2006⑴

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内容摘要:在深入学习和贯彻新的国家音乐课程标准的同时，对我国传统音乐教育进行深刻的反思，对旧的音乐教育价值观取向所形成的教学模式、基础知识教学、识谱教学、音乐欣赏教学、学科本位等普通音乐教育中的弊端进行审视和思考。在实施新课程标准过程中转变观念，树立正确的音乐教育价值观，改革教学模式及教学方法，从而实现课程改革的目标即课程功能的转变，把新课程改革落到实处。

关键词：音乐教育价值观教学模式基础知识

伴随着基础教育课程改革，教育部出台了新的国家音乐课程标准。在实施过程中，观念转变是课程改革的重要目标和内容，更是搞好课程改革实验的前提。但要真正实现观念根本转变，又是课程改革必须面对的一项长期而艰巨的任务。在深入学习和贯彻新的音乐课程标准的同时，有必要对我国传统音乐教育进行深刻的再反思，这样有助于我们转变观念，以积极的态度来推进课程改革。

一、中外音乐教育价值观的差异。

长期以来，我国和一些音乐教育发展迅速并对国际社会产生重要影响的国家，如德国、匈牙利、前苏联、日本等国家在音乐教育价值观上存在着一些差异。

德国奥尔夫音乐教育体系，首先关注的是音乐教育对人的发展的巨大作用。卡尔·奥尔夫曾说过：“音乐教育是人的教育，对于一切，我最终关注的不是音乐的，而是精神的探讨。”他认为音乐是人类思想感情最自然的表达，每个人都具有潜在的音乐本能，因此音乐教育应该面向所有的人。

匈牙利著名的音乐教育家柯达伊所创建的音乐教育体系，其教育理念突出的一点就是“让音乐属于每个人”“音乐将伴随每个人的生存与发展”。他多次指出：“音乐是人的教育的不可缺少的部分，如果不具备这方面的修养，教育就不完整，离开了音乐就谈不上是个全面发展的人。”他认为音乐和人的生命本体有着密切关系，是人精神生活的需要，是每天生活的有机部分，没有音乐就没有完美的人生。

在对音乐教育本质的认识上，最典型、最具代表性的是前苏联教育家苏霍姆林斯基的论述：“音乐教育并不是音乐家的教育，而首先是人的教育。”这种表述不仅反映了一个教育家特有的洞察力和使命感，更是揭示了普通音乐教育的本质，阐明了普通音乐教育与专业音乐教育之间的辩证关系。

日本音乐教育家铃木镇一的音乐教育思想最具人本主义的色彩。他表达这样的理念：“教音乐不是我的主要目的，我想造就良好的公民。”“如果让一个儿童从出生之日起就听美好的音乐，并自己学着演奏，就可以培养他的敏感、遵守纪律和忍耐等性格，使他获得一颗美丽的心。”

上述这些国家，虽然各自的政治、经济、文化背景都不尽相同，但对音乐教育价值观的认识上却比较一致，都明确提出音乐教育的价值在于“人的发展”“音乐应该属于每个人”。然而，长期以来，学科中心主义的指导思想影响着我国的普通音乐教育，造成了普通音乐教育的专业化倾向。即过于注重知识技能的传授，一定程度上忽视了人的发展与需要。音乐教育的重点放在以识谱为中心的技术操练上，音乐对于一些学生来讲成了高不可攀、可望而不可及的东西，造成了一些学生喜爱音乐，但害怕上音乐课的不正常现象。在对我国基础教育现状进行深刻反思的同时，对国际课程改革趋势进行深入比较，对未来人才需求进行认真分析后，国家教育部启动了新一轮课程改革，本次课程改革在教育部制定的《基础教育课程改革纲要（试行）》中首先确立了课程改革的核心目标即课程功能的转变：改变课程过于注重知识传授的倾向，强调形成积极主动的学习态度，使获得基础知识与基本技能的过程的同时，成为学会学习和形成正确价值观的过程。即从单纯注重传授知识转变为引导学生学会学习、学会合作、学会生存、学会做人，打破传统的基于精英主义思想和升学取向的过于狭窄的课程定位，而关注学生“全人”的发展。

二、认识与思考。

笔者有幸参加国家级音乐骨干教师培训班的学习，在转变观念，吸收本学科最前沿的信息、学习新的国家音乐课程标准、接受新的教学理念、教学方法的同时，再来重新审视我国的普通音乐教育，体会更深，对传统音乐教育的弊端也有了以下新的认识。

1.教学模式。

多年来，我国的普通音乐教育过于重视基础知识的学习和基本技能的训练，一些音乐课只能与极少数音乐尖子产生共鸣，大部分学生对音乐课越来越感到恐惧。唱歌教学几乎是一个模式：练声——节奏训练——视唱（识谱）——唱歌。这样安排，没有给学生持久的审美体验，没有给他们带来愉悦感，音乐教育的目的也就不可能达到。音乐课程标准在课程目标中明确指出：“通过教学及各种生动的音乐实践活动，培养学生爱好音乐的情趣，发展音乐感受与鉴赏能力、表现能力和创造能力，提高音乐文化素养，丰富情感体验，陶冶高尚情操。”这些目标要通过精心设计，把孩子们对音乐的一种理解，把孩子们的想象力、创造性发展起来。音乐教育的重点不能再放在技术操作上，而要放在艺术表现上，要特别强调音乐教育中的音乐性。

奥尔夫讲过：“每个孩子心里都有一颗音乐的种子。”音乐教育工作者的任务就是要让每一颗种子发芽。中小学音乐教育是大众教育，不是为学生提供未来从事某门专业所需要的全部知识和技能，而更重要的是引导学生学会学习、学会合作、学会生存、学会做人。我们的培养目标是把全体学生培养成具有音乐审美能力的普通公民，因此，中小学音乐教育要面向全体学生。美国与中国在音乐教育的价值取向上存在一定的差异。美国“要求孩子能当众自信地歌唱”，着眼人的发展，其音乐的作用远远大于音乐知识传授的本身。通过音乐教育培养人对生活的乐观态度，培养人的健康心理。在这里笔者要特别强调：

要经常给学生表演和表现的机会，唱得好、唱得不好是一回事，敢不敢唱是另外一回事，培养孩子敢于当众歌唱，是培养他的一种自信心，一种做人的勇气，一种对生活的乐观态度。通过音乐教育的手段，在不知不觉中完成人格教育，这样的音乐教育可达到的效果要远远大于单纯掌握咬字、吐字等歌唱技巧。

2.音乐基础知识教学。

一些传统的音乐教学法违背了音乐的本质。比如，学音程，教师让学生把要领背得滚瓜烂熟，但在琴上却并不能听出和声、旋律音程，这说明学生形成的音程概念只是数学概念不是音乐概念，这也说明只记概念是不行的，是没有价值的。再如，学习3/4拍的含义，学生从概念上会回答，但仅是简单记忆，与音乐没有关系，这在认知过程中属最低的简单记忆。按新课程的理念，如果换一种教学方法：即通过听音响来判断曲子中哪一首是三拍子（通过强弱来判断），同样，还可以放几段音乐，让学生来思考哪一首曲子不能作为队列行进的音乐，学生一定会通过身体感觉来正确地指出哪些是三拍子乐曲。这样把音响与概念结合起来，既发展了学生的听辨能力，又使学生真正理解了其中的含义，这样的教学符合音乐的认知规律和教育规律，同时，又能调动全体学生的学习积极性。新课程标准明确指出：“遵循听觉艺术的感知规律，突出音乐学科的特点”“音乐是听觉艺术，听觉体验是音乐的基础，发展学生的音乐听觉贯穿于音乐教育的全部活动中。”因此，必须强调，概念必须与音响结合，离开了音响就没有意义了。

3.识谱教学。

长期以来，中小学音乐教育一直以识谱作为重点，但大部分学生的识谱问题仍没有解决。笔者从事中学音乐教学10年，在识谱教学中可说用尽了脑筋。记得1980年，无锡市首次五线谱教学试点就是在笔者所任教的班级进行的。在一段时间内，学生的识谱能力也有所体现，但实际真正的价值却不大。在笔者执教的锡师“弘毅”

艺校手风琴班，一些小学员的家长曾是笔者当时的得意学生，后来他们又进入了大学，具备了较高的学历层次。多年过去了，他们中的一些人连最简单的乐谱也认不得了。据他们讲，平时他们喜欢唱歌，但没有一首是通过识谱（认谱）学会的，而是听会的。笔者所在师范学校每年都举行音乐面试，这些考生都是来自无锡地区较优秀的初中毕业生，但真正识谱的廖廖无几，有的学生连《国歌》都唱不完整。这说明九年的识谱教学非但没有解决学生的识谱问题，而是让大多数学生离音乐越来越远了。笔者曾对刚入学的新生进行如下提问和测试：①问：除了初中教材上的歌曲，你是否还能唱出另外10首歌曲？在这10首歌曲中，有多少是你通过识谱来学会的？回答：全是通过听而学会的，不是通过识谱学会的。②在两个平行班中，选择同一首歌曲，甲班通过识谱来学习、熟悉，乙班是反复播放音响，通过听来熟悉，30分钟后两个班学生全学会了。但两周后，奇怪的现象出现了，通过识谱学会的甲班已基本全忘，而通过听唱学会的乙班却还能唱出而且较熟悉。上述两点说明：音响的记忆比识谱的记忆效果要好些。

那么，识谱教学还需不需要呢？回答是肯定的，问题在于：第一，必须给识谱教学重新定位。长期以来，大家都以识谱能力来衡量音乐教育的质量，这是错误的。

识谱不是中小学学生学习音乐的唯一标准，只是技能领域中的一种能力（如乐器学习中掌握乐谱是必须的）。第二，如何进行识谱教学。国外先进的音乐教育理论认为：识谱是在音乐实践活动中不知不觉中学会的，就如刚出生的小孩先会喊“妈妈”，到后来再来认识“妈妈”二字一样。先说后认，先唱后认，道理是一样的。国家音乐课程标准在阐述识谱教学时明确指出：“在音乐听觉感知基础上识读乐谱，在音乐表现活动中运用乐谱。”识谱教学可分五个过程：①唱名模唱；②唱名背唱（条件反射）；③认识唱名；④按节奏因素读谱；⑤识谱视唱。在识谱教学中强调趣味性，要激发学生兴趣，切忌走入技术操练的误区。

4.音乐欣赏教学。

音乐欣赏教学是中小学音乐教育的重要内容，了解、欣赏中外优秀的音乐作品对提高学生的审美能力以及对音乐的感悟力是十分必要的。但传统的欣赏教学法脱离了学生的生理、心理特征，整堂课都是教师讲，教师放音乐，学生只是听众而已。

欣赏课的一言堂，一定程度上抹煞了学生创造力和探究音乐的兴趣。音乐课程标准提出：“以音乐为本，从音响出发，以听赏为主。应采用多种形式引导学生积极参与音乐体验，引发想象和联想。”音乐是一种善于表现和抒发感情的艺术。音乐的欣赏过程就是感情的投入与体验的过程，它既包括欣赏者对于音乐内涵的感情进行体验的过程，也包括欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融发生共鸣的过程。

“奥尔夫教学法”把学生亲身实践，主动学习音乐作为一个教学基本原则，奥尔夫认为“元素性”音乐教育是一种人们必须自己参与的音乐教学，学生不是作为听众，而是作为表演者、演奏者去参与“元素性”

音乐教育。从视听演奏入手，让学生聆听音乐、引导学生通过身体运动及演奏简单易学的乐器去接触音乐的各个要素。由于身体的表现使音乐要素成为可以看得见的身体活动，这些音乐要素的作用就先后或轮流地显现出来了。这样人体就变成一个能理解音乐的要求、解释音乐的部分和整体的一种乐器。通过“人体乐器”展示音乐要素，又通过学习者的内心听觉和动觉的反馈表现出音乐的艺术性质。“元素性”

音乐教育，即把动作、舞蹈、演奏、语言融合在一起，使学习产生各种体验，这种体验接近生活，十分自然，能被每个学习者体会与理解。在中小学音乐欣赏教学中，采用“元素性”音乐教学法，能使所有的学生（包括那些嗓音条件差，音乐基础差或对音乐没有兴趣的学生）都可以亲身实践音乐，主动地参与到音乐活动中来，并在活动中体验音乐的美，从而有效地提高学生音乐素质，达到健全和发展全体学生审美心理结构的目的。

5.学科综合。

传统的音乐教育强调“学科本位”，与横向学科联系甚少。新的课程标准把“提倡学科综合”作为改革的一个重要理念。

音乐教学的综合包括：音乐教学不同领域之间的综合；音乐与舞蹈、戏剧、影视、美术等姊妹艺术的综合；音乐与艺术之外的其他学科的综合。新的音乐教材在教学内容的安排上十分强调这一点，以音乐为教学主线，通过具体的音乐材料构建起与其他艺术门类及其他学科的联系（如听乐、吟诗、赏画等）。

在音乐教育中提倡学科综合，能有效地让学生处于多元、综合的思维中，更直观地理解音乐的意义及其在人类艺术活动中的价值。

结语。

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论文摘要：大学音乐鉴赏课是大学生实施美育的重要手段。如何使音乐鉴赏课更有效地发挥其作用，提高学生审美能力、创新意识和实践能力，成为全面发展的有用人才，教学方法的改进和完善是十分必要的。本文结合教学实践，对大学音乐鉴赏课的教学方法进行初步的探究，以求使之取得更好的教学效果。

随着高等教育逐渐大众化，普通高校音乐鉴赏教学作为对大学生进行美育的重要手段，成为高校艺术教育工作的中心环节。大学音乐鉴赏课是面向非音乐专业大学生的一门素质课程，对提高大学生音乐欣赏能力、音乐素养和音乐技能，提升审美能力、创新意识和实践能力，促进学生健康、和谐发展，发挥着重要作用，也是面向21世纪高等教育改革的重要内容。

音乐鉴赏是指鉴赏者通过对音乐作品的聆听和感受，获得精神的愉悦、理性的满足以及音乐美的享受活动。正像一位作曲家说的“许多人都在听，却没有听见音乐”。音乐鉴赏课程是一门大容量的综合性课程，也是一门理论与实践相结合的课程，学习该课程需要鉴赏者根据一定的音乐理论知识对作品进行品评、鉴赏。对于非艺术专业的大学生来说，其音乐基础知识相对缺乏，课程的讲授具有一定的难度。如何全面地提升非音乐专业大学生的音乐基础素养，并科学有效地指导其进行音乐鉴赏，成为迫切需要解决的难题。

面对非音乐专业学生开设音乐鉴赏课程，不能沿用针对音乐专业学生的授课方式及内容，教师应根据学生的身心发展特点、审美发展规律以及音乐素养水平，分析教学形式、方法及内容。通过对学生现状的调查，合理制定教学计划，运用科学的教学方法，由浅入深、循序渐进地进行。让学生从被动地“听”音乐，到主动地学习，积极地联想，深入地理解和感受音乐，体验音乐艺术深邃的内涵和充溢的美感，让学生成为音乐审美活动中的主体，从而养成优雅的品性，高尚的气质，获得至善至真的音乐美的教育。开好音乐鉴赏课程，应从以下几方面入手：

一、授课前对学生音乐素质现状进行调查

大学生进入高校，通常以文化课作为录取的标准，而学生的音乐素质，跟中小学音乐教育水平和学生自身对音乐艺术的兴趣爱好有极大的关系。因此，大学生的音乐水平差异性较大，有些学生具有识谱视唱、甚至演唱、演奏水平，但还有一些甚至是乐盲。面对音乐素质参差不齐的现状，音乐鉴赏课授课前必须对学生的音乐艺术水平进行调查摸底，搞清楚有多少学生具有识谱能力，有多少学生具有演唱能力，有多少学生有音乐兴趣爱好，有多少学生不懂乐谱、不会唱歌、甚至不喜爱唱歌，有多少学生喜欢乐器，喜欢什么乐器，演奏水平有多高，学生喜欢什么样的音乐，等等。根据对学生调查的基本情况，对其进行综合分析，提出问题，并制定对应措施。

二、制定合理的教学计划

根据对学生音乐素质现状的调查，科学地制定教学计划和实践内容。将教学与实践合理地结合在一起。遵循由浅入深、循序渐进的原则，根据音乐作品的高低、雅俗、难易、中外、古今、类别等，在教学中是由低到高、由浅入深、由易到难、由中到外的原则，让学生听懂理解，初步培养学生鉴赏音乐的兴趣，循序渐进地提高学生的鉴赏能力。教学中还可以利用视频、音响和史料等，进行各种形式的比较，如中、外音乐比较，同一作品不同演奏乐队、不同指挥的比较，同一体裁不同地区或不同音乐风格的比较，等等。通过比较，培养学生具备从多侧面、多视角欣赏音乐作品的能力，并以此进一步扩大他们的音乐视野。此外，还可以利用教材中的某一音乐作品，通过想象、创造，并结合音响、歌唱、舞蹈、排练、表演等各种艺术实践活动，让学生主动地参与到教学中来，既保持了学生学习的兴趣，又从多侧面、多角度地进行了音乐审美感受和音乐审美体验，以适应和满足不同类型的大学生的音乐鉴赏需要。

其次，要遵循少而精的原则。古今中外的音乐作品浩瀚如海，水平再高的演唱家和演奏家，也不可能演唱、演奏完所有的音乐作品。音乐作品鉴赏教学不可能对所有的音乐作品都进行逐一鉴赏。只能根据教学课时的多少及学生的鉴赏能力，本着少而精的原则，选择有代表性的音乐作品进行鉴赏教学。但是，对选准的作品就不能泛泛而谈，应当精雕细刻，讲透讲深，让学生真正能够理解作品的内容、特点及风格。对鉴赏过的每一个作品，都有不同的收获体会，真正听出作品的滋味，得到艺术的享受及美的熏陶。音乐鉴赏课程重点是教会学生鉴赏的基本方法，起到典型示范、举一反三的作用，贪多求全是教学中的大忌。

另外，教师的个人素养和研究方向各有不同，教学内容往往按照教师个人研究的深浅而准备，研究深的多讲，研究少的少讲，甚至不讲，忽略了学生自身的需求。教师应该按照学科规律的要求、学生的需要，不断学习拓展自己的知识面，通过自身的学习钻研不断完善教学内容，对自己不懂的相关领域，还可以采用集体备课的形式，请几个教师一起研究和探讨课程的内容。使教学内容更加丰富，学生学习更加积极、主动。同时，教学计划必须明确教学的指导原则、基本教学方法、教学内容、教学重点、教学效果的考核办法，贯彻计划的措施等。这样就可以增强教学工作计划性，减少盲目性。

三、采用科学的、灵活多样的教学方法

音乐鉴赏课是一门艺术课，不能采用灌输式、填鸭式、说教式等死板的教学方法，这些单一的教学模式，过分强调教师的主导作用，常常是教师单纯地讲，学生被动地听，既缺乏教学形式上的灵活性和教学风格上的多样性，更缺乏教学互动及情感交流，这样的教学方法，无形中使许多学生丧失了学习音乐的积极性和主动性。应改革课堂教学方法，倡导以学生为主体、满足学生需求的教学方式，根据学生的专业特点和个人差异，采取灵活多样的教学方法，形成让学生更好地参与实践的课堂氛围，激发学生的学习兴趣。

1.采用预发式方法

欣赏前，不管音乐作品是声乐曲或器乐曲，也不论作品的规模有多大，授课教师一定要把所要介绍作品中的主要旋律（哪怕仅仅是片断）写出来，弹或唱给学生听，当然如果可能也可组织学生唱一唱。当他们熟悉了作品中的主题或旋律之后，再介绍这些优秀作品产生的时代背景、作曲家的个性及风络、作品的形式、内容等。通过学生反复聆听，教师的引导、提问以及细致的讲解，指导学生进想和感情体验。例如，在介绍小提琴协奏曲《梁祝》时，首先把《梁祝》的故事讲给学生听，让他们了解故事情节。要把贯穿作品始终的爱情主题弹或唱给学生听，还可以让学生一起唱，当他们有了一个初步的印象后，开始介绍作曲家的生平、创作背景及作品的结构，以及协奏曲的形成及特点，这部协奏曲与其它协奏曲的区别等，然后再把每一乐章的结构、手法、标题及内容作一个简要的说明，之后才是逐乐章的欣赏。当学生了解了作曲家的创作意图，明确了作品的主题及各种乐器和作曲手法在作品中的应用后，再聆听作品，那音响仿佛把他们带到鸟语花香、春光明媚的乡村，感受到梁山伯与祝英台真挚感人的爱情，以及双双化成一对彩蝶，在花丛中翩翩飞舞、形影不离的动人画面。

2.采用座谈讨论式教学方法

教师根据在课堂上讲授的音乐内容，与学生一起进行讨论、分析，尽量活跃课堂气氛，使枯燥的内容充满丰富的感彩，构成一种平等的相互交流的关系。例如在欣赏相对简单的音乐作品时，教师可以先将作品的创作背景、作品风格以及作品的曲式结构简单地讲解，并提出一些问题，引导学生思考。再把学生分成小组，把音乐分成几个乐章，每组学生讨论分析一个乐章，最后再由各组选派的代表将分析的内容阐述出来。讨论式教学方法能够创建平等和谐的师生关系，能够在课堂上通过激发学生学习的兴趣和好奇心，使他们的思想活跃起来，思维积极起来，学得主动起来。

3.采用探究式教学方法

这种教学方法常与座谈讨论式教学方法一起使用。即教师要提出具有一定难度的或者学生质疑的关键性问题，引导学生拓宽思路，对音乐作品各抒己见。如学生聆听教师指定音乐作品，对作品的重点或难点的乐章，教师引导性地提出问题，让学生集体讨论，教师最后做总结发言。

4.采用情境式教学方法

这是音乐鉴赏课程中最常用的教学方法，也是教学效果最好、学生比较喜欢的教学方法之一。即在教学中充分利用教学辅助工具，创设具体生动的情境，如实物演示情境、音乐渲染情境、图画再现情境、语言描绘情境、扮演体会情境，等等，将言、行、情融为一体，引导学生积极参与音乐体验，引发想像和联想，以激发学生欣赏音乐的兴趣，逐步养成聆听音乐、感受音乐的良好习惯，从而积累鉴赏音乐的经验。例如欣赏作品《伏尔加河船夫曲》，在播放音乐的同时，用多媒体播放俄罗斯风情的图片以及伏尔加河上的纤夫们拉纤的过程。一群衣服褴褛、骨瘦嶙峋的纤夫，胸前套着纤索拖着沉重的货船前行，空旷辽阔的沙滩上留下了一串串脚印……这一场景的播放，当时会使鉴赏者具有身临其境的感觉，更能深切地体会到歌曲所表达的感情。

5.采用快乐教学方法

所谓快乐教学方法，是因乐施教的教育方法，课堂上始终充满欢乐愉快、轻松舒畅、和谐融洽、幽默喜悦的气氛，让学生感到音乐鉴赏过程是美的享受过程，以利于增加学生的学习兴趣。例如在讲授乐器的特性时，可以带一些乐器让学生参与演奏，还可以让学生用身边的用品，自制一些打击乐器，像沙锤、锣、碰铃、木鱼等乐器，让学生用自制的乐器演奏，在演奏和制作的过程中体会到学习音乐的快乐。

6.采用理论与实践相结合的教学方法

音乐理论是音乐审美的基础，掌握一定的音乐理论是学生提高审美层次的重要环节。因此，加强对非专业学生的音乐基础知识教育是非常必要的。只有具备一定的音乐理论知识，学生才能真正理解和感受音乐，才能走入音乐世界，进入音乐艺术的殿堂。应在音乐鉴赏课中适当增加音乐理论知识的讲解，如音乐的基本特征、音乐的表现手段、音乐的音响要素、音乐作品的结构、音乐作品的内容形式、人声的分类与组合、中西乐器的种类组合、聆听音乐的方法，等等，让学生通过欣赏和演奏音乐的实践，深入地理解音乐理论，从而提高自身的审美能力。

7.运用现代化的教学手段

随着人们音乐知识的丰富和音乐鉴赏水平的提高，音乐的推广工作也在不断出新，音乐书籍、音像制品、大大小小的音乐会、经典音乐系列片、电视台的戏曲频道、音乐频道、网络等资源，这些现代化的手段都为上好音乐鉴赏课提供了有利条件。大学开设公共音乐鉴赏课程，应充分利用这些有利资源，在大学校园网络中建立多媒体音乐教学平台，以幻灯、VCD、DVD、电脑、校园网络、宽带网、视频等现代化视听工具为媒体，制作音乐鉴赏多媒体网络课件，弥补传统教学手段单一的缺陷。学生可以在课余时间根据自身的需要及音乐水平，选择自己学习的内容。即节省了时间，又提高了学习效率，还克服了音乐鉴赏课程课时少的困难，可以说是一举三得。

以上介绍的教学方法不是单一存在和使用的，应根据作品和课堂教学的需要，因地制宜，灵活使用，往往在一堂课中需要使用几种教学方法，才能达到预期的效果。因此，需要教师不断探索和钻研，在教学实践中不断积累经验，使教学内容更加丰富，教学方法更加灵活多样，以满足学生学习音乐的需要。

音乐欣赏能力的养成，关键是要多听、多接触与多欣赏，并掌握基本的音乐知识，还要加强自身的文化修养，只有具备这些条件，才能提高音乐鉴赏能力和审美情趣，才能充分体会音乐作品的艺术魅力以及音乐作品中所蕴藏的深刻内涵。因此，音乐鉴赏课还需要不断丰富音乐鉴赏的教学内容，在教学实践中不断改进教学方法，充分调动学生学习的积极性、主动性，引导学生学会鉴赏音乐，分析音乐，提高他们的审美修养，促进大学生和谐、全面的发展。

参考文献：

[1]管建华.音乐的跨文化交流与多元文化音乐教育[J].中国音乐,2003,(1).

[2]胡君英.关于音乐鉴赏教学的一点美学思考[J].中国音乐教育,2010,(1).

[3]庞琳琳.初探我省普通高校音乐鉴赏课的教学模式[J].黄河之声,2009,(6).

[4]白陆平.音乐鉴赏[M].西安:陕西师范大学出版社,2007.

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[论文关键词]普通高校　音乐选修课　改革策略

近年来，我国部分高校成立专门的音乐教研室或艺术教研室，引进音乐教育师资，开设音乐选修课，将音乐教育课程列入正常的教学计划，但仍有多数高校没能引起重视。普通高校的学生音乐基础较差，原因在于城乡发展不平衡和中小学音乐教育过于薄弱。为了提高大学生的审美能力和鉴赏水平，增强集体主义精神和爱国主义热情，音乐选修课成为一个普通高校所面临的不可逃避的问题，亟须得到全社会的重视、研究与探讨。

一、开设音乐选修课的目的

根据全国学校艺术教育总体规划的要求，我国学校艺术教育的发展目标是：“在各级师范学校、学院，普通高校普遍设艺术选修课，为建设具有中国特色和时代精神的社会主义艺术教育体系打好基础。”普通高校以实施美育为目的，以素质教育为核心，通过设置音乐选修课面向非音乐类专业大学生开设文化素质教育这一途径，落实到具体的音乐教育形式。

(一)激发学生对音乐的兴趣，加强素质教育

音乐教育的终极目的是促进学生健全人格和健康个性的发展，促进学生全面发展，培育学生美好、和谐、完美的心灵，塑造学生完美的人格。这和素质教育的目标是一致的。所以，设置音乐选修课对于加强大学生的综合素质教育，提高他们的知识层次都有非常积极的作用。

(二)传播和推广中国民族音乐文化

一部优秀的音乐作品，不仅能给人以美的感受，还能激励人们去创造、去奋进，使人的精神境界得到升华。我国的音乐文化有着深厚的底蕴，是我国传统文化艺术的重要构成部分。音乐教育是中国先进文化的重要组成部分，学校是开展和传播先进文化活动的重要载体，通过优秀的中国民族音乐作品的鉴赏和健康向上的音乐教育，使大学生了解民族音乐文化，加深学生对社会生活的理解与认识，更能增加对中国传统文化的认同。能够坚守民族的优良作品，就是掌握立足于世界的武器。

(三)进行爱国主义教育

优秀的艺术集中和凝练了人类社会发展的历史和现实的经验与精华，体现了创造者对社会生活的理解，常常被人们誉为是“社会生活的镜子”。艺术教育和智育、德育在整个教育体系中是一个有机整体，但又各自有自己的特点。艺术教育在构建和健全人的审美心理结构的同时，又在陶冶人的性情，升华人的精神境界，塑造完整的个性，完善健康的人格，这是其他任何形式的教育所不能替代的。

二、开设音乐选修课的任务

(一)培养大学生的道德意识

音乐教育通过广泛的音乐活动，使人受到潜移默化的道德教育，使广大青年学生能够明确正确的人生观、价值观，培养他们积极健康的情感，摒弃消极腐化的情感，使情感、品格、情操都受到陶冶。通过艺术作品的丰富内涵，培养大学生感受现实美和艺术美的能力。众所周知，大学生们从高中校园步入大学学堂，他们将在这一阶段的学习和生活中树立起自身的价值观、世界观、人生观，作为教师应该给予正确的引导和启发，而音乐能将人和人生紧密联系在一起，培养情操，塑造人格。

(二)培养大学生的合作意识

在高校音乐教育教学中，不仅通过课堂教学培养学生的艺术情感，在教学实践中编排出大学生喜闻乐见的文艺节目，使学生在音乐实践中亲自感知和体验，以增强他们解决实际问题的能力，还要逐步由课内走向社会，扩大学生的视野，锻炼学生的组织能力和交际能力，培养学生的自主意识。通过组织集体排练、举行演出等一系列音乐活动，激发参与学生的热情，提高社会交往能力和协作配合的精神，增强个性与特长发展以及集体合作意识，有利于学生形成开朗的个性和良好的品质，为其将来适应复杂的人际关系和社会关系以及参与社会竞争奠定基础。

(三)培养大学生的创新思维

人脑是一个具有极大潜力的可塑体，音乐教育的许多技巧注重左右手协调完成从而促进左右脑的协调发展；另外音乐欣赏也是从右脑的想象、感知出发，从而与左脑协调，活化思维诱发灵感的一个过程。音乐是积聚灵感、催感、激活想象的艺术。当今世界科学技术和经济的飞速发展，向人们展示了这样一个现实，即人类的创造性活动推动了生产技术和经济腾飞，由此社会的发展也向高等教育提出了重视培养大学生创新思维的要求。众多事实证明，接受过良好音乐教育的人才，在社会主义现代化建设中普遍体现出成绩卓著、贡献突出的特点。

三、音乐选修课中的实践问题

(一)音乐选修课的教学观

建构主义是目前人类学习过程认知规律的重要理论，源自儿童认知发展的理论，认为学习摸索的过程是认知不断发展的过程，是通过与周围环境相互作用的过程，从而使自身认知结构得到发展。在认知提高的同时，困难也会伴随左右，这时认知的个体需要不断地适应认知结构数量的扩充和认知结构性质的改变，来达到与周围环境和谐相处。即通过同化和顺应不断变化的认知结构，在“平衡一不平衡一新的平衡”的循环中来达到与周围环境的平衡。在这个过程中，学习者认知结构将会得到不断的丰富、提高和发展。学生在新的知识学习摸索过程中，有些问题也许过于复杂烦琐，如果学习兴趣不浓厚，没有一定的主动性，可能就会放弃学习。因此，个体的主动性在建构认知结构过程中发挥着关键作用。在学习过程中只有主动地、坚定地不断寻找问题的解决办法，不断摸索，才能顺应新的平衡过程，与新的知识环境相适应，自身的认识才会提高。一些学者强调：在教学中，教学课题所处的社会文化历史背景对学习者认知过程也发挥着重要的推进、指引作用。可以说，建构主义理论在当前教学中有着较为重要的作用。

(二)音乐选修课的学习观

如何通过学习建构获得知识呢?建构主义学习理论认为，“情境”“协作”“会话”和“意义建构”是学习环境中的四大要素或四大属性，也就是说学习者在一定的情境即社会文化背景下应用原有的认知结构，通过自身积累的经验，来理解和建构新的知识。在摸索过程中，将不成熟的思考理论或问题，通过小组或其他方式协作交流，来深化确定新知识概念的理解，完成对原有经验的改造和重组，以及新知识的建构。在不断丰富经验后，能够灵活地建构起用于指导活动的图式，用于后续新知识的学习，可以说这是建构主义学习观。 转贴于

四、音乐选修课未来的发展战略

(一)音乐选修课的教学内容改革策略

1　音乐理论知识渗透于作品中。音乐理论知识与具体作品之间的关系永远存在，音乐分析所要努力的也许就是这两者之间的“动态平衡”。学习音乐知识并不是教师把自己的知识所得灌输给学生，而是通过音乐选修课的教学，通过音乐作品的解析、鉴赏逐步引导学生热爱音乐、掌握学习方法、培养创新精神和审美能力。音乐理论渗透在音乐作品中更加容易为学生所掌握，教学效果也更加突出。

2　多元文化知识的学习。在人类社会越来越复杂化，信息流通越来越发达的情况下，文化的更新转型也日益加快，各种文化的发展均面临着不同的机遇和挑战，新的文化也将层出不穷。我们在现代复杂的社会结构下，必然需求各种不同的文化来服务于社会的发展，这些文化服务于社会的发展，就造就了文化的多元化，也就是复杂社会背景下的多元文化。

3　多种音乐形式的学习。音乐的表现形式有很多，在教学过程中，教师通过系统、科学的教学，利用音乐选修课这样一个平台向学生传授多种音乐形式的音乐知识。在传授学生相关专业技术的同时，充分激发学生的艺术潜能与创造力，培养学生的综合艺术审美能力及艺术创作的多方合作能力。选修课中多种音乐形式的学习，可以使学生接触古今中外风格各异的经典之作。我们坚持中国风对高山流水心悦诚服，同时也对天鹅湖大加赞赏，因为所演奏的音乐作品是美的，因此学生们会在欢悦的音乐体验中，受到美的熏陶。的确，懂得音乐欣赏后，听音乐时就不会听听就算了，就会回味每个韵律和每首曲子背后感人的故事，这样学生的记忆能力和理解能力将会得到很大提高。

4　实用性学习。实用性学习主要指合唱指挥、作曲、现代舞、街舞、韵律操等课程的学习，这些内容的学习可以锻炼学生的实践表演能力，培养学生的乐感、节奏感，开发学生的想象力、创作力，训练身体协调性，塑造良好的形体形象，使学生的整体音乐修养得到有效提高。而且使学生在生活学习中具备了更多的表演、表现形式，使学生的综合技能得到锻炼和提高，从而达到教学与实践相结合的教学效果。

(二)音乐选修课的教学方法改革策略

教学方法是教学过程中教师和学生为了实现共同的教学目标，完成共同的教学任务，在教学过程中运用的方式与手段的总称。教学方法存在以下特点：体现了特定的教育和教学的价值观念，它指向实现特定的教学目标要求；受到特定的教学内容的制约；受到具体的教学组织形式的影响和制约。

1　演示法。教师展示实物、教具，进行示范性实验，或通过现代化教学手段，使学生获取知识的教学方法。演示法常配合讲授法、谈话法一起使用，它能够提高学生的学习兴趣，发展观察能力和抽象思维能力。随着社会科学和现代技术的发展，演示手段日益繁多。根据演示材料的不同，可分为实物、标本、模型的演示；图片、照片、图画、图表、地图的演示；实验演示：幻灯、录像、录音、教学电影的演示等。

2　辅导鼓励法。辅导鼓励法是以学生自学教材或课外材料为主、教师鼓励为辅的一种教学方法，其目的是帮助学生逐步养成良好的自学习惯，培养学生以自学能力为核心的各种能力，从而提高学生的综合素质。知识在训练中掌握，能力在训练中提高。辅导鼓励教学的重要因素之一就是培养学生在教师辅导鼓励下的自练、自检能力。所谓自练，就是自己依据教学目标去做练习，不依赖教师与他人督促。而自检，则是自己进行自测并核对答案，找出存在的毛病及出现毛病的原因，从而加以改正，使之正确、规范。

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关键词：信息技术；音乐教学；音乐本体；starC教学平台

中图分类号：G434 文献标识码：A 文章编号：1673-8454（2014）15-0032-05

信息技术的不断发展，为音乐课堂教学的创新与发展提供了基础和可能。音乐教育是基础教育的组成部分，是实施美育的重要途径，对于陶冶情操、培养创新精神和实践能力、提高文化素养与审美能力、增进身心健康、促进学生德智体美全面发展，具有不可替代的作用[1]。相对于传统音乐课堂教学模式，现代信息技术的多媒体集成所具有的声音、画面的动态呈现功能，能为音乐课堂教学提供更为灵活、生动的传送系统。利用现代信息技术捕捉流动的音响素材、定格音乐的瞬间进行细致全面的分析，同时提供直线式和分支式的教学方案，为音乐学习个性化互动的特殊要求提供多样的解决方案，能弥补当前音乐课堂教学模式存在的诸多缺陷。

我国教育部2011年版的《义务教育音乐课程标准》（新课标）在第四部分的“实施建议”中明确提出，要“合理运用现代教育技术手段”和“提倡开发多媒体教学辅助软件”以提高音乐课程的教学质量和教学效果[1]。合理利用先进的信息技术来支撑和实现音乐教育的内涵，已成为当前音乐教育的必然发展趋势。深入探索使用信息技术创新音乐教学方法的研究，并在此基础上探索出适合于不同教学环境的音乐课堂教学模式和平台，对我国未来中小学音乐教育模式的发展显然具有十分重要的理论意义和实际应用价值。

一、信息技术与音乐教育相结合的国内外现状

教学与计算机技术结合始于美国心理学家普莱西（S. L. Pressey），其于1924年设计了配合程序教学的教学机器。20世纪50年代后期，随着计算机技术的发展，著名心理学家、行为主义学习理论创始人斯金纳（B. F. Skinner）把动物实验的操作条件反射和强化理论应用于教学，再次提出了程序教学的建议。由此程序教学开始被尝试应用于音乐教学之中，并逐渐渗透到音乐教学内容的许多方面，如乐理、视唱、练耳、作品分析及表演技术的训练。20世纪60年代初，在美国科学基金会的资助下，伊利诺大学开始研制自动教学操作程序逻辑系统（PLATO），并从1969年起将音乐软件的制作纳入到该系统之中。20世纪80年代，随着 MIDI（Musical Instrument Digital Interface）音频技术和数字化音色采样技术的不断发展，数字化音频制作技术，音频信号数字化采样技术以及新型电子乐器的产生，标志着音乐艺术开始进入数字化发展阶段。新的技术改变了音乐艺术传统的教育、创作以及传播模式，出现了许多专业从事制作音乐教学软件和设备的计算机公司，美国一些高校也相继开设了计算机音乐教学课程，内容以中小学音乐教学软件的评价和应用为主。在中小学及幼儿园，包括音乐在内的计算机辅助教学已基本成为美国学校课程的组成部分[2]。

我国开展数字化音乐教育研究较晚，直到1987年，中国音乐学院才首次提出了艺术高校推进数字化音乐教育的方针和原则。进入20世纪90年代后，随着计算机技术与MIDI技术的融合发展，传统的音乐教育模式受到了数字音乐技术更大的冲击和挑战。面对不断成熟的软件技术和数字信息技术，我国音乐教育界逐渐认识到数字化音乐教学的发展趋势已不可逆转，由此越来越多的综合性大学开始开设数字音乐专业，并配备以先进的数字音乐课堂、数码钢琴集体课教室、数字录音室、音频制作室等。此外，许多综合性大学、中小学的音乐教师受到其他学科与数字技术紧密结合的启发，积极地将现有的数字音乐技术与课堂教学相结合，创新性地将各种音乐制作软件融入到了课堂教学之中。比如使用Sibeilius、Overture等曲谱制作软件进行乐理和声课程的教学；使用Sonar、Cubase、Nuendo等音频软件进行配器、作曲的教学；使用Aurelia、Ear Master fissional 软件进行视唱练耳教学等等[3，4]。

此外，也有一些音乐教师在音乐教学实践的基础上发表了大量基于数字化音乐软件进行课堂教学的研究论文，并在此基础上提出了关于数字化音乐教学模式的设计发展方案。例如，杨建提出了音乐表演实践研究的计算机可视化音响参数分析方法，并指出经过高斯窗（Gaussian Window）算法平滑处理后的速度曲线、力度曲线和微观律动曲线等计算机辅助的可视化分析能够很好地凸显音乐演奏中十分重要的有机连贯性和分层结构等与艺术构思紧密联系的音响参数特征[5]。这种“可视化”分析的设计能以最直观的表现形式，帮助学生从宏观的角度来观察音乐创作的整体结构以及演奏风格的变化，有利于音乐专业的教学实践从过去带有很强的主观性和经验性的教学向目标明确、数据严谨、论证充分并有着良好认知反馈的数字化教学模式过渡。而徐登峰则综合现有的数字信息技术和已有的音乐软件提出了数字技术支撑下的音乐课堂教学、课后练习、相关音乐知识拓展三个环节的立体设计方案[6]。

这些探索充分地说明，我国信息技术融入音乐课堂的理论与方法研究已由最初的专业化数字音乐教育研究转到数字化教学模式如何与音乐课堂教学相结合的教学实践研究阶段。但是，在技术的发展推动教育模式转变的同时，我们也应该清醒地认识到，技术本身并不能解决所有的教学问题，若要真正借助信息化数字技术改变传统教学模式、提高教学效果，研究关注重点应该是如何将现有技术更充分地应用于教学过程中，做到有计划、有组织、有目地的对教学信息传递、互动过程进行科学合理的教学设计，使其符合音乐课堂教学的规律和特点，有效实现预定的教学目标，从而更快更好地实现音乐课堂教育模式从传统的教学模式向数字化、信息化教学模式的转变。

二、我国基础音乐教育现状及其存在的问题

学校是音乐教育的重要基地，基础音乐教育是音乐教育的重要组成部分。基础音乐教育的目标在于通过音乐课程的教学，培养学生的音乐审美能力。

1.我国传统的音乐教学模式及其现状

音乐学科的特殊性决定了其课堂教学所面临的复杂性。目前，我国基础音乐课堂的教学模式可分为大班教学、小班教学以及“一对一”教学三种模式。其中，大班教学模式占据着主体地位，而其它两种教学模式较为少见，仅在经济较发达地区得以实现。音乐教学质量与师资配比密切相关，“一对一”授课质量最高，小班次之，大班最差。随着我国音乐教育事业的发展，国家对音乐学科本体价值的认识也由其仅作为“美育教育的手段”而逐渐转变为对音乐学科本位价值的重新发掘，并提出通过信息教育技术的发展改变传统音乐教学现状的新要求。在这种发展趋势下，按照目前我国中小学普遍采用的传统型的音乐教学模式，在具体的课程实施过程中仅仅依靠教师讲解、范唱、教唱、组织学生合唱、合奏、钢琴伴唱等形式难以全面生动地展示音乐课程设计的全部意图，更难以在教与学的互动中实现较好的音乐训练效果。音乐的动力来自于时间的流转，传统的聆听和语义讲解很难帮助教师在课堂教学中实时针对不断流动的声音，为学生建立一个正确的捕捉声音规律的途径，启发学生找到音乐进行的动静之法、流动之规、和音之律。音乐转瞬即逝的艺术呈现特点不仅容易导致教师在课堂教学中无法兼顾宏观与细节的讲解关系，而且还使得教师无法为学生提供一个具象的呈现分析方式，导致课堂教学中教师只能采用模式化、语义化的音乐欣赏似的讲解来实现学生对音乐本体的理解和掌握，而缺乏宏观与细节的综合解析，导致学生常常不是陷入到过度依赖语义化支撑的音乐审美中，就是陷入到毫无头绪的音乐曲目的听赏堆积中。以我国现有传统音乐课堂教学模式和有限的师资及教学经费，大班教学在实现音乐本体教学中的识谱、视唱、听音环节的教学就已困难重重，至于声乐、器乐、音乐编创能力的实践教学要求则更是无法获得有效的落实。

2.基础音乐教育中音乐本体教育缺失的问题

长久以来，与其他学科教育相比，音乐教育所受到的重视程度及课程的推进考核程度一直相对较弱。究其原因，一方面是由于音乐课程为非统考科目，长期受到应试教育的挤压，音乐教学被排斥在应试学科之外，得不到根本的重视，成为“被遗忘的角落”[7]；另一方面，人们常常忽视了音乐“本体教育”的价值，而过分强调音乐的“非本体”价值，从而导致音乐教育失去了原有的价值和意义。

在一般的音乐理论表述中，所谓“音乐本体”，通常是针对“音乐形态”而言，即音乐作品构成中的各种音响元素，它包括节拍、节奏、音高、音色、旋律、速度、力度、调式、和声、曲式、复调、配器等音乐元素[8]。即使是在有着良好音乐教育传统的西方国家，音乐的“非本体”价值，即音乐能够实现音乐“本体”以外的功能，也常常凌驾于音乐教育的“本体”价值之上，而成为人们关注的重点。如1838年，美国学校音乐教育之父卢尔・梅森之所以能够成功地将音乐课程引入到波士顿学校的课程教学中，是因为他提出了大量证据让波士顿教育委员会相信音乐课程具有能培养记忆力、注意力等智力因素，有助于让人们保持幸福感、愉悦感；并有利于身体健康等[9]。沃尔夫则通过研究得出音乐教育具有克服口吃的功效，其有效率高达92%[3]。此外，还有研究者指出音乐教育具有提升学生的合作能力、表达能力，增强学生的表演欲望等功效。这些音乐学科“非本体”能效的研究在为音乐学科的存在提供更多合理性解释的同时，也弱化了音乐“本体”教育的必要性和科学性，使音乐学科“本体”教育的独立性和完整性由主导地位颠倒至从属地位，甚至出现了“音乐审美的培养是可以在脱离‘音乐本体’的前提下进行的”这一错误的观念。

事实上，正确的音乐学科教育体系，应是建立在音乐本体学习基础上的审美能力的培养。音乐本体学习是实现音乐的潜在意义与人的审美认知、审美情绪之间不可或缺的中介。如果没有必要的音乐学习，音乐的应有意义就不能通过对其应有的感知、思维、想象以及综合体验，在听赏者那里得到足够和充分的实现，成为现实意义[10]。所以，科学有效的音乐学科教育应该立足于音乐本体的教学与长期有效的实践与练习。随着信息技术与学科融合的不断深入发展，应将信息技术引入到现行的音乐课堂教学中来，针对音乐学科教学的特点和教学需求研发出操作便捷、交互性好的数字化音乐教学工具，并在此基础上提炼出更符合时代需求并代表未来发展方向的新的音乐教育教学模式，以解决当前音乐教育模式中存在的不足，提升音乐本体教学效率和效果，扩大音乐本体教育的覆盖面，促进我国音乐学科向更为科学、合理的方向发展。

三、基于信息技术的音乐教学应用研究

信息技术能为音乐课堂教学提供声图并茂、视听并举的教学环境，帮助教师在有限的课堂教学模式下，最大限度地激发学生对音乐的学习兴趣，提高音乐课堂教学质量，凸显音乐本体教育的价值，实现学生学习方式和教师教学方式的根本转变。传统音乐本体教学的难点在于，如何通过静态的曲谱为学生讲解音乐动态的变化规律。使用一些曲谱编辑软件和音频编辑软件如Sibeilius、Cubase进行音乐课堂教学，虽能给教学带来很多便利，但由于这些软件并非为课堂教学所设计，因而不能满足音乐课堂灵活多变的教学需求。

starC是一个云端一体化的课堂教学平台，具有云、端无缝对接、资源双轨展示、资源关联展示、基于活动的教学、移动授课等功能。提供多种课堂交互方式，支持多种教学资源同时呈现，提供丰富的学科教学工具等。目前，在starC教学平台上针对中小学音乐课堂教学的数字化音乐课堂教学工具（如图1所示），为信息化技术与音乐课堂教学的结合打下了良好的基础，并为信息技术融入音乐课堂教学提供了思路和借鉴。

starC教学平台上的数字化音乐课堂教学工具，可以很好地完成音乐构成原理的分类解析。该教学工具所具有的曲谱与音响同步功能，即动态曲谱“所见即所听”的功能，能够很好地支持对节奏、音高、音色等这些具象化的音乐本体组成元素的解析。教师可根据教学所需，设计不同的音乐片段和音符动态呈现模式。动态曲谱能支持教师对每一个音符、每一个节奏型的变化进行细致的解析。所有的讲解和举例过程，都能支持点击发音，使学生能直观地看见并听见音高或节奏变化的形态和音响，亲身感受曲谱和音乐之间的密切联系。此外，数字化音乐课堂教学工具还具有音乐曲谱的实时编辑功能。通过修改音高、节奏、和声配置等各种音乐的组成元素，使谱面和音响产生联动变化，从而有效地帮助学生了解音乐创作中各种音乐元素的组合规律及其变化对音乐风格、音响色彩的影响。该工具不仅极大地方便了师生的教与学，也很好地满足了音乐课堂对教学互动与实践参与的特殊要求。不仅如此，该工具还支持动态曲谱的自定义播放，包括光标跟随、在任意指定区域播放、循环播放、实时变速播放等，特别适用于曲式分析讲解时不同主题的分析讲解。同样，教师在对动态乐谱进行讲解时，不但可以设置乐谱的实时播放，也可以对乐谱的播放进行对比修改，如增加或减少旋律反复播放的次数、改变乐句播放顺序等，从而帮助学生从全局的角度观察音乐作品的乐句结构。还可以通过改变旋律的调性、速度，帮助学生了解调式概念。数字化音乐教学工具所开发的这些支持实时变化的功能，可以不断为学生创设新的音乐情景，支持学生在动态的环境中探索音乐本体变化的规律和方法，为学生音乐创作提供思路和实践经验，使其真正体验深度参与音乐的乐趣，激发学生对音乐本体知识的求知欲。

随着赏析作品的复杂性增强，在赏析大型交响乐作品时，可以通过starC平台提供的电子双板教学工具来调用Cubase、WaveLab等大型数字音频编辑软件，借助这些音频软件的部分功能，更好地帮助教师进行音乐作品配器技巧的解析教学。

（1）Cubase的虚拟乐器功能可以完美地模拟多种乐器的演奏技法、音色特点及音域范围，并为每一种乐器分配一条波形轨道。当需要对某一乐器的音色特点、演奏技巧、在全局音乐中的地位进行具体分析时，教师可以同时调出该乐器音轨的音波形态、动态曲谱、钢琴卷帘窗以及各种表情曲线，为其讲解提供更为多元立体的对比素材（如图2所示）。

（2）Cubase的虚拟乐器具有灵活的多轨编辑与编组功能。在虚拟乐器的波形轨道中，各个音轨相对独立，所播放的音乐都是可以进行任意编组、独奏或齐奏的，并支持曲谱、波形、钢琴卷帘窗多种展示界面。教师可以根据不同的教学需要选择不同的展示界面。

在演示完整个作品之后，教师还可以鼓励学生大胆地对分离出来的各个音轨进行个性化的组合尝试。如随机抽取不同音轨重新编组播放，改变原有音乐的乐器配置，减少或增加其它乐器音色，改变节奏、速度等等。所有的改变都能及时地在图形、谱面以及音响效果上体现出来。借助编组功能，学生可以轻松地参与到配器的学习实践中来。通过音频编辑软件让学生参与配器实践，能帮助学生在没有器乐学习基础的前提下，变枯燥的字面解析为活泼生动的实践参与，让学生对各种乐器的音色特点、演奏技法、最佳音域等关键知识点获得身临其境的学习效果。

（3）音乐作品力度结构分布的教学解析。以法国著名作曲家莫里斯・拉威尔（Maurice Ravel）《波莱罗舞曲》为例，《波莱罗舞曲》是中小学音乐欣赏课比较经典的课例。该作品旋律主题清晰，节奏主题简洁，配器手法丰富，是一部管弦乐配器的“百科全书”。在这部作品中，乐曲的力度分为pp、mp、mf、f、ff六个等级。例如，乐曲开始处各声部均为pp，经过五次力度的递进达到结尾处的ff，这种阶梯式递进的表达形式独树一帜，成为该作品最与众不同的特点之一。力度直接与响度产生关系，而对于响度的把握正是数字音频技术最容易把握的部分，同时也是数字音频技术能够准确量化的部分。

运用WaveLab软件的3D频谱分析功能，通过对音频的计算分析生成3D图形，更生动的展示乐曲的频率变化和动态分布（如图3所示）。图形的横轴（X）为频率，纵轴（Y）为时间，空间轴（Z）为该点平面位置上的声音能量，颜色越深代表该点频段上的能量越大。如此一来，借助直观形象的3D波形图，学生们就能很快地了解整体音乐作品的力度布局了。

结束语

信息技术的发展为我国中小学的音乐课堂教学提供了更好的学习环境与技术支持，与传统的音乐课堂教学模式相比，信息技术环境下的音乐教学变得更为生动、直观，信息量更大，互动性更强，并实现了个性化的音乐教学。信息技术，特别是教育信息技术的不断发展和进步，为信息技术融入音乐课堂的教学方法、教学内容和教学模式的创新带来了新的机遇与挑战，依托学科教育平台研发的数字化音乐教学工具也为音乐学科教育提供了更为广阔的发展前景。如何能更好地将音乐教学与日新月异的数字化技术进行融合并探索出适用于我国中小学音乐本体教育的教学方法和教学模式，使教师和学生都受益于信息技术的发展，仍有待音乐教育工作者们在理论创新与教学实践中不断探索和研究。

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